“Ignudi de Miguel Ángel” en la Capilla Sixtina

1. LOS IGNUDI DEL ARTE RENACENTISTA
La palabra “Ignudi” quiere decir o se refiere a las OBRAS DEL ARTE RENACENTISTA que representaban
DESNUDOS MASCULINOS. Hay muchos “Ignudis” de muchos artistas. Yo he elegido …
“Ignudi
de Miguel Ángel” en la Capilla Sixtina
Estas obras recuerdan a las estatuas de la antigua Grecia y Roma.
Los Ignudi son la equivalencia a los ángeles de la tradición cristina.
2. CONTEXTO HISTÓRICO Y MOVIMIENTO ARTÍSTICO
El RENACIMIENTO es un movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y
XVI. Fue un período de transición entre la Edad Media y el mundo moderno. Se difundieron las ideas del
HUMANISMO, fue un renacer de los principios de la cultura clásica (griega y romana), dejando a un lado la
mentalidad rígida del momento, y adoptando una nueva forma de ver el mundo y al ser humano más libre.
Se produjo un gran avance en el ARTE además de en las ciencias en general.
En la ciudad de FLORENCIA, en ITALIA, fue donde nació y se desarrolló este movimiento. Mientras
gobernaba Lorenzo el Magnífico, quien se inclinaba por la Antigüedad Clásica... aunque su contexto
histórico era el RENACIMIENTO ITALIANO.
ARTISTAS DE IGNUDI: Piero della Francesca (Adán) ; Antonio del Pollaiuolo (Danza de desnudos) ; Pietro
Perugino (Apolo y Dafne)… y MIGUEL ÁNGEL con la decoración de la Capilla Sixtina en Roma.
3. LOS IGNUDIS DE MIGUEL ANGEL DE LA CAPILLA SIXTINA DE ROMA
La bóveda de la Capilla Sixtina es un conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de
la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es
una de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por
el papa Julio II. En ella aparecen numeroso IGNUDI obra de Miguel Ángel.
4. Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni
MIGUEL ÁNGEL
Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más
grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica
Nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de laToscana (Italia)
Fue el segundo de cinco hijos varones. Su madre murió cuando tenía seis
años. Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su
perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su arte preferida y
la primera a la que se dedicó; la pintura, casi como una imposición por
parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional bóveda
de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos
arquitectónicos.
ANÉCDOTA: Cuando el papa Julio II le encargó un proyecto de tal grandeza como la de decorar la bóveda
de la Capilla Sixtina, en el Vaticano (residencia de los papas hasta la actualidad), Miguel Ángel pensó que
enemigos suyos habían convencido a Julio II para que le hiciese tal petición y así verle fracasar… ya que él
no se consideraba tan bueno en la pintura…
5. BÓVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA
Capilla Sixtina de la Santa Sede, en la Ciudad del Vaticano en Roma,
(Italia)
Es MARAVILLA Y PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD Y NO TIENE PRECIO
6. SOPORTE, TÉCNICA, TIPO DE PINTURA y TEMÁTICA
Son un conjunto de pinturas al FRESCO: Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta
con dos capas de mortero de cal
 la primera (arricio) de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua
 la segunda (intonaco) más fina formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que se
van aplicando los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda, y por jornadas
(giornatas), de ahí su nombre.
Está realizada en una bóveda de cañón. Era una
arquitectura complicada para trabajar. Miguel Ángel
trabajó solo SIN AYUDA desde 1508 a 1512.
La bóveda tiene unas dimensiones de 40 metros de largo
por 13 de ancho, lo que significa que la superficie pintada
por Miguel Ángel ocupa unos 460 metros cuadrados.
TEMÁTICA: BÍBLICA Miguel Ángel exigió tener “carta
blanca” en el diseño de la decoración. En la parte central de
la bóveda pintó una serie de nueve escenas del Génesis que
muestran La Creación, La Relación de Dios con la
Humanidad y La Caída del Hombre. En las pechinas están
pintados doce hombres y mujeres, los profetas y las sibilas,
que profetizaron que Dios enviaría a Jesucristo para la salvación de la humanidad. En los lunetos situados
sobre las ventanas están pintados los Antepasados de Cristo.
7. COLORES, PERSPECTIVA, ENFOQUE Y LUZ
COLORES: Usó colores vivos sobre yeso recién puesto. Los colores son contrastados y el acabado busca
contrastes de luz y sombra.
ESTILO: Utilizó la terribilitá (fuerza sobrehumana). La podemos observar en la figura de Cristo. Los
desnudos de tamaño descomunal hacen referencia al Canon hercúleo (musculatura muy desarrollada).
Presenta angustia y fatalidad.
presentan formas clásicas.
No hay PERSPECTIVA ni paisajes y las figuras son desequilibradas y
Para conseguir que cada figura tuviera una postura diferente a los demás, el artista realizó innumerables
estudios y esbozos previos. Los cuerpos desnudos y la extrema naturalidad de los gestos revelan su
profundo conocimiento de la anatomía humana. Sin embargo no siguió las reglas de la perspectiva, sino
que las figuras se entrelazan en multiplicidad de movimientos. Sus formas, robustas y dilatadas, se
engrandecieron a medida que iba pintando, siendo más grandes conforme nos acercamos al altar, y las
pinceladas son más libres y enérgicas.
ENFOQUE: Dios con el dedo tendido hacia Adán le transmite la vida. Las manos de Dios y de Adán, son las
manos más expresivas de toda la historia de la pintura.
El cuerpo de Adán, tendido sobre un suelo verde azulado, que recibe el hálito de vida a través del dedo de
Dios que hace que esa materia inerte -de aspecto ideal- comience a moverse y sentir
MÁS COLORES… Los colores de la Creación de Adán resaltan por las armonías que establece entre los
tonos cálidos y los tonos fríos: los rosados y marrones del desnudo resaltan sobre el verde azulado del
suelo sobre el que yace Adán; mientras que en la figura del Creador los tonos rosa-violáceo de la ropa
resaltan en el fondo oscuro de la profundidad del manto. El drapeado, el juego de los pliegues del manto
que envuelve a la figura del Creador y proporciona una mayor intensidad a su movimiento están
estudiados atentamente. El claroscuro está conseguido mediante la degradación de los tonos y la variación
de la intensidad de los colores.