El arte renacentista

Pintura por Fran Núñez
 Arquitectura por Alejandro Suero
 Escultura por Pedro Moreno
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FASES DEL RENACIMIENTO
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1º) Trecento (Finales XIV) Pisa
Comienza el Renacimiento, desarrollándose principalmente la pintura.
Son los “primitivos italianos”: Giotto, Duccio y Simone Martini.
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2º) Cuattrocento (Siglo XV) Florencia
El centro fundamental será Florencia, donde los Médicis ejercerán un
fundamental papel de mecenazgo. Destacarán Brunelleschi
(arquitectura), Donatello (escultura) y Botticelli (pintura).
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3º) Cinquecento (Siglo XVI) Roma
El siglo XVI es el de la Reforma Protestante y de la respuesta católica,
la Contrarreforma: los valores del catolicismo fijados en el Concilio de
Trento encontrarán como vehículo fundamental de transmisión el Arte,
bajo el mecenazgo de los Papas. Destaca la personalidad polifacética
de Miguel Angel, junto a Bramante (arquitectura), Leonardo, Rafael,
Tiziano y El Greco (pintura).
Características e
innovaciones
El renacimiento se caracteriza por:
 La unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y de la belleza
exterior física imita la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los
artistas en las obras clásicas escultóricas.
 Aumenta el uso referencias mitológicas, cultivando el retrato y las historias. Aunque
está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y
la representación del paisaje tienen mucha importancia.
 Abandono definitivo de los realces y dorados, predilección por los lienzos sin tabla y
adopción casi exclusiva de la pintura al óleo, salvo las
decoraciones murales al temple y al fresco.
Florencia y Roma durante los siglos XV y XVI son la cuna de dicho movimiento que
establecerá a través de la perspectiva, la proporción, la anatomía y el
descubrimiento y uso del óleo, una manera de pintar realista o verista que no se
había dado antes.
El Renacimiento surge en Italia y se va extendiendo progresivamente por Europa,
con mayor o menor calado, según los países. Surgieron innumerables centros o
escuelas de pintura, sobre todo, en Italia, influyéndose mutuamente. No existe
unanimidad crítica ni es uniforme el estilo de los diferentes maestros, por lo que las
escuelas se reúnen sólo geográficamente.
Pintura Itálica en el
Quattrocento
Italia fue el foco del Renacimiento en todas sus
manifestaciones. La pintura se desarrolló en el
Quattrocento con la obra de Fra Angelico y
de Masaccio creando una sensibilidad ajena al
gótico. Emplea un uso metódico de
la perspectiva lineal. La siguiente generación de
artistas florentinos logró un mayor refinamiento
con Sandro Botticelli como máximo exponente. En
la segunda mitad del siglo XV surge una escuela
pictórica en el centro de Italia. os más
sobresalientes pintores venecianos de la época
fueron los Bellini.
Pintura Itálica en el
Cinquecento
La segunda fase del renacimiento italiano es
el Cinquecento en el que aparecen los tres grandes
nombres de la pintura renacentista: Leonardo da
Vinci, Rafael y Miguel Ángel.
A mediados de siglo, tras la muerte de los grandes
maestros, la pintura se hace manierista, notándose
primero en Florencia y Roma con Andrea del Sarto.
En Parma surge una escuela cuya figura más
sobresaliente es Antonio Allegri da Correggio,
precursor del ilusionismo barroco con su decoración
de la cúpula de la iglesia de San Juan Evangelista
de Parma. Esta es la época en que aparecen los
grandes maestros venecianos, con obras plenas de
sensualidad colorido.
Pintura Flamenca
En el siglo XVI, existe una autonomía
de géneros como el paisaje,
el bodegón o la escena de género. Este
proceso que culminó en el siglo XVII se
inicia durante el renacimiento.
En Bélgica se produce la paulatina
decadencia de Brujas. Pueden
diferenciarse dos tendencias, la escuela
de italianistas y la escuela de
reaccionarios
Pintura Holandesa
Las escuelas holandesas empiezan con Lucas
van Leyden quien se formó en el estilo de los
flamencos italianistas como lo revelan sus
cuadros del Sermón en el Museo de Ámsterdam y
el San Jerónimo y la Virgen con el Niño en el de
Berlín. Muy pronto la invasión
del protestantismo disipó el verdadero ideal en la
pintura holandesa y aunque sigue italianizante en
el siglo XVI se limitan los asuntos a pintar las
costumbres y paisajes del país. Martin van
Heemskerck fue uno de los principales retratistas,
aunque también se dedicó a la pintura de historia.
En Holanda surgen los primeros retratos
colectivos, en los que se destacará Frans Hals, de
la ciudad de Haarlem.
Pintura Francesa
En Francia se inicia el renacimiento con autores de clara influencia
flamenca. Se crean dos escuelas de Fontainebleau, que siguen
modelos italianizantes.
En esta época alcanza gran esplendor el género del retrato,
con Jean Clouet y su hijo François. El primero realiza
lienzos mitológicos y retratos dibujados o a lápiz. François busca la
caracterización social de sus modelos, aproximándose más a los
modelos italianos y flamencos.
En París trabajan los Cousin, padre e hijo. Jean Cousin padre,
llamado el Viejo para diferenciarlo de su hijo, Jean Cousin el Joven,
realizó el primer gran desnudo pintado por un artista francés: Eva
Prima Pandora (Museo del Louvre).
A finales de siglo, recuperada cierta paz social tras las guerras de
la religión, el rey Enrique IV reemprende los grandes trabajos
decorativos, naciendo así una «segunda escuela de
Fontainebleau» que agrupa a los diversos artistas que trabajaron
en el castillo.
Leonardo Da Vinci
Leonardo da Vinci (Leonardo
di ser Pierre) fue
un polímata florentino del Rena
cimiento italiano que nació en
el pueblo de Vinci el 15 de
abril de 1452 y falleció
en Amboise el 2 de
mayo de 1519, a los 67 años.
Algunas de sus obras fueron
Bautismo de Cristo,
Anunciación, La ultima Cena y
La Gioconda
Sandro Botticelli
Alessandro di Mariano di Vanni
Filipepi (Florencia, 1 de
marzo de 1445 -Florencia, 17 de
mayo de 1510), apodado Sandro
Botticelli, fue
un pintor cuatrocentista italiano. Su
reputación póstuma disminuyó,
siendo recuperada a finales del siglo
XIX. El nacimiento de Venus y La
primavera son, actualmente, dos de
las obras maestras florentinas más
conocidas.
Miguel Ángel
Michelangelo
Buonarroti (Caprese, 6 de
marzo de 1475-Roma, 18 de
febrero de 1564), conocido
en español como Miguel Ángel,
fue
un arquitecto, escultor y pintor italia
no renacentista, considerado uno
de los más grandes artistas de la
historia tanto por sus esculturas
como por sus pinturas y obra
arquitectónica. Algunas de sus
obras fueron Bóveda de la Capilla
Sixtina y Santo Entierro
Características generales
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Búsqueda del ideal clásico: A través del clasicismo,
los hombres miraban hacia el mundo greco-romano
como modelo para su sociedad contemporánea.
Visión profana sobre temas religiosos: Se integró
la visión del mundo cristiano con el proyecto de
recuperación de los ideales clásicos.
Influencia de la naturaleza: Era vista como la
creación suprema de la obra de Dios y elemento más
próximo a la perfección.
Antropocentrismo y Humanismo: El ser humano se
convierte en el centro de atención y se deja atrás el
teocentrismo, es decir, a Dios como centro de todo.
Desarrollo del Renacimiento
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Alemania: En Alemania la corriente que existía era de influencia flamenca,
a pesar de que en Alemania tenía un estilo artístico muy particular. Los
temas religiosos abundaban en las obras de arte de los alemanes, entre los
que se destacan Matthias Grünewald (1475-1528) y el más
importante Alberto Durero (1471-1528).
España: En el campo de la arquitectura, tradicionalmente se distinguen tres
periodos: Plateresco (siglo XV-primer cuarto del siglo XVI), Purismo o estilo
italianizante (primera mitad del XVI) y estilo Herreriano (a partir de 1559mediados del siglo siguiente). En el primero de ellos, lo renaciente aparece
de forma superficial, en la decoración de las fachadas, mientras que la
estructura de los edificios sigue siendo de arte gótico en la mayoría de los
casos. Lo más característico del Plateresco es un tipo de decoración
menuda, detallista y abundante, semejante a la labor de los plateros (de
donde deriva el nombre). El núcleo fundamental de esta corriente fue la
ciudad de Salamanca, cuya Universidad y su fachada son el paradigma del
estilo
Arquitectos más destacados
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Francisco de Colonia: Construyó la capilla de Santo Domingo
del desaparecido convento de San Pablo de Burgos, de la
Orden de los dominicos.
Jacques du Broeuq: Dirigió los trabajos en el castillo
de Boussu. También participa en la construcción del mausoleo
de Eustache de Croy en la catedral de Notre Dame de Saint
Omer.
Rémy Faesch: Construyó las iglesias y el ayuntamiento de
Basilea, en Suiza, así como de la Colegiata de Saint-Thiébaut y
de la Halle aux blés de Thann, en Alsacia.
Domenico Fontana: De mayor importancia son las
modificaciones que realiza en la Basílica de San Juan de
Letrán (1586).
Luciano Laurana: Era un cantero en Zadar y trabajó junto al
escultor Giorgio da Sebenico en la Catedral de
Santiago de Šibenik. Dirigió las obras de un nuevo palacio
encargado por Federico da Montefeltro.
Características generales
1) Se imitarán las esculturas clásicas, utilizándose como
modelos las estatuas y relieves romanas: simetría (relación
armoniosa de unas partes con otras), dominio de las
proporciones, dominio de la anatomía y armonía de los
movimientos. Se busca la belleza y el equilibrio.
2) El material preferido será el mármol, rememorando el
esplendor griego y romano. También el bronce aunque
alcanzando una perfección magistral. Las esculturas en mármol
no se policromarán, debido a que los artistas del Renacimiento
creían que los escultores clásicos tampoco lo hacían.
3) En lo que se refiere a la temática, compartirán el
protagonismo la religiosa y la profana. En esta última destaca la
de carácter mitológico.
4) En cuanto a los géneros, serán variados a lo largo de todo el Renacimiento:
El retrato en todas sus variedades (busto, cuerpo entero, ecuestres). Mostrarán variedad de
expresiones, estados de ánimo, etapas de la vida...
El desnudo tendrá gran relevancia, alcanzando un perfecto conocimiento anatómico. Se realizará
fundamentalmente a través de los temas mitológicos.
Se realizarán imágenes de culto, aunque en menor medida de lo que se hace en España, donde
los motivos religiosos ostentan el protagonismo temático.
La escultura funeraria será otro de los géneros destacados, íntimamente relacionada con la idea
humanista de la muerte. En la Edad Media la muerte triunfaba sobre el hombre; en el
Renacimiento, el hombre triunfa sobre la muerte y lo hace a través de la “fama”: el sepulcro tratará
de expresar las razones por las cuales aquella persona allí enterrada merece “fama” póstuma. A
veces estas razones se expresan de manera simbólica.
5) Alcanza una total independencia de la arquitectura y se desarrolla de un modo absolutamente
libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media en los que la escultura había sido un
complemento de la arquitectura, dependiendo de ella.
6) El relieve alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del schiacciato (bajo
relieve esbozado, en el que el resalte es de muy escasa profundidad, pareciendo algunos sectores
del relieve una superficie grabada), con el que se consiguen efectos sorprendentes en la
perspectiva. Se le denomina también relieve pictórico, ya que lo que está más próximo al
espectador posee más volumen que aquello que está más alejado, que aparece en relieve muy
bajo.
La escultura del Quattrocento
DONATELLO
Es sin duda la figura más sobresaliente del Quattrocento florentino. Lo más importante para él será
la figura humana, creando los arquetipos escultóricos del hombre en sus distintas edades.
DAVID
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Quattrocento
CRONOLOGÍA: 1444 – 1446
TÉCNICA: Fundición
MATERIALES: Bronce
DIMENSIONES: 1,58 M
LOCALIZACIÓN: Museo Nazionale del Bargello, Florencia
El símbolo de David es siempre el de la victoria de la inteligencia sobre la fuerza bruta. El joven
adolescente vencedor tiene a sus pies la cabeza de Goliat e indolentemente se apoya sobre su
pierna derecha, mientras incurva su cuerpo hacia la izquierda. El cuerpo, suavemente modelado,
como corresponde a la anatomía en formación (blanda) de un adolescente, permite que la luz
resbale por la superficie prestando fluidez a la figura, acentuando las calidades del bronce. El
tratamiento sensual del cuerpo contrasta con la determinación de la mirada fija y reflexiva, de un
espíritu victorioso. En la mano izquierda lleva una piedra alusiva al combate y, en la derecha, la
espada, sujeta con una ligera torsión en el brazo para acomodarlo a la acción. Se cubre con un
casco con pámpanos, remedando en su forma el petaso romano.
Otras obras de Donatello en las que representa distintas edades del hombre son LA CANTORÍA
DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES (niños), la ESTATUA ECUESTRE DE ERASMO DE NARNI
(adulto) y EL PROFETA HABACUC(vejez).
La escultura del Cinquecento
MIGUEL ÁNGEL
Aunque practicó todas las artes, él siempre se consideró como escultor. Ello provocó su
angustia vital, pues estimaba que tanto la pintura como la arquitectura le distraían de su
verdadera vocación escultórica.
Sus figuras no son reales sino modelos supremos a los que sólo se puede llegar por la
imaginación. Las características más importantes de sus obras serán:
Fuerte expresividad (“terribilitá”), que hace que sus figuras muestren un carácter
terrible, amenazador, con unos gestos dramáticos, que son reflejo de unos sentimientos
contenidos, que provocan una intensa sensación de vida interior, mediante una total
tensión en las figuras.
Amplias anatomías (cuerpos muy musculosos), tratadas de un modo analítico.
Como escultor se forma en Florencia, aunque con sólo veinte años tiene que abandonar
esta ciudad debido a la caída de los Médicis, y se traslada a Roma, donde los Papas
serán sus mecenas el resto de su vida. En Roma, sus cuerpos tendrán cada vez más
musculatura. Ello puede ser debido a la impresión que recibió por el descubrimiento en
aquella época del grupo helenístico del Laocoonte. Sus desnudos están dotados de una
fuerza en tensión sin igual ya que los músculos luchan por acusarse bajo la piel.
1º) Etapa de juventud
PIEDAD DEL VATICANO
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Cinquecento
CRONOLOGÍA: 1498 - 1499
TÉCNICA: Talla
MATERIALES: Mármol
DIMENSIONES: 1,74 m
LOCALIZACIÓN: Basílica de San Pedro del Vaticano
La Virgen tiene en su regazo el cuerpo muerto de Cristo. El idealismo simbólico de la
representación se advierte en que la Virgen es más joven que su Hijo, como símbolo de
la virginidad eterna y sin edad. Mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza
humana, aparece como un hombre cualquiera en sus despojos mortales. El grupo se
concibe inserto en una pirámide, destacando, junto a la belleza y el cuidado tratamiento
del cuerpo de Cristo, su magnífico estudio anatómico, así como la belleza perfecta de la
Virgen, que no expresa ningún sufrimiento, y que sostiene a Cristo con su mano
derecha, mientras extiende su izquierda como para ofrecerlo al mundo. El estudio de las
telas, se ajustan a las formas anatómicas de la Virgen. Se insinúa una diagonal en el
manto de la Virgen, por lo que la mirada se detiene en el torso de Cristo, para seguir por
su brazo muerto hacia la parte inferior izquierda.
DAVID
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Cinquecento
CRONOLOGÍA: 1501 - 1504
TÉCNICA: Talla
MATERIALES: Mármol
DIMENSIONES: 4,34 m
LOCALIZACIÓN: Museo de Florencia
Ejemplo de la perfección majestuosa del Cinquecento italiano. Es su obra culminante de esta
época, destinada en principio a ser uno de los contrafuertes del Duomo, aunque después de ver
culminada la obra, y debido a su perfección, el pueblo de Florencia presionó para que se colocara
en otro lugar, emplazándose delante del Palacio Viejo en la plaza de la Signoría de Florencia. El
héroe se apoya en su pierna derecha mientras que con la izquierda inicia el giro para lanzar la
honda que apoya en su hombro; en su mano derecha sujeta una piedra y con la mirada sigue
atento los movimientos de Goliat, buscando el momento oportuno para lanzar el proyectil.
Magnífico estudio anatómico de un cuerpo en reposo, pero en el que está implícito el inmediato
movimiento ,característica muy personal en la escultura de Miguel Ángel. Su potente musculatura,
su expresión firme y segura, y un vigor resaltado especialmente por sus manos enormes, en cierto
modo están anunciando ya la tensión manierista y la grandilocuencia miguelangelesca.
A través de esta obra podemos descubrir el genio de Miguel Ángel, así como sus extraordinarios
conocimientos tanto en el campo de las artes como de las ciencias:
por mantener de pie una figura tan “desproporcionada” en relación a su altura (la esculpió sobre un
bloque de piedra muy alto y estrecho, del cual otro escultor dijo que no se podía obtener nada por
eso mismo), Miguel Ángel demuestra sus conocimientos de física, reforzándola con un tronco que
dispone detrás de una de las piernas
también demuestra sus conocimientos de anatomía, por la fidelidad en el
comportamiento de los músculos e incluso de las venas (parece probado que
diseccionaba cadáveres para comprender el funcionamiento del cuerpo humano y
reflejarlo en sus esculturas, pese a que esa práctica estaba perseguida por los
tribunales eclesiásticos)
y, por su puesto, queda patente su dominio del arte de la escultura.
Otro aspecto a destacar es el simbolismo de esta escultura. No podemos olvidar que
estaba destinada a un lugar público de Florencia, para ser contemplada por todos los
florentinos. Se esculpe por encargo del gobierno de la ciudad, en un momento en el que
Florencia, una pequeña ciudad-estado (reflejada en el David), está disputando el
comercio del Mediterráneo a otras ciudades italianas mucho más potentes (que serían
el “Goliat” contra el que luchaban). Precisamente este simbolismo es el que nos permite
explicar dos “defectos” de la escultura: la desproporción de la mano y de la cabeza, en
comparación con el resto del cuerpo (son mucho más grandes de lo que corresponde).
Pero es que a través de esa desproporción Miguel Ángel pretende mostrar a los
florentinos, el camino para derrotar a las otras ciudades: mediante la cabeza (la
inteligencia) y mediante la mano (la fuerza). (Iconografía- Iconología)