Escultura Griega:

Escultura Griega:
Los griegos empezaron a esculpir en piedra inspirándose en las piezas monumentales de Egipto y
Mesopotamia. Las esculturas de bulto redondo compartieron la solidez y la caracterÃ−stica posición frontal
de los modelos orientales, como podemos comprobar en la Dama de Auxerre (s 630 a.C.) y en el torso
femenino encontrado en el santuario de Hera en Samos (s 570 a.C., ambas en el museo del Louvre, Paris),
aunque sus formas son mas dinámicas que las de la escultura egipcia.
El tema principal de la escultura griega es la representación del cuerpo humano, en la que los artistas
plasman su concepción del ideal de la belleza fÃ−sica. El cuerpo se concibe como un conjunto en el que
sus partes guardan unas proporciones determinadas y sus miembros tienen unas medidas justas. Los
materiales predominantes fueron el mármol y el bronce, en cuanto a escultura se refiere y los temas
más representados eran los mitológicos y los guerreros a los cuales añadió en su última época
el retrato de personajes históricos. La escultura en la Grecia antigua, tiene una gran importancia para
la escultura de hoy en dÃ−a.
División de la escultura:
Suele dividirse la escultura griega en cuatro periodos históricos bien delimitados a los cuales precede el
protohistórico[1] o minoico[2] y micénico.[3] En éste, se desarrolló por espacio de unos veinte siglos
(desde el año 3000 al 1100 a. C. aproximadamente) un arte rudimentario pero lleno de vida y
movimiento que modeló el barro y trabajó la piedra, el marfil, el hueso e incluso el oro, el plomo y el
bronce, produciendo relieves, grabados, entalles mitológicos en piedras finas y pequeñas estatuas e
idolillos. Aunque labrados con cierta tosquedad, se presentan a veces con admirable corrección en el dibujo
que parece recordar el arte de los cazadores del reno los cuales pudieron tener con la civilización egea
algún lazo histórico.
Los cuatro perÃ−odos arqueológicos que tras un prolongado silencio artÃ−stico siguieron al micénico se
distinguen del siguiente modo:
• El perÃ−odo de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C.
• El perÃ−odo arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a. C.
• El perÃ−odo de perfección o clásico, hasta finales del siglo IV a. C.
• El perÃ−odo de difusión, que algunos llaman de decadencia, después de Alejandro Magno hasta la
conquista de Grecia por roma, de 323 a. C. a 146 a. C.
• Periodo arcaico (s.VIII - VI a.c.)
Lejos del monumentalismo de otras culturas, los griegos concibieron su arte siguiendo el postulado de
Protágoras según el cual «el hombre es la medida de todas las cosas. Este perÃ−odo se caracteriza por la
independencia que el arte griego, ya formado, va realizando respecto de imitaciones orientales y por el tipo
atlético dado a sus estatuas que en su gran parte representan a los vencedores en los juegos olÃ−mpicos
aunque se llamen Apolos.
En la escultura griega arcaica se mantienen aún los rasgos hieráticos y rÃ−gidos con composiciones
geométricas y cerradas respetando la ley de frontalidad. Se creó un convencionalismo formal de la figura
tendente a su geometrización con los brazos rectos y pegados al cuerpo (a excepción de las mujeres con
brazos en posición de ofrendas), la anatomÃ−a muscular marcada de forma esquemática y un pelo largo y
recto con corte rectangular que enmarca unos ojos almendrados y una orejas en forma de voluta que
recordarÃ−an al orden jónico arquitectónico. Las vestimentas de las mujeres eran policromadas y con
motivos geométricos.
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Su evolución harÃ−a que las formas se estilizaran y se pulieran las más toscas y rectas en la época
clásica.
Las obras son confeccionadas en talleres, encargadas por la comunidad y sus órganos institucionales, ya que
tienen un destino público.
Los primeros testimonios de escultura monumental comienzan en el siglo VII a.c.
Estas imágenes tenÃ−an un sentido religioso, sus detalles fÃ−sicos eran sumamente sintetizados ya que
poseÃ−an una anatomÃ−a elemental que las asemejaba a columnas u otras esculturas arquitectónicas, que
poseÃ−an inmovilidad y monumentalidad:
• Xóana: Eran estatuas de divinidades, se les atribuÃ−a la posesión de poderes mágicos, y se las
consideraba caÃ−das del cielo. Se las considera por tanto que son los precedentes de los kuroÃ− y de
los korai que más tarde se esculpirÃ−an en piedra y mármol.
• Eran rÃ−gidas y portaban gran solemnidad lo cual hacÃ−a ver clara la influencia egipcia (como un
ejemplo puede verse la Dama de Auxerre, o la artemisa de Delos).
• Se confeccionaban en madera.
Ninguna ha llegado a nuestros dÃ−as, excepto cuando su imagen fue copiada en piedra o mármol
Koúroi: Son esculturas de carácter votivo de atletas triunfadores. También se conocen como "mozos" o
"apolos", pero esta denominación no es correcta. Sus caracterÃ−sticas más importantes son:
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Figuras desnudas en pie en actitud de marcha, adelantando un pie.
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• Brazos pegados al cuerpo, dando sensación de bloque.
• Marcan la frontalidad.
• Sin rasgos personales.
• Musculatura muy marcada pero muy geometrizada.
• Ojos prominentes, grandes y salientes y orejas muy grandes.
• Pelo largo y que cae por la espalda y a veces también por delante del pecho formando tirabuzones
también muy geometrizados.
• Boca lineal ligeramente curvada hacia arriba intentando una sonrisa, es la llamada sonrisa arcaica.
Las korai posiblemente también eran exvotos. Se han encontrado en santuarios, muchas en la Acrópolis
de Atenas. Sus caracterÃ−sticas principales son:
• Son figuras femeninas que en contraposición a las figuras masculinas( KOà ROI) siempre iban
vestidas, con una túnica larga que llega hasta el suelo (xitón) encima del cual llevan el peplo, que
da una cierta simetrÃ−a ya que cae vertical y está formado por una tela gruesa que forma pliegues
rectos y verticales. Muchas veces también llevan un manto o himation, que da a la escultura una
riqueza plástica ya que es una tela más fina y delicada que forma pliegues diagonales que dan
movilidad. Estas telas se transparentan y dejan ver parte de la anatomÃ−a.
• Tienen la sonrisa arcaica
• Suelen estar tocadas por una diadema u otra especie de tocado, un sombrerillo pequeño que se
ajusta a la cabeza. El pelo es muy semejante al de los kuroi, pero tratado con más delicadeza y más
abundante.
• Llevan en la mano derecha una ofrenda y la izquierda a la cadera o sujetando la ropa. Han quedado
restos de policromÃ−a en la ropa. ejemplo de Korai es la “Kore del peplo” o la “Hera” de Samos
LOS RELIEVES
Los relieves escultóricos que se esculpieron con posterioridad a la escultura de tipo bulto redondo,
representaron a sus figuras en movimiento. Los frisos del Tesoro de los Siphnios, en el templo de Apolo en
Delfos, que muestran una de las batallas de la guerra de Troya, son uno de los ejemplos más excepcionales
del periodo arcaico medio. Otra importante muestra es el frontón del templo antiguo de Atenea en la
Acrópolis de Atenas, el cual se conserva en estado fragmentario, que representa un combate entre dioses y
gigantes. Entre los ejemplos del periodo arcaico tardÃ−o, pueden destacarse las esculturas de los frontones del
templo de Aphaia en Egina.
Las primeras imágenes arcaicas están encajadas en un esquema geométrico, son frontales e impresionan
por lo que tienen de sobrehumano. La sonrisa anima la expresión del rostro, pero es un gesto estereotipado.
En torno a los años 540-535 a.C. se va sustituyendo la geometrización que segmentaba las figuras humanas
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por el modelado que define las partes del cuerpo como volúmenes; se rompe el frontalismo poco a poco y
desaparece la simetrÃ−a. De la cabeza en las esculturas cabe destacar el tratamiento que le dan al pelo,
siempre rizado en bucles simétricos. En el paso del s. VI al V a.C., la sonrisa arcaica desaparece y el artista
investiga la forma de integrar la expresión del sentimiento.
• PERIODO CLÔSICO (hasta final de s. IV)
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Los escultores de Kuroi y Korai se esfuerzan en representar las formas anatómicas de una forma realista,
eliminando el hieratismo y la rigidez propias de la época arcaica. Tras este proceso evolutivo, las esculturas
del primer tercio del este siglo representan la transición hacia el clasicismo. Es conocida como la etapa del
Estilo Severo que durará hasta la época de Fidias. Se caracteriza por la idealización de la figura humana,
la búsqueda del equilibrio sereno y la dignidad en cuanto a las representaciones de los dioses. En esta
época la búsqueda del naturalismo llega a su máxima expresión alcanzando la perfección en todos los
aspectos técnicos. Hay que observar que la perfección se expresa con formas ideales, no realistas, pues no
se muestran las peculiaridades individuales y deformaciones de la naturaleza sino el individuo como prototipo
ideal por lo que no se representa a una persona concreta sino a un ser genérico y perfecto. Las personas
representadas son adultas jóvenes completamente formadas y en todo su vigor.
 En una primera fase (entre los años 480 y 450 a.C.) se producen algunas obras que anticipan los logros
que se van a conseguir en esta época tanto en la escultura exenta como en el relieve. Algunas figuras tienen
una posición semifrontal y otras giran en un movimiento pronunciado como el Discóbolo aunque se
abandona esa lÃ−nea por una posición más estática. Los músculos y los pliegues de las ropas mejoran y
son más reales que en la época precedente.
Artistas de este periodo son Pitágoras de Samos, Calamis, Kritios, Mirón y Policleto.
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Pitágoras de Samos . Suas obras não chegaram aos nossos dias. PlÃ−nio, o Velho , diz que sua
habilidade era superior à de MÃ−ron e que foi um dos primeiros a buscar um senso de ritmo e simetria
em suas obras, antecipando o cânone de Policleto . Sus obras no han sobrevivido hasta nuestros dÃ−as.
Plinio el Viejo, dice que su capacidad es superior a la de Mirón y fue uno de los primeros en tener un sentido
del ritmo y la simetrÃ−a en su trabajo, anticipando el canon de Policleto . Con toda probabilidad el Auriga de
Delfos, en bronce y que representa al conductor victorioso de una biga o una cuadriga. Formaba parte de un
grupo perdido. Mantiene una cierta rigidez arcaica.
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Kritios maestro de Mirón y que impulsó el concepto del contraposto, término italiano para designar la
oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana, lo que proporciona cierto
movimiento y contribuye a romper la ley de la frontalidad.
Se le atribuye el grupo de los Tiranicidas y el efebo de la Acrópoli, rompiendo con la clásica frontalidad
arcaica.
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Anónimos son el Trono Ludovisi, con la representación del nacimiento de Afrodita y pionera en la llamada
técnica de los paños mojados (transparencia anatómica) y el Trono de Boston.
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Los frontones del templo de Afaia en Egina suponen un gran avance la representación del desnuco aunque se
mantiene todavÃ−a la sonrisa arcaica.
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Los frontones del templo de Zeus en Olimpia con la centauromaquia es de gran solemnidad.
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Mirón en la primera mitad del s.V. Trabajó principalmente el bronce. Se ha conservado poco y siempre por
reproducciones romanas o más pequeñas y también por referencias. Nos han llegado dos obras: el
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Discóbolo y el Grupo de Palas Atenea y Marsias. Se interesa por el estudio del movimiento del cuerpo
humano no dudando en situar sus figuras en posturas violentas. Es de un acusado naturalismo aunque se
mantiene el rostro y el pelo arcaicos.
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Discóbolo
Hay distintas copias, en mármol, aunque en su origen era de bronce. Refleja la preocupación de
Mirón por el movimiento, por el estudio de la anatomÃ−a y por reflejar la realidad. Representa el
momento en el que el atleta va a lanzar el disco, por ello todo el cuerpo está en tensión. La cabeza
no se acaba de corresponder con el cuerpo, ya que está demasiado tranquilo, concentrado, pero
sereno. Además, mientras el cuerpo ya es de un estilo clásico, la cabeza se acerca más a la del
auriga, no marca volumen. La musculatura está bastante marcada, aunque todavÃ−a resulta algo
plana. El cuerpo está realizando un giro muy violento y en él se contrapone la parte inferior con la
superior. Los brazos crean un semicÃ−rculo.
Policleto, era broncista. Se preocupa por la consecución del canon ideal del hombre esculpiendo figuras
armoniosas. Instauró el canon de 7 cabezas (el cuerpo humano perfecto es la medida de 7 cabezas). De sus
obras destacamos
• El DorÃ−foro también llamado "El Canon" porque es la escultura que mejor representa la
armonÃ−a y proporción que buscaba Policleto. Es llamado asÃ− porque es el portador de la lanza,
se encuentra en actitud de marcha. Hay quien dice que era Aquiles, pero en todo caso es un atleta. Es
el mejor ejemplo de otra de las caracterÃ−sticas tÃ−picas de Policleto: el contraposto(.Se usa en la
escultura para dar sensación de movimiento. Una de las piernas está fija en el suelo y la otra se
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adelanta, los brazos hacen lo propio, mientras la cabeza mira hacia un lado simulando un paso). El
DorÃ−foro mide poco más de siete cabezas y la cabeza está dividida en tres partes iguales: la
frente, el espacio que hay de la frente a la nariz y el que hay de la nariz a la barbilla. Una de las
piernas está fija en el suelo y la otra se adelanta, los brazos hacen lo propio, mientras la cabeza mira
hacia un lado simulando un paso barbilla. Hay una cierta geometrización. Otra caracterÃ−stica
tÃ−pica de Policleto es que marca mucho los pliegues torácicos y de las ingles, que forman
segmentos casi semicirculares cuyo centro es el ombligo. La cabeza está girada, el pelo está
demasiado pegado la cabeza, recordando un poco la época anterior, pero en todo caso hay una
individualización y una gran riqueza.
El canon de la mujer lo plasma en su obra Amazona herida realizando esta obra en una competición en la
que ganó a Fradmon, Crésilas y Fidias.
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Fidias, fue el arquitecto y decorador esculpió varias obras que en nuestros dÃ−as aun son ejemplo de
escultura helénica clásica. Debido a los destrozos y saqueos causados por invasiones extranjeras, pocos
trabajos originales del maestro se conservan hasta hoy. En el interior del Partenón creó dos estatuas
gigantes cuyos originales ya no existen y en su exterior labró el mármol en forma magistral logrando la
combinación perfecta de sus tallados y el estilo Jónico utilizado en las edificaciones atenienses más
refinadas. De estos esculpidos con escenas históricas, religiosas y mitológicas aun se guardan fragmentos.
Fidias ejecutó sus obras en mármol, bronce y también materiales de alto valor como marfil y oro.
Existen varias réplicas de sus estatuas, que otros artistas griegos de la antigüedad esculpieron para
mantener vivo su magnÃ−fico legado.
Este escultor que consiguió resolver la manera de decorar los vértices bajos de los frontones, el giro de los
cuerpos, etc. Sin embargo, lo realmente innovador fue el tratamiento dado a las vestiduras. Los abundantes y
sinuosos pliegues de los vestidos se pegan al cuerpo pero no impiden llevar a cabo un profundo estudio de la
anatomÃ−a de la figura. Es una excusa para conseguir un mayor naturalismo antropomórfico.
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• El Partenón
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Los relieves del Partenón
Pericles le encargó la dirección de los trabajos en el Partenón, con lo que Fidias consigue una cierta
unidad, aunque hay diferencias de calidad en los distintos relieves. Son los relieves que se encontraban en las
metopas, en el friso corrido y en los frontones.
Las metopas
Son 92 altorrelieves que representan las hazañas mÃ−ticas del pueblo ateniense. Las más interesantes son
las centauromaquias. Tienen seis principales caracterÃ−sticas:
• Son relieves de estilo ático: sobre un fondo liso se recortan las figuras de forma nÃ−tida.
• Existe individualización en los rostros, quizá los más ricos son los de los centauros, que son
retratos nobles, de algunos filósofos, quizás.
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En ellas hay mucho movimiento.
• Se trata de composiciones cerradas.
• Hay un gran naturalismo tanto en la anatomÃ−a humana como en las partes animales y en el
tratamiento de las telas, donde destaca el uso de la técnica de los paños mojados.
• Se intentaba dar expresividad a los rostros, especialmente a los derrotados.
El friso corrido
Representa la procesión de las Panateneas, en donde se conmemoraba la celebración de las jóvenes que
estaban todo el año tejiendo en peplos de Atenea y se lo ofrecen a la diosa en medio de grandes fiestas.
Las jóvenes van acompañadas por multitud de otras gentes, como jóvenes llevando animales para
ofrendas, personajes públicos, etc. Arranca de la esquina suroeste para llegar a la noreste donde acaba el
friso con una asamblea de los dioses, que están sentados. El relieve también es ático, pero al ser un friso
corrido, las figuras van unas delante de otras sin interrupción y hay distintos planos, con lo que hay alto,
medio y bajorrelieve que dan un muy buen sentido del volumen. Hay una gran variedad de posturas y
actitudes, pese a que van todos andando. Además, hay un estudio muy realista del desnudo, de las telas y
también de animales, tanto los que van a ser ofrendados como los caballos que también van en la
procesión.
El frontón oriental
Es un altorrelieve que representa el nacimiento de Atenea que está en el centro, como la creación de una
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idea, y a los dioses, delante de los cuales sucede el nacimiento, que se encuentran a los lados. Hay una gran
variedad de actitudes y posturas: recostados, sentados, etc., y también hay figuras vestidas, desnudas y
representación de animales.
Hay un gran interés en el estudio de las telas. No se ha conservado todo. Lo más importante es:
• El grupo conocido como las Parcas, pero que en realidad son Afrodita recostada sobre Artemio y una
tercera diosa.
• Dionisos.
• El caballo de Selene.
El frontón occidental representaba la lucha entre Atenea y Poseidón por conseguir ser los dioses protectores
del Ôtica, ganó Atenea.
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Por copias romanas conocemos la estatua de Atenea Prómacos con casco y lanza de 15 metros altura; la
Atenea Lemnia, en bronce y ataviada con un simple peplo y la Atenea Partenos, estatua crisoelefantina (marfil
y oro) asÃ− como una estatua de Zeus de Olimpia.
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Coetáneo de Fidias es CalÃ−macos, discÃ−pulo de éste, al que se le han atribuido las cariátides del
Erecteion y Alcamenes con el Ares Borghese.
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.
• Siglo IV A.N.E.:
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Las guerras del Peloponeso entre Esparta y Atenas produjo la derrota de ésta última y una consiguiente
transformación en el arte. La idealización y la serenidad dará paso ahora por una necesidad de desvelar los
sentimientos y estados de ánimo de las figuras. Surge asÃ− una escultura mucho más expresiva y
acentuada.
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Nace el retrato de tipo realista en contraposición al del arqueotipado del siglo V a.n.e. y una gran diversidad
en las obras.
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PraxÃ−teles es uno de los más importantes, pero no se ha conservado casi nada original de él, sólo hay
una escultura que se cree que es original y ni siquiera es seguro. Nace y trabaja en Atenas entre el 400 y la
mitad del s.IV. Trabaja el bronce y, sobretodo, el mármol. Sigue la búsqueda del naturalismo, movimiento,
belleza y se esforzara por influir un aliento psicológico en sus obras. Tiene un especial gusto por la belleza y
las formas suaves y curvas.
También tiene una gran preocupación por la luz, se le considera el creador del sfumatto, ya que pasa de la
luz a la sombra de manera muy suave. Entre sus obras más importantes están:
• Hermes
Está realizado en mármol y nos da todas caracterÃ−sticas de Praxiteles. Representa el momento en
el que Hermes lleva a Dionisos niño al lugar donde le van a cuidar las ninfas. En ese momento
hacen un paro en el camino porque el niño tiene sed y por ello Hermes le ofrece un racimo de uvas.
La composición es cerrada por las miradas, que nos dan una relación entre las figuras, al igual que
la postura.
La figura de Hermes forma con su cuerpo una curva y contracurva, la llamada curva praxiteliana, pero
siempre de forma suave. La tela marca el contraste con la lisura del cuerpo. Hermes está en la misma postura
que otra figura de otra obra de Praxiteles, el sátiro escanciador [H16, 133].
• Apolo Sauróctono
Hay distintas copias, tanto en bronce como mármol. Marca aún más la curva praxiteliana. El
cuerpo es más joven, pero tiene la misma preocupación anatómica.
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El pelo es distinto, pero con el mismo estilo, creando volumen con rizos muy naturalistas que también
crean un claroscuro suave.
• Sátiro en reposo
La curva está aún más pronunciada, casi de forma antinatural y violenta. Tiene las mismas
caracterÃ−sticas que las anteriores.
• Venus de Cnido o Cnidia
Hay distintas copias. Estando desnuda, no deja del todo el cuerpo al descubierto ya que representa el
momento en el que Venus sale del baño y se cubre con un paño, pero en otras copias sÃ− que
aparece totalmente desnuda. Aparecen tanto la curva praxiteliana como la luz suave en la cara.
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Scopas de Paros Trabaja especialmente el mármol. Era de Paros y se ha conservado muy poco de su obra,
pese a ser muy trascendente.
En su escultura, Escopas se preocupa por los sentimientos internos y por las formas más patéticas. Para
ello deja la boca entreabierta y los ojos hundidos, de manera que se marca un claroscuro muy intenso.
También se preocupa por un movimiento violento, dando figuras muy agitadas.
• La Ménade
Representa el momento en el que la mujer está haciendo un ritual o una danza bebida, ya que las
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ménades o bacantes estaban relacionadas con Dioniso
s. Por la postura se le descompone la vestimenta. Se marca una curva muy violenta, la figura se echa
hacia atrás, especialmente la cabeza, que además está inclinada totalmente hacia un lado, dejando
que la larga melena con rizos caiga por la espalda.
• Monumento de Halicarnaso
Escopas realizó algunos relieves de la parte inferior de este monumento y el retrato de Mausolo,
aunque de este último no todos piensan que la realizara él sino Bryaxis. Parece que es la original,
aunque está bastante deteriorada. Hay una mayor preocupación por el estudio de las telas. No está
haciendo movimientos bruscos ni tiene una expresión violenta, aunque sÃ− tiene los ojos hundidos.
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Lisipo representa la transición entre los clásico y el helenismo. Realiza obras importantes, es el escultor de
Alejandro. Preocupado por el retrato, es el primero que consigue captar rasgos infantiles, de viejos... Trabaja
el mármol y el bronce.
El Apoxiomenos
Recoge todas las caracterÃ−sticas de Lisipo. El mismo Lisipo decÃ−a que sus maestros son Policleto y la
naturaleza. Sin embargo, se ve una evolución desde Policleto: no es tan rÃ−gido en cuanto al canon o la
geometrización de las formas, hay una mayor libertad. Además, da una mayor altura a la escultura,
seguramente una cabeza más, creando esculturas más esbeltas, aunque a veces da la sensación de que las
cabezas son demasiado pequeñas. Además, rompe el espacio creando un gran escorzo. Recoge el momento
en el que el atleta se quita la arena y el aceite con el estrÃ−gilo. No hay curva praxiteliana, pero el pelo sÃ−
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sigue la misma lÃ−nea, más naturalista. La cara es expresiva.
• Agias
Muy similar, pero con mayor volumen en los músculos, los ojos hundidos y la boca abierta.
• Sócrates, Platón y Homero
Son retratos, no se sabe si de Lisipo. Sólo se conservan las cabezas, aunque es probable que fueran
de cuerpo entero. También se busca el parecido interior. Son obras de fin del s.IV a.C.
Hércules Farnesio
Es una obra totalmente distinta. Es una figura fuerte, llena de musculatura, muy pesada. Está descansando
sobre una roca que se encuentra debajo de su axila, dejando un brazo al otro lado. La anatomÃ−a está mucho
más marcada. Una de las piernas está adelantada respecto a la otra, y lo mismo ocurre con los brazos, asÃ−
crea un espacio. Además, el izquierdo y la pierna derecha están verticales y rectos mientras los otros
están doblados, asÃ− nos da muchos puntos de vista.
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