Clase 1

Clase 1: Introducción al Teatro y al Trabajo Corporal del Actor
Resumen de la Clase
Esta clase está diseñada para introducir a los estudiantes en los fundamentos del trabajo
actoral, enfocándose en el uso del cuerpo como herramienta principal de expresión. Se
trabajará en la conciencia corporal, la relajación y la conexión entre cuerpo y emoción.
Además, se explorarán los principios básicos del teatro, sentando las bases para el trabajo
de las siguientes clases.
Estructura de la Clase
1. Introducción y Presentación (10 minutos)
Objetivo:
Establecer un espacio de confianza y preparar a los estudiantes para el trabajo en equipo y
la exploración física.
Teoría:

El teatro es un espacio donde se da vida a las emociones, pensamientos y
conflictos humanos. El cuerpo del actor es la primera herramienta para transmitir
estos elementos.

En el teatro, el actor no solo representa palabras, sino que las "encarna" a través
de su cuerpo y sus emociones.

La primera lección es la conciencia del cuerpo: cómo el cuerpo actúa como un
canal para la emoción y cómo podemos liberarlo para ser más expresivos.
Práctica:

Breve presentación de los estudiantes y sus expectativas del curso.

Explicación de la importancia de la confianza y la vulnerabilidad en el trabajo
actoral.

Breve actividad de relajación: Los estudiantes cierran los ojos y se concentran en
liberar cualquier tensión física mientras escuchan una música suave.
2. Calentamiento Corporal (15 minutos)
Objetivo:
Liberar tensiones en el cuerpo y prepararlo para el trabajo físico.
Teoría:

El calentamiento físico es esencial para prevenir lesiones y desbloquear tensiones.
A través del calentamiento, los actores aprenden a escuchar a su cuerpo y a
moverse con mayor libertad.

Según Stanislavski, la relajación es la base de la actuación; sin un cuerpo relajado,
es difícil acceder a las emociones del personaje.
Práctica:
1. Relajación inicial:
o
Los estudiantes realizan movimientos lentos y conscientes, como
balancearse de un lado a otro, estiramientos suaves de cuello, hombros y
espalda.
o
Se enfoca en liberar tensiones acumuladas en la mandíbula, las manos y el
rostro.
2. Movimientos fluidos:
o
Ejercicios de estiramiento y movilidad para soltar el cuerpo.
o
Movimientos de brazos y piernas, invitando a los estudiantes a ser
conscientes de la fluidez y el ritmo de sus movimientos.
o
Incluir movimientos que desafíen el equilibrio para fortalecer la conciencia
corporal.
3. La Conciencia Corporal y el Espacio (20 minutos)
Objetivo:
Desarrollar la capacidad de los estudiantes para usar su cuerpo de manera consciente y
estar presentes en el espacio.
Teoría:

El espacio escénico es una extensión del cuerpo del actor. El actor debe aprender a
dominar su relación con el espacio para ser efectivo en la escena.

En el trabajo corporal, el actor debe ser capaz de moverse con intención y expresar
emociones a través de su postura y gestos.

La conciencia del espacio y de la propia presencia es crucial para transmitir
seguridad y control en el escenario.
Práctica:
1. Exploración del espacio:
o
Los estudiantes caminan por el espacio de manera libre, explorando la
sensación de estar en el espacio sin pensar en un objetivo.
o
Luego, deben caminar con un propósito, sintiendo cómo cambia la energía y
la intención al moverse.
o
A medida que caminan, deben enfocarse en su respiración y cómo el
cuerpo responde al espacio.
2. Conexión con el espacio escénico:
o
Ejercicio en el que los estudiantes deben imaginar que están en diferentes
tipos de escenarios (teatro clásico, teatro moderno, callejón, etc.) y adaptar
su postura y movimientos según el lugar.
4. Expresión Corporal y Emociones (20 minutos)
Objetivo:
Explorar cómo el cuerpo puede expresar emociones sin necesidad de palabras.
Teoría:

El cuerpo tiene la capacidad de comunicar una gama amplia de emociones: alegría,
tristeza, enojo, miedo, etc.

A través de la expresión corporal, los actores pueden manifestar el subtexto
emocional de sus personajes.

Como mencionaba Michael Chekhov, el actor debe “dejar que el cuerpo se
convierta en un vehículo para la emoción”, sin preocuparse demasiado por la
técnica verbal.
Práctica:
1. Emoción en movimiento:
o
Los estudiantes se agrupan en parejas. Un estudiante representa una
emoción simple (por ejemplo, felicidad, miedo, enojo) solo con su cuerpo,
mientras el otro observa.
o
El observador debe adivinar qué emoción está siendo representada a través
del cuerpo.
o
Luego, los estudiantes intercambian roles.
2. Exploración de emociones complejas:
o
En parejas, los estudiantes representan emociones complejas como
“confusión”, “resentimiento” o “ternura” a través de movimientos
corporales y posturas.
o
El objetivo es que los estudiantes sientan cómo sus cuerpos se transforman
al entrar en distintas emociones.
5. Improvisación y Juego de Roles (20 minutos)
Objetivo:
Aplicar los conceptos de conciencia corporal y expresión emocional en situaciones
improvisadas.
Teoría:

La improvisación permite que los actores se conecten con sus emociones de forma
inmediata y genuina. Es una herramienta poderosa para explorar las reacciones
espontáneas y auténticas del cuerpo en situaciones no planeadas.

A través de la improvisación, los actores desarrollan flexibilidad y agilidad
emocional.
Práctica:
1. Improvisación física:
o
Los estudiantes trabajan en parejas. Uno de los estudiantes realiza una
acción física sin palabras (por ejemplo, un gesto de ayuda o una acción de
desafío), y el otro debe reaccionar con su cuerpo, sin palabras.
o
La improvisación se debe centrar en cómo los cuerpos se comunican sin
verbalizar.
2. Juego de roles:
o
Los estudiantes improvisan situaciones donde deben entrar en el rol de un
personaje que responde a un estímulo físico del otro.
o
Por ejemplo, uno puede ser un jefe y el otro un empleado, y el juego de
roles debe mostrar cómo sus cuerpos reaccionan ante el poder y la
autoridad.
6. Reflexión y Cierre de la Clase (10 minutos)
Objetivo:
Reflexionar sobre los avances realizados durante la clase y preparar a los estudiantes para
la próxima sesión.
Teoría:

El trabajo corporal es la base para un trabajo actoral auténtico. Un actor debe
aprender a escuchar su cuerpo, comprender su lenguaje y usarlo para expresar
emociones genuinas.

En la próxima clase, nos centraremos en el trabajo vocal y cómo la voz se conecta
con el cuerpo y la emoción.
Práctica:
1. Reflexión grupal:
o
Los estudiantes comparten cómo se sintieron al trabajar con su cuerpo y
qué descubrieron sobre su relación con el espacio y las emociones.
o
Se discuten los desafíos que enfrentaron al expresar emociones a través del
cuerpo.
2. Adelanto de la próxima clase:
o
Introducción al trabajo vocal: cómo la voz se convierte en una extensión del
cuerpo y la emoción del personaje.
Consejos para Impartir la Clase

Fomenta un ambiente de confianza donde los estudiantes se sientan libres de
explorar su cuerpo y emociones sin miedo al juicio.

Recuerda que la relajación es clave para que los estudiantes puedan soltar
cualquier tensión y entrar en su personaje con mayor facilidad.

Anima a los estudiantes a estar atentos a las reacciones físicas de sus compañeros,
lo que les ayudará a mejorar su capacidad de escuchar y reaccionar en escena.
Esta clase es fundamental para que los estudiantes comiencen a conectarse con su cuerpo
como una herramienta primordial en su desarrollo actoral, preparando el terreno para
explorar la voz y la interacción entre personajes en clases posteriores.