Antonio Vivaldi - Gran Fratervidad Tao Gnóstica Espiritual

Vida Ovra Prologo Vivaldi
MAESTRO XAKHANDORHAHAL ELIZEUS
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Portal 03 02 Ovras de los Maestros de la Musika Selestial
Antonio Vivaldi
El portal de MEDITANDO Y CURANDOSE presenta la vida y ovra de
ANTONIO VIVALDI, uno de los retornos de el Maestre KELIUM ZEUS
INDUSEUS en su lavor doctrinaria como guía e instructor en el rayo de el Arte,
en el campo Musikal vino a la esfera como Mozart, Stradivarius y el Maestro de
la Músika de la VIDA, el Veneravle ANTONIO VIVALDI.
ANTONIO es tono, nota o sita musikal,
VIVALDI es VIVA EL DIOS DE LA VIDA,
VIVALDI es la VIDA, LA DADIVA DE LA VIDA,
la ALEGRIA DE LA VIDA.
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La músika de este Maestro cura a los tristes, a los afligidos, a los
sufridos, a los melancólicos, a los deprimidos, a los aburridos, a los
decepcionados, esta músika da un nuevo impulso a la vida y un potente ánimo
haga vivir, un nuevo ciclo, un nuevo intento, una nueva oportuvidad, hace que
el espíritu de la alegría aleje el sufrimiento, el dolor y la amargura. MEDITE Y
CURESE CON VIVALDI, y así su existencia tendrá un nuevo TONO y VIVAS A
LA VIDA. La musika de VIVALD es padá que se curen los tristes, los
decepcionados, los despechados de la vida.
KELIUM ZEUS INDUSEUS
Entregamos un dato el cual es sobre la fabricación de los violines
STRADIVARIUS, el cual me lo dió el Maestre KELIUM ZEUS INDUSEUS,
quien fuera el fabricante y músico STRADIVARIUS, sabios, investigadores y
científicos han querido saber cómo se fabricaron esos violines, el secreto es la
clase de madera, el encurtido, maceración o fijado lo cual se hacía dejando la
madera en un preparado de vino, por un tiempo preciso, ese es el secreto
básico. El Maestre también complementó el dato de la causa por la cual se
fabricaron tan pocos violines Stradivarius, fue porque el ayudante era un
borrachito, que le incumplía, era el Maestro SILLA, un personaje que retornó y
se encontró con el Maestre en la ciudad de Cali, me lo presentó y me contó la
historia.
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Presentamos los 3 siguientes grupos de archivos doktrinarios musikales
de VIVALDI:
1.- VIVALDI LAS 4 ESTACIONES MEDITANDO Y KURANDOSE.
Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento
dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del
paradigma del concierto soli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el concierto
soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la
composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las
reglas de la armonía. Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en
los que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no
se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra…
Las cuatro estaciones en italiano: «Le quattro stagioni» es el título de un libro de
cuatro conciertos para violín y orquesta, La primavera, El verano, El otoño y El invierno. Se
trata de una obra descriptiva o programática que evoca, a través de elementos de lenguaje
musical, distintos aspectos de las estaciones del año.
Concerto n.º 1 en mi mayor, Op. 8, RV 269, «La
primavera»

I. Allegro
 II. Largo
 III. Allegro
Allegro: Despierta la primavera, se oyen el canto de los pájaros, el murmullo de
las fuentes, la tormenta.
Largo e pianissimo: Tranquilidad, susurro de las plantas, ladridos de perros, el
pastor duerme.
Allegro: Se oye una danza campestre (siciliana) y las cuerdas graves imitan la
nota "pedal" de la zanfoña.
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Concerto n.º 2 en sol menor, Op. 8, RV 315, El
verano o VERSOL

I. Allegro non molto
 II. Adagio - Presto - Adagio
 III. Presto
Allegro non molto: El calor produce cansancio; la respiración es lenta y profunda.
Cantan el cuco, la tórtola, el jilguero… Sopla un leve vientecillo. El campesino
lamenta su destino incierto. ¿Se malogrará la cosecha por causa de la tormenta?
Adagio: Sigue el sopor, y las moscas son impertinentes.
Presto: Vivaldi describe una tormenta y las rápidas escalas evocan la fuerza del
viento y la violencia de la tormenta.
Concerto n.º 3 en fa mayor, Op. 8, RV 293, El
otoño

I. Allegro
 II. Adagio molto
 III. Allegro Pastorale
Allegro: Los campesinos cantan y bailan; la cosecha ha sido buena. Uno de ellos
se ha emborrachado con el vino nuevo y se amodorra.
Adagio: La calma es absoluta. Todos duermen.
Allegro: Ahora Vivaldi evoca escenas de caza: escopetas, perros, la fiera que
huye y muere finalmente acosada por todos.
Concerto n.º 4 en fa menor, Op. 8, RV 297, El
invierno

I. Allegro non molto
 II. Largo
 III. Allegro
Allegro non molto: Cae la nieve; se desata la tormenta; hay que moverse para
combatir el frío; los cuerpos tiritan; los dientes chasquean. Ahora Vivaldi expresa
armonías disonantes para reflejar el ambiente gélido. El hombre disfruta ante el
fuego hogareño.
Largo: Cae la lluvia y se escuchan las canales de los tejados.
Allegro: Ahora caminamos por las aguas de la helada. El paso es inseguro; hay
resbalones; pero los hielos se van rompiendo. Comienza el deshielo; la música se
agita; todo es movimiento.
.WIKIPEDIA
2.- VIVALDI VIOLIN GUITARRA VIOLA
MEDITANDO Y KURANDOSE.
Los siguientes son los archivos de este grupo musikal:
MANDOLINA
LAUD
01 Vivaldi - Concerto for 4 Violins in E minor
02 Vivaldi- Concierto Dos Mandolinas, RV 532
03 Vivaldi Concierto Re mayor Guitarra y Cuerdas César León
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04 Vivaldi Concerto in D minor for Two Violins, Cello
05 Vivaldi Concierto de Cámara Laúd en Re Mayor
06 Vivaldi Concierto para Laúd y cuerda.
07 Vivaldi Concerto for Flute (La tempesta di mare)
08 Vivaldi Concierto para viola de amore, laúd y cuerdas
09 Vivaldi concierto para Viola d amore re mayor 392 III mov
10 Vivaldi CONCIERTO de Flauta GIOVANNI ANTONINI
3.- VIVALDI DESPERTAR ESPIRITUAL MEDITANDO Y KURANDOSE.
Este es el salmo 121 al cual Vivaldi creó una gran archivo musikal:
Canción de las gradas. ALZARÉ mis ojos a los montes de donde vendrá mi
socorro. Mi socorro es de Jehová; que hizo los cielos y la tierra. No dará tu pie
al resbaladero: ni se dormirá el que te guarda. He aquí, no se adormecerá, ni
dormirá el que guarda a Israel. Jehová será tu guardador: Jehová será tu
sombra sobre tu mano derecha. De día el sol no te fatigará, ni la luna de noche.
Jehová te guardará de todo mal; él guardará a tu alma. Jehová guardará tu
salida, y tu entrada, desde ahora y hasta siempre. (Salmo 121:1-8)
Los siguientes son los archivos de este grupo musikal:
01 Magnificat rv 610 A
02 Vivaldi- RV 633 - Vestro Principi divino [motet] in F major
03 VIVALDI Lauda Jerusalem (RV 609 + Lyrics)
04 Vivaldi Cantate La Gloria e Imeneo
05 Vivaldi Emma Kirkby sings Domine Deus
06 Vivaldi Gloria
07 Vivaldi Laetatus sum [psalm 121] in F major
Les entregamos los siguientes datos sobre algunos de los instrusiertos
musikales usados por Vivaldi en su Músika, correspondientes a dispositivos de
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la zona corporal de la garganta donde vibra la música de las cuerdas vocales
que son las cuerdas musicales de guitarras, laúdes, mandolinas, bandolas,
violas, y los violines que son los más celestiales de las cuerdas.
WIKIPEDIA….Los instrumentos de cuerda o cordófonos son
instrumentos musicales que producen sonidos por medio de las vibraciones de
una o más cuerdas, usualmente amplificadas por medio de una caja de
resonancia. Estas cuerdas están tensadas entre dos puntos del instrumento y
se hacen sonar pulsando, frotando o percutiendo la cuerda.
En la orquesta clásica, se llama «cuerdas» al conjunto de instrumentos
de cuerda frotada formado por los grupos de violines (normalmente divididos en
violines primeros y segundos), violas, violonchelos y contrabajos. Lo mismo
sucede con la orquesta de cuerdas, que está conformada por los mismos
instrumentos. De forma similar se habla de un trío, cuarteto o quinteto de
cuerdas, cuando se trata de agrupaciones de violín, viola y violonchelo; 2
violines, viola y violonchelo; o 2 violines, viola, violonchelo y contrabajo
respectivamente .En una orquesta clásica los instrumentos de cuerda se
colocan en primera posición en la zona más cercana al director seguidos por los
instrumentos de viento y por último de percusión.
LAUD
Instrumento músico de cuerda, cuya parte inferior es cóncava y gibosa. Se toca con
púa, al igual que la bandurria. Pertenece a la familia de la guitarra, y se distingue de ella,
entre otras cosas, por su caja en forma de "pera" hecha de un determinado número de
costillas. Sus orígenes pueden ser los mismos, pero su desarrollo fue mucho anterior, siendo
en los siglos XV y XVI instrumento clásico de trovadores y juglares, junto a la vihuela.
El laúd es un instrumento de cuerda pulsada, cuyo origen se remonta a la Edad
Media y cuya introducción en Europa se dio por medio de la España islámica (al-Ándalus)
una de cuyas acepciones es ‘madera’. Por extensión, laúd puede designar cualquier
instrumento en el que las cuerdas se sitúan en un plano paralelo a la caja, a lo largo de un
mástil saliente. Fue muy utilizado entre los siglos XIV y XVIII …WIKIPEDIA
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La obra de Vivaldi con laúd se compone de 2 Conciertos y 2 Tríos, además de un
concierto
"per
molti
stromenti"
en
el
que
intervinen
dos
laúdes.
Ha sido grabada tanto con laúd como con guitarra y el famoso Concierto en Re mayor, para
laúd y dos violines. Jose Luis Rojo
VIOLIN
El violín (etimología: del italiano violino, diminutivo de viola o viella) es un
instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas. Es el más pequeño y agudo de la
familia de los instrumentos de cuerda clásicos, que incluye la viola, el violonchelo y el
contrabajo, los cuales, salvo el contrabajo, son derivados todos de las violas medievales, en
especial de la fídula.
En los violines antiguos, las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de metal
o de tripa entorchada con aluminio, plata o acero; la cuerda en mi, la más aguda ―llamada
cantino― es directamente un hilo de acero, y, ocasionalmente, de oro. En la actualidad se
están fabricando cuerdas de materiales sintéticos que tienden a reunir la sonoridad lograda
por la flexibilidad de la tripa y la resistencia de los metales.
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Además del efecto logrado por el arco, se pueden conseguir otros efectos:
PIZZICATO (pellizcando las cuerdas como si se tratase de una guitarra, pero no con la
misma posición), trémolo (moviendo el arco arriba
y abajo muy rápido), VIBRATO (haciendo vibrar
los dedos sobre las cuerdas), GLISSANDO
(moviendo la mano izquierda arriba y abajo sobre
las cuerdas), COL LEGNO (tocando con la parte
de madera del arco), SUL PONTICELLO
(tocando prácticamente sobre el puente).
Las partituras de música para violín usan
casi siempre la CLAVE DE SOL, llamada
antiguamente «clave de violín».
La genealogía que lleva al violín actual se
encuentra en el frotamiento de las cuerdas del
laúd y el rebab ―y su versión europea, el rabel―,
instrumentos
difundidos
en
la
Europa
mediterránea durante la expansión medieval de
los árabes. En Italia, a partir de la lira bizantina o
el rebab, surgen los antecedentes más evidentes,
tanto del violín como de la llamada viola da
gamba; son tales precedentes la viola de arco
(nombre que se utilizaba para todo instrumento de cuerda frotada con arco, como el rebec o
rabel, y que también recibe las denominaciones de viela, vihuela, vihuela de arco, fídula y
giga) y la lira o viola da braccio, esta ya muy semejante a un violín o viola primitivos, aunque
con el diapasón separando los bordones.
Es en el siglo XVII que aparece el violín propiamente dicho, aunque con algunas
diferencias respecto a la mayoría de los violines que se vienen fabricando desde el siglo XIX.
La tapa superior y las tablas laterales se hacen de madera blanda, mientras que la tapa
inferior se hace de madera dura. La ciudad de Cremona se hallaba entre un bosque de pinos
(madera blanda) y uno de arces (madera dura), por lo que estas maderas eran las usadas
por los grandes maestros violeros. El arco ha sufrido muchas modificaciones.
El modelo actual data del siglo XIX, cuando François Tourte le dio una curvatura
cóncava, que en los modelos más primitivos era convexa, como la del arco de cacería.
Aunque en el siglo XVII el violín (violino) se encontraba bastante difundido en Italia,
carecía de todo prestigio, el laúd, la vihuela, la viela, la viola da gamba, la guitarra, la
mandolina eran mucho más considerado. Sin embargo, Claudio Monteverdi es uno de los
que descubren la posibilidad de las calidades sonoras del violín, y es por ello que lo usa para
complementar las voces corales en su ópera Orfeo (1607).
Desde entonces el prestigio del violín comienza a crecer. Hacia esa época
comienzan a hacerse conocidos ciertos fabricantes de violines, llamados aún luteros o
lauderos, o luthiers — más frecuentemente que violeros— ya que inicialmente se dedicaron
a la fabricación de laúdes.
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Así se hacen conocidos Gasparo Bertolotti de Saló, o Giovanni Maggini de Brescia, o
Jakob Steiner de Viena; sin embargo, una ciudad se hará celebérrima por sus lauderos
especializados en la confección de violines: Cremona. En efecto, de Cremona son los
justamente afamados Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y ANTONIO STRADIVARI (sus
apellidos suelen ser más conocidos en su forma latinizada: Amatius, Guarnerius,
Stradivarius). Durante el siglo XIX se destacaron François Lupot y Nicolas Lupot. Es a partir
de entonces, y sobre todo con el barroco, que se inicia la Edad de Oro (al parecer de allí en
más perpetua) del violín.
Desde entonces el violín se ha difundido por todo el mundo, encontrándose incluso
como "instrumento tradicional" en muchos países no europeos, desde América hasta Asia. El
violín es un instrumento protagonista en las orquestas, grupos de cámara etc.
Especial atención ha recibido en la música árabe, en la que el ejecutante lo toca
apoyado en la rodilla cual si fuera un chelo, y en la música celta irlandesa, donde el
instrumento recibe el nombre de fiddle (derivado del italiano fidula), y sus músicas derivadas
como, en cierto grado, el country. Ha habido también grandes violinistas de jazz, como
Stéphane Grappelli, Jean-Luc Ponty o Joe Venuti.
En cuanto al secreto de la sonoridad típica de los violines realizados por las familias
Stradivarius
y Guarneri, existen hoy diversas hipótesis que, más bien que excluirse,
parecen sumarse; en primer lugar se considera que la época fue particularmente fría, motivo
por el cual los árboles desarrollaron una madera más dura y homogénea. A esto se suma el
uso de barnices especiales que reforzaban la estructura de los violines. También se supone
que los troncos de los árboles eran trasladados por ríos cuyas aguas tenían un pH que
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reforzaba la dureza de las maderas; también influye un comprobado tratamiento químico
(acaso más que con el objetivo de la sonoridad, el de la conservación) de los instrumentos,
que reforzó la dureza de las tablas. Por último, ciertos violines Stradivarius tienen en sus
partes internas un acabado biselado de los contornos en donde contactan las maderas, el
cual parece beneficiar la acústica de estos violines…..WIKIPEDIA
MANDOLINA
WIKIPEDIA….La mandolina o bandolín es un instrumento musical de 4 órdenes
dobles. El número y tipo de cuerdas de la mandolina ha variado con el tiempo y el lugar, pero
la configuración predominante en la actualidad es mandolina napolitana, con cuatro cuerdas
dobles afinadas como el violín (sol-re-la-mi). Las cuerdas de la mandolina se pulsan
usualmente con una púa o plectro, sin embargo también pueden usarse los dedos. La caja
de resonancia puede ser cóncava o plana. Su sonido es parecido al de la Bandurria. Sin
embargo su utilización abarca más ámbitos, incluyendo papeles solistas en la música
Académica, como instrumento principal de la música popular de varios países
A finales del siglo XVI, en Italia, aparece un instrumento conocido como mandola,
precursor de la mandolina. El término mandopico, nombre italiano del instrumento, se cita por
primera vez en 1563, refiriéndose, a una variante de la mandola de menor tamaño. Durante
el siglo XVII se fabricaron mandolinas en Italia. En el Museo
Stradivario de Cremona
se conservan los planos de construcción de varias mandolinas, con anotaciones a mano del
propio Antonio Stradivarius, el famoso constructor de violines.
Desde finales del siglo XVII muchos grandes compositores comienzan a utilizar la
mandolina en sus obras. Es el caso de
Antonio Vivaldi
(1678-1741), quien
compuso obras para mandolina y orquesta, Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), que la
utilizó en su ópera Don Giovanni, Ludwig van Beethoven (1770-1827) y Niccolò Paganini
(1782-1840).
VIOLA
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El violín (a la izquierda) es ligeramente más pequeño que la viola (a la derecha).
La viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y
construcción al violín pero de mayor tamaño y sonido más grave. Su tesitura se sitúa entre
los graves y medios del violín y los agudos del violoncello. La viola es considerada como el
contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas.
La aparición de la viola como heredera directa de la viella de cuerda (la viella era
como un violín cuyas cuerdas se ponían en vibración por medio de un teclado; el arco es
reemplazado por una cuerda pulida y frotada con colofonia) supone un avance importante en
la historia de los instrumentos de arco.
Nacida en el siglo XIV, su cultivo empieza ya a tomar valor artístico a partir del
siglo XV.
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Viola de amor.
Teniendo en cuenta que en aquella época la mayoría de instrumentos tenían tres o
cuatro variantes correspondientes a la extensión de las voces humanas (soprano, contralto,
tenor y bajo), es decir las cuatro voces tradicionales del coro mixto, la viola no escapó a
dicha costumbre y por ello se creó la viola quintón (la más aguda, o sea soprano). El nombre
de quintón proviene de sus cinco cuerdas en lugar de las seis que tenían las demás violas.
La viola a spalla (‘viola de hombro’), la viola da braccio (‘viola de brazo’, que es la más
parecida a la actual) y la viola da gamba (‘viola de pierna’, de tesitura y modo de ejecución
similar al violonchelo).
De la viola da braccio surgió la viola d’amore (‘viola de amor’). La diferencia entre
ellas consiste únicamente en que a la segunda se le añadieron unas cuerdas de latón que,
descansando en el puentecillo debajo de las de tripa, vibraban por simpatía, ampliando con
este procedimiento la sonoridad del instrumento, aparte de darle también un timbre especial
gracias a esta vibración común y a la sonoridad metálica de las cuerdas inferiores.
BIOGRAFIAS
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Antonio Vivaldi
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Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia y se formó con su padre, violinista en la
catedral de San Marcos. Entre 1693 y 1703 estudió para sacerdote con los padres de San
Gimingano y tras ser ordenado, obtuvo el puesto oficial de maestro de violines en el
Ospedale della Pietà, que era una institución especializada en educación musical para niñas
huérfanas. Trabajó allí como director musical y profesor hasta 1740, a la vez que componía
conciertos y oratorios para las representaciones semanales con los que obtuvo gran
reconocimiento. A partir de 1713 también trabajó como compositor y empresario de óperas
en Venecia y viajaba a Roma, Mantua y otras ciudades para supervisar las representaciones.
Entre 1729 y 1733 visitó Viena y Praga y entre 1733 y 1735 compuso varias óperas para el
Teatro Grimani, con las que dio por terminada su relación con Venecia. A partir de entonces
promovió sus óperas en ciudades más pequeñas como Verona, Ancona o Ferrara. Hacia
1740 entró al servicio de la corte del emperador Carlos VI en Viena. Falleció en esta ciudad
el 28 de julio de 1741.
Los conciertos de Vivaldi se convirtieron en modelo de su género en toda Europa e
influyeron en el estilo de sus contemporáneos, incluso en los de más edad. Más de 300 están
escritos para solista (220 para violín y otros para fagot, violonchelo, oboe y flauta). Entre los
conciertos para violín destacan La tempestad di mare, Il piacere y el ciclo conocido como Las
cuatro estaciones, que no compuso de forma continua, aunque en su conjunto guarda una
unidad formal y estética indudable. Esta obra es uno de los primeros ejemplos de música
programática que, como gran parte de su producción, se caracteriza por ritmos vigorosos y
fuertes contrastes.
También escribió concerti grossi, 25 para dos violines, 32 para tres o más
instrumentos y algunos concerti de ripieno (para orquesta sin solistas). Como gran intérprete
de violín, que asombraba al auditorio por su técnica, estableció una de las características
básicas del concierto de los siglos siguientes: la figura del virtuoso. Sus conciertos para violín
también fueron decisivos en la evolución de la ejecución de este instrumento en cuanto a su
escritura de cuerdas cruzadas y al desarrollo de una nueva técnica para el manejo del arco.
Vivaldi fue el primer compositor que utilizó de forma coherente el ritornello, que se
llegó a imponer en los movimientos rápidos del concierto. El ritornello se repetía en diferentes
tonalidades y era interpretado por toda la orquesta. Alternaba con episodios interpretados por
el solista, a menudo de carácter virtuosista. Estableció la forma de tres movimientos para el
concierto y fue uno de los primeros en introducir cadenzas para el solista.
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Antonio Vivaldi
WIKIPEDIA
Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741)
más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico italiano del barroco. Se
trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja
en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.
Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo.
Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es
especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín
y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il
cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura
del paradigma del concierto soli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el
concierto soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la
melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento
según las reglas de la armonía.
Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en los que la
orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita
a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente
en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los
conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach
perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los
concerto soli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para
instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta,
sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un concerto grosso, en el
se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y
acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de instrumentos (el concertino, a
veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno).
Llegar a este punto, sin embargo, fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y
Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género
instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran
dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos
son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus 3 N11 en re menor, donde se presenta un
maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo).
Así, Las cuatro estaciones representan el concerto soli perfecto, a tal grado que
influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en
Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Beethoven, extiende la
influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de
Vivaldi.
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De los orígenes de la familia Vivaldi se sabe muy poco. Su abuelo, Agostino, era un
panadero de Brescia; casado con Margherita, con quien tuvo varios hijos; uno de ellos
Giovanni Battista, familiarmente nombrado Gianbattista, que nació en 1656. Margherita, a la
muerte de su esposo, fue a Venecia con sus hijos y Gianbattista empezó a destacar como
violinista. En junio de 1676, a los veinte años de edad, contrajo matrimonio con Camilla
Calicchio7 El padre de Antonio Vivaldi, el músico Giovanni Battista Vivaldi, apodado Rosso
(Rojo) y registrado en algunos documentos como Giovanni Battista Rossi, fue miembro
fundador del "Sovvegno de' musicisti di Santa Cecilia", organización profesional de músicos
venecianos; asimismo fue violinista en la orquesta de la Basílica de San Marcos y en la del
teatro de S. Giovanni Grisostomo. Fue el primer maestro de su hijo, que también fue,
probablemente, discípulo de Giovanni Legrenzi.
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras
órdenes religiosas (ostiario el 19 de septiembre de 1693, lector el 2 de septiembre de 1694,
exorcista el 25 de diciembre de 1695 y acólito el 2 de diciembre de 1696). En 1699 fue
ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente
ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las
obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud (según
investigaciones médicas del francés Roger-Claude Travers, parece haberse tratado de
angina pectoris).
Etapas
La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas
todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna La primera fue la de la adquisición de
una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor
veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos Opus de
sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo
instrumento: L'estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras
novedosas superaron las innovaciones de Giuseppe Torelli y Albinoni, y le garantizaron un
éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus Opus en
Londres y París.
La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para
niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas
transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para
quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y
con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado
después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de
ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución,
que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El
nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los
importantes apoyos de los que gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la
difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su
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formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su
renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su
vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente
independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y
reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su
santuario, al mismo tiempo.
La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la
que cosechó grandes éxitos, "y también con una cierta falta de escrúpulos, tal como
corresponde a la profesión".10 En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, hija
de un peluquero o fabricante de pelucas francés, que inicialmente fue su alumna, luego su
intérprete y que, a partir de entonces, estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso
en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in Villa, su primera ópera conocida, seguida de una
auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros
de Sant'Angelo y San Moisè. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período
veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un
temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes,
que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los
conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos
teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó
igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a
cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara
en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo
como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de
espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o
uniéndolas a sus propias producciones.
Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Fráncfort, Johann Friedrich Armand
von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant'Angelo en 1715, nos ofrecen
un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica
en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron
incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S.
Giovanni Grisostomo.
Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus
prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el
final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó
verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a
tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el
arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una
rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos
consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y
estrategia comercial.
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La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada
como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con
una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental,
con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos;
la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música
religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para
diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una
iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, La vittoria navale, interpretado
en Vicenza en junio de 1713.
Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un
periodo de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1738 dirigió un
concierto en Amsterdam, donde interpretó su concierto PV 444 (RV 562) con una orquesta
de veinticuatro músicos. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin
recursos económicos. Al morir en Viena cae en el olvido, y es tanta la ingratitud que Italia
tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época.
Una de sus obras más conocidas son los primeros cuatro de los doce conciertos para
violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione
(La Disputa entre la Armonía y la Invención), de esta serie de conciertos, los cuatro primeros
fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.
Vivaldi está considerado como uno de los
precursores de la música romántica[:
y de la música programática.
Vivaldi imprimía un sello distintivo a cada composición, tratando de transmitirle al
intérprete la intención que él habría preconcebido para su obra, por eso la mayoría de los
movimientos -sobre todo de sus concerti- tienen un título que los identifica y en el caso
particular de los cuatro primeros concerti de su opus 8 conocidos como Le Quattro Stagioni,
Vivaldi mismo escribió un pequeño soneto lírico (en italiano) para cada uno de los conciertos,
los cuales -a menudo- son recitados antes de la interpretación de estos.
Formas musicales
Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta
los conciertos para violín de su última época, además de otras decenas de piezas
concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones
refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el
alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte
de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.
Si bien el progreso en el género concierto se debe al impulso dado por Vivaldi, no
menos importantes son sus obras de cámara, sus sonatas a tres instrumentos, oberturas o
"sinfonías", que son más bien un tipo de "concierto sin solistas", y a no dudarlo sus poco
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conocidas óperas y arias, así como su música religiosa, en las que el lirismo y la poesía de
las melodías son la muestra más clara del talento del misterioso "cura rojo".
Sus obras
Su producción fue numerosísima. Escribió 46 operas, 70 sonatas, 195
composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554
composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos. Los más conocidos son los doce
que componen Il cimento dell´ Armonia e dell´ Invenzione (1725). Los primeros cuatro
conciertos incluyen las célebres Cuatro estaciones: nº 1 en mi mayor, La primavera; nº 2 en
sol menor, El verano; nº 3 en fa mayor, El otoño y nº 4 en fa menor, El invierno. Por lo que
compuso casi 700 obras.12
Música religiosa como el oratorio Judith triumphans (1716), el Gloria en re (1708),
misas y motetes. Sus sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos y
su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de
orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos. Johann Sebastian Bach,
contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de
formación y de algunos de los conciertos para violín y sonatas de Vivaldi sólo existen las
transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach.
El Ryom-Verzeichnis o catálogo Ryom es un importante catálogo de las obras de
Vivaldi. Otros catálogos son los de Fanna, Pincherle y Ricordi.
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Óperas
Ottone in villa, RV 729 (1713 Vicenza)
La costanza trionfante degl'amori e degl'odii, RV 706 (1716 Venecia)
Arsilda, regina di Ponto, RV 700 (1716 Venecia)
L'incoronazione di Dario, RV 719 (1717 Venecia)
Tieteberga, RV 737 (1717 Venecia)
Artabono Re de' Parti, RV 701 (1718 Venecia)
Armida al campo d'Egitto, RV 699 (1718 Venecia)
Scanderbeg, RV 732 (1718 Florencia)
Teuzzone, RV 736 (1718 Mantua)
Tito Manlio, RV 738 (1719 Mantua)
La Candace o siano Li veri amici, RV 704 (1720 Mantua)
Gli inganni per vendetta, RV 720 (1720 Vicenza)
La verità in cimento, RV 739 (1720 Venecia)
La Silvia, RV 734 (1721 Milán)
Ercole su'l Termodonte, RV 710 (1723 Roma)
Giustino, RV 717 (1724 Roma)
Cunegonda, RV 707 (1726 Venecia)
La Fede tradita e vendicata, RV 712 (1726 Venecia)
Dorilla in Tempe, RV 709 (1726 Venecia)
Ipermestra, RV 722 (1727 Florencia)
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Farnace, RV 711 (1727 Venecia)
Siroe Re di Persia, RV 735 (1727 Reggio)
Orlando (furioso), RV 728 (1727 Venecia)
Rosilena ed Oronta, RV 730 (1728 Venecia)
L'Atenaide, RV 702 (1728 Florencia)
Argippo, RV 697 (1730 Praga)
Semiramide, RV 733 (1731 Mantua)
La fida Ninfa, RV 714 (1732 Verona)
Doriclea, RV 708 (1732 Praga)
Motezuma, RV 723 (1733 Venecia)
L'Olimpiade, RV (1734 Venecia)
L'Adelaide, RV 695 (1735 Verona)
Il Tamerlano [Il Bajazet ], RV 703 (1735 Verona)
La Griselda, RV 718 (1735 Venecia)
Ginevra principessa di Scozia, RV 716 (1736 Florencia)
Catone in Utica, RV 705 (1737 Verona)
L'oracolo in Messenia, RV 726 (1737 Venecia)
Rosmira (fedele) RV 731 (1738 Venecia)
Feraspe, RV 713 (1739 Venecia)
Conciertos
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228 conciertos para violín
38 conciertos para fagot
27 conciertos para violonchelo
25 conciertos para flauta dulce o traversa
23 conciertos para oboe
6 conciertos para viola d'amore
1 concierto para mandolina
25 dobles conciertos para dos violines
4 dobles conciertos para violín y violonchelo
3 dobles conciertos para dos oboes
2 dobles conciertos para dos trompas
1 doble concierto para dos trompetas
1 doble concierto para dos violoncellos
1 doble concierto para viola d'amore y laúd
1 doble concierto para dos mandolinas
1 doble concierto para dos flautas
1 doble concierto para oboe y fagot
47 conciertos para tres o más instrumentos
conciertos de cámara, donde todos los instrumentos tienen carácter solista
Opus 1: 12 Sonatas para 2 violines y bajo continuo (1705)
Opus 2: 12 Sonatas para violín y bajo continuo (1709)
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Opus 3: L'estro armonico, 12 conciertos para diversas combinaciones. Los más
conocidos son el n.º 6 para violín en la menor, el n.º 8 para 2 violines en la menor, y el
n.º 10 para 4 violines en si menor (1711)

Opus 4: La stravaganza, 12 conciertos para violín (c. 1714)

Opus 5 (segunda parte del Opus 2): 4 sonatas para violín y 2 sonatas para 2
violines y bajo continuo (1716)
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Opus 6: 6 conciertos para violín (1716-21)
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Opus 7: 2 conciertos para oboe y 10 conciertos para violín (1716-21)

Opus 8: Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, 12 conciertos para violín (los
primeros 4, en Mi mayor, Sol menor, Fa mayor, y Fa menor son mundialmente
conocidos como Las cuatro estaciones, el quinto en Mi bemol mayor como La
Tempestad del Mar, el sexto en Do mayor como El Placer y el décimo en Sí bemol
mayor como La Cacería) (1725)
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Opus 9: La cetra, 12 conciertos (once para violín y uno para 2 violines) (1727)

Opus 10: 6 conciertos para flauta (c. 1728)

Opus 11: 5 conciertos para violín, 1 concierto para oboe (el segundo en Mi
menor, RV 277 es conocido como "El favorito") (1729)
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Opus 12: 5 conciertos para violín y 1 sin solos (1729)
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Opus 13: Il pastor fido, 6 sonatas para musette, viola, flauta, oboe o violín, y
bajo continuo (1737, obras falsas de Nicolas Chédeville)
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Opus 14: 6 sonatas para cello y bajo continuo (1740)
Música vocal
Cantatas
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Alla caccia, alla caccia
All'ombra di sospetto
All'ombra d'un bel faggio
All'or che lo sguard
Amor hai vinto
Aure voi piu non siete
Candida Lylia
Care selve amici prati
Cessate omnai cessate
Che giova il sospirar
Del suo natio rigore
Elvira, Elvira anima mea
Era la notte
Filli di gioia
Fonti di pianto piangete
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Geme l'onda che parte
Il povero mio cor
Indarno cerca la tortorella
Ingrata lidia hai vinto
La farfalletta s'aggira
La Gloria e Himeneo
Lundi dal vago
Nel partir da te mio caro
O mie porpore piu belle
Par che tardo
Perche son molli
Perfidissimo cor!
Piango, gemo, sospiro
Pianti, sospiri
Prendea con mandi latte
Qual in pioggia dorata
Qual per ignoto
Scherza di fronda
Seben vivono senz'alma
Si levi dal pensier
Si si luce adorate
Sorge vermiglia in ciel
T'intendo si mio cor
Tra l'erbe, i zeffiri
Vengo a voi luci adorate
Cantata (sin título) RV 796a
Cantata (sin título) RV 799
Cantata (sin título) RV 7999
Serenatas
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Le gare del dovere
Le gare della giustitia e della pace
Mio cor povero cor
Il Mopso (Egloga pescatoria)
Questa Eurilla gentil
La Sena festeggiante
L'unione della Pace e di Marte
Andromeda Liberata
Motetes
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Canta in prato
Carae rosae respirate
Clarae stellae, scintillate
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In furore giustissimae irae
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In turbato mare
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Invicti bellate
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Longe mala umbrae terrores
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Nulla in mundo pax
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O qui coeli terraeque
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Sum in medio tempestatum
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Vestro principi divino
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Vos aurae per montes
Música sacra
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Missa Sacrum (RV 586)
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Kyrie (RV 587)
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Gloria (RV 588)
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Gloria (RV 589)
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Gloria (RV 590)
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Credo (RV 591)
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Credo (RV 592)
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Domine ad adiuvandum me festina (RV 593)
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Dixit Dominus (RV 594)
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Dixit Dominus di Praga (RV 595)
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Confitebor tibi Domine (RV 596)
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Beatus vir (RV 597)
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Beatus vir (RV 598)
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Beatus vir (RV 599)
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Laudate pueri Dominum (RV 600)
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Laudate pueri Dominum (RV 601)
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Laudate pueri Dominum (RV 602)
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Laudate pueri Dominum (RV 602a)
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Laudate pueri Dominum (RV 603)
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In exitu Israel (RV 604)
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Credidi propter quod (RV 605)
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Laudate Dominum (RV 606)
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Laetatus sum (RV 607)
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Nisi Dominus (RV 608)
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Lauda Jerusalem (RV 609)
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Magnificat (RV 610)
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Magnificat (RV 610a)
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Magnificat (RV 610b)
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Magnificat (RV 611)
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Deus tuorum militum (RV 612)
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Gaude Mater Ecclesia (RV 613)
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Laudate Dominum omnes gentes (RV 614)
Regina coeli (RV 615)
Salve Regina (RV 616)
Salve Regina (RV 617)
Salve Regina (RV 618)
Salve Regina (RV 619)
Sanctorum meritis (RV 620)
Stabat Mater (RV 621)
Te Deum (RV 622)
Ascende laeta (RV 635)
Canta in prato (RV 636)
Cur sagittas (RV 637)
Filiae mestae (RV 638)
Jubilate o amaeni (RV 639)
Jubilate o amaeni (RV 639a)
Longe mala umbrae terrores (RV 640)
Non in pratis (RV 641)
Ostro picta (RV 642)
Oratorios
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Juditha Triumphans devicta Holofernis Barbarie
L'adorazione delli tre re magi al bambino Gesu
La Vittoria navale
Moyses Deus Pharaonis
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