DOSSIER EDUCATIVO - MUESTRA #41 - ABRIL MAYO 2015

Centro Cultural Municipal San José
Dossier educativo #01 - AÑO 2015
Muestra #41
ANA PAULA HALL
LIA PORTO
SILVINA SICOLI
LUCIA SPOTORNO
SOLEDAD ROLLERI
FLORENCIA MENA
JOSEFINA BILBATUA
GABRIELA CHANTIR
NACHO CARDIELLO
DANIEL CASAGRANDE
28 DE MARZO AL 10 DE MAYO
ANA PAULA HALL
Sala 1
SU OBRA
FICHA
Ana Paula, es una artista destacada entre los jóvenes creadores que viene
trabajando en el cruce de disciplinas y exploración de lenguajes, a partir de un
quehacer artístico cotidiano que se replantea la instalación como paisaje en
la tensión de la naturaleza dentro de la cultura, y como institución de
instancias comunitarias, alternando con el ambiental sonoro, el arte textil y el
videoarte y las imágenes en movimiento, desde prácticas descentradas del
campo artístico.
En su obra, realiza acumulaciones monocromáticas que crecen de manera
orgánica e invasiva en espacios escenográficos.
La iluminación es parte de una característica escénica misma de la obra y la
participación sensorial y perceptual -mental y corporal- del espectador es
clave.
Su Silla, producida en 2014, objeto textil escultórico, propone como un
habitante figurativo dentro de la selva orgánica y que hará un contrapeso a la
anti-forma propuesta, interesante homenaje además a un mueble central en la
historia del arte, desde Van Gogh y su habitación a la Silla de Wifredo Lam.
Ana Paula Hall, artista plástica, vive en Coronel Suárez (Pcia de Buenos
Aires), su ciudad natal. Egresó como profesora y Licenciada en Artes Plásticas
con orientación en Grabado y Arte Impreso, en la UNLP en el año 2006.
Marcada por las prácticas familiares en relación a la música y la costura, Ana
Paula toma ambas actividades como referente lúdico y paródico a la hora de
crear. Hace su obra desde el presente, entre el afecto y el defecto del tiempo.
Participa activamente en clínicas de obra (con Ana Gallardo, Diana Aisenberg
y Daniel Fischer) y talleres de perfeccionamiento teórico y técnico.
Ha participado de ferias como Arteba y Eggo, y de exposiciones individuales y
grupales en distintos museos, galerías y centros culturales. Ha sido
semifinalista para el premio Itaú Cultural Artes Visuales 2015. Participa
activamente del colectivo de gestión y visibilidad artística Isidoro Espacio de
Arte.
La intencionalidad de su obra es salir del formato tadicional y avanzar hacia el
espacio generando instalaciones y obras multidisciplinarias. Utiliza diversos
lenguajes como el textil, las técnicas gráficas, fotografía, el arte sonoro y
experimentaciones audiovisuales.
Entropía: Instalación recorrible
“Sentirse extraños ante lo conocido, confrontados por el orden caótico, es lo
que nos propone Ana Paula Hall con esta instalación.
La sala uno del Centro Cultural Municipal San José se ve transitada por una
nueva ilusión: ser transformada de espacio vacío a lleno, desde los bordes
hacia el centro y borrando límites.
Desde allí, lo que se propone queda siempre latente, es activo y pasivo a la
vez. La transformación es orgánica y larvada, y la forma crece desde el
desprendimiento que conlleva todo giro afectivo y lúdico en la obra de Hall.
Desde formas iluminadas a sombras que proyectan escenografías y
ambientes, como una invitación a recorrer y formar parte de un proceso
detenido e inquietante, Entropía es el corte irracional de un proceso, su
demora, su captura fugaz, el intermedio de una suspensión irreal a la que sin
embargo, somos invitados a habitar”.
Kekena Corvalan – Gestión Isidoro de Arte
Detalle de obra
LIA PORTO – SILVINA SICOLI – LUCIA SPOTORNO
Sala 2
FICHAS
Lia Porto es un artista visual nacida en la Patagonia y en la actualidad vive y
trabaja en Buenos Aires.
Su trabajo se refiere al mundo natural, pero siempre como una especie de
ficción. La creación de su narrativa se mueve entre lo que es artificial y
orgánica al mismo tiempo. Ha expuesto su obra ampliamente en la Argentina ,
y también en Nueva York y el Reino Unido y sus obras forman parte de
colecciones privadas en Argentina , Estados Unidos, Alemania , Suiza y
Eslovenia.
Silvina Sícoli, nacida en Buenos Aires donde vive y trabaja. Su obra
comprende pintura e instalacion y aborda la ambigüedad como punto de vista
para relacionar las formas, los objetos y los seres. Esto resulta en universos
que pueden ser tanto conocidos y tangibles, como lejanos y fantasmagóricos.
Sus trabajos se han exhibido en Argentina en Belleza y Felicidad, en muestras
individuales y grupales como en PROA, Museo Catagnino en Rosario. En
Alemania en Colonia y Munich (Parking Meters; Kunstverein Braunschweig ;
MTV entre otros) y en Galeria Kentler NY. Colaboró en proyectos de revistas y
curaduria en Belleza y Felicidad y en Pierogi 2000 en Brooklyn. Ilustró la tapa
de la 1a edicion del libro ¨Miss Tacuarembo¨de Dany Umpi.
Sus obras estan incluidas en colecciones de Argentina, Alemania y Estados
Unidos e Italia.
Lucía Spotorno, vive y trabaja en Buenos Aires, su ciudad natal. Es profesora
de dibujo y grabado recibida en el Instituto Santa Ana (1996). Concurrió a los
talleres de Carolina Antoniadis y María Luz Gil, asistió a clínicas de obra y a
cursos de arte contemporáneo con la Lic. Valeria González. Estudió grabado
en The National Academy of Design, New York. Participa en muestras
colectivas desde 1996 hasta la actualidad.
Se inspira en los colores, las formas de la naturaleza, la síntesis y la
superposición, el recorte, la realidad y la fantasía, y todo esto va formando un
collage de diversos elementos, que resulta en la formación de un paisaje
nuevo.
SUS OBRAS
SOY DIAMANTE
La búsqueda del diamante.
Lo que anida en la profundidad.
Del diamante en bruto al diamante facetado.
Procesos de transformación, o transmutación. Procesos de definición de
formas.
Y finalmente lo inalterable. Lo que brilla y perdura.
Esta muestra reúne obras de tres artistas que se acercan a la pintura bajo
esas pautas. Para ellas el acto de pintar es una búsqueda insistente en la
materia, un dialogo fluido entre el mundo personal y el limite y la resistencia de
la materia misma. Es ahí, en esa instancia, donde se abre un espacio en el
que la experiencia personal conecta con una fuente ancestral y es vehículo de
todas las tramas, de todas las narraciones posibles en ese momento y lugar.
“Sauce no llores”, Lía Porto
“Escondite”, Silvina Sícoli
S/T, Lucía Spotorno
SOLEDAD ROLLERI
Sala 3
SU OBRA
FICHA
LO MURMURADO ALLI
Soledad Rolleri, nació en Olavarría en 1975. En 1993 se mudó a Bs. As para
hacer la carrera de Diseño Gráfico en la FADU, UBA. En 1998 regresó a su
ciudad y cursó la Licenciatura en Comunicación Social en la UNICEN.
Actualmente trabaja como diseñadora gráfica y docente de la carrera de
Comunicación en la Facultad de Ciencias Sociales; y es responsable del Taller
de Pintura del Programa UPAMI en la misma facultad.
Se formó en pintura con Daniel Fitte y con Benjamin Aitala en Olavarría, y
realizó clínicas de obra con Carolina Antoniadis y con Diana Aisenberg. Desde
2013 y hasta la actualidad concurre al Taller y Clínica de obra de Diana
Aisenberg en C.A.B.A..
En 2012 participó como Artista Activa en diálogo de PIPA, Programa
Internacional para Artistas a cargo de Daniel Fisher en el EAC, Montevideo,
Uruguay. Fue seleccionada para participar de Curadora, Residencia para
Artistas, en mayo de 2013, coordinada por Cintia Clara Romero y Maxi
Rodríguez Peralta en San José Rincón, Sta Fé.
Actualmente forma parte de Sismo, Programa para artistas en el EAC de
Montevideo, a cargo de Daniel Fischer.
Algunas exposiciones: “Cópulas”, Pinturas (individual) + Performance, Centro
Cultural San José, Olavarría, Abril/mayo 2011. Con Gladys Zambrini y Sofìa
Blando. “4to Salón de Pintura Consejo Profesional de Agrimensura”, La Plata,
2013. “29o Salón Nacional de Artes Plásticas, Dibujo y Pintura”, Azul, 2012. 1o
Mención. “3o Salón de Pintura Consejo Profesional de Agrimensura de la Pcia.
de Bs As”, La Plata, 2012. Mención del Jurado. “Bienal de Pintura “Eva Perón””,
Octubre de 2011, Olavarría/La Plata. “Muestra Itinerante Región Cultural de las
Sierras y del Atlántico Sur,” 2011.
En mi obra trabajo con huellas. Por lo general provienen de objetos de la
naturaleza pequeños y encontrados, con los que realizo improntas. A partir del
cambio de escala, hago una traducción de esas huellas a otros soportes y
materiales, mediante la pintura o el papel cortado y pegado.
Esto me permite describirlas y detenerme en sus contornos. Parto de mi
paisaje inmediato para inventar una experiencia de los signos: adivinarlos (a
partir de los elementos que encuentro), elegirlos, producirlos, disponerlos.
Y me gusta proponer a esos signos nuevos comportamientos.
Es una especie de trabajo arqueológico acerca de las escrituras posibles, con
el fin de traducir aquello que guardan los lugares a los que voy, en una
colección de mapas de lo murmurado allí.
Estas obras son paisajes, que también son bosques, que también son
conversaciones.
Hay tantas maneras de pasar por entre los árboles como formas en que
podemos decir las cosas.
Contamos,
nombramos,
chamuyamos,
disfrazamos,
disuadimos,
convencemos, distraemos, mentimos, inventamos. Embellecemos.
Indago sobre los modos en que se vincula el arte con la comunicación.
Quizás esta obra sea autobiográfíca.
Soledad Rolleri, 2015
“Paisaje"
FLORENCIA MENA
Sala 4
FICHA
Florencia Mena nace en Comodoro Rivadavia, y desde allí inicia un recorrido
por distintas localidades patagónicas y bonaerenses para luego instalarse en
Traslasierra, provincia de Córdoba.
Se ha perfeccionado desde el año 2008 en Clínicas dictadas por Diana
Aisenberg. Realizó sus estudios en la Facultad de B. A. de La Plata y en el
Centro Polivalente De Arte de Trelew.
Sus obras se expusieron en distintos lugares del país: Casa de Turismo (La
Paz-2014) Premio CCU UNNE (Corrientes-2013) Hotel Loma Bola (Córdoba2013) Museo de la Provincia de Bs. As. (La Plata-2009) Consejo de Ciencias
Económicas (Azul-2009) Bienal de Dibujo (Olavarría-2009) Centro Cultural
Islas Malvinas (La Plata-2008) C.R.U.B. (Bolívar-2008) La Dama de Bollini
(Ciudad A. de Bs. As.-1999) Museo Fra-Angélico (La Plata-1998).
En su labor artística ha dictado Clínicas de Arte (Bolívar-2012), también ha
dirigido la realización de murales (Escuela 501, Jardín 907, Jardín 901-Bolívar)
y coordinado proyectos institucionales en Escuelas, Jardines de Infantes y
Talleres de Arte.
SU OBRA
EL POP CAMPESINO DE FLORENCIA MENA
por Diana Aisenberg
Preguntas para observar un retrato:
¿Los ojos están muy separados? ¿Qué color hay entre la nariz y la boca?
¿Cuál es la distancia entre la nariz y el mentón? ¿Cuál es el ángulo de visión?
¿De dónde viene la luz? ¿A qué animal se parece?¿Cuál es el verdadero
color del hombre?
Flor Mena pregunta:
¿Te acordás cuando Cogi les enseñó a sus hijos a comer bichitos? ¿Viste
como ponía la lengua Berni cuando estaba alzado?
Marlene Dumas dice:"lo que está en juego no es el medio artístico o su
asunto, sino la motivación de los artistas, que se han vuelto
sospechosos”.
Nuestra gran pintora y artista, enfatiza el retrato de animales y personas,
pintando instantes inasibles, tal vez dramáticos a veces insignificantes.
Husmea en la vida cotidiana identificando mínimas mutaciones de la materia
cuando la seducción, el sexo y la fertilidad están de fiesta. Florencia pinta el
plumaje de la gallina que le han nacido sus pollitos y se ve más esponjoso, el
gesto soberbio de una cabra que está por entrar en celo, la mirada
amenazante del macho a punto de cornearla, la ternura del carnero que se
está durmiendo.
Ordeñar las cabras, todos los días, llevarlas al monte todos los días. La
repetición ritualiza. Deseos vitales de sentido. La tendencia de la creación es
repetirse, dice O. Wilde
Guardar las ovejas todos los días. Los animales construyen la rutina, la piden
aunque te olvides, a la misma hora, todos los días. Novedad y repetición, lo
de siempre–distinto–pero–siempre–igual. Lo de todos los días, cada día,
pero-diferente. Los que me acompañan se convierten en portadores de
sentido, me dice Mena.
La repetición implica una espera, la comparación entre la duración de una
cosa y la duración de otra cosa se llama TIEMPO.
El retrato es una mirada, una hilera de ojos no son los ojos de nadie. Lo que
miramos y lo que nos mira no necesariamente tenga ojos o arrugas o muecas,
pero sí trae expuesta una experiencia, pensamientos repetidos, destellos
cotidianos.
El pop celebra lo ordinario.
Los animales me miran, la miran. No hay retrato sin vínculo, las cabras tienen
luz y tienen nombre. Quien retrata habla de sí mismo frente a otro. Una
pregunta por el entorno. Todos te miran y la miran y ella mira a todos y a todo.
El lenguaje se presenta como contexto y atributo. Las manchas y planos de
color, la línea pura y los lunares envuelven a los compañeros de ruta,
protegen a los retratados, los guardan, los enmarcan. Al otorgar ubicuidad y
pertenencia funcionan entre un adorno y un corral. Una línea amarilla y un
plano verde conversan con la clásica mandorla.
Las situaciones que Florencia persigue son cinematográficas y la traducción
que hace de ellas es absolutamente pictórica. Se observa una tensión, algo se
detiene y algo se precipita, hay algo que viene sucediendo.
Y si fuera verdad que los bisontes pintados aseguran la caza. Y si fuera
verdad que pintando a nuestros hijos y a nuestros animales les daremos salud
y abundancia. Si fuera verdad que el retrato asegura la posteridad, la
trascendencia y que el carácter de las distintas figuras revela el resto, el
vestigio de lo que fue antes, el entorno que lo acompaña.
O es que lugares construidos por la mirada a través de la presencia simbólica
del material y de la forma existen para evocar imágenes con las que podamos
identificarnos.
Marzo 2015.
“Puca”
JOSEFINA BILBATUA – GABRIELA CHANTIR
Sala 5
SUS OBRAS
FICHAS
ORGANICAS
SIENTO Y LUEGO EXISTO
Josefina Bilbatua, nació en Olavarría en 1984. Cursó la Licenciatura en
Escenografía en el I.U.N.A (Instituto Universitario Nacional de Arte)
Paralelamente, se formó e inició su obra en el taller de la artista visual
Florencia Fernández Frank.
Se desempeña profesionalmente como vestuarista en proyectos audiovisuales
y teatrales.
Participó en las exposiciones colectivas: Artificio natural, 4 Gatos espacio de
arte (2013); Mi Primera Muestra, Centro de Exposiciones de Arte
Contemporáneo La Casona de los Olivera (2012); Impulsos, Arte y Vida
(2012); Muestra de artes visuales en el marco de las V Jornadas de las
Cátedras: Clínica de la Urgencia y Psicopatología (Musicoterapia) Facultad de
Psicología UBA (2011); “Ferias y mercados populares en América Latina”
(fotografía) Secretaría de Cultura de la Provincia de Córdoba (2011); Premio
Prilidiano Pueyrredón 2009 (IUNA – Departamento de Artes Visuales).
Desarrolla su obra en torno a sus vivencias corporales; pinta y dibuja las
sensaciones físicas y psíquicas que la recorren y atraviesan. Por medio de su
obra explora su identidad, sus percepciones y desos más profundos, como así
también sus miedos, van emergiendo en principio intuitivamente, y luego más
conciente en los procesos y materiales que elige para producir.
María Gabriela Chantir, nace en Olavarría en el año 1974. En su formación
se encuentran numerosos cursos y talleres dictados por Olga Provato, María
Andrea Lauría, Graciela Villa Abrille, Juan Ramón González y Daniel Fitte,
hasta la actualidad. También ha participado de muestras colectivas.
“Recorro las capas y corrientes que me componen. Me muevo por mi torrente
sanguíneo, siento mi pulso, la sangre que circula por mi cuerpo. Fluyo como
un rio.
¿De cuantas formas puedo pensarme? ¿De cuantas maneras puedo
percibirme?
Puedo tomar la forma que deseo. Estoy compuesta por capas que se
superponen y me envuelven: Soy fluidos, sangre, aire, células, membranas,
poros, luz, recuerdos...
Las percepciones físicas y psíquicas que me atraviesan las indago en mi obra.
Todo lo que me pasa me pasa por el cuerpo. Me observo, pinto, dibujo y
escribo para entenderme.
En la instalación investigo experiencias sensoriales utilizando como
elementos formales el espacio, luz coloreada y objetos bidimensionales.
Trabajo a partir del material, de la sensación que me transmite y desde la
posibilidad de modificarlo con la luz. Me interesa crear un espacio orgánico,
transitable, poéticamente instalado donde sumergirnos.
A través de diversas técnicas y soportes como collage, dibujo y pintura surgen
formas celulares, imágenes internas, musculares y sanguíneas. En ellas
habita una memoria inconsciente, física”.
ilusión de que me confíe su secreto….
He intentado reflejar en la realización de esta obra un proceso que me ha
abierto las puertas a un universo creativo que hoy habito. La misma está
compuesta por 34 mundos, cada uno de ellos representa una mirada, un
sentir, un instante vivido que me constituye.
Estos que les presento son los mundos que estoy descubriendo… “donde se
encienden todos los colores… y el día no quiere dormir….y se pierden todos
mis temores…” Ojalá los disfruten tanto como yo…”
María Gabriela Chantir
Detalle de Instalación
“Desde chica la madre naturaleza me llama… con un rumor eterno, efímero…
me pide peregrinar, recorrerla, revelarla, internarme en sus universos
microscópicos, laberintos orgánicos con serena y paciente intensidad. Dibujar
es conocer y todo acto de conocer “trae un mundo a la mano”. A través de
este lenguaje, que es oficio, busco adentrarme en estos microcosmos plenos
de vida, que exigen ser descubiertos lentamente en todos sus detalles.
Trabajo con lápices de colores, microfibras, acrílicos y papel como soporte
orgánico porque me permiten un accionar meticuloso, obsesivo y minucioso
con el que intento traducir visualmente vivencias, mostrar la intimidad de un
proceso en el que voy trazando diversos mapas de búsqueda, intento
reconocer tramas, texturas, para así dialogar con lo que quiero conocer, con la
“Microcosmos circular N°16” Serie
IGNACIO CARDIELLO
Microespacio
FICHA
Por eso, sostiene que el arte es la forma de expresar todos los obstáculos y
materializarlos para, de algún modo, poder desligarse de ellos.
Cardiello
Juan Ignacio Cardiello, nació en Olavarría, en 1983. Es Profesor de Artes
Visuales, actualmente ejerce el cargo de docente en el Colegio Libertas de su
localidad y es Director del Centro Cultural Infantil.
En su formación se destacan los talleres realizados con artistas como Jorge
Melo, Ruben Sassano, y Nicolas Menza.
Fue ayudante de la Cátedra de Escultura en la Escuela de Artes Visuales
“Miguel Ángel Galgano” de Olavarría.
Ha realizado numerosas exposiciones, tales como en Galeria “Kunthaus”
2002, y ha presentado instalaciones en el MDA 2007, en donde en 2011 recibe
una Mención Estímulo en la Bienal de Escultura.
SU OBRA
Nacho, como muchos lo llaman. Nacido, y siempre viviendo, en Olavarría.
“Artisto”, como sus alumnos más pequeños así lo describen…
Nos comparte momentos de su vida real, de su vida intima. Y si tenemos en
cuenta la asimetría existente entre el sujeto y la realidad en la que ha de vivir,
a favor de esta última, se comprende que haya un espacio inalcanzable a los
demás en donde dicha asimetría queda solventada: sujeto y realidad son
ambos imaginados y/o fantaseados y es el sujeto el que siempre aparece
como vencedor.
En este Microespacio busca la reflexión sobre la melancolía, la nostalgia, la
soledad en que a veces estamos sumergidos… o no. Vagando al sujeto en
diferentes contextos o reflejándolos tal cual los ve.
“La experiencia...”
DANIEL CASAGRANDE
Auditorio
FICHA
Daniel Casagrande, de profesión pediatra se inicia de manera autodidacta en
el dibujo desde la temprana edad de 6 años. Continúa con esta pasión hasta
la actualidad.
SU OBRA
“El ser humano es la creación más grande y maravillosa de la naturaleza…
Los rostros de las personas son el reflejo de su alma. Poder capturarla y
plasmarla a través del dibujo, resulta algo desafiante y sublime que enriquece
mi espíritu”.
“Niña India”
INFORMACIÓN AL DOCENTE
HORARIOS DEL CENTRO CULTURAL SAN JOSÉ
Lunes a Viernes: 7 a 13hs.
Miércoles a Viernes: 15 a 19hs.
Sábados, Domingos y feriados: 16 a 20hs.
COMUNICACIÓN CON EL DEPARTAMENTO
DE EDUCACIÓN Y ACCIÓN CULTURAL
Centro Cultural Municipal San José
Olavarría – Provincia de Buenos Aires
Dirección: Riobamba 2949
Tel: (02284) 418801/ 02
Correo Electrónico: educacionccm@olavarria.com.ar
Visitas Guiadas a público general
Comprende un recorrido participativo, en el cual los visitantes podrán explorar
las muestras.
Duración: 45 minutos.
Miércoles a Viernes, 11 y 18hs
Sábados y Domingos 17, 18 y 19hs.
Visitas Guiadas a instituciones educativas
SOLO CON INSCRIPCION PREVIA
Proponemos a las instituciones educativas una visita dinámica en los cuales
los alumnos pueden recorrer la muestra y realizar actividades de diversa
índole, con el objetivo de favorecer el desarrollo de la creatividad y
pensamiento. A los docentes en el momento de la reserva se les entregará
material informativo para el trabajo en clase previo y posterior a la visita.
Duración: 45 minutos.
Días y horarios: A coordinar con cada institución.
Informes:
418801/02.
Riobamba 2949
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Twitter: @ccmsanjose