Aquesta entrevista va ser realitzada el 31 de gener de 2008 al

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Aquesta entrevista va ser realitzada el 31 de gener de 2008 al Centre d’Art la
Panera de Lleida durant el muntatge de l’exposició “Portes Obscures” de
Marina Núñez.
Antoni Jové: Les teves obres són repletes de dones, monstres, boges i
ciborgs. Per què les dones?
Marina Núñez: Tota la meva obra en general tracta dels subjectes no canònics,
els que es troben al marge del que és normatiu. I la qüestió de gènere marca
clarament diferències: l’home és el cànon i la dona no l’és. També hi ha un
motiu polític, feminista. Des del principi hi ha aquesta voluntat de parlar de
l’exclusió, la subordinació de les dones. Tot i que aquesta intenció política no
s’expressi d’una manera explícita o òbvia, suposo que es nota que hi és. No és
l’únic tema de què tracten les obres, però n’és un.
AJ: Per què les “monstres” i les boges?
MN:En aquest mateix sentit, tant les boges com les “monstres” funcionen com
a redundàncies. La dona a la cultura occidental ha estat definida des de tots els
àmbits i instàncies com a no assenyada: els pensaments d’una dona eren
sistemàticament qualificats de neuròtics, fantàstics, balbucejants, no lògics, no
conclusius, cosa que en gran mesura defineix una boja; de la mateixa manera,
les seves accions eren considerades desorbitades, incomprensibles, volubles,
histèriques.
Amb la monstruositat passa el mateix. El cos de la dona s’ha caracteritzat com
un cos grotesc en el sentit en què el defineix Bakhtin: un cos que es desborda,
que transgredeix els propis límits, que té massa carn, o almenys és massa
deformable, i s’ajusta fàcilment a diferents formats segons les demandes de
l’època. Ja de per si aquest cos és el contrari del cos eixut de carns, contingut i
invariable que és el cos de l’home, el canònic, el cos menys cos possible,
perquè la nostra cultura mai no ha tingut cap mena d’estimació al cos. El cos de
l’home és, doncs, menys cos que el de la dona.
Així que una dona boja o una dona “monstre” és dues vegades el mateix, i
aquesta redundància em serveix per descodificar, desmitificar, deconstruir certs
estereotips associats a la feminitat. Però no esperant-ne que la dona arribi a
ser canònica, sinó més aviat esperant que la mateixa idea de cànon es
desbarati, que es multipliquin les diferències i el centre deixi d’existir, que tot
sigui marges i anomalies.
AJ: Per què els ciborgs?
MN:Els ciborgs també són monstres, participen de moltes de les
característiques de la monstruositat, sobretot de l’hibridisme, la impuresa,
l’heterogeneïtat, que n’és una de les principals característiques. El subjecte
occidental ha preferit considerar-se a si mateix com a homogeni i no
contaminat. Per a aquesta visió estreta, la barreja de la part tecnològica amb
l’orgànica, que al seu torn pot ser humana, o animal, o alien, és un escàndol.
Un altre exemple: l’home s’ha autodefinit com a fix, inamovible, coherent,
rígidament constant al llarg de tota la seva vida, tant en un sentit físic com, el
que és més interessant, psicològic. I, en canvi, el ciborg, com tants monstres,
es troba en contínua metamorfosi, se li poden acoblar i desacoblar
components, es pot construir, mai no és estable ni definitiu.
AJ: Quan abordes les dones, boges i monstres hi ha un posicionament polític.
Quin plantejament polític hi ha en l’elecció del ciborg? Quin és el teu
posicionament davant d’avenços científics com la clonació o la investigació
amb cèl·lules mare?
MN:Intuïtivament el meu posicionament és d’entusiasme. Aquests avenços em
semblen admirables, m’intriguen molt i em suggereixen, com algunes novel·les
de ciència-ficció, mons més amplis i complexos, possiblement més rics. Ara bé,
després hi ha la part racional. És evident que les tecnologies no són innocents,
que no es poden considerar al marge d’un context de motius, objectius,
discursos... que poden ser subversius o progressistes, com defensen alguns
assagistes, però també tecnofeixistes, com adverteixen d’altres.
Per aquesta raó, en determinades obres intento plantejar les possibilitats
esperançadores d’aquesta nova identitat que sorgeix del contacte amb la
tecnologia i, en d’altres, narrar la possible tragèdia d’una topada incontrolada o
mal encaminada amb elles. I a més, en l’obra tendeixo a ser bastant dramàtica,
de manera que gairebé em costa més mostrar les possibilitats esperançadores
o subversives que els aspectes més tràgics.
AJ: Per al Centre de Documentació de la Panera has seleccionat llibres i
pel·lícules que d’alguna manera han influenciat el teu treball. Parla’ns
d’aquestes influències i fonts i de com es manifesten en les teves obres.
MN: Llibres i pel·lícules podrien resumir molt bé les dues vies d’influència més
clares que tinc. Els llibres representarien les influències discursives, que per a
mi han estat molt importants. Ha estat fonamental llegir Donna Haraway,
Foucault, Judith Butler... M’han influenciat molt clarament en la direcció que ha
anat prenent l’obra. Que sense haver-los llegit hagués estat quelcom semblant?
Sí, probablement; no crec que hi tractés altres temes. Però també hagués estat
menys lúcid, o més passat. És molt fàcil passar-te la vida inventant la bicicleta.
Les pel·lícules representarien les influències de les imatges que m’impacten,
que m’influencien en la iconografia i en la sintaxi de les obres. En concret, el
cinema i la història de l’art han estat molt determinants.
AJ: Quin és el fil conductor de l’exposició “Portes Obscures”?
MN: L’obra, la pots reordenar de múltiples maneres. És molt divertit trobar
diferents fils conductors que orienten l’obra en diferents direccions, que
suggereixen visions noves, fins i tot algunes que no havies previst.
En aquest cas el fil conductor és molt literari, és la idea del malson, de manera
que totes les obres elegides són molt narratives i molt oníriques. Són contes
il·lògics i surrealistes, i tenen un aire inquietant i angoixós.
AJ: Com han sorgit els treballs que has produït específicament per a la
Panera? Què cerques? Has pensat en l’espai que els ha d’allotjar?
MN: Precisament el que m’ha influenciat a la Panera, a l’hora de concebre les
noves obres, ha estat l’espai, que he incorporat com a escenografia pròpia de
l’obra. La sala de columnes és tan espectacular i impactant, i és un escenari
tan adequat per a un malson ombrívol, que vaig pensar immediatament a
simular un espai virtual que fos semblant a l’espai real, que és el que vaig fer a
Ocaso, amb unes columnes de vidre en 3D de forma i mida iguals que les
columnes de pedra reals, de manera que l’espai del vídeo prolonga la
perspectiva de la sala.
I en els tres vídeos Visión, dos dels quals són al Dipòsit del Pla de l’Aigua, va
passar el mateix. El dipòsit és un escenari de pel·lícula de por, més encara que
la Panera, i igualment impressionant i teatral. I a més a les parets hi ha forats
obscurs, que incrementen la sensació de terror. Així que jo també vaig simular
forats a la pedra. Els tres vídeos feien certa referència al mite de la caverna de
Plató, a la dificultat en l’adquisició de coneixement, o a com les percepcions
són sempre tan subjectives. I la imatge segueix sent la d’un somni angoixant; hi
ha uns ulls com embrions atrapats dins de la cova, i alhora dins d’una altra
concavitat orgànica.
AJ: Al llarg de la teva trajectòria, i en l’exposició que presentes a la Panera,
podem observar que utilitzes diferents mitjans: pintura, fotografia, vídeo,
infografia, etc. Tanmateix, l’origen, la base del teu treball, sembla que continua
sent el dibuix i la pintura. Amb quin criteri esculls cada mitjà i què t’aporta cada
mitjà?
MN: Estic d’acord que tota l’obra es pictòrica; pot haver-hi vídeos i infografies
que no siguin gens pictòrics, però en el meu cas ho són. La pintura, al contrari
que l’escultura, ha tardat molt a assumir el seu “camp expandit”, cosa que ha
contribuït a tanta lletania sobre la seva mort.
Tot el món entén que mitjans diferents tenen diferents especificitats
sintàctiques. Però és interessant comprendre també que cada mitjà, cada
tècnica, semànticament també significa coses diferents. La mateixa imatge,
amb idèntica iconografia, composició, mida..., representada en pintura o en
infografia no suggereix el mateix a l’espectador. Intento ser-ne conscient, tot i
que moltes vegades l’elecció d’un mitjà o d’un altre per explicar millor les coses,
o perquè la imatge sigui més bella, o més efectiva, o més versemblant..., és
bàsicament intuïtiva.
Esta entrevista fue realizada el 31 de enero del 2008 en el Centre d’Art la
Panera de Lleida durante el montaje de la exposición “Puertas Oscuras” de
Marina Núñez.
Antoni Jové: Tus obras están repletas de mujeres, “monstruas”, locas y
ciborgs. ¿Por qué las mujeres?
Marina Núñez: Toda mi obra en general trata de los sujetos no canónicos, los
que están en los márgenes de lo normativo. Y la cuestión de género marca
claramente diferencias: el hombre es el canon y la mujer no lo es. También hay
un motivo político, feminista. Desde el principio hay esta voluntad de hablar de
la exclusión, la subordinación de las mujeres. Aunque esta intención política no
esté expresada de una manera explícita u obvia, supongo que se nota que está
ahí. No es el único tema del que tratan las obras, pero es uno de ellos.
AJ: ¿Por qué las “monstruas” y las locas?
MN: En este mismo sentido, tanto las locas como las “monstruas” funcionan
como redundancias. La mujer en la cultura occidental ha sido definida desde
todos los ámbitos e instancias como no cuerda: los pensamientos de una mujer
eran sistemáticamente calificados de neuróticos, fantásticos, balbuceantes, no
lógicos, no conclusivos, lo que en gran medida define a una loca; asimismo,
sus acciones eran consideradas desorbitadas, incomprensibles, volubles,
histéricas.
Lo mismo pasa con la monstruosidad. El cuerpo de la mujer ha sido
caracterizado como un cuerpo grotesco en el sentido en el que lo define
Bakhtin: un cuerpo que se desborda, que transgrede sus propios límites, que
tiene demasiada carne, o al menos es demasiado deformable, y se ajusta
fácilmente a diferentes formatos según las demandas de la época. Ya de por sí
este cuerpo es lo contrario del cuerpo enjuto, contenido e invariable que es el
cuerpo del hombre, el canónico, el cuerpo menos cuerpo posible, porque
nuestra cultura nunca ha tenido ningún aprecio al cuerpo. El cuerpo del hombre
es, pues, menos cuerpo que el de la mujer.
Así que una mujer loca o una mujer “monstrua” es dos veces lo mismo, y esta
redundancia me sirve para decodificar, desmitificar, deconstruir ciertos
estereotipos asociados a la feminidad. Pero no esperando entonces que la
mujer llegue a ser canónica, sino más bien esperando que la misma idea de
canon se desbarate, que se multipliquen las diferencias y deje de existir el
centro, que todo sea márgenes y anomalías.
AJ:¿Por qué los ciborgs?
MN: Los ciborgs son también monstruos, participan de muchas de las
características de la monstruosidad, sobre todo de lo híbrido, lo impuro, lo
heterogéneo, que es una de las principales. El sujeto occidental ha preferido
considerarse a sí mismo como homogéneo y no contaminado. Para esta visión
estrecha, la mezcla de lo tecnológico y lo orgánico, que a su vez puede ser
humano, o animal, o alien, es un escándalo.
Otro ejemplo: el hombre se ha autodefinido como fijo, inamovible, coherente,
rígidamente constante a lo largo de toda su vida, tanto en un sentido físico
como, lo que es más interesante, psicológico. Y en cambio el ciborg, como
tantos monstruos, está en continua metamorfosis, se le pueden acoplar y
desacoplar componentes, se puede reconstruir, nunca es estable ni definitivo.
AJ: Cuando abordas las mujeres, locas y “monstruas” hay un posicionamiento
político. ¿Qué planteamiento político subyace en la elección del ciborg? ¿Cuál
es tu posicionamiento ante avances científicos como la clonación o la
investigación con células madre?
MN: Intuitivamente mi posicionamiento es de entusiasmo. Estos avances me
parecen admirables, me intrigan mucho y me sugieren, como algunas novelas
de ciencia ficción, mundos más amplios y complejos, posiblemente más ricos.
Ahora bien, luego está la parte racional. Está claro que las tecnologías no son
inocentes, que no se pueden considerar al margen de un contexto de motivos,
objetivos, discursos… que pueden ser subversivos o progresistas, como
defienden algunos ensayistas, pero también tecnofascistas, como advierten
otros.
Por esta razón, en determinadas obras intento plantear las posibilidades
esperanzadoras de esta nueva identidad que surge del contacto con la
tecnología y, en otras, narrar la posible tragedia de un encontronazo
incontrolado o mal encaminado con ellas. Y además, en la obra tiendo a ser
bastante dramática, de modo que casi me cuesta más mostrar las posibilidades
esperanzadoras o subversivas que los aspectos más trágicos.
AJ: Para el Centre de Documentació de la Panera has seleccionado libros y
películas que de alguna manera han influenciado tu trabajo. Háblanos de estas
influencias y fuentes y de cómo se manifiestan en tus obras.
MN: Libros y películas podrían resumir muy bien las dos vías de influencia más
claras que tengo. Los libros representarían las influencias discursivas, que para
mí han sido muy importantes. Ha sido fundamental leer a Donna Haraway,
Foucault, Judith Butler... Me han influido claramente en la dirección que ha ido
tomando la obra. ¿Que sin haberlos leído hubiera sido algo parecido? Sí,
probablemente; no creo que tratase otros temas. Pero también hubiera sido
menos lúcido, o más trasnochado. Es muy fácil pasarte la vida inventando la
bicicleta.
Las películas representarían las influencias de las imágenes que me impactan,
que me influyen en la iconografía y en la sintaxis de las obras. En concreto el
cine y la historia del arte han sido muy determinantes.
AJ:¿Cuál es el hilo conductor de la exposición “Puertas Oscuras”?
MN: La obra, la puedes reordenar de múltiples maneras. Es muy divertido
encontrar diferentes hilos conductores que orienten la obra en distintas
direcciones, que sugieran visiones nuevas, incluso algunas que no habías
previsto.
En este caso el hilo conductor es muy literario, es la idea de la pesadilla, de
manera que todas las obras elegidas son muy narrativas y muy oníricas. Son
cuentos ilógicos y surrealistas, y tienen un aire inquietante y angustioso.
AJ:¿Cómo han surgido los trabajos que has producido específicamente para la
Panera? ¿Qué buscas? ¿Has pensado en el espacio que los tiene que
albergar?
MN: Precisamente lo que me ha influido en la Panera, en el momento de
concebir las nuevas obras, ha sido el espacio, que he incorporado como
escenografía propia de la obra. La sala de columnas es tan espectacular e
impactante, y es un escenario tan adecuado para una pesadilla sombría, que
pensé inmediatamente en simular un espacio virtual que fuera parecido al
espacio real, que es lo que hice en Ocaso, con unas columnas de vidrio en 3D
iguales en forma y tamaño a las columnas de piedra reales, de modo que el
espacio del vídeo prolonga la perspectiva de la sala.
Y en los tres vídeos Visión, dos de los cuales están en el Dipòsit del Pla de
l’Aigua, sucedió lo mismo. El depósito es un escenario de película de miedo,
más todavía que la Panera, e igualmente impresionante y teatral. Y además en
las paredes hay agujeros oscuros, que incrementan la sensación de terror. Así
que yo también simulé agujeros en la piedra. Los tres vídeos hacen cierta
referencia al mito de la caverna de Platón, a la dificultad en la adquisición de
conocimiento, o a cómo las percepciones son siempre tan subjetivas. Y la
imagen sigue siendo la de un sueño angustioso; hay unos ojos como
embriones atrapados dentro de la cueva, y a la vez dentro de otra concavidad
orgánica.
AJ: A lo largo de tu trayectoria, y en la exposición que presentas en la Panera,
podemos observar que utilizas diferentes medios: pintura, fotografía, vídeo,
infografía, etc. Sin embargo, el origen, la base de tu trabajo, parece que
continúa siendo el dibujo y la pintura. ¿Con qué criterio escoges cada medio y
qué te aporta cada medio?
MN: Estoy de acuerdo en que toda la obra es pictórica; puede haber vídeos e
infografías que no sean nada pictóricos, pero en mi caso lo son. La pintura, al
contrario que la escultura, ha tardado mucho en asumir su “campo expandido”,
lo que ha contribuido a tanta letanía sobre su muerte.
Todo el mundo entiende que medios diferentes tienen diferentes
especificidades sintácticas. Pero es interesante comprender también que cada
medio, cada técnica, semánticamente también significa distintas cosas. La
misma imagen, con idéntica iconografía, composición, tamaño…, representada
en pintura o en infografía no sugiere lo mismo al espectador. Intento ser
consciente de ello, aunque muchas veces la elección de un medio u otro para
contar mejor las cosas, o para que la imagen sea más bella, o más efectiva, o
más verosímil…, es básicamente intuitiva.