Historia del siglo XVI y XVII

Renacimie
nto
Siglo
XV – XVI
Prólogo:
El Renacimiento fue un movimiento cultural que rompió
decididamente con el pasado inmediato; estaba rescatando ese
Arte de la Antigüedad, de la imparable decadencia en la que se
había visto sumido durante los siglos anteriores. Anhelaba
recupera la Antigüedad encerrada ya desde Petrarca, mientras
Italia que en su esplendor había dominado el mundo, se veía
reducida a una mera suma de pequeñas ciudades estado,
desunidas entre si y sometidas a la autoridad de un Imperio
que seguía siendo romano pero también germánico. Tenían la
decidida voluntad de la regeneración política, recuperando la
lengua, las instituciones, y las costumbres de la vieja Roma,
reviviendo la antigua gloria de aquella tierra y el descrédito de
la época bautizada como Edad del Medio, que tenían la
concepción de la realidad como reflejo de la divinidad y la
concepción de que el artista y sus obras debían estar al
servicio del programa teológico, mientras que el Renacimiento
propondría actitudes diametralmente opuestas; el “Hombre” se
convertiría en el centro de la creación y no en el ciervo de la
divinidad.
Def inición de Renacimiento.
La palabra Renacimiento significa “Nuevo Nacimiento” ya que
los italianos consideraron que su época era un renacer desde
la caída del Imperio Romano.
Éste, fue un movimiento cultural, que se inicia en Italia en el
siglo XV o tal vez a finales de siglo XIV entre las muertes de
Rafael en 1.520 y la de Tintoretto en 1.594.
Ésta idea de nuevo nacimiento de las artes y las letras, tras mil
años de letargo, es genuinamente italiana. La época se califico
a sí misma como: recuperadora de los valores de la antigüedad
clásica y en su propia descripción utilizó términos como
rinascita.
Contexto Histór ico
El acontecimiento histórico que marca esta época, es la caída
de Constantinopla, provocando el cierre de las grandes rutas
comerciales entre Europa y Oriente, produciendo que los
científicos y pensadores perseguidos, junto a los comerciantes
buscaran nuevas rutas y con esto la aparición de Colón quien
después de muchos estudios revelaría que la tierra era
redonda. Y como ya es sabido se lanza en una excursión
marítima y en 1.492 descubriría Las Américas.
Éste hecho impulsaría definitivamente el resurgimiento
económico de Europa a lo largo de los siglos siguientes.
Las repúblicas y estados italianos preceden a Europa en la
economía organizada, sus relaciones mercantiles y su banca la
hacen alcanzar una modernidad económica y una estructura
social mucho más avanzada. Ésta prosperidad económica y el
surgimiento de una poderosa burguesía repercutirá en forma
muy significativa esta expansión artística. Europa acogerá en
menor o en mayor grado este estilo por tal motivo durante gran
parte de siglo XV el Gótico y el Renacimiento convivieron uno
al lado del otro pero nadie discutirá la primacía en el desarrollo
del Renacimiento, y que éste es ante todo un movimiento
puramente italiano. Por primera vez desde la Antigüedad el
Hombre reclamará un lenguaje a su medida, y con Él, el
Humanismo.
Humanismo: Comprende a un hombre culto, versado en la Antigüedad, que
lee en latín y en griego, que discute sobre Platón y Aristóteles,
que conoce las más avanzadas teorías sobre geografía y
cosmología (Copérnico: declaró que la tierra no es el centro del
universo; y Galileo Galilei: que establece que la tierra gira
alrededor del sol) y que es, además, un gran poeta.
Es la manifestación ideológica, y literaria del Renacimiento;
ésta difusión de la cultura se multiplicó con la invención de la
imprenta de Gutenberg (1.448) y el surgimiento de la clase
burguesa que operaba de mecenas de los artistas, desde ese
momento el Arte dejará de ser algo anónimo y el genio creador
pasará a situarse en primer plano. Ésta renovación intelectual
humanista avanza de la mano de hombres como Erasmo de
Róterdam, supone una reacción contra el espíritu teológico y
autoritario medieval que conducirá a la reforma y ruptura de la
iglesia católica, éste antropocentrismo (el Hombre como
centro) crítico y de carácter laico, produce la manifestación de
un hombre libre, dedicado al estudio de la literatura, la
gramática, los monumentos y los objetos de la Antigüedad.
Etapas Histór icas
Quattrocento: Tiene como espacio cronológico todo el siglo XV y comprende
el “Renacimiento Temprano” que se desarrolla en Italia; y más
específicamente en la región toscana de Florencia que se
convierte en el catalizador del movimiento humanístico italiano.
Filósofos y artistas se agrupan en torno a la corte de las
familias Medicis, Ruselli, Tornabuoni, o Patzzi, mecenas,
protectores económicos por excelencia. Arquitectos, pintores,
y escultores se empeñan en una profunda y fructífera
renovación artística.
La recuperación del desnudo humano, la conquista de la
representación artística son algunos de sus logros; ejemplo: la
cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores, de Filipo
Brunelleschi, la escultura de María Magdalena (1.454 -1.456)
creación de Donatello, la pintura “Expulsión de Adán y Eva del
Paraíso”, fresco de la capilla Bracacci, Florencia 1.424,
contribuye a que las artes plásticas se despeguen en los
planteamientos medievales.
Cinquecento:
Afecta el siglo XVI y su dominio artístico queda referido al “Alto
Renacimiento” que se centra en el primer cuarto del siglo.
Desemboca hacia 1.520-1.530 en una reacción anti-clásica que
conforma el Manierismo. Este foco artístico se desplaza hacia
Roma, capital de los dominios papales; en el cual el papado se
convertirá en el gran mecenas de los artistas italianos aunque
no abandonará sus raíces clasicistas quedando inmerso en un
contexto y simbología católica.
Esta segunda fase supone la madurez de los logros alcanzados
durante el Quattrocento. Las obras de la nueva Basílica de San
Pedro en Roma, se convierten en atracción para los artistas,
maestros como Leonardo Da Vinci o Rafael, alcanzan la gloria
en estos años.
Durante esta etapa es cuando las formas renacentistas salen
de Italia y empiezan a colonizar otros países, España, Francia,
Inglaterra, Alemania y países bajos.
Colonización renacentista en el mundo.
España:
La influencia renacentista llego a través de los viajes de
artistas italianos y que algunos españoles realizaron a España.
Por ejemplo: retrato de María Tudor, Reina de Inglaterra, Hecha
por Antonio Moro; Capilla Mayor de la Catedral de Granada
1.528, de Diego de Siloé.
El greco (1.541-1.614), pintor español y también escultores
como Alonso Berruguete (1.490-1.555) y Juan de Juni (1.5071.577).
Francia:
La introducción del Renacimiento se debió a las campañas
militares a fines del siglo XV, por Carlos VIII y Luis XII, por el
ducado de Milán. En estas campañas contrataron artistas
italianos para la construcción, como por ejemplo El Castillo de
Fontainebleau uniendo el Manierismo italiano con el gusto
cortesano francés. Enrique II encomendó la reconstrucción del
Loude a Pierre Lescot.
Inglater ra:
En realidad estuvo condicionada fundamentalmente por la
prohibición protestante de representar escenas de temáticas
religiosas y por la falta de mecenazgo de la corte, salvo la de
Enrique VIII. Entre los artistas de esa época se destaca el
miniaturista, Nicholas Hilliard.
Alemania:
Cuenta con grandes figuras de primer nivel que trabajan para
los burgueses y no para la corte entre los que se destacó
Durero (1.471-1528), Mathis Grünewald y el mayor retratista de
Lutero Cranach, Lucas y Hans Holbein.
Países bajos: Estos países recibieron la influencia italiana, aunque
mantuvieron una independencia propiciadas por los primitivos
flamencos (gótica). Sin llegar a coincidir plenamente con las
propuestas italianas, por mantener ciertos esquemas góticos,
se destacan los siguientes artículos: Petrus Christus (1.4801.472), Gerard David (1.460-1.523) y sobre todo El Bosco (1.4501.516).
Alcanzada la plenitud clasicista de esta época (Cinquecento) se
inicia una época caracterizada por la diversidad y se pierde la
condición unitaria del primer Renacimiento. Los artistas
pugnaran por mostrar su maestría individual y diferenciarse
mostrando su propia “Maniera” de hacer la cosas; de ahí que
esta época se la conoce como el Manierismo, sobresaliendo la
figura de Miguel Ángel Buonarroti.
Manier ismo:
El manierismo es un estilo artístico que predominó
en Italia desde el final del Alto Renacimiento (c. 1530) hasta los
comienzos del período Barroco, hacia el año 1600.El
manierismo se originó en Venecia, gracias a los mercaderes, y
en Roma, gracias a los papas Julio II y León X, pero finalmente
se extendió hasta España, Europa central y Europa del norte.
Se trataba de una reacción anti-clásica que cuestionaba la
validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento.
El manierismo se preocupaba por solucionar problemas
artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas
complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen
frecuentemente extremidades graciosas pero raramente
alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras
sus posturas parecen difíciles o artificiales. Su origen
etimológico proviene de la definición que ciertos escritores
del siglo XVI, como Giorgio Vasari, para quien maniera significa
todavía "personalidad artística", es decir, estilo, en el más
amplio sentido de la palabra.1 Asignaban a aquellos artistas
que pintaban "a la manera de...", es decir, siguiendo la línea
de Miguel Ángel, Leonardo o Rafael, pero manteniendo, en
principio, una clara personalidad artística. El significado
peyorativo del término comenzó a utilizarse más adelante, de
parte de los clasistas del siglo XVII, cuando esa "maniera" fue
entendida como una fría técnica imitativa de los grandes
maestros, como un ejercicio artístico rebuscado, en clichés,
reducible a una serie de fórmulas. Los colores no remiten a la
naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales,
violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en
gamas. El propio Miguel Ángel o el
académico Rafael experimentaron en sus últimas obras el
placer de la transgresión, desdibujando sus figuras o dejando
inacabadas sus obras. Tiziano, Correggio o Giorgione someten
algunas de sus pinturas a complicados simbolismos que aún
no han sido descifrados, como intuimos en La Tempestad, de
este último. La orfebrería fue uno de los ámbitos más
beneficiados por este complejo arte, que afectó tardíamente,
pero de forma genial, a El Greco.
Artes del Renacimiento.
Arquitectura: El origen de la arquitectura
Renacentista se halla en la
cúpula de La Catedral de
Santa María de las Flores,
construida por Filippo
Brunelleschi.
Con el Renacimiento la
construcción civil o profana
se sitúa al mismo nivel que
la religiosa, desde entonces
los grandes constructores
de las iglesias son al mismo
tiempo los creadores de
importantes edificios para la
burguesía. Los nuevos
elementos arquitectónicos
en especial la cúpula plantea
problemas fundamentales
que afectan a la traza
general del edificio. Era
preciso compaginar la
grandiosidad de los edificios
clásicos y en carácter aéreo
de la arquitectura gótica
pues si bien la primera
imponía por su solides la
segunda se distinguía por la
luminosidad de sus
interiores. El arquitecto
renacentista se inspirará en
las formas geométricas
básicas que ya se
encontraban en los edificios
Capilla Santa María de Fiore.
Florencia, Italia.-
clásicos. El círculo, en
cuadrado, en cubo, la esfera,
el cilindro; son las formas
más adecuadas gracias a su
perfecta regularidad y
racionalidad. La dinámica
lineal y ascendente del
gótico será desplazada por
la lógica claridad del
clasismo.
Elementos constructivos:
Estaban los sustentantes,
los arcos de medio punto,
las columnas y las
sustentadas cúpulas,
bóveda de cañón y cubiertas
planas con casetones.
Elementos decorativos:
Pilastras, frontones,
pórticos, decoración
heráldica, almohadillado,
voluta, grutescos, guirnaldas
y medallones.
En el Quattrocento fue
frecuente recurrir a
columnas y pilastras
adosadas a los capitales
clásicos, los fustes lisos y
en arco de medio punto, a la
bóveda de cañón y de
aristas, así como cubiertas
de madera con casetones.
Lo que distingue la
arquitectura del
Quattrocento del
Cinquecento es la
decoración menuda (putti,
guirnaldas de flores o frutos
grutescos), las fachadas de
piedras toscas, como el
Palacio Medici-Riccardi o
con los sillares en realce,
como el Palacio Rucellai.
La arquitectura del
Cinquecento tuvo como
centro Roma. El 1.506
Bramante terminaba su
célebre proyecto para La
Basílica de San Pedro en el
Vaticano.
Los palacios se adornaban
de bajo relieves como el
Palacio de Grimani o de
esculturas exentas como La
Biblioteca de San Marcos.
Palacio Medici-Riccardi. De Michelozzo di
Bartolommeo.
Biblioteca de San Marcos de Jacopo
Sansovino.
Música
En el caso de la música el
término Renacimiento no es
aplicable, ya que la música
de los siglos XV y XVI ni
supuso una ruptura con la
tradición musical anterior, ni
significó un intento de hacer
renacer formas de la
Antigüedad Clásica. Por tal
motivo no puede hablarse de
un renacimiento musical
propiamente dicho, pero en
términos generales
supusieron el triunfo
definitivo de la polifonía
frente a la música monódica
de la época medieval. En
ésta época desaparecieron
Clavecín, instrumento
algunos de los instrumentos
del período gótico y
pervivieron aquellos que
mejor se adaptaban a la
polifonía, predominaron los
instrumentos de teclado y de
cuerda, como el órgano, el
clavecín, el laúd y la vihuela,
lo que facilitó la
consagración de la música
como acompañamiento de
las composiciones de los
Trovadores. Durante estos
dos siglos el auge alcanzado
por la música profana fue
otra de las innovaciones de
la época.
Clavecín: instrumento de cuerdas pinzadas y teclado.
Soporte de la cubierta: cuña de madera que mantiene la cubierta abierta.
Atril: soporte donde descansa la partitura.
Envoltura: armazón de madera.
Teclado: teclas que producen las diferentes notas.
Cubierta: parte del clavecín que al cerrarse protege las piezas internas del polvo
o la oxidación. Para tocar el clavecín, la cubierta permanece abierta.
Vihuela.
Vihuela: Instrumento cordófono en forma de ocho.
Cuerdas: eran de tripa, ya que las cuerdas entorchadas con metal recién aparecerían en el S XVII.
La música paso a ser un arte no solo cultivado por clérigos
como en la edad media y las canciones de corte popular, sobre
todo el madrigal (poema cantado de tema lírico galante) fueron
piezas por las que se sintieron atraídos todos los
compositores.
Se impuso la polifonía flamenca que logró una perfecta
adecuación entre música y texto. Los maestros flamencos
viajaron por toda Europa, llegando a imponerse en la propia
Italia. En esta época las formas musicales más difundidas
fueron:
Música Instrumental: preludio, tocata, variación, fuga, suite.
Música vocal: misa, motete, madrigal, frottola, coral, anthem,
chanson.
Partitura
Fue el italiano Ottaviano
Petrucci el primer impresor
de música que registra la
historia, la primera obra
impresa fue una colección
de composiciones de
polifonistas de la escuela
franco-flamenca, aparecida
en 1.501. Veinticinco años
más tarde la imprenta
musical se consolida como
una profesión floreciente, en
Italia, Francia, Alemania y
otros lugares. El más claro
exponente de la polifonía
religiosa a cappella, fue
Giovanni Pierluigi da
Palestrina, éste aprendió su
arte de los maestros
holandeses, su obra plena
de dulzura y pureza de estilo
fue el ideal de la música
eclesiástica, sus misas y
motetes constituyeron la
contrapartida musical de las
pinturas de Rafael y de
Leonardo da Vinci. Entre
sus obras más célebres esta
“La Misa de Marce”,
compuesta en homenaje a
éste, protector del músico.
No obstante la intención de
crear un sentimiento
comunitario entre los fieles
tendió hacia una
música no polifónica y de
texto en lengua vulgar que
pudiera ser cantada por el
pueblo, dominadas por la
sencillez.
El S. XVI fue por otro lado en
el momento en que la
música instrumental
despertó un verdadero
interés, entre los
compositores. La música de
instrumentos sin
acompañamiento de voz se
empleó de manera especial
para el baile. La escuela
franco-flamenca y la escuela
Veneciana, concentraron los
compositores más
relevantes de la época como
por ejemplo: Guillaume
Dufay, Johannes Ockeghem,
Orlando di Lasso, Janequin,
y el ya nombrado Palestrina.
Características
Música polifónica
(generalmente
contrapuntística) y con una
concepción horizontal y no
vertical (que todas las voces
tienen la misma
importancia).
Durante el Renacimiento
hay un único estilo (música
polifónica) tanto como para
religiosa como para la
profana.
No hay música instrumental,
sino que generalmente son
adaptaciones.
La disonancia se emplea
para las notas de paso:
puente.
El ritmo se regula en lo que
se denomina tactus,
declamación natural del
texto.
Si el texto marca el ritmo, el
texto sigue siendo
importante.
La música es domestica, es
decir, se retoma la idea de
que la música es educativa y
debe ser enseñada a todos.
Técnicas
compositivas
El contrapunto imitativo:
forma más extendida del
Renacimiento, en una voz se
expone una melodía que se
repite después por las otras
voces.
Cantus firmus: sistema que
alcanza en al Renacimiento
su máximo exponente: una
voz expone una melodía
mientras que las otras hacen
una trama polifónica.
Variación: Diferencia:
melodía muy conocida para
luego añadir modificaciones
y variaciones.
Función de la música
Arte muy valorado por la
sociedad civil y política.
Se restaura el pensamiento
platónico.
Los humanistas lo
consideran un medio
perfecto para exaltar al
hombre y expresar sus
sentimientos.
Consecuencias
Se empieza a valorar al
músico como artista.
Concilio de Trento: Intento
de la Iglesia Católica por
frenar la expansión de la
rama protestante de la
música.
ESCUELA
FRANCOFLAMENCA
Se desarrolla en los Países
Bajos y Francia. Es la más
importante del Renacimiento
y desarrollara la música
polifónica.
Se crean centros donde el
arte esta más evolucionado
a donde van los artistas a
formarse (por ejemplo,
Italia).
La eclosión de esta escuela
es contemporánea a otras
artes: desarrollo del óleo…
En esta zona está muy
desarrollado el comercio y la
gente empieza a demandar
arte, ya no es sólo para unos
cuantos, sino para todo
aquel que quiera adquirirlo.
1ª generación: Guillermo
Dufay y Gilles Binahois.
2ª generación: Johannes
Ockeghem, Obrecht, Josquin
de Prés.
ESCUELA ITALIANA
Comienza en al siglo XV con
la música profana: madrigal,
frotolla… En el concilio de
Trento se plantea el hacer
desaparecer la polifonía por
no cumplir una determinado
función, ya que lo
importante era el texto y con
dicha complejidad no
completa bien función. Por
ejemplo, una pieza podía
tener 4 ó 5 voces. La música
se llena de belleza plástica.
Música instrumental: No se
puede hablar de música
instrumental porque lo que
prima es la música vocal y
las adaptaciones. No se
tiene la idea de música
instrumental.
Se componía música para
pequeños instrumentos que
podía tener en casa
(doméstico), pero no se
compone para conjuntos de
instrumentos, solamente se
adaptan piezas vocales.
A partir de un momento de
empieza a componer la
denominada música
doméstica para
determinados instrumentos
como la vihuela, el laúd… y
aparecen los métodos de
enseñanza, que son una
recopilación de piezas
ordenadas de menos a
mayor dificultad, que
incluyen unas notas sobre
cómo deben ejecutarse.
A partir de este momento se
le otorga una capacidad
expresiva suficiente como
para que la música que se
hacen con estos
instrumentos tenga sentido
sin necesidad de texto.
La música vocal es unívoca,
depende enteramente del
texto y el mensaje es, por lo
tanto claro. Sin embargo la
música instrumental al no
tener texto contiene un
mensaje más abstracto que
se concreta en cada uno de
los oyentes, no se puede dar
una idea general que le valga
a todo el mundo.
Divisiones de la música
instrumental:
Composiciones derivadas de
la música vocal: Una pieza
vocal se adapta aplicando un
instrumento a cada voz y sin
cambiar nada más. Solían
ser motetes, madrigales o
canciones las piezas que se
adaptaban para música
instrumental. No obstante no
se indicaba qué instrumento
debía tocar cada parte.
Música de danza: Tiene su
origen en la Edad Media y en
el Renacimiento. Van a
empezar por agruparse
piezas de danza creando
conjuntos determinados:
suite. La característica es
que no variarán las piezas y
se intercalarán (piezas de
baile compuestas al estilo de
distintos países como
Alemania, Pavana, Giga,
Zarabanda…) buscando que
se intercalen una pieza
rápida y una lenta y así
sucesivamente.
Formas improvisadas: La
técnica instrumental y los
instrumentos van
evolucionando y los
músicos buscan enseñar su
virtuosidad improvisando, lo
cual da lugar a la aparición
de muchas piezas, por
ejemplo fantasías, tocatas,
tiendos etc.
Variaciones: Formas
derivadas del trabajo sobre
determinadas piezas. Se
hacían generalmente en
piezas muy conocidas y ésta
servía también para mostrar
la capacidad de los músicos.
En España se llamarán
diferencias. Los músicos
más destacados son
Giovanni Gabrello y Claudio
Monteverdi. Trabajarán
fundamentalmente en
Venecia y serán el puente
hacia al barroco. Giovannu
Gabrielli aportará los cori
spezatti.
Madrigal: Forma musical
profana más importante del
Renacimiento: forma
musical polifónica de
carácter descriptivo que
pretende a través de la unión
de letra y música expresar
los sentimientos del hombre
como ser profano. A 4 ó 5
voces y a cappella (lo que no
implica que a veces haya
instrumentos).
Pintura
Con la llegada del
Renacimiento apareció una
nueva clase social,
constituida por los
humanistas. Hasta entonces
la iglesia había condicionado
toda la vida cultural, pero
ahora la ciencia llegaba
directamente al ciudadano,
gracias al aristotelismo, en
boga durante los comienzos
del renacimiento. Esta
filosofía fue cediendo
terreno al platonismo y el
arte empezó a basarse sobre
la propia ciencia. La
geometría y otras ramas de
las matemáticas ocuparon
un lugar esencial en la nueva
concepción de la cultura, se
desecho el arte puramente
lineal y se busco con ahínco
la forma tridimensional. La
pintura dejó la pared para
ser trabajada en caballete, se
empezó a utilizar el lienzo y
el óleo (mezcla de pigmentos
con aglutinantes a base de
aceites).
Reaparece el retrato, el
desnudo, principalmente
mitológico y el paisaje, todo
ello idealizado. No como
copia de la antigüedad sino
como su interpretación. Se
busca el realismo, pero se
idealiza la naturaleza. Se
deja la pintura plana para
darle volumen a las formas y
aparece la técnica del claro
obscuro (luces y sombras)
Las artes liberales ya no
están controladas por los
gremios, sino bajo la
protección de los príncipes y
la burguesía. Nacen así los
mecenas, como las familias
Médicis, Ruselli, Tornabuoni,
o Pazzi. Aparece la figura del
artista genial, por lo que se
abandona definitivamente el
anonimato. Sin embargo
surge el taller del maestro,
que controla el acceso a la
profesión de los oficiales y
los
un espacio tridimensional.
aprendices y que es quien
recibe los encargos de los
clientes. Además de los
mecenas estos, serán
protectores de los artistas.
La Venus de Botticelli. Protegido de los
Médicis
La
ultima Cena de Andrea del Castagno. (1445-1450).
Se puede apreciar el interés por la representación en
Todo esto exige una
formación científica de los
artistas, y una gran
capacidad de creación. Se
inventa la perspectiva
caballera, (se emplea para
trazar los objetos mediante
proyecciones cilíndricas
oblicuas sobre un plano),
con sus puntos de fuga
matemáticos y la perspectiva
aérea con el sfumato.
Perspectiva caballeresca
Se pone mucha atención en
líneas y proporciones, para
la que se utilizara el canon
clásico. Reaparece el retrato,
pero idealiza la naturaleza. El
hombre recupera su
protagonismo como primer
objeto artístico. Se pinta la
figura humana
independiente de lo que
represente. El tema importa
poco pero si lo bello frente a
lo representativo. El objeto
del arte es el mundo natural,
la imagen del mundo que se
identifica con la civilización.
El punto de fuga es el lugar donde convergen
todas líneas "paralelas" de color verde, y la línea
del horizonte es la recta horizontal de color azul
En su última etapa o Alto
renacimiento, cuando
conseguidas las soluciones
técnicas es cuando se pinta
“a la manera de” un maestro
o de otro, corriente a la que
se la llamará manierismo.
La práctica inexistencia de
modelos o textos clásicos en
los que los pintores
renacentistas del
Quattrocento hizo que la
pintura clásica no alcanzara
su plenitud al mismo tiempo
que sus hermanas, la
escultura y la pintura, si bien
esta parte de las artes fue la
que mayor repercusión tuvo.
Hasta la segunda década del
siglo XV, con las obras de
Masaccio, no se puede
hablar de pintura
renacentista, aunque existan
interesantes
aproximaciones, entre las
que cabe destacar el interés
empírico de Giotto.
Quattrocento
La pintura italiana de los
comienzos del siglo XV es
todavía narrativa y escoge
los muros de las iglesias.
Las técnicas, en especial
con el fresco, son de gran
sencillez. Sin embargo con
la pintura al óleo, el artista
abandona la limitada
temática religiosa y se
complace en mostrar el
esplendor de la forma, la luz
y el espacio infinito.
Escuela Florentina
Los artistas Gentile da
Fabriano, Paolo Ucello y
Andrea del Castagno
aportaron nuevas
conocimientos y técnicas; se
plantean temas de
representación visual como
el de la perspectiva.
Pintura que se le atribuye a Paolo Ucello.
Capilla Brancacci de la iglesia del Carmen de
Masaccio.
Sin embargo el arranque de
toda la pintura moderna es la
obra de Masaccio, pintor que
en su fugaz existencia dejo
ver su talento. Por primera
vez el aire envuelve a los
cuerpos y se siente una
atmósfera real. Interesado en
hacer una pintura sólida,
Masaccio rechaza los
colores brillantes y emplea
blancos y negros para
moldear los cuerpos. Los
temas piadosos pasan a ser
un pretexto para mostrar el
Fausto de la alta burguesía
florentina. Sus paisajes son
muy a menudo campiñas
toscanas, los de brillante
corte de los Medicis y sus
escenarios urbanos, los
suntuosos palacios.
No podemos dejar de
nombrar dentro de la
escuela florentina a Sandro
Botticelli protegido de los
Medicis, pinto alegorías de
refinada sensualidad, en las
que reflejaba el gusto
paralizante de sus mecenas.
Escuela de Perusa
Su discípulo Meloso de Forli
es célebre por sus ángeles
músicos.
importantes se encuentran
en la Capilla de Sitian y en la
sala de Cambio en Perusa,
su patria. Otros artistas de la
época fueron Fra Angélico,
Fra Filippo Luppi
La Primavera. De Boticelli.
.
La leyenda de la vera cruz de Piero Della Francesa
Otro gran pintor de la época
era Pedro Vanuci, llamado el
perusino, sus frescos más
A la elegancia un poco dura
de Florencia aparece Piero
de la Francesa su principal
intereso representante, se
por los problemas del
claroscuro y la perspectiva,
en particular le apasionaron
los luminosos. Los frescos
como la Leyenda de la Santa
Cruz son una obra de arte en
luminosidad
Escuela de Papúa.
Escuela Veneciana
Esta escuela que empezó
tardíamente, en el siglo XVII
aun nos sorprende con un
narrador esplendido como
Tiopelo, gran colorista y con
Guardi y Canaleto, que nos
retratan la vida pintoresca de
Venecia. El apogeo artístico
de esta escuela corresponde
al siglo XVI pero ya en esta
se destacan Gentil Bellini y
su hermano Gian Bellini.
Antonello de Mesina
sobresale por el fuerte
realismo de sus retratos,
mientras que Capaccio,
autor de la Leyenda de Santa
Úrsula.
El milagro de la cruz junto al puente San Lorenzo de
Bellini
Virgen de la anunciación de D. Mesina.
El nombre de Andrés
Mantenga sirve por si solo
para dar prestigio a esta
escuela. Sus impecables
escenarios arquitectónicos,
tomados de la antigüedad,
ofrecen puntos de fuga muy
al ras del suelo, huidas de
líneas hacia el centro del
cuadro en prodigiosa ilusión
de profundidad. Los
escorzos de sus figuras, son
por el mismo motivo,
violentos y de complicada
resolución dibujística, como
el extraordinario Cristo
muerto.
Solamente Venecia mantuvo
un estilo original, basado en
el intenso cromatismo y en
la pincelada ancha decidida
que buscaba llegar a una
especie de vibración
luminosa de colores.
Cinquecento
El siglo XVI, señala el
apogeo de la pintura
renacentista italiana y
constituye una de las épocas
más brillantes del arte
universal. No podía ser de
otra manera con la
convivencia en el tiempo y
en el espacio de maestro de
la talla de Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel, Rafael,
Corregio, Giorgione y
Tiziano, Tintoretto.
Así como Florencia ejerció la
hegemonía en la centuria
anterior, ahora es Roma la
que irradia al mundo entero
el poderoso influjo de estos
artistas. Los posteriores
pintores se limitaron a
seguir las normas trazadas
por los grandes maestros.
La tempestad de Giorgione.
La Venus de Tiziano
Boceto de uno de sus inventos
Boceto de una de sus investigaciones
.
La suavidad de las formas,
la delicadeza del color, el
Escuela milanesa.
Cuenta con un solo nombre,
Leonardo da Vinci, no fue
solo pintor dejo escritos
interesantes sobre
ingeniería, química y otras
ciencias; escultor, músico,
escritor, se dedicó al estudio
de la anatomía del cuerpo
humano. Creador de la
técnica del “sfumato”.
esmero en el detalle, el
exquisito difuminado el
famoso esfumado
leonardesco, la conjunción
de sensualidad, la expresión
lejana de sus ojos de
gruesos parpados y las de
las manos, elegantes y finas,
son notas inconfundibles de
su estilo. Pocos comentarios
suscitaron tantos
comentarios como La
Gioconda.
Escuela Romana.
Se Destacan dentro de esta
escuela Rafael y Miguel
Ángel.
Rafael aunque vivió poco
dejo un obra vastísima,
unificadas y reavivadas por
su autentico genio de la
fabulación plástica. La
gracia, la riqueza narrativa,
la traía para dar realidad a la
constante idea del
renacimiento. Como
retratista ocupa un lugar
eminente. Como por ejemplo
el retrato Julio II, de la
Fornaria, Baltasar de
Castiglione. Pero sus obras
más celebres son las
madonas como las del
Jilguero, de la Silla, de la
Paz, La bella Jardinera.
La piedad de Miguel Ángel
Papa Julio II de Rafael.
La obra pictórica de Miguel
Ángel responde también a
esa tendencia a lo
grandioso, a lo dramático y
exasperado que hemos visto
en sus esculturas.
Transplanta al campo de la
pintura los medios
expresivos de la estatutaria.
Su obra maestra, el techo de
la capilla Sextina, es una
majestuosa interpretación
del Génesis. En él se agitan
más de 300 figuras. Años
más tarde pintaría en la
pared frontal de la capilla su
tremendo Juicio final.
El Banquete de Bodas de Brueghel, el viejo
España:
Artistas fuera de Italia.
Alemania:
En la primera mitad del siglo
XVI, Alemania cuenta con
varias figuras del primer
nivel. Estos trabajan solo
para los burgueses y no para
la corte el más significativo
fue Albrecht Dürer, conocido
como Durero. La importancia
de este pintor en esta época
se debe tanto a la calidad
como a la personalidad de
sus obras.
Aunque la pintura española
de la baja edad media acusa
el influjo de las escuelas
Sienesa y Florentina, hasta
el siglo XVI no puede
hablarse de un arte
contemporáneo renacentista
con el intercambio de
artistas, aparece Luís de
Morales(1.510-1.586),
Antonio Moro(1.519-1.576), y
contemporáneos a ellos El
Greco (1.541-1.614).
La Melancolía de Durero
Países Bajos:
Dentro de los artistas
conocidos tenemos a Pieter
Brueghel,
si bien sus cuadros siguen
la concepción espacial del
renacimiento italiano, la
pervivencia de las formas
góticas es aun evidente en
los detalles. También se
destacan Rogier van der
Weyden (1.379-1.444/7),
Petrus Christus (1.4201.472/3), en segunda
Generación, El Bosco (1.4501.516), Lucas de Leiden
(1.494-1.533).
Parmesano y Rafael. Entre
los pintores referentes se
destacan Jean Bouquet,
Jean y Francois Clouet.
Grab
ado del Rey Jacobo I de Nicholas Hilliard.
La purificación del templo de El Greco.
Francia:
La pintura Francesa de esa
época se caracteriza por la
acción de corrientes
distintas, la italiana y la
flamenca. Si residieron en
Francia un tiempo L. da Vinci
y Andrea del Sarto, en
realidad la influencia se
produjo a raíz de la llegada
de manieristas que
difundieron el estilo de
Retrato de Agnes Sorell, amante del
rey de Francia por Jean Bouquet.
Inglaterra:
La prohibición de la temática
religiosa en la Pintura, con la
excepción del reinado de
María Tudor convirtió al
retrato en tema central de
los pintores ingleses. Al
igual que al resto de las
artes recibió la influencia de
artistas flamencos.
Escultura
Al igual que los arquitectos,
los escultores renacentistas
basaron su búsqueda en el
estudio de la cultura
grecorromana. Inspirándose
en ella esculpieron obras en
la que el interés, por la
expresión naturalista
convive con la
representación de los
ideales humanistas.
El primer escultor
enteramente renacentista es
Lorenzo Ghilberti (1.3781.455), orfebre que había
estudiado en Roma. Su
sentido de movimiento y del
ritmo constituye un
considerable avance en la
dirección clásica que
culminara en Donatello.
Entre sus obras podemos
encontrar: Las puertas del
Baptisterio de Florencia,
bautismo de Cristo para
Siena.
Fuente de Gaia de Jacopo Della
Quecia.
Pero el escultor más
destacado del Quattrocento
sin dudas es Donatello.
Bautismo de Cristo de Ghilberti
De la misma edad es el
escultor Jacopo Della
Quecia (1.374-1.438), de
Siena. Artista a quien le
interesa la expresión
humana, con gusto por las
formas hercúleas. Realiza
junto a Ghilberti, los relieves
de San Petronio de Bolonia.
Hombre de preocupaciones
artísticas que cultivo
también la orfebrería y supo
de arquitectura y pintura. Es
en realidad el creador del
estilo del Renacimiento
pleno, oscilando entre la
búsqueda del equilibrio
clásico, la belleza y el cultivo
de cierto impresionismo, que
apoyado en la realidad
acentúa los valores
dramáticos. Su motivo
fundamental es lo humano,
estudiando al hombre desde
la infancia, hasta la vejez.
Dónatelo realiza además una
de las primeras obras y mas
importantes estatuas
ecuestres de todo el
renacimiento, inspirándose
en el Marco Aurelio romano,
la del condotiero
Gattamelata, de Papúa,
primera en honor a un
guerrero de todo el mundo
moderno.
San Jorge de Donatello.
Junto a Donatello se
destacan otros escultores
contemporáneos, Luca Della
Robbia, Desiderio de
Settignano, Antonio de
Rossellino, Andrea
Verrocchio (maestro de
Leonardo da Vinci). Etc.
Gattamelata de Papúa
Teatro
El teatro sufrió una
evolución que fue llevándolo
poco a poco hasta su cenit,
ya en el Barroco. Se
prolongo en el tiempo un
teatro religioso, heredado
del de la edad media y muy
relacionado todavía con la
liturgia, pero a su vez
desarrollo un teatro profano,
que arraigo profundamente
en el público. El teatro se vio
inmensamente favorecido
por este cambio de
pensamiento, ya que
empezaron a componerse
obras dramáticas enfocadas
desde el hombre para el
hombre. Además en este
periodo se produjo un hecho
fundamental para la difusión
de las ideas a través del
papel, el descubrimiento de
la imprenta por Gütemberg,
lo que propicio la
publicación de obras
literarias para su ejecución y
lectura, así como la
aparición de mecenas que
sentían ansias de invertir en
los nuevos talentos.
Atendiendo al tipo de
público que asistía a las
presentaciones, el teatro
profano podía dividirse en
tres categorías:
*El teatro populista, para el pueblo
*El teatro cortesano, para la
nobleza y privado
*El teatro erudito, para las
universidades.
Aquí aparece “la comedia
del arte”, que es un género
teatral italiano, uno de los
detalles más importantes es
la existencia de la máscara,
era improvisado, se hacía al
aire libre, era un teatro
popular ligado a cada región.
Entre los dramaturgos
conocidos estaba Nicolás
Maquiavelo, escritor
florentino, nacido en el seno
de una familia noble
empobrecida, una de sus
obras se titulo “El Príncipe”
obra inspirada en Cesar
Borgia.
A partir del siglo XVI se
escriben y representan
varias obras teatrales cuyo
fin era entretener al
espectador. Aparecen
muchas compañías y
muchos autores entre los
más importantes podemos
destacar a Bartolomé Torres
Navarro y Lope de Rueda,
Una obra importante y
representativa de la época
fue “La Celestina” o
conocida también como
Tragicomedia de Calisto y
Melibea, de Fernando de
Rojas.
Si bien el teatro en esta
época no tuvo demasiada
relevancia podría decirse
que gracias a los avances de
la época fue la precursora
para lo que en el Barroco se
llamo S. de Oro Español y
culmino con el trabajo del
más grande del teatro inglés,
William Shakespeare, pero
esa ya es otra historia…
Artistas destacados de la época.
Filippo Bruneleschi: (1.377-1.446) entre sus obras se destacan,
la fórmula de las leyes cónicas que sirvió para las futuras
técnicas. La Cúpula de la Catedral de Santa María de Fiore. El
Hospital de Los Inocentes.Donato d’Angelo Bramante: (1.444-1.514) entre sus obras se
destacan el claustro y abdise de Santa María Della Grazia.
Milán. San Pietro in Montorio en Roma.
Lorenzo Ghilberti: (1.378-1.455) Su obra más célebre fue
conocida tiempo más tarde, Las Puertas del Paraíso de la
Catedral de Florencia, y el Bautismo de Cristo para Siena.
Jacopo Della Quecia: (1.374-1.438) Realiza con Ghilberti los
relieves de San Petronio de Bolonio. Fuente de Gaia.
Donatello: (1.386-1.466) obras destacadas: San Jorge,
Gattamelata de Papúa.
Masaccio: (1.401-1.428) Capilla Brancacci, de la Iglesia del
Carmen, La Trinidad de la Iglesia Santa María novela.
Paolo Ucello: (1.397-1.475) sus obras fueron las tres pinturas
de la Batalla de San Romano.
Sandro Botticelli: (1.445-1.510) entre sus obras se encuentran
La Primavera, El Nacimiento de Venus.
Piero de la Francesa: (1.415-1.492) entre sus obras se
encuentra: La Leyenda de la Vera Cruz.
Gentil Bellini: (1.429-1.507) entre sus obras están: El Milagro de
la Cruz junto al puente San Lorenzo, Procesión de la Plaza de
San Marcos.
Andrés de Mantenga: (1.431-1.506) entre sus obras se
encuentran El Cristo Muerto, Retrato de la Virgen y Niño con
Santos.
Leonardo Da Vinci: (1.452-1.519) Entre sus obras se encuentran
La Gioconda, El Bautismo de Cristo, La Virgen y el Niño, realizo
muchas investigaciones del cuerpo humano que no se
conocieron hasta tiempo más tarde, y fue un gran inventor.
Rafael: (1.483-1.520) entre sus obras se destacan El Retrato del
Papa Julio II, Desposorios de la Virgen, La Misa de Bolsena, La
Galatea.
Miguel Ángel: (1.475-1.564) entre sus obras más célebres están
el techo de la Capilla Sixtina con la interpretación del Génesis y
la pared frontal con su tremendo Juicio Final, entre sus
esculturas la magnífica obra de La Piedad.
Tintoretto: (1.518-1.594) entre sus obras se destacan San
Marcos, escenas mitológicas, La Última Cena, San Jorge y El
Dragón.
Tiziano: (1.477-1.490) entre sus obras más ejemplares se
encuentran Magdalena Penitente, Salomé y La Venus de
Tiziano.