HISTORIA DEL CONTEMPORÁNEO ÍNDICE MUNDO 1. LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XX 2. LA ESCULTURA DEL SIGLO XX 3. PINTURA DEL SIGLO XX 4. EL SUBREALISMO: SALVADOR DALÍ. 5. EL “POP- ART” (ANDY WARHOL) Y EL HIPERREALISMO (ANTONIO LÓPEZ). 6. PABLO PICASSO. 7. EL SÉPTIMO ARTE: EL CINE. 8. LA NUEVA MÚSICA: EL ROCK Y EL POP. 9. ARTE Y NUEVAS TECNOLOGÍAS. 10. MOVIMIENTOS SOCIALES: PACIFISMO, ECOLOGISMO Y FEMINISMO. ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX La Arquitectura del Maquinismo. A finales del siglo XVIII y a lo largo de todo el siglo XIX se produce un hecho de enorme trascendencia: la aparición de la gran industria. El avance de la técnica procura el desarrollo del maquinismo: las maquinas, cada vez más potentes y capaces, ofrecen la posibilidad de una producción rápida, abundante y económica. La fabricación deja de ser función exclusiva de la pequeña industria familiar para pasar a manos del capital, él único que puede financiar las grandes instalaciones precisas para una producción de grandes perspectivas. Esta novedad origina la concentración de obreros y maquinas en lugares adecuados y, por tanto, la necesidad de grandes espacios cubiertos y convenientemente iluminados. Se produce una gran conmoción en toda Europa y en América del Norte. El violento cambio de las estructuras sociales y las nuevas necesidades hacen que se planteen unos problemas estéticos que no pueden ser satisfechos por las formas artísticas tradicionales. Más que los arquitectos, son los ingenieros los característicos representantes de la construcción de esta época de la revolución industrial. En un principio los grandes tramos de cubierta se sostienen mediante gruesas vías de madera, hasta que empiezan a utilizarse para esto las estructuras de hierro fundido. Este fue el punto de partida. Muy pronto se vio que el hierro constituía la gran solución que exigían las grandes cubiertas de las fabricas, estaciones de ferrocarril, locales para exposiciones industriales, etc. Donde se inicia esta revolución arquitectónica es en Inglaterra, por ser el país que con más ímpetu se lanzo a la industrialización. Los edificios de hierro y vidrio fueron los que mejor cumplieron las nuevas exigencias. En su base estos edificios tenían de común con el neogótico la preocupación mecánica y la solución plástica por lo lineal. A ello contribuían las propiedades del hierro. La posibilidad de trabajar este material no sólo por presión sino también por tensión, facilitó a estas construcciones un carácter lineal mucho más patente que en las neogóticas. Todo quedaba convertido, simplemente, en un esqueleto estructural delgadísimo, y, sin duda, para dar mejor a entender estas posibilidades y el aspecto estético que producían, se tendía a cerrar los espacios entre hierros con la frágil y casi inmaterial apariencia del vidrio. Esta arquitectura consigue sus mayores logros en la torre levantada en París por el arquitecto Eiffel, con sus 333 metros de altura, la más alta del mundo en aquel entonces, y en la gigantesca sala de Máquinas, proyecto de Dufert y Contamin con la nave central de 420 metros de longitud y 115 metros de luz. La Arquitectura Modernista. En 1861 William Morris funda en Londres, con un grupo de artistas y arquitectos, la sociedad “Morris & Co.” destinada a la construcción y fabricación de objetos artísticos y de usos corrientes. Dicha sociedad fue el punto de partida de un movimiento de propósitos más ambiciosos que culminó veintisiete años más tarde con la construcción, por C. R. Ashbee, de la “Arts & Crafts Society” (“Sociedad de Artes y Oficios”). Morris luchó por la perfección y originalidad de las obras de artesanía e indirectamente por la arquitectura. Como modelo tomó la artesanía de la edad media. Su lucha iba dirigida contra la decadencia que suponía la producción industrial, de menos valor que la manual, y contra los objetos fabricados en serie por las máquinas que a causa de su precio más bajo, conquistaron el mundo, sustituyendo la belleza y la verdad por la falsedad y el engaño. Pero la producción industrial no era un hecho que pudiera desconocerse en 1888, año en el que se funda la “Arts & Crafts Society”. Así lo entendió Ashbee y aceptó, por lo menos, la teoría del trabajo en común. Con ella introdujo el método del diseño industrial, que desde la construcción del palacio de Cristal corresponde a la era del maquinismo. Del espíritu que aporta la “Arts & Crafts Society” deriva un nuevo tipo de arquitectura, el modernismo, apoyado en un sentido decorativo de la construcción, que rompe con la estética del siglo XIX, cambiando totalmente el arte propio del mismo. El Modernismo. El Modernismo se difundió entre los años 1890 y 1910 por toda Europa. Serám años de transición entre el cierre de los historicismos y el inicio de las vanguardias. Años de intensa actividad económica ligada a un cambio de ideas. En cada país recibió un nombre distinto: “Art Noveau” en Bélgica y Francia; “Modern Style” en Inglaterra; “Jugendstil” en Alemania; etc. También se le llamó estilo 1900. Surgió en lucha contra la cada vez más poderosa industrialización que se veía como una fuerza deshumanizadora, y por la voluntad de crear frente a la falta de estilo del siglo XIX, un estilo nuevo. Se ha considerado el modernismo como “un movimiento romántico, individualista e antihistórico”. A pesar de tener su origen en la pintura, las mejores realizaciones del modernismo se obtuvieron en arquitectura y en las artes decorativas. Las formas típicamente modernistas huyen del ángulo recto y utilizan, en cambio, el arabesco y las líneas sinuosas, ondulantes y asimétricas de la naturaleza. Así llegan a un preciosicismo y a una artificiosidad de gran refinamiento. En todas las obras abiertamente modernistas los arquitectos renuncias expresamente a imitar los estilos anteriores, introduciendo una construcción basada en el ornamento. Los arquitectos modernistas utilizan todos los materiales de construcción conocidos, desde la piedra labrada y la tierra cocida hasta el hierro y el vidrio. Las combinaciones que se hacen entre dichos materiales no obedecen nunca a reglas generales fijadas de antemano, sino a particulares fines que cada arquitecto pretende obtener. La elaboración de los distintos materiales es cuidada con suma atención, según los principios tradicionales más estrictos a fin de conseguir determinadas texturas y calidades. Por lo general, el arquitecto de esta época es un hombre con amplios conocimientos técnicos desde el punto de vista artesano y que rechaza de plano toda falsificación en la preparación de los elementos primarios que van a intervenir en la obra. Será el eje, quien lo diseñara todo a demás de los edificios y las viviendas: muebles, objetos menores, vestidos, calzado, etc. Junto a los materiales más clásicos como la madera y posteriormente el hierro, aplican otros que tuvieron prestigio en determinadas épocas, como la cerámica, la porcelana, el barro cocido, los escayolados árabes, etc. La primera obra más significativa de este movimiento será la Casa Tassel, de Víctor Orta, construida en Bruselas. El arquitecto la diseñara con una gran actividad formal e ideológica. Víctor Orta se considerará el fundador del modernismo en Europa, influenciado por muchos arquitectos anteriores. La Escuela de Chicago: En realidad, el racionalismo se origina antes en Estados unidos que en Europa, al desarrollar la llamada Escuela de Chicago una nueva tarea arquitectónica de gran ciudad: el edificio de gran altura destinado a almacenes comerciales u oficinas, o rascacielos. La figura más importante de la Escuela de Chicago, como arquitecto y como teórico, fue Luis Sullivan (1856-1924). La fórmula en la que resumía su modo de entender la arquitectura, “la forma debe seguir a la función”, constituye un punto de referencia de toda la arquitectura racionalista. Sullivan se opuso a la arquitectura que enmascaraba las fachadas con elementos estilísticos asimilados superficialmente. Estas fachadas de efecto decorativo no guardaban una auténtica relación con el interior del edificio y de hecho negaban su concepción. Para Sullivan el exterior del edificio debe formar con su interior una unidad indivisible, de modo que aparezca una pura aplicación. Cada edificio ha de representar un todo orgánico, inconfundible, al que nada se puede añadir o suprimir, y cada una de sus partes debe reflejar las funciones que le corresponden. Cabe resaltar como obras importantes de este grupo de arquitectos el Monadnock Building, construido, entre 1889-91 por Daniel Hudson Burnharm y John Wellborn Root, en compacta mampostería. En el edificio se prevé ya un nuevo criterio constructivo que pasó a ser el del clásico rascacielos americano. Otra obra de los mismos arquitectos es el Reliance Building, una torre de cristal de trece pisos a base de un esqueleto de acero. Henry Hobson Richardson con la sencilla monumentalidad de los grandes almacenes Marshall Field, de pesada mampostería, marca un nuevo rumbo en la arquitectura. También es destacable el Auditorium Building o los Almacenes Carson, ambos diseñados por Sullivan en Chicago. En Europa no se tuvo al principio en cuenta la evolución de la arquitectura norteamericana. Adolf Loos parece haber sido el único arquitecto que, a finales de siglo, tuvo conocimiento de ello por haber permanecido tres años en Estados Unidos. Y en su rechazo de toda forma ornamental, expuesta en su trabajo “Adorno y crimen” que publica en 1908, va mucho más lejos que Sullivan. La escultura del siglo XX Generalidades. Las tendencias que en la pintura ha habido durante esta centuria, son las mismas que en parte han seguido los escultores. Al principio del siglo hubo una reacción contra el impresionismo. Dándole una importancia a la armonía de los volúmenes, cuidan de la proporción y de la simetría y desarrollan formas constructivas estables y equilibradas. Algunos artistas tienen tendencia a la simplicidad de las líneas y de la estilización geométrica. Antonio Bourdelle (1861-1929). Tomó el camino del impresionismo expresionista, dando suma importancia a la fuerza que hubiera tenido la escultura del romántico. El Hércules arquero, en bronce tiene cierto afectismo. En la imagen de Safo hay un sobresaliente constructivismo por el perfecto equilibrio de las masas y la tradición arcaica griega. Arístides Maillol (1861-1944) Tuvo tendencias clasicistas aunque su temperamento se inclinó hacia los simbolistas y después hacia los Nabis. Defiende las formas opulentas y con gran fuerza desarrolla los desnudos femeninos como La isla de Francia, maravillosa alegoría femenina. En la Venus del collar hay originalidad y sensualismo y en El Mediterráneo hay serenidad y gracia. José Clará (1878-1960). Es el principal artista del llamado Estilo Mediterráneo. En sus primeras esculturas se siente modernista, por lo que sus obras tienden a lo estilizado. Posteriormente se inclina hacia el naturalismo y el realismo y en sus esculturas querrá imprimir verdadero sentimiento humano. Constantino Brancusi (1876-1957). Este considerado como el primer gran escultor contemporáneo, se inspiro en la naturaleza, pero estuvo en contra de las formas puras y abstractas. En El Beso la línea recta, la masa rectangular y las superficies curvas se combinan armoniosamente. En El pájaro conviven la articulación de una forma rectilínea de ritmos ascendentes. El espíritu de Buda lo concibe en un geometrismo tal que la helicoide, las curvas y las quebradas forman un conjunto escultórico de gran intensidad y simplicidad de líneas. Henri Laurens (1885-1954). Es uno de los más grandes artistas del cubismo y la pintura de Braque y las de Picasso dejaron una honda huella en su personalidad. La mujer de mantilla es una de sus primeras creaciones con dureza de ritmos, inclinaciones geométricas e intensidad sensual; su cubismo es a veces barroco como La cabeza en piedra policromada de Meudon. Abandono el geometrismo y se inclina hacia los volúmenes inclinados, como son El otoño o La tierra y el mar. En estas obras las curvas invaden a la superficie habiendo verdaderos juegos de masas. Ossip Zadkine (1860-1967). Se alineo en la tendencia cubista, así en La mujer del abanico, expresó la génesis del cubismo internacional, pero de un espíritu barroco y a la vez clásico. Será a la vez un artista creador de grupos como en sus obras maestras Ménades y Homo Sapiens. Pablo Gargallo (1861-1934). En este artista se dan dos tendencias, así cuando trabaja en piedra o barro era un realista, mientras que si los materiales eran hierro plomo o cobre era completamente modernista. Sus primeras obras son Las mascaras que tienen reminiscencias de arte negro. La bacante y El profeta están concebidas a un espíritu libre a la vez que eminentemente naturalista. Hans Harp (1887-1966). Fue de los creadores del dadaísmo. En sus obras pretendió crear una escultura naturalista pero sin imitar a la naturaleza. Sus primeras creaciones serán sus relieves policromos que tienden al cubismo biomórfico en contra del cubismo geométrico. Posteriormente se hace de la tendencia abstraccionista defendiendo la belleza de la materia creando su famoso Torso en bellísimo mármol blanco pulido donde la unidad del conjunto y de las superficies lo consagran como uno de los maestros del siglo. Alberto Giacometti (1901-1967). Al principio fue por las causas del naturalismo pero pasó al arte del surrealismo buscando la síntesis pura de la escultura como en La pareja o La bola suspendida que a la vez pueden considerarse esculturas abstractas. En el Hombre en marcha hay verdadera fuerza atormentada y expresividad comunicativa. El abstraccionismo fue su etapa más característica. Julio González (1876-1942). Sus primeras obras serán mascaras de metal, así como las naturalezas muertas que tienen influencia cubista. Años después se dedica a fundir metales con la técnica de soldadura autógena, dándole verdadera plasticidad al metal, consiguiendo captar volúmenes en toda su plenitud. Reuniendo fragmentos de metal consigue figuras como El hombre cacto No.1. Sus figuras están delimitadas dentro de un espacio, y tienen a la vez abstracción, pero a si mismo fantasía y elegancia. Alexander Calder (1894). Fue el creador de los móviles o esculturas aéreas, a base de alambre, donde el espacio está encerrado por líneas metálicas que sugieren masas. Se hace del grupo abstraccionista, creando por medio de motores esculturas móviles. Sus líneas escultóricas con placas coloreadas colgantes se suspenden en el vacío dando al conjunto un sentido de movilidad. Henry Moore (1898). Su obra tendrá originalidad desde los primeros inicios, aunque siempre será un escultor aislado, un artista que no dependía de ninguna escuela. Su inspiración hay que buscarlas en las artes primitivas de América; tiene algo de constructivismo y a la vez de surrealismo sus formas serán figurativas y otras veces no figurativas. Y aunque se hizo abstracto usando maderas y metales siempre será un humanista. Por otra parte prefiere las esculturas echadas y en su escultura habrá drama, angustia y sencillez. En contra de todo lo académico Moore concibe sus obras para que sean admiradas al aire libre y no dentro de cárceles de arte como son en parte los museos. Entre sus obras más celebres se pueden mencionar la de Madre e hijo, donde las figuras y las expresiones en verdaderos contrastes de luces y sombras nos recuerdan el arte de los olmecas. Posteriormente produce obras como Maternidad, Grupo familiar y Figura vestida echada, que es como un canto épico entre el contacto existente de la mujer madre y el sol que la invade. Nicolás Schöffer (1912). Se considera el creador del espacio espacio-dinamismo que es un nuevo constructivismo a base de movimientos. Sus esculturas serán armazones de hierro de gran geometría, donde sitúa placas de metal o de plástico que a veces alcanzan hasta los 50 metros de altura como la del parque de SaintCluod. Este ingeniero ha colaborado con ingenieros en la decoración y ha puesto la cibernética al servicio del arte. Invento la escultura Robot llamada CISP I que tiene la posibilidad de mover 16 placas policromas. Su obra Lux I produce efectos luminosos por medio de reflectores pantallas y filtros. Pablo Ruiz Picasso (1881-1973). Está considerado como el más incomparable dibujante del siglo; pintor y creador de varios estilos, es uno de los escultores más extraordinarios de la época contemporánea. En la obra Cabeza de mujer está presente el cubismo inicial, de tendencia expresionista; es un bronce dorado donde la melancolía y la vida interior de la modelo están presentes. Cabeza de toro, metamorfosis, resulto de la unión de un asiento y un manubrio de bicicleta. La cabra es una obra singular; está en bronce y es como una síntesis, como una alusión a la procreación del mundo, un mundo escuálido que aun se atreve a dar a luz. José María Subirachs (1927). Un escultor abstracto; años después sigue la corriente de la polimétrica, teniendo verdadero interés por el perfecto acabado escultórico. Una obra muy celebres es el Perfil de bronce y madera. Eduardo Chillida (1924). Iniciándose en la escultura de hierro, el cual forja pero conservando los reflejos y los estigmas del fuego. La torsión del metal adquiere forma de arado primitivo como en su obra Rumor de límites. PINTURA DEL SIGLO XX PINTURA DEL SIGLO XX ANTERIOR A LA II GUERRA MUNDIAL El arte del siglo XX se caracteriza por la gran variedad de movimientos y estilos. Entre los que tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra Mundial se encuentran el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadá y el surrealismo; en Estados Unidos se desarrollaron el sincronismo y el hiperrealismo. LA PINTURA A PARTIR DE LA II GUERRA MUNDIAL A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han desempeñado un importantísimo papel en la creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya existentes. Entre ellos se encuentran el expresionismo abstracto, el Op Art y el Pop Art, el fotorrealismo y el minimalismo. El cuestionamiento sobre los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX. Esta revolución estética trajo consigo una sucesión de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta duración y la mayoría centrados en la búsqueda de nuevas direcciones y principios innovadores. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art. En la pintura contemporánea es posible encontrar pintores nacionales y extranjeros reconocidos mundialmente. PRINCIPALES EXPONENTES EXTRANJEROS RENÉ MAGRITTE Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines y estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas. Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo ThyssenBornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzo Madame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el famoso retrato de Jacques Louis David es parodiado, al sustituir a la mujer por un elaborado ataúd. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas. En El hijo del hombre Magritte yuxtapone imágenes características de su obra: la manzana, la pared y el personaje anónimo con bombín. No consideraba que su pintura fuera simbólica aunque en ella rozaba el mundo inexplicable de los sueños. CUBISMO Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía. Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva. En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus obras. Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger. EXPRESIONISMO Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. PINTURA Y ESCULTURA Aunque el término expresionismo no se aplicó a la pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos. Parte del arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del sujeto por encima de su apariencia física. Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románicas y góticas para intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas, como el pintor español El Greco y el alemán Matthias Grünewald. Sin embargo, los auténticos precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX y comienzos del XX, en especial el pintor holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa. El grupo expresionista más importante del siglo XX apareció en Alemania de la mano de los pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl SchmidtRottluff, quienes en 1905 fundaron un grupo en Dresde denominado Die Brücke (El puente). A ellos se unieron en 1906 Emil Nolde y Max Pechstein, y en 1910 Otto Müller. En 1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich denominado Der Blaue Reiter (El jinete azul), integrado por los pintores alemanes Franz Marc, August Macke y Heinrich Campendonk, el suizo Paul Klee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del expresionismo alemán estuvo marcada por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por representar las emociones subjetivas. Die Brücke se disolvió en 1913, un año antes del comienzo de la I Guerra Mundial (1914-1918). El grupo de los fauves (véase Fauvismo), así como el pintor francés Georges Braque y el español Pablo Picasso, influyeron y posteriormente recibieron la influencia del expresionismo alemán (véase Arte y arquitectura contemporáneas). La siguiente fase del expresionismo se llamó Nueva objetividad (Neue Sachlichkeit) y surgió de la desilusión subsiguiente a la I Guerra Mundial. Fundado por Otto Dix y George Grosz, se caracterizó a la vez por su pesimismo existencial y por una actitud ante la sociedad sumamente satírica y cínica. Mientras tanto, el expresionismo se había convertido en un movimiento internacional, y la influencia de los alemanes ya se podía apreciar en los trabajos de artistas foráneos, como el pintor austriaco Oskar Kokoschka, los franceses Georges Rouault, Chaïm Soutine, el búlgaro nacionalizado francés Jules Pascin y el estadounidense Max Weber (véase Pintura). Representante destacado en Latinoamérica es el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín quien, influido por los muralistas mexicanos, utilizó una técnica expresionista al tratar temas indigenistas de su país. En España el expresionismo se volvió hacia las representaciones de significado social. Destaca sobre todo José Gutiérrez Solana, Benjamín Palencia, Pancho Cossío, Francisco Mateos, Rafael Zabaleta y Eduardo Vicente. El expresionismo abstracto apareció en Estados Unidos nada más finalizar la II Guerra Mundial. Entre sus mejores exponentes destacaron Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline y Jackson Pollock, que intentaron representar las emociones básicas mediante la pintura abstracta. Para ello utilizaron colores vivos, formas atrevidas y métodos de trabajo espontáneos como el dripping (chorreado de pintura sobre la tela puesta en el suelo). La escultura expresionista hunde sus raíces en el siglo XIX, en la obra del francés Auguste Rodin, que expresó las emociones a través de sus esculturas figurativas. La línea experimental de Rodin influyó en la obra de su discípulo Antoine Bourdelle, el escultor croata Iván Mestrovic, el británico Jacob Epstein y el alemán Ernst Barlach. La obra de todos ellos ofrece diferentes formas de distorsión, exageración y estilización a grandes escalas de la figura humana. El grito (1893) de Edvard Munch se considera el primer cuadro expresionista. Expresionismo abstracto Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional. Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color. El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se desarrollaron dos tendencias principales, la de la Action Painting (pintura de acción) y la de los planos cromáticos. El interés de los representantes de la primera tendencia se centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidad del artista en el momento de su aplicación sobre el lienzo, mientras que los pintores que realizaban obras con planos cromáticos ponían el acento en la unificación de color y forma. Jackson Pollock representa la quintaesencia de la Action Painting. Su único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas entrelazadas que parecen prolongarse en arabescos sin fin. Willem de Kooning y Franz Josef Kline, también integrantes de la Action Painting, utilizaban amplias pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un espacio virtualmente infinito. Mark Rothko creó rectángulos colmados de colores vibrantes en sus obras, muchas de las cuales son ejemplos de primer orden de la pintura de planos cromáticos. Bradley Walker Tomlin, Philip Guston, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y Clyfford Still combinaron en sus obras elementos de las dos tendencias. El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se observa en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet. Las manifestaciones del expresionismo abstracto en Europa son el tachismo (del francés tache, 'mancha'), en el que priman las manchas de color, y el arte informal, que niega la estructura formal. Ambas tendencias tienen grandes afinidades con la Action Painting de Nueva York. Entre los pintores tachistas se encuentran los franceses Georges Mathieu y Camille Bryen, el español Antoni Tàpies, el italiano Alberto Burri, el alemán Wols (seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schülze) y el canadiense Jean-Paul Riopelle. Este cuadro del pintor germano-estadounidense Hans Hofmann, titulado Flight (Vuelo), es una muestra del estilo expresionista abstracto. Los artistas, tanto en Francia como en Alemania, compartieron el interés por el arte de los pueblos primitivos. Ello había motivado las estancias de Gauguin en Bretaña y las islas polinesias de Tahití y Dominica; Vlaminck afirmaba ser uno de los primeros artistas europeos en descubrir la escultura africana. En Alemania, un grupo de jóvenes artistas conocido como Die Brücke (El puente) visitaban regularmente el Museo Etnológico de Dresde y, como los fauvistas, se inspiraron en la energía y la fortaleza del arte indígena. Entre sus miembros destacan Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Emil Nolde. Conocidos también como los expresionistas alemanes, desarrollaron un estilo simplificador, que compartía algunas premisas con el fauvismo pero con los añadidos de la crítica a la burguesía del Angst o miedo existencial. Un segundo grupo de artistas, Der Blaue Reiter (El jinete azul), apareció en Munich en 1911 con los pintores Wassily Kandinsky (un emigrante ruso) y Franz Marc. También inspirados por el arte primitivo, el fauvismo y el arte popular, su expresionismo perdió el contenido figurativo y evolucionó hacia la pintura abstracta. Improvisación 28 es un cuadro de 110 x 159,37 cm, pintado por el artista ruso Wassily Kandinsky en 1912. ARTE OP Corriente artística que surgió a finales de la década de 1950 cuya finalidad es producir la ilusión de vibración o relieve sobre la superficie plana del cuadro en virtud de las leyes de la óptica. Su principal diferencia con el arte cinético es la total ausencia de movimiento real. El término, que procede de la expresión inglesa Optical Art (`arte óptico'), hace referencia en tono irónico al Pop Art. Entre sus iniciadores se encuentran Josef Albers, Victor Vasarely y ciertas obras incluidas dentro de la llamada abstracción geométrica. El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público en general convirtiéndose en fuente de inspiración para sectores como la publicidad, la moda y el grafismo. A finales de la década de 1950, el pintor y escultor venezolano Alejandro Otero ideó los llamados 'colorritmos'. En este ejemplo titulado Colorritmo 66-A, la sucesión de bandas verticales de color, realizadas con pistola sobre madera, dispuestas sobre un fondo blanco o negro provocan en el espectador la ilusión de movimiento. POP ART Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Las imágenes del Pop Art (abreviatura de Popular Art, `arte popular') se inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas de cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos cotidianos a sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales fruto de la tecnología moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de moda. PRINCIPALES REPRESENTANTES Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los artistas dadaístas, especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la tradición pictórica estadounidense caracterizada por el empleo del trampantojo en las representaciones de objetos cotidianos. Por otra parte, varios integrantes de la corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como artistas publicitarios. El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto, que dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos los artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social. Asumiendo el objetivo del compositor estadounidense John Milton Cage — eliminar las distancias entre arte y vida— los artistas Pop se aproximaron con ironía al ambiente de la vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el materialismo y vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir una percepción crítica de la realidad, más inmediata que aquella ofrecida por la pintura realista del siglo XIX. En Estados Unidos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns proporcionaron el impulso inicial: Rauschenberg con sus collages elaborados con objetos domésticos, como colchas y almohadas, y Johns con sus series de pinturas repetitivas de la bandera de su país y de dianas. La primera obra destacada del Pop Art fue ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan simpáticos? (1956, colección particular) del artista británico Richard Hamilton. En esta satírica obra, que representa dos absurdas figuras que se pavonean en un salón, se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art: descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor. El Pop Art se difundió rápidamente durante los años sesenta. En 1960 el artista británico David Hockney pintó Typhoo Tea (Londres, Gallería Kasmin), una de las primeras pinturas que reprodujo la marca comercial de un producto. En el mismo año, Johns finalizó sus vaciados en bronce sobre las latas de cerveza Ballantine. En 1961, el estadounidense Claes Oldenburg realizó la primera de sus estridentes esculturas de plástico en forma de hamburguesa y otras clases de fast food (`comida rápida'). Al mismo tiempo, Roy Lichtenstein, ampliaba el campo del Pop Art con sus enormes pinturas al óleo imitando las viñetas del cómic. Algunos artistas también produjeron happenings, espectáculos interactivos montados como obras de arte. Además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop Art se apropió de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns ya habían abandonado la idea de obra única en favor de la producción de composiciones seriadas. A principios de 1960, el estadounidense Andy Warhol llevó esta idea un poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas idénticas de botellas de Coca Cola, latas de sopa Campbell y otros objetos representativos de la cultura consumista. Otros ejemplos importantes del Pop estadounidense fueron las obras escultóricas de George Segal y Wayne Thiebaud o las series satíricas del Gran desnudo americano, pintadas por Tom Wesselmann. En España, el Pop Art está representado por la pintura del Equipo Crónica, en cuya obras se desmitifica el arte tradicional y se abordan ciertos aspectos de la problemática social. Tres banderas (1958) es una de las obras más conocidas del artista estadounidense Jasper Johns, figura emblemática del Pop Art. HIPERREALISMO: ANTONIO LÓPEZ GARCÍA Es el mayor de cuatro hermanos (Josefina, Diógenes y Carmen), sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso; su casa estaba situada en la Calle Domecq. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformó su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, coincidiendo allí con diversos artistas, como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955. En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez. Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales (1957, 1961) en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer. En 1961 se unió en matrimonio a la también pintora María Moreno, del que nacerían dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965. Desde este último año y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En 1985 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa. En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando. En ese mismo año, el Museo Reina Sofía le dedicó una exposición antológica. En 2006 recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas. En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le hizo una exposición monográfica. También, su obra Madrid desde Torres Blancas, alcanzó en subasta de Christie's de Londres los 1918000 €, la mayor cantidad pagada hasta ese momento por una obra de un artista español vivo. En 2011, el Museo Thyssen-Bornemisza le dedica una exposición temporal, con obras de todas sus etapas pero mayoritariamente de su última producción y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, otra a continuación. El Surrealismo de Salvador Dalí Sin duda fue uno de los pintores que revolucionaron la pintura junto con Picasso y Miró en el siglo XX. Representante de la vanguardia española de las décadas del ’20 y ’30. Personaje polémico que supo explotar el costado comercial del arte y la pintura. Su hermano Salvador muerto antes de que él naciera, le dio su nombre cuando nació en 1904 en el pueblo de Figueras. Las circunstancias de la muerte de su hermano influirán en la forma en que sus padres cuidarán de él, proyectando dosis suplementarias de afecto que contribuyeron a forjar una personalidad egocéntrica y extravagante; pero también que se vea a sí mismo como el fantasma del hermano muerto, familiarizándose desde pequeño con una idea que marcará toda su producción artística: la muerte. Ya desde niño comenzó a demostrar una gran condición para la pintura, en 1917 realiza algunas obras "domésticas" como por ejemplo La Abuela Ana Cosiendo. Con 18 años se inscribe en la escuela de Bellas Artes de Madrid, de donde acabaría siendo expulsado, y traba amistad con otros jóvenes de la época como Luis Buñuel, que más tarde se convertiría en uno de los más grandes cineastas que diera España y Federico García Lorca, también uno de los escritores más populares de ese país. Luego de un breve paso por el cubismo, de moda en la época debido al auge de Picasso, Dalí se vuelca hacia las nuevas tendencias que por ese entonces estaban representadas por el Surrealismo, al que se une definitivamente en 1929 en la gran Ciudad Luz, en París. Muchos autores coinciden en señalar que Dalí tenía un particular interés por las prácticas surrealistas mucho antes de unirse al movimiento. En 1922 ya había leído La Interpretación de los Sueños, de Freud, y al menos desde 1926, su pintura ya tenía incorporados materiales que provenían de sus propias experiencias oníricas. Por su parte el Surrealismo surge a principios de los años veinte de un grupo de poetas, capitaneado por André Breton, fuertemente influenciados por las ideas freudianas. Los sueños y los deseos son el material favorito de los surrealistas, quienes además tenían ideas políticas sobre una sociedad nueva, como casi todos los movimientos de este tipo que florecieron en la década. Una vez dentro del movimiento, Dalí se convirtió en el surrealista más radicalizado, intentando avanzar continuamente en los métodos, e incluso propuso objetivar y sistematizar el delirio, mediante su método "paranoicocrítico" que desarrollará en forma escrita durante la década del treinta. En síntesis lo que propone este método es una vía para que el artista sistematice y tome propiedad de sus propias obsesiones y deseos para organizarlos como material artístico. Hacia fines de la década del 20 y principios del 30, tres grandes cambios marcarían la producción futura del pintor: la ruptura con el surrealismo y la relación con Gala, quien lo acompañara por el resto de sus días, y la separación de su padre. La producción de Dalí fue especialmente próspera durante la década del treinta, y mientras se mantuvo dentro del movimiento surrealista. La mayoría de los temas que desarrollaría durante toda su vida, surgen en esta época. Así aparecen los relojes derretidos en La persistencia de la memoria de 1931, las figuras dobles en El hombre invisible de 1929-1933, y los alimentos y organismos en putrefacción, como en El espectro del sex-appeal de 1934. Los elementos blandos tiene una significación especial para el pintor ya que representan aquellas cosas que pueden ser digeridas, en el sentido de comprendidas. A ellas se oponen las cosas duras, inalcanzables para el conocimiento. Con el fin de la década termina también la relación con su padre. El alejamiento durará veinte años, la pelea se produjo cuando en una exposición parisina Dalí colocó debajo de una cromolitografía la inscripción "a veces escupo por placer sobre el retrato de mi madre". Casi al mismo tiempo el pintor conoce a Galia, quien todavía estaba casada con el poeta Paul Eluard. Galia poco a poco se convierte en su compañera, modelo y musa inspiradora, su relación con Dalí durará hasta 1982 cuando muere llevándose consigo lo mejor del pintor ampurdanés. En 1939 Dalí es oficialmente expulsado del movimiento surrealista por Bretón y sus seguidores. Los motivos de su expulsión parecen determinados por un excesivo recelo del resto de los integrantes hacia el talento y la popularidad de Dalí que va en aumento. Por esos años Dalí ya contaba con una gran aceptación en Estados Unidos y Europa, la prensa de ambos centros artísticos lo recibió con los brazos abiertos, con su extravagancia e ironía ocupaba sendos espacios en las publicaciones locales. Expulsado del surrealismo oficial se acerca a la tradición pictórica, pero sin abandonar las temáticas y los procedimientos del método paranóico-crítico, desarrollado en su etapa anterior. Así, ya instalado en Portlligat con Galia, comienza a trabajar la temática religiosa y se interesa por los recientes descubrimientos de la física nuclear. Luego de la segunda guerra mundial su producción se expande a la escenografía, el diseño de joyas y la holografía. También durante toda su vida colaboró con el director español Luis Buñuel en muchas de sus películas como Un perro andaluz, Minotaure o El surrealismo al servicio de la revolución. En 1982 lo sorprende la muerte de Galia, sus últimos años los dedicó a la revisión de la obra de los grandes maestros como Velázquez y Miguel Angel. Finalmente cuando murió en 1989, ya había logrado vencer las resistencias que se enfrentaron a su renovador estilo. PABLO PICASSO Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo. Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba. En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Instituto da Guarda son requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal. Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San Fernando, mientras sus trabajos, influenciados por El Greco y ToulouseLautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga. En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa. Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí, Pablo traba amistad con Braque y Apollinaire, y se enamora de Fernanda Olivier. Durante tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907. Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por Braque, se lanza a inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después, se muda de Montmartre a Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona. En 1914, con la guerra, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Eric Satie. El fin de la guerra le trae un nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica. Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de Dora Maar. Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan. En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949. En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette D., que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde. Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguirá creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: Paloma, su hija. El séptimo arte: el cine Conocemos lo que es la cámara oscura y el por qué de su utilización: una base que se sustenta cuando los rayos de sol atraviesan un pequeño agujero que en su parte frontal tiene la caja en cuestión proyectando una imagen invertida en su interior. Da Vinci, Roger Bacon, evolucionaron estos experimentos y los estudiaron más a fondo. Se sucedieron experimentos, la sociedad, las ciencias evolucionaban… y apareció “la linterna mágica” donde la imagen era amplificada gracias a un complejo sistema de lentes que la proyectaban sobre cristales. En 1824, Peter Mark Roget publicó un importante trabajo llamado “Persistencia en la Visión” dónde se aludía a la retención de imágenes en el ojo durante una fracción de segundo posterior al momento de proyectar la imagen. Al mismo tiempo, en 1826 se hizo la primera fotografía. Niépce logró fijar una imagen real sobre una plancha de estaño pintada con betún y expuesta durante ocho horas. William Henry Talbot y Louis Daguerre continuaron con sus trabajos y desarrollaron la idea de la fotografía, imprimiendo sobre planchas de cobre y reduciendo el tiempo a 30 minutos. Y a raíz de la superposición de instantáneas tomadas consecutivamente se dio el primer esbozo de lo que años más tarde sería el cine. Fue Muybridge el que en 1877 usó 24 cámaras para grabar el galope de un caballo. Etienne Jules Marey obtuvo doce impresiones en una banda de papel giratoria, y finalmente, en 1889, Hannibal Goldwin y George Eastman desarrollaron unas tiras de emulsión fotográfica de alta velocidad sobre celuloide. El Kinetoscopio de Thomas Alva Edison fue el primer aparato que proyectaba imágenes, pero dado su tamaño y la longitud de sus tiras, fue desestimado por su inviabilidad. El gran invento, el que hoy ha pasado a la posterioridad dándole fama a sus autores, fue el que se presentó un 28 de diciembre de 1.895. Los hermanos Louis y Auguste Lumière crearon el cinematógrafo. Aquella noche de diciembre, en París, en los sótanos del Grand Café, en el Boulevard des Capucines se proyectaban las primeras y sorprendentes imágenes en movimiento. 35 personas asistieron al nacimiento del cine, y entre ellos, Georges Mélies, director del teatro Robert Houdin. Varios cortos fueron proyectados en aquella primera sesión de cine: la llegada de un tren a la ciudad, una playa, la salida de los obreros de la fábrica Lumière… - La primera gran proyección de cine expuesta en un local público, como espectáculo duró 15 minutos: “L’ Affaire Dreyfuss” (1899). - Los primeros trucajes de cine aparecieron en 1902 con “Viaje a la Luna”. - Pero el primer gran montaje, con cortes de celuloides, e imágenes rodadas en distintos momentos, fue “Asalto y robo de un tren” en 1903, de la mano de Edwin Porter, el que se ha considerado como padre del cine de ficción. - Entre 1909 y 1912 la primera gran compañía estadounidense que reunió a los grandes productores en un trust fue la MPPC (Motion Pictures Patent Compañy, a la que desmontó la ley antitrust de EE.UU. - Italia se convirtió en el país más productivo con 717 películas en el año 1912. - Entre 1915 y 1920 empezaron a proliferar las salas de cine, hasta que la gran mayoría de los estudios de rodajes se desplazaron de Nueva York a Hollywood donde los tres primeros grandes productores de la historia del cine construyeron sus propios estudios: Thomas Harper Ince, Cecil B. De Mille y Mack Sennett. Ernst Lubisch y Erik Von Stroheim empezaron a sonar en el cine europeo d aquella época… Y el año mágico para el cine fue 1927,“El cantor de Jazz” de la Warner Brothers: la primera película sonora protagonizada por Al Jolson. La nueva música: el rock y el pop EL ROCK Desde 1954 en que naciera este género musical, cientos de autores han querido clasificarlo como un fenómeno popular, pasajero y sin trascendencia cultural; pero a diferencia de lo que normalmente se conoce como música pop ¿Qué es lo que le hace peculiar e inperecedero? Por una parte, el término Rock& Roll del idioma inglés, se traduce como "piedra (eslabón inicial) ... y rollo" (consecuencia de ideas), reales gracias a la inventiva de una sociedad anglosajónica, transformada por dos guerras mundiales, e influenciada por el folklore del resto del Mundo. Ambos términos se unieron para responder a las preguntas existencialistas, así como se justifican grandes ciencias del conocimiento como la Filosofía, el Álgebra e incluso la Administración. ¿Quién soy? ¿qué es lo que hago aquí? ¿y cuál es la razón de ser de las cosas que me rodean? Podemos pensar por tanto que coexisten por la perpetuidad de la especie humana en la segunda mitad del siglo XX, la cual ha sobrevivido a la amenaza de la guerra nuclear. Muchos podríamos suponer que "rock&roll" significa "muévanse y agítenlo" como si se tratara de un baile aborigen más viejo que la escritura. La verdad es que el movimiento rockero es tan nuevo como el proceso de desarrollo de los países del tercer mundo y debido a ello merece cierto respeto por parte de las comunidades latinas, islámicas y orientales; las letras de ciertas canciones representan críticas bien fundamentadas. El origen del Rock, según la enciclopedia española SALVAT, lo encontramos dentro del mismo pop, que ha sido y sigue siendo el principal exponente de la evolución de la nueva cultura, llamada también contracultura. Cuando los jóvenes teenagers americanos. Superada ya la crisis económica de postguerra, empezaron a constituir un grupo con poder adquisitivo, gustos y personalidad, y gustos distintos de los de sus padres; sin embargo hubo quienes perdieron a sus progenitores tras la Segunda Guerra Mundial, y se vieron en la necesidad de "afrontar solos al Mundo" como es el caso de los mejores compositores. El rock resultó de la fusión original de tres corrientes musicales ya existentes en la primera mitad del siglo. El jazz y el folk son típicos del folklore norteamericano, sobre todo por ser "musica de blancos"; el sonar de metales así como el baile nativo "tab" de los años 20's; pero por sí solos no provocaban la agresividad mostrada por la juventud norteamericana de los años 50´s. Los valores morales eran distintos tres décadas atrás, cuando se pensaba que la productividad salvaría a los Estados Unidos de una El blues por su parte, es de negros, y fue en su tiempo considerado por su estatus de desconocido como subterráneo a nivel nacional en los Estados Unidos de una recesión económica, la cual se produjo a fin de cuentas tras el "jueves negro" de 1929 y empezó "la gran depresión". Antes del ataque aéreo japonés a Pearl Harbor el 9 de diciembre de 1941, esa nación tenía sobrepoblación en el sector desempleado de la sociedad; todos fueron reclutados y enviados al frente junto con sus instrumentos musicales para tocar jazz a los demás soldados. Tras la guerra, la población disminuyó y la economía se reactivó; el gobierno aprendió que la guerra es el negocio más provechoso del Mundo, y la gente pudo dedicarse a lo que le viniera en gana, como fue el caso de músicos ociosos (ej: Bill Haley). A excepción del folk, el jazz y el blues son considerados ritmos salvajes; éste último incluso puede tener sus raíces en la música afroamericana que muestra un espíritu de inconformidad y depresión por la esclavitud que sufrió su gente en el pasado. Hay quienes piensan que el blues surgió de los creyentes en el budú y demás ritos satánicos (de ahí también que se creé lo del mensaje subliminal de las canciones tocadas al revés). Resulta difícil diferenciar unos de otros, pero en 1954, Bill Haley hizo pública su Combinación de Estilos a través del material discográfico; tuvo un perfil artístico que lo hacía inconfundible en las audiencias que comenzaron al compás del reloj. Fue así como nació el rock&roll de blancos, como un fenómeno popular. Mientras esto sucedía en el primer mundo anglosajón, en México la costumbre de escuchar música clásica perduraba, incluso en zonas rurales se acostumbraba aún la música nacional. Aquí se escuchaban temas musicales de película, esto es, si Pedro Infante y Jorge Negrete cantaban canciones no tan famosas en sus filmes, estas canciones se volvían regla al venderse discos de película. Por esto, los americanos siempre pensaron que, aparte de que éramos indígenas ignorantes, no gozábamos de un buen gusto musical; y resultaría obvio que nunca se escucharía rock en México. Por desgracia o por fortuna resultó que sí, incluso en el momento de nacer el rock en 1954 a través de "yankees" descendientes de mexicanos como el cantautor Ritchie Valens; según la película de 1986 La Bamba, este joven latino murió en un accidente aéreo a los 17 años de edad, junto con otro rockero llamado Bobby Holly. Parecía en un principio que nuestro pais se salvaba de una oledada de anticultura seguida de un comportamiento vándalo inducido por la música rock en los Estados Unidos y la Gran Bretaña, pero solo fue cuestión de tiempo. Los Rebeldes del Rock surgieron para interpretar versiones en español de canciones originalmente compuestas en inglés por músicos de soul y gospel tales como los Everly Brothers, Frank Sinatra y sobre todo rockeros como Eddie Cochrain. Comienzan los años 60's, y mientras en Norteamérica se lucían los solístas rockeros y duetos de soul, en Europa surgió la competencia a base de cuartetos como los Beatles y quintetos como los Rolling Stones. The Silver Beatles aparecieron por vez primera tocando en centros nocturnos del puerto de Liverpool en 1957, conformado originalmente por el protestante John Lennon (creador del grupo), el católico Paul McArtney, el anglicano George Harrison, y un plebello sin trascendencia llamado Pit Best que en 1960 fuese reemplazado por Richard Starkey (Ringo Starr); quedando así la legendaria alineación del "cuarteto de Liverpool", The Beatles. Fueron estos ingleses la chispa que encendió el fenómeno "Invasión Británica" . Dado que las presentaciones inglesas en ciudades como Nueva York y Philadelphia iban seguidas de suicidios y vandalismo, los condados americanos emprendieron una campaña anti-británica por lo que se culpó a los Beatles de ser los Anticristo, que a fin de cuentas sirvió como pretexto para promocionar a las estrellas americanas que participaban del "mismo delito". Uno de los más conocidos en Estados Unidos durante los sesenta fue Bob Dylan, autor de la Música de Protesta, nació en 1941 con el nombre de Robert Zimmerman. Es el más importante entre los cantautores que han revalorizado y difundido el folk song o música popular de los Estados Unidos. Sus canciones están centradas en la crítica de la sociedad burguesa, materialista e inhumana; debutó en 1962 y entre sus canciones descuellan "Blowing in the wind"; su primer gran éxito mundial, "Like a rolling stone" (1965); y "subterranean homesick blues" entre otras. Durante la primera mitad de los 60's se gozó de un rebelde alarido convertido en amoroso susurro (Beatles, Beach Boys, Simon and Garfunkel, the Byrds, Dave Clark Five, Buffalo Springfield, etc..) pero en la segunda mitad de esa década, el rock pierde su buena reputación debido al movimiento Hippie. Los protestantes anglosajones constituyeron este movimiento comunitario. penetrado de una mística literaria, pacifista y de oposición a la sociedad de los años 60´s, considerada en aquel entonces "caduca". Originado también en los Estados Unidos, representa una continuidad del movimiento beatnick al cual injertaron principios del budismo, cristianismo protestante, y de ideologías nihilísticas ó utópicas, así como de algunos autores contemporáneos: Marcuse, Thoreau, Timothy Leary, etc. En 1970, como rasgo característico, abandonaron las ciudades y constituyeron comunidades agrícolas, aunque estas no progresaron. En su rechazo de la "sociedad de consumo" incluyen un retorno a la naturaleza junto con la búsqueda paradójica de un mundo ideal, artificial sólo a ellos, revelado en las prácticas psicodélicas y a través de drogas alucinógenas. Posteriormente, su interés se ve centrado en las tradiciones indígenas de Norteamérica, pero el movimiento se fue degradando progresivamente y "recuperado" por la propia sociedad de consumo a la que atacaban, al trivializar y comercializar esta temática hippie. El pop La música pop es uno de los géneros musical mayormente extendido entre las juventudes que gustan de la música en todo el mundo. Para remontarnos a los orígenes de la música pop debemos retrotraernos al inicio mismo de la música de rock en el año 1955. Esta breve corriente de rock and roll inicial duraría aproximadamente hasta el año 1958 cuando las máximas estrellas de ese género estaban distanciadas por diversos motivos de la música. Recordemos que Elvis Presley se marcha ese año al servicio militar, Buddy Holly falleció en un accidente de aviación y Jerry Lee Lewis ingresa en el escándalo de su boda con una niña de trece años. La música rock fue de alguna manera el germen fundacional de lo que luego sería la misma música pop. La aparición en el año 1962 del grupo británico Los Beatles marca otra vuelta de tuerca evolutiva para el rock pop. Los Beatles generan la aparición de una buna cantidad de grupos inspirados en ellos que generaron una considerable movida pop, tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos de América. A finales del año 1974, parece la música disco especialmente representada por Gloria Gaynor y Donna Summer. Este sonido "disco", como se lo llama actualmente, logró realizar un avance aún más significativo y de especialización al género musical que nos ocupa. De la música disco se desprenden una variedad de géneros musicales entre los que encontramos el reggae, el punk, la "nueva onda" y la música "tecno". ARTE Y NUEVAS TECNOLOGÍAS Las artes visuales y la tecnología, en un sentido estricto, siempre estuvieron vinculadas, dado que toda producción de imágenes –desde las imágenes pintadas con carbón y tierra en las cuevas de Altamira hasta las imágenes digitales, pasando por la fotografía, el cine y el video-, supone una tecnología de producción, es decir: una técnica, una serie de instrumentos y de procedimientos, ciertas condiciones de eficacia, una habilidad, un saber. Sin embargo, la relación entre arte, ciencia y tecnología ha ido fluctuando a lo largo de la historia del arte. En la Grecia Antigua estaban tan íntimamente vinculados, que había un solo término para denominar ‘arte’ y ‘técnica’: tekhne. Arte, ciencia y tecnología, como diversos dominios de la creatividad humana, mantuvieron este vínculo estrecho por siglos, siendo el Renacimiento uno de sus momentos más fructíferos. La producción de Leonardo da Vinci es un ejemplo paradigmático del cruce entre lo artístico, lo científico y lo tecnológico, así como la incidencia que las investigaciones en el campo de la óptica tuvieron para el desarrollo de la perspectiva, y los cambios que ella supuso en el sistema de representación de la pintura. Luego estas disciplinas fueron separándose cada vez más. Las investigaciones de Newton y su modelo mecanicista del universo, la profundización de ese paradigma científico durante la Revolución Industrial, el Romanticismo en el arte, fueron profundizando ese divorcio entre el arte y la ciencia. La tecnología y la ciencia se ponen al servicio del desarrollo industrial y comercial, alejándose del ámbito de lo estético. La emoción, la imaginación y lo subjetivo formarían parte del dominio de lo artístico, mientras que la ciencia se ocupa de lo racional, lo objetivo y lo real. A lo largo del siglo XX, diversos acontecimientos irán minimizando la dualidad arte-tecnología. A principios del siglo, las vanguardias artísticas reavivarán este vínculo. El movimiento futurista, el dadaísmo, el constructivismo, la bauhaus y otras estéticas racionalistas, integran la ciencia y la tecnología en sus propuestas. En el proyecto utópico de las vanguardias, el desarrollo científico y tecnológico son, por su poder transformador, factores fundamentales para la creación de una nueva sociedad. En los años sesenta, algunas experiencias artísticas que involucran la tecnología y los medios de comunicación (entre ellas, el surgimiento del videoarte) favorecerán el acercamiento entre arte y tecnología que las vanguardias de principio de siglo habían iniciado. Luego el desarrollo progresivo de las nuevas tecnologías audiovisuales y de comunicación, y las actuales aplicaciones creativas de la tecnología informática, hacen que hoy pueda hablarse de una nueva integración entre arte y tecnología. En las sucesivas etapas y períodos de la historia del arte, los artistas fueron incorporando al repertorio de técnicas y medios tradicionales, las tecnologías desarrolladas por la época en que les tocó vivir, en la medida en que éstas fueron haciéndose accesibles. En el siglo XX los rápidos avances tecnológicos fueron un motor fundamental para el surgimiento del arte de vanguardia y la explosión de una serie de manifestaciones artísticas que revolucionaron el campo de las artes plásticas: el collage, el fotomontaje, la fotografía. En nuestros días, para referirse a ciertas producciones del arte contemporáneo (videoarte, arte de Internet, instalaciones interactivas, arte robótico, bioarte) se vuelve a destacar el vínculo entre el arte, la ciencia y las denominadas nuevas tecnologías, aunque, paradójicamente, la historia de estas “nuevas tecnologías” se inicia hace casi dos siglos. Orígenes y desarrollo de las nuevas tecnologías En el S XVIII la Revolución Industrial aceleró el desarrollo de la productividad en diferentes áreas generando una gran cantidad de adelantos en la producción de maquinaria y de nueva tecnología. Estos adelantos en la industria fueron aprovechados para el desarrollo de técnicas que rápidamente fueron tomadas por los artistas como medios alternativos para la creación. La invención y el desarrollo de la fotografía a mediados del S XIX, representó uno de los mayores logros técnicos y culturales del siglo. La cámara fotográfica fue el primer dispositivo tecnológico del que se apropiaron los artistas. En un comienzo, los pintores tomaban fotografías como modelos para pintar, pero cuestionaban el estatuto artístico de la fotografía por el hecho de que no implicaba un trabajo manual sobre la materia. Recién en las primeras décadas del siglo XX, artistas pertenecientes a las vanguardias históricas, comienzan a valorar la fotografía como material artístico en sí y no simplemente como registro o documentación. Surgen los fotomontajes dadaístas. Man Ray y Mohogoly-Nagy comienzan a realizar fotografía artística y trabajan con sobreimpresiones y montaje. Es decir, manipulan el material fotográfico con fines artísticos. Luego será empleada también como medio para registrar y documentar performances, happengins, y obras de arte conceptual. Actualmente la fotografía ocupa un lugar central en el campo de las artes visuales y son múltiples los usos y propuestas estéticas que emplean esta técnica. El cine, nacido a fines del siglo XIX, al incorporar la imagen en movimiento, revolucionó todos los modos anteriores de producción de imágenes y comunicación trayendo un nuevo espíritu de experimentación en el arte. Por otra parte, incrementó la ilusión realista de la fotografía e incorporó una nueva dimensión espacio/temporal ya que, mientras que en la foto la imagen se hace materia, la imagen proyectada es impalpable y fugaz. En la década de los ’50 la televisión ya se había convertido en un medio de comunicación de masas, llevando las imágenes en movimiento a los hogares. La imagen televisiva es una señal eléctrica en la que están registrados los trazos luminosos de lo real, invisibles para el ojo antes de su emisión. La posibilidad de realizar transmisiones televisivas en vivo elimina la distancia temporal entre el registro y la visualización. Esta distancia temporal es ineludible en el caso de la fotografía y del cine, ya que se trata del registro de imágenes fijadas a un soporte por procedimientos químicos, cuyo movimiento se consigue por medios mecánicos. La creación y registro de la imagen de televisión y de video se efectúa, en cambio, por procedimientos electromagnéticos. En la segunda mitad del siglo XX, a partir de la revolución electrónica, el desarrollo de los medios digitales fue estrechando el vínculo entre el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías. Actualmente el uso de las computadoras y de Internet como instrumento para la creación, reproducción y difusión de la expresión artística, constituye un nuevo nexo entre el arte y las nuevas tecnologías. MOVIMIENTOS SOCIALES Concepto y tipos de pacifismo: Pacifismo, oposición a la guerra y a otras formas de violencia, expresada a través de un movimiento político organizado o como una ideología específica. El pacifismo incluye variantes absolutas y doctrinarias y otras más generales y prácticas. Los pacifistas absolutos se oponen a todas las guerras y a cualquier forma de violencia; los pacifistas relativos asumen ciertas posturas respecto a los conflictos y las clases de violencia hacia los que manifiestan su oposición y crítica. La mayoría de los pacifistas absolutos ponen de relieve la inmoralidad de la muerte de una persona a manos de otra. La filosofía del pacifismo se basó a lo largo de la historia en la moral, la voluntad divina o la conveniencia económica y social. El término en sí no se hizo popular hasta comienzos del siglo XX. Objetivos pacifistas En el intento por prevenir la guerra, los pacifistas han de conseguir cuatro objetivos primordiales: establecer un clima favorable a la paz, reducir o eliminar las causas potenciales de conflicto inherentes a la competencia económica, a la ambición de poder y al miedo a la dominación extranjera, deben poner en marcha formas de solucionar los conflictos, tales como procedimientos de mediación, arbitraje y juicio, y, por último, han de encontrar mecanismos para garantizar el cumplimiento de las decisiones adoptadas. Se han propuesto varias formas diferentes de conseguir estos fines. Pacifismo absoluto Los miembros de algunos grupos religiosos, como los de la Iglesia menonita y los cuáqueros, creen que pueden lograr que los agresores adopten comportamientos pacíficos dando ejemplo de conducta solidaria y no violenta. Esta actitud está recogida en el Nuevo Testamento en el sermón de la Montaña, pero es mucho más antigua que el cristianismo: su origen puede encontrarse en las enseñanzas de Buda, Confucio y otros filósofos orientales. El pacifismo absoluto preconiza que sus seguidores serán capaces de mantener su valentía moral cuando se enfrenten a una agresión o a una provocación, y que influirán en los agresores al devolverles bien a cambio de mal. Sin embargo, este pacifismo nunca ha tenido un éxito completo. Aunque los primitivos cristianos observaron esta actitud durante varias generaciones, su oposición sin compromisos al uso de la fuerza desapareció cuando la Iglesia se alió con Estado romano en el siglo IV. Un postulador contemporáneo del pacifismo absoluto se declarará generalmente objetor de conciencia cuando deba realizar el servicio militar. Pacifismo relativo Los pacifistas menos absolutos siguen otros códigos de conducta. Algunos rechazan el uso de la fuerza y propugnan la persuasión moral, pero también fomentan la resistencia pasiva para conseguir sus objetivos. Dos ejemplos de este comportamiento son la resistencia contra el Gobierno británico en la India durante el siglo XX, y la desobediencia civil de los estadounidenses por los derechos civiles. Los críticos de esta visión argumentan que incluso la resistencia pasiva provoca frustración, resentimiento y una mayor presión por parte del agresor. Muchos pacifistas piensan que sólo es posible mantener la paz mediante una disposición a usar la fuerza en algunas circunstancias normalmente caracterizadas como defensivas. Una de estas concepciones permite la defensa armada frente a un ataque, pero no ayudar a otros países que sean atacados. La teoría de la seguridad colectiva propone una alianza defensiva de naciones amantes de la paz frente a las que la rompan. Si se desea que esta opción no degenere en un mero sistema de alianzas rivales, debe establecerse alguna maquinaria internacional que sea capaz de arbitrar y de imponer sus decisiones. Por tanto, los partidarios de esta teoría han defendido todas las organizaciones internacionales, como el Tribunal permanente de arbitraje, la Sociedad de Naciones y la Organización de las Naciones Unidas. Ecologismo: Definición: El ecologismo es un movimiento social que busca un modelo de sociedad donde las personas puedan vivir en plena comunicación con la naturaleza y los demás seres humanos. El ecologismo es la última ideología que se ha incorporado a las preocupaciones de la sociedad, y es la que más impulso tiene en la actualidad. Supone una nueva forma de hacer política, lo que implica un choque teórico con los economistas, un debate entre el desarrollo sostenible y el beneficio rápido. La ecología influye en todos los aspectos de la actividad económica. Las diferencias entre ecología y ecologismo: La ecología es una ciencia, no una teoría. Y el ecologismo es un conjunto de ideas y conceptos basados en observaciones de hechos que se han producido, o sea que es una ideología. Historia del ecologismo: Durante el siglo XIX la petición de mejoras medioambientales provenía principalmente de dos clases sociales: la clase trabajadora y las clases media y alta. El movimiento obrero luchaba por unas condiciones de vida y de trabajo más dignas para la clase trabajadora. En los primeros momentos del proceso de industrialización, la degradación medioambiental era un fenómeno localizado social y geográficamente, afectaba sobre todo a los barrios. Muchos miembros de las clases media y alta también estaban inquietos por el devastador efecto de la industrialización sobre sus parajes preferidos de recreo (donde practicaban actividades como la caza y la pesca) y reivindicaban su preservación y defensa. Esta preocupación por la relación existente entre el proceso de industrialización y la degradación del medio ambiente dio lugar a las primeras organizaciones, fundadas en el siglo XIX en Gran Bretaña, (ej. : la Sociedad zoológica de Londres; la Sociedad para la preservación de los comunales, los espacios abiertos y los senderos; la Real Sociedad para la protección de las aves (1889); y la Sociedad británica para la conservación de la fauna y la flora (1903). Después se fundaron muchas otras organizaciones en diferentes países que seguían el ejemplo de Gran Bretaña). EE.UU. es el primer país donde se delimitan espacios naturales para preservarlos de la actividad depredadora del ser humano, creando en 1872 el Parque Nacional de Yellowstone. Según los ecologistas, el industrialismo y su capacidad destructiva de la naturaleza son los responsables de la crisis ecológica actual. Desde los años setenta, el movimiento ecologista interpreta (basándose en la evidencia proporcionada por la ciencia) que los responsables de la agresión a la naturaleza pueden encontrarse a cientos o miles de kilómetros de distancia del punto afectado. Este es el caso de la lluvia ácida provocada, entre otros agentes, por las centrales térmicas. Un ej. claro de esto es el accidente en la central nuclear de Chernobyl (Rusia), que tuvo un escape radioactivo (26-abril-1986) Las devastadoras consecuencias de la radioactividad tanto para el medio ambiente como para la salud de las personas se dejaron sentir en la Unión Soviética, y también en Europa Central y del Norte. Tipos de ecologismo: Dentro del movimiento ecologista mundial hay diversos acentos: • Ecologismo naturalista: valoran mucho lo natural, se preocupan por la extinción de especies animales (que empobrece la biodiversidad). Deja un poco de lado al hombre y se centra más en la vida animal. • Ecologismo liberal: tiene como meta la conservación del planeta en función de la producción de las riquezas. Busca alternativas frente a la escasez de recursos, sin plantearse si la orientación en el modo y en los fines de tal explotación es ética. Hasta calculan especulando las posibilidades de otros planetas. • Ecologismo tecnicista: maneja estadísticas acerca de la población mundial, los niveles de contaminación. Se plantea las proyecciones a partir de lo actual, quiere proponer formas de energía alternativa, cómo contaminar menos. • Ecologismo sociológico-político: se centra en el tema de la superpoblación, del hambre y del agotamiento de los recursos no renovables, pero descuida las cuestiones de dignidad fundamental de la vida humana (perdiendo el hombre como individuo). Ecologismo humanista: una ecología para el hombre, considera al ser humano solidario con el mundo en el que vive. El problema es que carece de peso político y tiene poca fuerza frente al poder económico. • Ecologismo espiritual: es una actitud de respeto, amor y devoción hacia el entorno (elemento emocional), de la protección de la vida anímica y la riqueza interior. Dicen esto bajo amenaza de una muerte del Espíritu. • Ecologismo integral: afronta el problema de la destrucción de la naturaleza desde todas las perspectiva. Agotamiento de los recursos naturales: Uno de los argumentos que más parece convencer a la opinión pública mundial es el del agotamiento de los recursos naturales. Se parte de la base de que, en la Tierra, existen cantidades limitadas de petróleo, carbón, hierro, cobre, aluminio...; y que las reservas de estas materias primas son conocidas y, en su mayor parte, ya están explotadas. Por tanto, debería ser regulado por un organismo internacional (ej.: la ONU), o incluso controles de natalidad; ya que el ritmo de consumo actual agotaría muchos de ellos en apenas dos generaciones. El deterioro del medio ambiente: Otro de los grandes argumentos que lanzan los ecologistas en contra de la industrialización y el progreso, es el deterioro de las condiciones medioambientales, la contaminación de los terrenos, las aguas y el aire, el efecto invernadero y el adelgazamiento de la capa de ozono. Todo esto provoca la multiplicación de las enfermedades y, en especial, los casos de cáncer. Según los ecologistas la solución a estos males es siempre la misma: renunciar a la ciencia y al progreso, detener la industrialización y regresar a la feliz edad dorada en la que el hombre vivía en paz y armonía con la naturaleza. Antiglobalización: Globalización: el mercado es internacional, cualquier cosa se puede fabricar en una parte del mundo y venderse en un punto mucho más lejano. Las multinacionales fabrican en los países más pobres explotan a la gente y contaminan todo el medio ambiente; estas multinacionales no tienen ninguna ética, ni ley ni Estado que les controle, solo pretenden sacar el mayor beneficio con el mínimo coste, sin importarles la destrucción del medio ambiente. Antiglobalización: movimiento que lucha contra la globalización, o sea, contra el desarrollo incontrolado, defendiendo que otro mundo es posible, que hay otros modelos alternativos de desarrollo respetuoso con el medio ambiente, controlado y solidario. • Feminismo El feminismo es un conjunto heterogéneo de ideologías y de movimientos políticos, culturales y económicos que tienen como objetivo la igualdad de derechos entre hombres y mujeres. Con este objetivo, el movimiento feminista, crea un amplio conjunto de teorías sociales, una teoría feminista que ha dado lugar a la aparición de disciplinas como la geografía feminista, historia feminista o la crítica literaria feminista, entre otras. Gracias a la influencia del movimiento feminista, se han conseguido logros de trascendental importancia como el voto femenino, la igualdad ante la ley o los derechos reproductivos, entre otros muchos. El feminismo se compone de corrientes muy diversas, por lo que es más correcto hablar de "feminismos" que de "feminismo" en singular. Entre la amplia variedad de modalidades que tiene el feminismo, encontramos, entre otros muchos, el feminismo cultural, el feminismo liberal, el feminismo radical, el ecofeminismo, el anarcofeminismo, el feminismo de la diferencia, el feminismo de la igualdad el feminismo marxista, el feminismo separatista, el feminismo filosófico, el feminismo islámico, el feminismo post-colonial, el feminismo lésbico o el transfeminismo. Numerosas autoras dividen la historia del feminismo occidental en tres olas. La primera ola aparecería a finales del siglo XIX y principios del XX y se centró mayormente en el logro del derecho al sufragio femenino; la segunda ola, aparece en los años 60 y 70 y se centra en la liberación de la mujer; por último, la tercera ola, comienza en los años 90 y se extiende hasta hoy en día, constituyendo una continuación y una reacción a las lagunas que se perciben en el feminismo de segunda ola.