ARTE GRIEGO CRONOLOGÍA Civilización Minoica (2600-1500 a. C.) Civilización Micénica (1600- 1200 a. C.) Edad Oscura (1100- 800 a. C.) Época Arcaica (800- 500 a. C.) Época Clásica (500- 323 a. C.) Época helenística (323 - 31 a. C.) INTRODUCCIÓN: EL ARTE CRETO-MICÉNICO En el segundo milenio a.C., en el Egeo, se desarrollan dos civilizaciones importantes, la cretense o minoica y la micénica, que van a ser precedente y base cultural de la civilización griega. Su posición entre Egipto y Mesopotamia favoreció su desarrollo cultural y económico Micenas EL ARTE CRETENSE O MINOICO. - La espléndida situación de Creta en el centro del Mediterráneo Oriental, una isla fértil y con buenos puertos, permitió que alcanzara un gran nivel cultural y económico. Tenía relación con todos los países orientales gracias a la primera gran flota que registra la historia, gracias a la cual se convirtió en una gran potencia comercial. - Los cretenses viven en ciudades y viven del comercio, tienen una civilización de tipo urbano. El arte cretense es cortesano y aristocrático, y hay que destacar en él la ausencia de toda representación bélica. - La Cultura y el Arte cretenses son de los más originales de la antigüedad, pues se relaciona con todas las antiguas civilizaciones sin perder sus características peculiares. - ARQUITECTURA -El palacio es el monumento arquitectónico más importante de Creta, siendo el más famoso el Palacio de Cnosos, residencia del legendario rey Minos: - En torno a un gran patio central, formado por gran número de habitaciones , dependencias y patios con columnas. - Son construcciones adinteladas, a veces de varios pisos en terrazas, de muros realizados con mampostería y piedra, como refuerzo, que se van a enlucir, permitiendo la realización de pinturas en el interior. - Muy característica es la columna cretense, estrecha en la base, con capitel de dos cuerpos(una pieza curva y voluminosa y losas cuadradas).El fuste es troncocónico, liso disminuido hacia abajo que se apoya sobre un disco de piedra. El Palacio de Cnosos KNOSSOS, C. 1700-1400 A de C KNOSSOS, C. 1700-1400 A de C KNOSSOS, C. 1700-1400 A de C PINTURA -Las paredes suelen estar recubiertas de pinturas al fresco, el Salón del Trono del Palacio de Knosos con representaciones de plantas y animales; en el Fresco de los delfines de la Sala de la Reina del Palacio de Knosos aparecen animales marinos, que son los más característicos de este arte. También encontramos otros tipos de escenas: deportivas, algunas tan peligrosas como el salto del toro, Taurokathapsía; procesionales, como en la Procesión del Palacio de Knosos; retratos, como el de La Parisina, etc -Es la manifestación más clara, junto con la escultura, de la delicadeza y la gran estilización y belleza de este arte, que gusta de formas ondulantes que conducen a una pintura elegante. Sus precedentes están en Egipto, especialmente en la pintura del imperio nuevo, y en Mesopotamia. Es semejante en técnica y en ejecución a estas pinturas, pero es diferente en los temas y en la ausencia de tantos convencionalismos, rigidez y, además, no encontramos una jerarquización tan marcada. Se emplean colores vivos y llamativos, planos, sin matices, ya que se trata de una pintura bidimensional. - Además del fresco conocían la técnica del estuco con la que imitaban los efectos de la madera y el mármol FRESCO DEL SALÓN DEL TRONO ( PALACIO DE CNOSOS) Fresco de los delfines de la Sala de la Reina del Palacio de Knosos El salto del toro, Taurokathapsia. La “parisina” Fresco del príncipe de los lirios Fresco de mujeres cretenses ESCULTURA - Son muy escasas las muestras de escultura, pero se han encontrado pequeñas estatuas de cerámica, oro o marfil, como la Sacerdotisa o diosa de las serpientes. - Se trata de representaciones de una diosa (probablemente la de la fertilidad) o de una sacerdotisa; las figuras llevan el traje característico, corpiño muy ajustado con manga corta hasta el codo y con un gran escote que deja el pecho al descubierto y falda con volantes; el tocado puede tener distintas formas: un turbante, en forma de tiara, etc., y puede estar cornado por un animal con sentido religioso; los brazos se encuentran separados del cuerpo, en actitud orante, creando un buen espacio y haciendo que la figura pierda rigidez. Sacerdotisa o diosa de las serpientes. Las serpientes y los pechos descubiertos constituyen símbolos de fertilidad. EL ARTE MICÉNICO - Hacia el año 2.000 a.C. invaden Grecia los aqueos y los jonios, tribus indoeuropeas, las mismas que conquistaron Creta hacia el 1.400 a.C. Centros principales: Micenas, Tirinto, Argos. • Ciudades emplazadas en alturas fuertemente amuralladas (muros ciclópeos). En lo más alto se sitúa la acrópolis con el palacio, en el que destaca el megarón, antecedente formal del templo griego. Es un arte monumental, pero más rudimentario que el minoico, aunque influido por éste. • La orfebrería, rica, utiliza variados metales, hasta el oro. • La pintura es, acaso, la más influida por el estilo minoico. Eran pueblos belicosos, por lo que sus ciudades estaban fortificadas y su arte era viril y riguroso, muy distinto del delicado arte cretense. Otros invasores indoeuropeos, los dorios, aniquilaron estas ciudades y tomaron el timón de la historia griega. ARQUITECTURA - Las ciudades aqueas se caracterizan por las enormes fortificaciones ciclópeas, como podemos apreciar en las ciudades de Tirinto y Micenas (ver el vídeo Micenas, entre el mito y la historia ), algunas con puertas tan importantes como La puerta de los leones de Micenas, un gran dintel sostiene un bloque triangular en el que hay esculpidos dos leones enfrentados y una columna de tipo cretense en el centro. Puerta de los leones También aparece la construcción más original de los micénicos, el megaron, punto central del palacio micénico y germen del templo griego posterior, donde se adivina también ya el entablamento clásico Palacio de Néstor.Reconstrucción mégaron Palacio de Néstor, mégaron. Monumentos también importantes son las tumbas, algunas subterráneas, circulares y sencillas, pero con ricos tesoros en su interior, Círculo de tumbas de Micenas. Pero las más importantes son los "tholoi", “tholos” en singular, tumbas con corredor y falsa bóveda, como El Tesoro de Atreo de Micenas). Micenas. Círculo . Tumbas reales Micenas. Tesoro de Atreo. Dromos. Micenas. Tesoro de Atreo. Puerta de entrada Falsa cúpula ORFEBRERÍA - Destacan las máscaras, como La máscara de la tumba de Agamenón en Micenas que es una máscara funeraria que se ponía sobre los muertos, por lo que tiene los ojos y la boca cerrados y está hueca; Introducción • En el siglo V, tras el enfrentamiento victorioso con los persas, el mundo griego alcanzó una prosperidad y desarrollo inauditos. • La cultura fue un reflejo claro de este desarrollo. • Filosofía, Literatura, teoría política, ciencia, arte … alcanzan en ese siglo cotas difíciles de superar. • La periodización del arte griego es ésta: – Período arcaico • Del siglo VII AC. hasta el 480 AC aproximadamente (desde las primeras colonias hasta las guerras persas) – Período clásico • Desde el 480 AC hasta el 323 AC (desde la victoria ante los persas hasta la muerte de Alejandro Magno) – Período helenístico. • Desde el 323 AC hasta el 30 AC. (desde la muerte de Alejandro Magno hasta el inicio del imperio romano con Augusto) El arte griego • El arte, a diferencia de otros de la época, está hecho “a la medida del hombre”: su monumentalidad no está ligada a la divinidad, la exaltación megalómana del poder o el capricho de un poderoso. • Es un arte para disfrutar como espectador y ciudadano de la polis. • El canon de belleza que se deriva de esto está sujeto a la armonía (proporción), a una escala humana y al naturalismo (verdad). LA ARQUITECTURA GRIEGA: EL URBANISMO Las ciudades griegas estaban organizadas y diseñadas para el disfrute de sus habitantes. El arte ocupaba un lugar preferente en el bienestar ciudadano. En la polis podemos distinguir varias zonas: • LA ACRÓPOLIS, donde destaca el templo dedicado a la divinidad protectora de la polis. • EL ÁGORA, zona dedicada a la actividad pública, en la que se hallan los edificios oficiales (Stoa, Ceca, Bouleterión) y las construcciones recreativas (odeón, estadio, gimnasio, teatro) para el disfrute de los ciudadanos. Acrópolis de la ciudad griega Ruinas del Ágora de Atenas EL URBANISMO GRIEGO • En la época helenística muchas ciudades nuevas adoptaron el plano hipodámico u ortogonal, con el fin de racionalizar el espacio urbano. • la ciudad se desarrolla en cuadrícula, es decir, con una trama ortogonal o con las calles en damero. Los modelos más antiguos fueron planificados por Hipodamos de Mileto en Grecia, conocida por ello como trazado hipodámico; un trazado caracterizado por la regularidad y claridad, modelo difundido desde el urbanismo helenístico y romano hasta nuestros días. Plano de la ciudad de Mileto SISTEMAS CONSTRUCTIVOS • Adintelada o arquitrabada, de apariencia equilibrada y serena (aunque conocían el arco y la bóveda). • La columna (stylo) es el elemento plástico característico; su tratamiento (como una forma estética, más que de sustentación) determina la creación de los tres órdenes arquitectónicos griegos. • Los materiales constructivos utilizados fueron la piedra arenisca, la caliza y, en la época clásica, el mármol blanco del Pentélico. • Las construcciones se policromaban de rojo, azul, dorado… ERECTEION TEMPLO DE ATENEA NIKÉ LA ARQUITECTURA GRIEGA: FUNDAMENTOS (I) • • • • conjuntos proporcionados. arquitectura (el templo) para ser vista, contemplada. El edifico se concibe como una escultura. la belleza es, ante todo, proporción y medida. La antítesis del colosalismo egipcio. • concebida desde la dimensión humana (por y para el hombre), aunque pueda servir para honrar a los dioses. • El edificio fundamental y materialización de los ideales estéticos griegos es el Templo, concebido como residencia del dios, no como un lugar de oración o recogimiento para los fieles, de ahí que su concepción del espacio interior carezca de relevancia arquitectónica, lo que importa es la concepción del espacio exterior, su volumen. El Templo griego Los orígenes: el megarón prehelénico, construido de madera. La fachada es el elemento principal del templo, donde se crean los llamados órdenes arquitectónicos. Partes: - Pórtico o Pronaos, vestíbulo que precede a la naos, se trata en realidad de la prolongación longitudinal de los muros de la cella o naos, rematados con una especie de pilastras denominadas «antas». - Naos o cella, cámara central generalmente de forma rectangular, con tres naves separadas por columnas, donde se aloja la estatua del dios. - Opistódomos, cámara situada en la parte posterior del templo en la que se guardaban los objetos de culto y el tesoro. No tenía comunicación directa con la cella o naos y el acceso se realizaba desde la parte posterior del templo. Esta cámara sólo se encuentra en los templos de mayor tamaño. PLANTA TIPO DE UN TEMPLO GRIEGO Planta rectangular. Disposición interior: de una a tres naves. Pronao (vestíbulo abierto); Nao o cella (la capilla del dios) ; opistódomo (vestíbulo análogo en el lado opuesto, que podía servir para guardar el tesoro del dios). El edificio solía estar levantado sobre un basamento escalonado o crepidoma, que contribuye a realzar el edificio sobre su entorno y enaltece su contemplación. TIPOLOGÍA DEL TEMPLO GRIEGO • • • • • • • Según la disposición de las columnas del pórtico: In antis. Posee dos columnas en la fachada principal, pero en la misma línea del muro. Próstilo: columnas ante una sola de sus fachadas. Anfipróstilo: columnas ante las dos fachadas. Perípteros: las columnas rodean todo el edificio. Pseudoperípteros: las columnas rodean todo el edificio, pero están adheridas al muro, de modo que no es transitable. Díptero: templo períptero con doble fila de columnas. Monóptero: circular. Tiene una sola columnata que rodea la nave circular o tholos. Tholos TIPOLOGÍA SEGÚN EL NÚMERO DE COLUMNAS EN LA FACHADA PRINCIPAL Tetrástilo: cuatro columnas. Octástilo: ocho columnas Hexástilo: seis columnas. Correcciones ópticas: Para que los templos resultaran perfectos a los ojos los griegos introdujeron una serie de correcciones ópticas que aunque parezca contradictorio llevaban a una cierta separación de la rigurosa aplicación que de las matemáticas hicieron los griegos. • Curvan el entablamento para que se pudiese percibir totalmente recto. • Los espacios de los intercolumnios varían sensiblemente de unos a otros. • Además las columnas podían estar ligeramente inclinadas hacia dentro. • Los fustes de las columnas son más gruesos en la parte central con el propósito de contrarrestar el efecto de adelgazamiento que produce la luz. Esto se denomina éntasis. • Las columnas de los lados son más anchas que el resto. LOS ÓRDENES GRIEGOS La búsqueda de la armonía visual del edificio, basada en la medida y la proporción, condujeron a los griegos a la creación del “ORDEN ARQUITECTÓNICO”. El orden es la articulación de las partes fundamentales del edificio en una serie de elementos, dotados de función y formas determinados, unidos por reglas fijas de proporción. Entablamento: es la parte sustentada del edificio Soporte: el elemento vertical de sustentación. Es la columna (stylo). Basamento: es la parte inferior y se divide en escalones, siendo el superior el estilóbato. ORDEN DÓRICO: Se originó en el Peloponeso desde donde se difundió a otras zonas griegas. Muchas de sus características evocan las formas que tenían los primitivos edificios de madera. En el orden dórico la columna se eleva sobre una plataforma formada por 3 escalones, sobre las que se apoyan las columnas sin base. El fuste se forma de tambores superpuestos en los que se distinguen estrías verticales que le dan un aspecto más poderoso. El diámetro del fuste decrece hacia arriba. Sobre el fuste se encuentra el capitel formado por un collarino, el equino de forma redondeada y el ábaco sobre el que se apoya el entablamento. El entablamento dórico se forma de 3 partes horizontales: el arquitrabe que es liso; el friso formado por triglifos (elementos rectangulares formados por 3 canaletas verticales) y las metopas (elementos cuadrangulares). La cornisa es la estructura más elevada: contiene un techo a 2 aguas que forma un espacio triangular llamado frontón que se completa con aspectos decorativos. EL ORDEN DÓRICO Frontón cornisa Friso dividido en triglifos y metopas Arquitrabe o dintel liso Capitel sencillo (compuesto por un ábaco y un equino) Fuste estriado y con arista viva (no es un bloque monolítico, sino que está dividido en piezas; cada una de las cuales se llama “tambor”. Con marcado éntasis. Sin basa (el fuste descansa sobre el stilóbato) TEMPLO BASADO EN EL ORDEN DÓRICO Templo de Hefestos en Atenas con capiteles dóricos ORDEN JÓNICO Fue característico de las ciudades de Asia Menor y de las islas próximas a ella. Tiene influencias orientales. El basamento de la columna es más alto que en el dórico. La columna tiene una base formada con molduras formadas por discos superpuestos de forma cóncava y convexa. El fuste tiene 24 acanaladuras y son más redondeadas que las dóricas. El capitel está formado por un equino con volutas y un ábaco con hojas que tiene una clara influencia oriental. EL ORDEN JÓNICO Friso, decorado con relieves Arquitrabe (dividido en 3 franjas Horizontales escalonadas) Capitel con 2 volutas,(Decorado con una línea de ovas y un cordón de Perlas) Fuste cilíndrico con estrías romas, más esbelto que el dórico y apenas tiene éntasis Basa, consta de dos toros(molduras convexas) separados por una escocia (molduras cóncavas) TEMPLO BASADO EN EL ORDEN JÓNICO EL ERECTIÓN DE ATENAS ORDEN CORINTIO Nace en el período clásico(siglo V a.C). El capitel de las columnas de este orden está decorado con hojas de acanto de las que nacen unas volutas denominadas caulículos. El resto de los elementos es igual que el orden jónico. EL ORDEN CORINTIO El capitel esta formado por hojas de acanto en dos filas y, en parte superior, por herencia del capitel jónico, pequeñas espirales o caulículos. EL ORDEN CORINTIO TEMPLO BASADO EN EL ORDEN CORINTIO TEMPLO DE ZEUSEN Atenas PERÍODO ARCAICO (VII-VI a. C.) Solo se conserva templos arcaicos del orden dórico. Los templos jónicos de esta etapa, que se encontraban en Asia Menor, fueron destruidos. En la Grecia continental y, sobre todo, en el Peloponeso, se formó a lo largo de este período la estructura del templo dórico. Los primeros témenos o espacios sagrados eran sencillos edificios rectangulares que seguían el modelo de las primitivas cabañas y del megarón micénico. A finales del siglo VIII aparecieron el peristilo y la triple compartimentación y se definieron los elementos de los ordenes dóricos y jónicos. Durante los siglos VII y VI se generalizo el uso de la piedra y el mármol. Los templos dóricos más arcaicos tienen columnas de fustes gruesos ,cortos y éntasis Acusado. Capiteles voluminosos y emtablamentos anchos y pesados. El espacio entre las columnas es estrecho y la planta suele ser alargada. A lo largo de esta etapa las proporciones se van haciendo más gráciles. Templo de Hera en Olimpia Era un edificio períptero (rodeado por columnas por los 4 costados) de seis por dieciséis columnas. Su planta estaba dividida en pronaos, cella y el opistodomos más antiguo conocido actualmente, que mantenía en sus extremos sus columnas «in antis» (cuando las paredes laterales de la cella se encontraban encerradas por 2 columnas) Sus paredes todavía eran de adobe y sus columnas originales estaban construidas por troncos de árboles que en los siglos sucesivos fueron reemplazadas por otras de piedra.. En el interior de la cella, las columnas se encontraban agrupadas en dos hileras muy próximas a los muros y a los muretes que formaban una especie de capillas laterales. El modelo de este templo será el más seguido por los primeros templos dóricos, probablemente porque su fachada de dórico hexástilo traducía coherentemente al exterior las líneas esenciales internas. Templo de Hera en Olimpia Templo de Apolo en Corinto, 540 a.C [ÉPOCA ARCAICA] Templo de Poseidón en Paestum Templo de Aphaia (isla de Egina), 500 a.C. PERÍODO CLÁSICO . SIGLO V a.C. La arquitectura clásica es el resultado de un proceso que se inició e época arcaica. Los edificios eran más armoniosos y proporcionados. Quedo establecido la proporción en planta en la que el número de columnas del lado largo es el doble más una que las del lado corto. Ejemplos de esta etapa los tenemos en la acrópolis. El Templo de Atenea Níke o Atenea victoriosa conmemora la victoria sobre los persas (448 a. C.). Fue diseñado por Calícrates y construido en torno al 421 a. C., Tuvo que ser levantado en un bastión (torreón) de los Propileos, que domina la subida a la acrópolis, de ahí su pequeño tamaño. En su interior hubo una imagen de Atenea personificada como Niké, o diosa alada, símbolo de la victorias navales, a la que se cortaron las alas (áptera: sin alas) para que nunca pudiese abandonar la ciudad. La planta de muy pequeñas dimensiones, es propia de un templo anfipróstilotetrástilo, en el que tanto el vestíbulo delantero (pronaos) como el trasero (opistodomos) se convierten en pequeños pórticos. La naos o sala de la diosa, es casi cuadrada (4 x 4 metros). Es, por tanto, un templo muy pequeño, de dimensiones humanas; muy armonioso en sus proporciones. Todas las medidas están matemáticamente estudiadas para dar esa sensación de esbeltez, a pesar de su escaso tamaño La Acrópolis: templo de Atenea Niké Kalícrates, 424 a.n.e. Erecteión Situado en la Acropolis de Atenas, erigido en el lado norte ,en honor a Atenea Polias, Poseidon y Erecteo, rey mítico de la ciudad. De orden jónico, atribuido al arquitecto Mnesicles es uno de los más bellos monumentos arquitectónicos griegos.. Su construcción se inició en 421 a.C. y se concluyó en 406 a.C. Reemplaza al templo arcaico de Atenea Polias. De planta irregular, por el declive del terreno, consta de tres pórticos. Uno de ellos, la cara sur, es la famosa tribuna de las Cariatides. Consta de seis columnas con figura de mujer de 2,3 metros de altura. Está situado en el emplazamiento de la Acrópolis primitiva y agrupaba algunas de las reliquias más antiguas y más sagradas de los atenienses. Erecteión TRIBUNA DAS CARIÁTIDES Erecteión Partenón El Partenón. Ictinos y Calícrates, 447-432 a. C. Acrópolis de Atenas. La obra fue dirigida por Fidias. Dimensiones: 30,88 x 69,50 m sobre el estilóbato. Altura de las columnas: 10,43 m. Mármol blanco del Pentélico. Partenón El Partenón, dedicado a Atena Pártenos, templo realizado en tiempos de Pericles, del 447 al 437 a. C., fue diseñado por Fidias quien dirigió a los arquitectos Ictinos y Calícrates, presenta un períptero (columnas alrededor de la cella) dórico, es amfipróstilo (con dos pórticos) y octástilo (con 8 columnas en las fachadas) y 17 columnas laterales. Construido con mármol del Pentélico y policromado, el acceso a su interior se efectuaba por el pronaos o atrio que daba paso a la cella, dividida en tres naves por dos hileras de columnas entre las cuales estaba colocada la estatua criselefantina (de oro y marfil) de Atena. La sala propiamente llamada Partenón, situada tras la cella, estaba reservada únicamente al servicio de las sacerdotisas ("parthénos" quiere decir doncella, virgen, y parthenón sala de las doncellas). En el templo se mezclan los órdenes dórico y jónico. El segundo decora el friso panatenaico que circunda la cella, mientras que el dórico está presente en los demás elementos del templo. La decoración escultórica de las metopas presenta escenas mitológicas.La gigantomaquia y la amazonomaquia, la destrucción de Ilion y la centauromaquia. El friso jónico de la cella muestra la procesión de las Panateneas. Los frontones, también atribuidos a Fidias, presentan el nacimiento de Atena y su lucha con Poseidón por la posesión del Ática. METOPA: CENTAUROMAQUIA FRISO DEL PARTENÓN: PROCESIÓN DE LAS PANATENEAS 1. 2. 3. 4. 5. 6. La búsqueda de la armonía visual determinó la utilización de ciertos recursos técnicos que corregían las alteraciones ópticas que todo edificio produce al ser contemplado. la curvatura del entablamento y del estilóbato hacia arriba, para evitar el efecto de pandeo, de vencimiento por el centro. la inclinación de las columnas hacia adentro para impedir la sensación de caída, y así crear el llamado efecto piramidal. el éntasis (ensanchamiento) del fuste de las columnas, para reducir el efecto de concavidad que producen las columnas de lados rectos. la mayor anchura de las columnas de los lados (que se recortan nítidamente en el horizonte), para anular el achatamiento óptico que se produce en ese punto. desigual distancia de los intercolumnios (espacio entre columnas). Todas estas alteraciones permitían corregir los defectos ópticos que perturban toda creación articulada sobre líneas horizontales y verticales, como era el templo griego. El Partenón El PARTENÓN, reconstruido en Nashville (EEUU) Acrótera Detalle del entablamento: frontón (tímpano); friso de triglifos y metopas. Tesoro de los Atenienses, Delfos, s. VI a.C. Tesoro de los Atenienses, Delfos, Está situado dentro del «Témenos» o recinto sagrado del Santuario en un recodo de la Vía Sacra. Este tesoro fue ofrecido en el siglo V a.C. por Atenas al Santuario de Delfos y, según Pausanias, se costeó con la décima parte del botín conseguido en la batalla de Maratón. El pequeño templo, construido con mármol de Paros, es de orden dórico con dos columnas in antis, es decir, con una prolongación de los muros de la naos hacía delante para formar el pórtico. Consta de una naos o cella y un pronaos. Fue restaurado por arqueólogos franceses entre 1903 y 1906. Los frontones y metopas presentaban una profusa decoración escultórica. Las metopas originales se conservan en el Museo de Delfos y representan hazañas de Heracles y de Teseo, el héroe ateniense, y una Amazonomaquia o guerra entre atenienses y amazonas. Las metopas que decoran el Tesoro son copias de las originales. Templo de Zeus Olímpico (Olimpia) Templo de Zeus Olímpico (Olimpia) El Templo de Zeus Olímpico en Olimpia, construido entre 470 y 456 a. C. fue el modelo de los templos clásicos griegos de orden dórico. El templo se alzó sobre el santuario más famoso de toda Grecia. Es un templo hexástilo y períptero de proporciones perfectamente pensadas y cuidadas. El peristilo tiene las proporciones clásicas(6 x 13 columnas) debía responder a una norma fija y que la de la planta no estaba determinada por el perfil del basamento y de los muros de la cella, sino por la cohesión interna de las partes, realzada y perfeccionada con correcciones ópticas.. El interior de la cella era de tres naves, la central el doble de ancha que las laterales, y con doble orden de columnas superpuestas. El templo albergaba la estatua de Zeus que fue una de las siete maravillas del mundo antiguo. La estatua tenía aproximadamente 13 metros de alto y había sido esculpida por Fidias en su taller de Olimpia. Tholos de Marmaria, en el Santuario de Apolo en Delfos Tholos de Marmaria, en el Santuario de Apolo en Delfos En la Grecia arcaica y clásica los edificios sagrados de base circular no son frecuentes. De hecho, los pocos de los que hemos recibido noticias tienden a datarse en los tiempos más antiguos. Destacan dos tholos situados en lugares de profundo contenido mistérico: Delfos y Epidauro. El tholos de Marmaria se alza en el santuario de Apolo en Delfos y está fechado en el entorno del 385 a.C. Algunos autores piensan que pudo estar consagrado a Atenea Pronaia, si bien lo cierto es que su origen y finalidad es realmente desconocida ya que ningún autor de la antigüedad nos ha brindado información sobre esta edificación. Su planta es circular y destaca por contar con dos columnatas concéntricas. La más externa está formada por 20 columnas de orden dórico, en tanto que la interna, que está alineada contra el muro de la cella, debía contar con 10 columnas corintias El teatro de Epidauro El teatro de Epidauro El teatro es un “edificio” clave en la ciudad griega posterior del siglo V a.C. en adelante. Los orígenes del teatro son religiosos, pero en el siglo V y en Atenas especialmente, se liberó en parte de esos motivos y tomó otras temáticas, ampliándose a la comedia con Aristófanes. El teatro de Epidauro (hacia el 350 AC), construido Policleto el joven, se considera el más perfecto de los teatros griegos por la armonía de sus dimensiones (120 m de diámetro y 24 de desnivel) y porque da importancia grande a la escena, lo que revela la evolución del teatro. Los romanos heredarán este modelo y lo superarán. El teatro griego de Epidauro se haya dividido en dos zonas por una galería central: alta y baja. La planta del edificio se articula entorno a la orchesta (el área circular y plana donde cantaba y bailaba el coro). La orchesta es rodeada en semicírculo por la cávea o gradería, destinada al público Se trata de uno de los mayores teatros de Grecia, que poseía un aforo de unos 15000 espectadores. Se caracteriza por el uso que los griegos le daban al aprovechamiento del espacio natural, como las pendientes para excavar las gradas). PERIODO HELENÍSTICO. Finales del siglo IV al sisiglo I a.C. Alejandro Magno, tras conquistar las ciudades estado de Grecia, se lanzó hacia el Medio Oriente, arrasó con Asia y Egipto y llegó al corazón de Persia. Esto transformó al mundo griego, al hacer posible el acceso a diferentes culturas. Los griegos fueron receptores de elementos orientales. El estilo dórico continuó utilizándose en pequeños templo y edificios de dos plantas. Pero fue el orden corintio el que se utilizó en mayor medida. Se impuso el colosalismo en las proporciones y un recargamiento decorativo. Se utilizan materiales nobles como los mármoles policromos. Altar de Zeus, en Pérgamo (hacia el 160AC) Fue erigido en el s.II por Eumenes II y Atalo II, dos reyes hermanos. Hoy se encuentra en el Museo de Berlín. Nos ha llegado principalmente su escultura y algunas columnas. Tenía unas grandes dimensiones. Altares como éste existían también en otros lugares. Se levanta sobre una escalinata y se cierra por tres de sus lados, dejando el lado occidental para la entrada. Está rodeado por columnas jónicas y en el centro es donde estaba situado el altar. La columnata se apoya sobre un podio con escultura. Inversión de tamaños: el podium mide 7metros,mientras que la columnatajónica no llega a 3 metros,lo que acentúa efecto de la perspectiva. Un altar monumental (colosalismo) y con un programa iconográfico plenamente helenístico(complejo, movido, de gran expresividad …). El conjunto se revela como pura teatralidad. El programa iconográfico representa la gigantomaquia: los dioses contra los gigantes, pero se puede trasladar a la victoria del rey sobre los celtas: así que la finalidad conmemorativa lo es por partida doble. Altar de Zeus. Pérgamo, s. II a.C. Altar de Zeus. Pérgamo, s. II a.C. Detalle de el Altar de Zeus. Pérgamo, s. II a.C. El Olimpeion de Atenas Fue empezado a construir en el s.II por Cossutius, un hombre de origen romano, bajo el patrocinio del rey helenístico Antíoco IV. Adriano lo continuo y dedicó el templo a Zeus (conocido por los romanos como Júpiter), el rey de los dioses. Levantó una estatua gigantesca de oro y marfil de Zeus en la cella y puso una igual de grande de sí mismo cerca de ésta. Ningún resto de ella o del interior del templo ha sobrevivido. Está casi destruido y tiene un gran carácter monumental. La calidad de los capiteles es muy grande. Según algunos estudiosos, no sé llegó a terminar y sólo se realizó hasta el entablamento, pero hay quien dice que sí. Adriano lo terminó (según la primera teoría) o lo restauró (según la segunda). Muchas de sus columnas fueron reutilizadas para edificios más tardíos. Constaba de 104 columnas corintias, cada una de 17 metros de alto, de las cuales 48 estaban colocadas en filas triples bajo los frontones y 56 en filas dobles en los lados. Sólo 15 de estas columnas quedan en pie hoy. La decimosexta fue derribada durante un temporal en 1852 y está todavía tendida donde cayó. El templo fue construido en mármol del monte Pentélico Templo de Zeus Olímpico (Atenas) La Torre de los Vientos Se construyó en el s.I a.C., en el ágora romano de Atenas. Construida en mármol. Tiene una estructura octogonal y está realizado con sillares. Tiene relojes de piedra en el exterior y en el interior un reloj de agua. En la parte superior en cada uno de los laterales hay un relieve que representa a cada uno de los vientos. Tiene una cubierta cónicaSu constructor fue Andrónico de Cirro del siglo I a. C.. Sus dimensiones son 12 metros de altura y casi 8 metros de diámetro. INTRODUCCIÓN El arte griego encontró en la escultura la forma más adecuada para plasmar sus aspiraciones estéticas y su visón antropocéntrica de la realidad. Por influencia de Egipto, los escultores comenzaron muy pronto a utilizar la piedra y el mármol. Se han conservado pocos restos originales y la versión que tenemos, salvo excepciones, es la de copias romanas (por tanto, sin policromía, una de las peculiaridades de la escultura griega ). También tenían un gran dominio del bronce, trabajado según la técnica de la “cera perdida”. La mayoría de los relieves y esculturas de bulto redondo que han llegado hasta nosotros son exvotos o representaciones de dioses y de mitos. Las imágenes de los de dioses ,hombres y héroes estaban sujetos a modelos intemporales, a la proporción y al equilibrio. Sin embargo esta visión del hombre y de los dioses fue evolucionando. Al principio las representaciones eran convencionales y respetuosa con la tradición. Con el tiempo, las figuras ganaron en volumen , movimiento, naturalidad y expresión. EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA Parte del punto en el que la escultura egipcia y la de los Imperios orientales la habían dejado, pero los egipcios habían esculpido teniendo como base una verdad mental de ahí que la escultura no evolucionase en 3000 años, sin embargo los griegos van a esculpir a partir de una verdad sensorial, y la escultura evolucionará vertiginosamente en cuatro siglos. CRONOLOGÍA Periodo arcaico: VII-VI a. C Periodo Preclásico: primera mitad V a. C. Periodo Clásico: segunda mitad V a. C Periodo Postclásico: IV a. C Helenismo: III - I a. C. PERIODO ARCAICO (finales s. VIII- principios s. V a.C. 700-480 a.C.) Características generales: Esculturas de tamaño casi natural. Predominio de la figura humana (sobre las representaciones animales tan importantes en oriente): tanto de dioses, como de hombres. Representación del desnudo como algo masculino como exaltación de la belleza física y mental (captar la esencia); mientras que las figuras femeninas y las votivas aparecen vestidas. La escultura de este periodo tiene un marcado carácter sagrado, pero también los mortales tuvieron cabida. Principales representaciones: • Las primeras manifestaciones escultóricas griegas son las llamadas “xoana” estatuillas en madera de olivo, encina o ébano, talladas con poca soltura y gran rigidez, e insertas en esquemas geométricos de composición. Debían ser exvotos y no se han conservado ejemplos. Son los precedentes de los kurós y las korés. La Dama de Auxerre del Museo del Louvre de París (Francia) representa el estilo de estas antiguas xoanas. La Dama de Auxerre; a la izquierda tal cual se conserva ahora y a la derecha con la policromía original. Copias en el Museum of Classical Archaeology de Cambridge (Reino Unido). • Los Kuroi: Del griego κοῦρος “muchacho”. Son atletas divinizados por haber acumulado victorias o por haber realizado algo extraordinario; eran elevados a la categoría de inmortales. No se representaban con rasgos de su vida terrenal, sino que son un símbolo: “el atleta”, el héroe. Son representaciones del hombre como personaje y no como persona. No representan a nadie en concreto. No son retratos. Eran también estatuas votivas. Mantienen convencionalismos de periodos anteriores (ley de la frontalidad): . Erguidos, hieráticos, pierna izquierda adelantada . Volúmenes geométricos, . Brazos pegados al cuerpo, puños cerrados . Pelo compacto de talla superficial . Rostro: ojos almendrados, sonrisa arcaica . Eje de simetría Evolución de los kuroi kuros de Sounion 600 a. C: kuros de Tenea mediados siglo VI a. C. kuros de Anavysos 530 a. C. efebo de Kritios 480 a. C. • Las Korai. • Del griego κόρη “muchacha”. • Figuras femeninas que mantienen las características compositivas y expresivas de las masculinas, así como rasgos propios: – Vestidas con una larga y ceñida túnica, el chiton. Llevan encima un ancho manto, el himation y un corto chal, el peplo. Los vestidos generan gran cantidad de pliegues, que en esta época son geométricos, rectos, paralelos y en zig-zag. – Suelen aparecer con una mano libre y otra en la cadera, levantándose el vestido y con la sonrisa arcaica. – El pelo se recoge por detrás en largas trenzas también geométricamente ordenadas.. Evolución de las korai Dama de Auxerre 650 a. C. Diosa de Berlín 570 a. C. Hera de Samos 560 a. C. Koré del Peplo 530 a. C. Koré de Antenor 525 a. C. “Moscóforo”. Fechada hacia el año 560 a C. Representa un donante en actitud de llevar la ofrenda a la divinidad. La composición es más compleja que la de los kouros: el donante forma con las patas del ternero y los brazos una especie de aspa y la cara y el pelo se inscriben en formas geométricas. En esta ya se rompe algo la frontalidad porque es una figura asimétrica La sonrisa le proporciona vida , pero a la vez la hace inexpresiva y distante. Por tanto, la obra mezcla rasgos técnicos más bien arcaicos (trazo del pelo, postura de los miembros) con otros ya más avanzados que proceden de la experiencia y la capacidad de observación del autor, como el ligero giro del cuerpo y la introducción del modelado, que define el cuerpo a pesar del vestido (yo diría que gracias al vestido), los músculos están muy suavizados. Es una imagen votiva y aparece vestido porque no se trata de un personaje heroico ni de un dios. El “moscóforo” (del griego μοσχόφορος “que lleva un ternero para su sacrificio”); copia en el Museum of Classical Archaeology de Cambridge (Reino Unido). PERIODO CLÁSICO Clasicismo severo (500-460 a.C.): época de transición. Este primer periodo clásico es llamado severo porque las imágenes pierden la característica sonrisa arcaica y adoptan una expresión de reflexiva serenidad. Principales características: • Desaparición de los restos de arcaísmo • Ruptura del eje de simetría, contraposto • Introducción del movimiento, expresividad aun contenida • Naturalismo en pliegues, vestidos, cabellos • Progresiva desaparición de la frontalidad Este periodo va unido a la realización de numerosas esculturas para decorar frontones de templos, que obligan al autor a un estudio del movimiento y de la composición en grupo, para adaptarlas al espacio triangular del frontón. Destacan como ejemplos las esculturas del FRONTON de Afaia en EGINA (509 a C.) y del *FRONTON del Templo Zeus en OLIMPIA. templo de Aphaia en Egina, 500-490 a. C . Estatua del frontón del templo de Afaya en Egina (Grecia) en la que se representa a un soldado herido; copia en el Museum of Classical Archaeology de Cambridge (Reino Unido). Frontón del Templo Zeus en Olimpia Representa la lucha entre centauros y lapitas y en el centro el Dios Apolo, imponiendo el orden con serena actitud. En el combate, la violencia de las posturas contrasta con las expresiones impávidas de los lapitas y sus mujeres y con el gesto solemne con el que Apolo, en el centro, interviene imponiendo paz. Dos imágenes del templo de Zeus en Olimpia; a la izquierda combate entre Centauros y Lapitas, arriba, Apolo; copias en el Museum of Classical Archaeology de Cambridge (Reino Unido). templo de Zeus en Olimpia, 460 a. C. Son también de esta época una serie de esculturas en bulto redondo en grupo o aisladas: Ej.”Auriga de Delfos” ( 470 a. C.). Es un original en bronce encontrado en Delfos y formaba parte de un conjunto con caballos y carro. En este periodo severo los escultores le sacaron partido al bronce pues este material permite hacer formas más precisas (manos, pies, rasgos de la cara, incluso acentuaban algunos efectos usando esmalte y ónice para los ojos. La figura aparece vestida, con la ropa recogida bajo el pecho para que no estorbe en la carrera. Se reduce a pocas formas geométricas (una esfera para la cabeza y un cilindro para el cuerpo), pero la geometría queda rota por la ligera torsión (casi imperceptible) del cuerpo y por el juego irregular de los pliegues del vestido (no hay dos iguales). Frente a la rigidez de los kouros, en la actitud atenta y sosegada del Auriga se percibe sentimiento, a la vez que serenidad (el equilibro entre el pathos y el ethos). La tensión contenida del que espera el comienzo de la carrera. Contraste entre el naturalismo de la cabeza armoniosa y el esquematismo de los cabellos y la sencillez del vestido, que ya no es frontal, no hay dos planos iguales. Dos vistas de la estatua de bronce conocida como el “Auriga de Delfos” (Grecia) en el Museo de Delfos (Grecia). Guerreros de Riace hacia el año 460 a.C..Soportan el cuerpo sobre una de las piernas y descansan la otra,adoptando un leve giro del cuerpo que rompe la frontalidad El periodo clásico • • • • • El periodo se corresponde históricamente con el apogeo del sistema de la polis o ciudades-estado; la clase media enriquecida ha arrebatado el poder a una aristocracia guerrera y al igual que el individuo se somete a la norma (ley), creada por la colectividad (democracia) para conseguir la armonía y el equilibrio social, se somete también a modelos perfectos (CANON) para conseguir la armonía escultórica, el ser humano perfecto, en su plenitud. Es la expresión del interés por la representación del cuerpo humano en movimiento. La figura humana se representa ya por sí misma, no como un exvoto o representación de la divinidad. Por primera vez aparecen los nombres de los "artistas" que dejan de ser considerados puros artesanos. Dentro del periodo hay que distinguir dos subetapas, que corresponden a dos generaciones, la del s V y la del S. IV a C.: Primer clasicismo (s. V a.C.): época de Pericles. Principales escultores: Mirón, Fidias y Polícleto. Mirón Mirón (del 490 al 440 AC). La parte más interesante de su obra es la que se inscribe dentro del primer periodo clásico, en el que sus obras muestran un interés por la representación de las tensiones del cuerpo humano en el movimiento contenido. Son muchas las obras que se le atribuyen, sin embargo sólo tres con seguridad: Atenea y Marsias, el Anadoumenos y el Discóbolo. • Capta el movimiento pero lo congela, lo que le une al mundo arcaico. • Modela y arriesga en la composición, lo que le introduce en el clasicismo de lleno. • Trabajó fundamentalmente el bronce. Discóbolo Atenea y Marsias Discóbolo” (460-450 a C.) copia romana en mármol del original en bronce. Representa a un atleta justo en el momento de lanzar el disco. La postura no es forzada sino armoniosa: dos curvas se combinan, una que une las dos manos (en cuyo centro está la cabeza) y otra que va desde la cabeza hasta la rodilla. Contrapposto: pie sólidamente apoyado y el otro apenas rozando la punta. A pesar del dinamismo compositivo, la obra es bastante inexpresiva, no hay relación alguna entre la tensión muscular y el esfuerzo físico que se le supone al atleta en el momento de máxima concentración y la expresión del rostro, que parece ajeno a lo que el cuerpo ejecuta. Para mostrar que en medio de ese movimiento la figura se mantiene ordenada e igual a sí misma, nos muestra un discóbolo “parado” en equilibrio, demasiado perfectamente colocado y con rasgos de frontalidad arcaica. A pesar de contorsión del cuerpo está concebido para ser contemplado desde un único punto de vista. También son un tanto arcaicos el rostro y el cabello. Polícleto de Argos(480-420AC) Policleto o Policletos es uno de los grandes escultores del siglo V a. Cto. Es básicamente broncista, pero sus obras han llegado a nosotros gracias a las copias romanas en mármol. Se caracteriza por ser teórico y práctico de la escultura, preocupado por el estudio anatómico, sobre todo de atletas, dioses y héroes en los que resalta las formas del cuerpo. Escribió una obra de teoría escultórica llamada "El Canon", en la que explica su Canon de las 7 cabezas, que para él es la proporción perfecta del cuerpo humano: la cabeza es la séptima parte de la longitud total del cuerpo. Doríforo” (del griego δορυφόρος “que lleva lanza”). Conocida también como “el portador de la lanza” o “el canon” porque plasma el ejemplo más claro de la teoría de Polícleto sobre la correcta proporción del cuerpo humano: El autor no se preocupa por la expresión de sentimientos ni por el virtuosismo en la elaboración del pelo. Realidad idealizada, buscando la simplificación de las formas, eliminando lo secundario. El tema es intrascendente (atleta con jabalina) pero se le da gran solemnidad. Rasgos arcaicos, pelo poco desarrollado y muy geometrizado. Pectorales poco marcados con excesiva forma rectangular. Contrapposto (rompe frontalidad y crea ritmo sereno). Pierna derecha firmemente apoyada (tensión) mientras que la izquierda queda retrasada, relajada, flexionada y apoyada en la parte delantera del pie. La distinta posición de piernas origina que caderas se encuentren a distinta altura. Brazo derecho relajado cae mientras izquierdo se flexiona y en tensión, sostiene la lanza. Fidias • • • • • • -Escultor clásico por excelencia, influyó en todo el arte de su época. Fue el artista al que encargó Pericles la mayor parte obras para embellecer la Acrópolis de Atenas y a él se deben todas las esculturas del Partenón. Aunque la mayoría de sus obras no se conservan (solo descripciones en textos o copias) destaca por: - técnica de paños mojados, (transparencia y caída de paños pegados al cuerpo). - sencillez aparente, armonía y serenidad en los rostros de sus imágenes. En ellas se da la combinación de equilibrio-vida de sus esculturas y culmina el equilibrio entre el pathos y el ethos. - flexibilidad (sensación de vida interna). Son figuras conscientes, pensativas, que podrían sentir, pero que aparecen contenidas y llenas de nobleza. efectismo y gracia con la combinación de distintos planos en los relieves para darles profundidad y perspectiva. Obra: la ”Atenea Partenos” y el “Zeus de Olimpia” y sobre todo, los restos esparcidos por museos de la decoración original del Partenón. frontón este Relieves del Partenón 442-438 a. C. Los restos de grupos en bulto redondo de los frontones se ocupan de los orígenes de Atenas: el nacimiento de Atenea, la diosa protectora de la ciudad (Oriental); y el desafío de Atenea y Poseidón por el patronazgo de la ciudad (Occidental). Interesante el llamado grupo de "Las Parcas”, en perfecta composición piramidal . Adaptación al marco (se adaptan a la forma triangular del tímpano). Se policroman. Técnica de paños mojados (anatomía se insinúa a través de ropajes). Multiplicidad de pliegues. Friso de las Panateneas Se representan escenas cotidianas y anecdóticas con escenas solemnes, en las que aparecen representaciones de dioses. La procesión, como otras representaciones del Partenón, representan el triunfo de Atenas sobre sus enemigos. Es, pues, un programa político además de religioso. Las figuras todas tienen una expresión serena, pero todas están individualizadas. El tratamiento de los detalles pero sobre todo de los ropajes es de un naturalismo inaudito para la época. Se representa el movimiento (la cabalgata ocupa casi el 70% de todo el friso) pero sin exageración, congelado. Son unas 360 figuras humanas, 220 animales y 10 carros. frontón oeste Relieves del Partenón 442-438 a. C. Friso corrido de 160 m. de longitud y sobre 1 metro de altura. Realizados en mármol después coloreados. Ligeramente inclinados hacia delante para favorecer su contemplación Escaso resalte de los relieves, más profundo en la zona más alta. Disposición armónica de las figuras. Ruptura de la monotonía con cambio de actitudes. Individualización de los personajes. Perfecto estudio anatómico. Pliegues ordenados y paralelos FIDIAS: Procesión de las panateneas 447-432 a.C. Mármol. Altura: 102 cm. Procede del friso del Partenón. Musée du Louvre, París Dioses, en tamaño algo mayor contemplan la procesión (pero han sido puestos en el mismo plano que los hombres). Dominio de los escorzos. Naturalismo de pliegues y anatomía – Los relieves del friso de las “Pananteneas”, (en el interior de la naos): recoge la procesión en la que los atenienses entregaban como ofrenda y agradecimiento un nuevo manto a la imagen de Atenea. (Interesante es un bajo-relieve en el que varios jinetes avanzan hacia la imagen de la diosa: en el movimiento de los caballos y de los mantos vemos una compensación de agitación y serenidad, de manera que resulta una imagen dinámica, sin caer en el desorden). Momentos de la procesión de las Panateneas en el friso del Partenón en el British Museum de Londres (Reino Unido). Momentos de la procesión de las Panateneas en el friso del Partenón en el British Museum de Londres (Reino Unido). Fidias. Relieve Metopa. Centauromaquia Características principales: Estilo ático: sobre un fondo pintado se recortan nítidamente los contornos de las figuras. Propaganda política. Simboliza la lucha de la razón contra la barbarie (griegos contra persas). Individualización de rostros(algunos representaban a filósofos de la época). Escenas movidas pero con rostro sereno. Naturalismo anatómico. Composiciones cerradas. Metopas del Partenón en el British Museum Londres (Reino Unido) Fidias. Relieve Metopa. Centauromaquia Metopas del Partenón en el British Museum Londres (Reino Unido) Periodo postclásico (s. IV a.C.) Corresponde a una segunda generación e artista aparecida tras las guerras del Peloponeso. Entonces se va a desencadenar la crisis de las polis griegas y en este momento de crisis constante en escultura se aprecia un dramatismo expresivo . Crecen los elementos subjetivos e individuales, lo que se manifiesta en la expresión mayor del sentimiento y de los estados de ánimo. Se pierde la sencillez y armonía del periodo anterior y el arte se vuelve más barroco. Junto a los temas de los dioses olímpicos aparecen otros más humanos y se inicia lo mórbido, lánguido y sensual (en relación a ello aparece por primera vez el desnudo femenino). Reformulan el canon de Policleto hacia la esbeltez. Son tres autores los más destacados: – Praxíteles (390-330 AC) – Lisipo (370-318 AC) – Scopas o Escopas (hac. 420-330 AC) PRAXÍTELES En sus obras, los dioses aparecen como seres humanos de formas graciosas y blandas, desprovistos de la majestad y la seriedad de épocas anteriores. Sus figuras tienen una expresión vaga y soñadora. Estos dioses nos transmiten estados melancólicos del alma, la intensa nostalgia, o el mundo de ensueño en que éstos habitan. El autor se sirve de la llamada “curva praxiteliana” que proporcionan languidez al cuerpo. En el rostro utiliza el sfumato, puliendo la superficie del mármol, sobre todo las cejas y los ojos. Con este autor la expresividad de los rostros y gestos es mayor y se supera la “severidad” anterior. Mayor realismo en la representación … y más dinamismo en la composición. Como del resto de los escultores griegos, su obra nos llega a través de copias romanas. Pero trabajó con preferencia el mármol que luego pintaba. Sus obras más destacables: HERMES DE OLIMPIA, AFRODITA DE CNIDO, VENUS DE ARLÉS. Hermes con Dionisos (340 AC) La escultura recoge el momento en el que Hermes y Dionisio descansan de su viaje a Nisa, donde las ninfas cuidarán al pequeño dios. El cuerpo de Hermes se inclinan hacía Dionisio formando una curva bastante acusada (curva praxiteliana) en un gesto de cierto abandono o relajación. Para mantener el equilibrio de la figura, el artista ha introducido un elemento de “paisaje” (un árbol con la tela de Hermes). Para las obras en mármol era preciso colocar un soporte. La figura del niño y el brazo de Hermes forman un espacio en el que se establece cierta complicidad entre los personajes –como ocurrirá en las vírgenes góticasLa composición queda cerrada mediante las miradas cruzadas de los dos dioses. Anatomía con formas blandas, lo que difumina las zonas de transición entre luz y sombras. El desnudo contrasta con la abundancia del manto que añade sensualidad y con el cabello más abultado con más claroscuro. Venus de Arles 365 a.C. La Venus de Arles atribuida a Praxíteles muestra una actitud distante, así como un fuerte convencionalismo en el tratamiento de las telas, por lo que se trataría de una de sus primera obras, anterior, sin duda, a la Afrodita de Cnido. Sin embargo, presenta ya una importantísima novedad que se aparta por completo de la tradición clásica: la total desnudez de la diosa. Venus de Cnido Representa a la diosa del amor saliendo de las aguas del mar, de cuya espuma nació según el mito; pero aparece en una actitud sensual y natural, como saliendo del baño. La admiración y los deseos que despertaba dejan adivinar en esta imagen un atractivo claramente erótico, no vulgar, que anuncia un tema que se desarrollar plenamente en la etapa siguiente. No eran frecuentes los desnudos femeninos en el arte griego anterior y a partir del s. IV se irán generalizando. Apolo Sauroktonos Tema tratado de forma amable. Tradicionalmente se representaba a Apolo, de forma viril, cazando con su arco tenso. Aquí, en una actitud reposada parece que va a clavarle la flecha que tenía en la mano derecha directamente. Scopas (420-330 AC). (Su fecha de nacimiento es muy discutida) Trabajó básicamente en mármol. Trabajó en el Mausoleo de Halicarnaso y como arquitecto en el templo de Atenea Alea. Recoge las influencias de Fidias y de Polilcleto aunque rompe con esa serenidad. Sus figuras se contorsionan con violencia. Se le puede considerar el primero en esculpir el “pathos”, el patetismo o sentimiento, que luego el helenismo apurará al máximo. Escultor que inicia el interés por el dolor personal y la exploración de los sentimientos, preferentemente trágico. Expresan dolor a través de gestos alterados, tensión en las figuras. Se da un pérdida total del equilibrio en la composición, por la violencia de las actitudes y la contorsión de sus miembros:. Obra: Ménade danzando y Escultura de Mausolo. Ménade (340 AC) Copia romana en mármol. Original en mármol también. – Representa a una sacerdotisa danzante del dios Dionisos, en éxtasis: vestido abierto (semidesnuda), boca abierta y expresión enloquecida. – El tema ya nos dice mucho sobre el autor: no podía representar esto con la serenidad y armonía del clasicismo habitual. Además de romperse la armonía clásica, Scopas hace esta obra para ser mirada de lado, lo que realza el movimiento de la figura. – También ayuda a esa sensación de movimiento el juego de los paños del vestido que deja ver un muslo y la nalga casi completa. – La obra influirá enormemente en los autores de las generaciones siguientes, del helenismo ya Lisipo (390-318 AC). Fue sobre todo un técnico, a quien no le importaba el sentimiento en sus obra. Enorme variedad de puntos de vista rompe con los últimos restos de frontalidad que pudieran quedar en la escultura. intenta superar el canon de Polícleto, alargando la figura (8 cabezas). Es el primer retratista. El naturalismo que practica le lleva a trabajar los detalles más nimios, el cabello, por ejemplo. Dota a sus obras de expresión, sin caer en el dramatismo de Escopas. Será también muy imitado en el helenismo, especialmente en la representación de personajes musculados y con los músculos tensados. Apoxiomenos, 330 a. C. Con su obra “EL APOXIOMENOS” , Lisipo, crea un nuevo canon de belleza masculina, más alargado, más esbelto que el de Polícleto. La cabeza es ahora 1/8 parte del cuerpo. Alargamiento de las piernas y menor volumen de la cabeza. En cuanto al asunto o tema representado: ya no es el atleta triunfador, ni recoge el instante de máxima acción, como el Discóbolo, es un momento posterior a la competición, nada heroico, cuando el atleta se limpia con un strigilo el polvo de la palestra que ha quedado pegado a su piel, recubierta previamente de aceite. Se crea una nueva dimensión espacial, al avanzar los dos brazos. La frontalidad ha desaparecido totalmente y la escultura parece invitar al espectador a girar en torno suyo, para verla desde diferentes puntos de vista. Otras obras de LISIPO Ares Ludovisi Hermes Hércules Farnesio LA ETAPA HELENÍSTICA (s. IV- I a de C.) Período de gran amplitud cronológica y geográfica, donde la tradición griega se impregnará e impregnará, a su vez, de la cultura de los territorios que formaron parte del Imperio de Alejandro Magno. Tradición clásica y orientalismo se fundirán para crear y expresar, a través del arte, una nueva concepción de la vida. Se pierde, además, la unidad estilística de la época clásica. Nuevos focos y escuelas artísticas se suman a Atenas, como Rodas, Alejandría o Pérgamo. Un profundo realismo lo impregna todo. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas superficies clásicas. El dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos. La fealdad, a veces monstruosa, a la belleza clásica. Predominan las obras barrocas, caracterizadas por un intenso movimiento y tensión, aunque algunos artistas repiten y conservan los ideales clásicos. La variedad temática desborda los asuntos tradicionales de la estatuaria anterior (dioses, atletas, héroes, etc.). Los artistas se inspiran en la explosión de vida que les rodea. Sobresale, por su tratamiento realista y profundidad psicológica, el retrato, descarnado y sincero, sin idealización. Se trata de individualizar al retratado. La etapa helenística se caracteriza, como observaréis, por la aparición de numerosos focos artísticos (escuelas) y una gran diversidad temática. De la severidad clásica se pasa a una explosión de expresividad y humanidad. Nada humano les será ajeno a los escultores griegos de los siglos IV-I AC. La técnica ya no ofrece secretos y se entra en una época de amaneramiento, barroquismo y repetición, que preludia el agotamiento formal y estilístico. La conquista romana de los territorios helenísticos no impedirá, en cualquier caso, que la escultura griega siga evolucionando, incluso en Roma. Características escultóricas: Frente al idealismo clásico se produce una reacción realista que lleva incluso a la representación de imperfecciones físicas, a lo grotesco. De ésta deriva: Temas amplios y variados: temas tradicionales tratados con mayor dramatismo junto a otros nuevos de la vida cotidiana (costumbristas), vulgares y/o superficiales (naturalistas), literarios poco divulgados, retratos... intentando reflejar los posibles estados del alma. Abundan las representaciones de ancianos, niños, Venus y mitología La preocupación por el movimiento: las figuras se retuercen y adoptan actitudes de gran patetismo y tensión dramática. La búsqueda del volumen y la búsqueda de diferentes punto de vista Frente a la unidad aparecen nuevas escuelas y se rompe la unidad de estilo. Surgen escuelas y hay una expansión hacia Asia Menor y el área oriental del Mediterráneo. Las escuelas más importantes son la de Pérgamo, Rodas y Alejandría. No es que tengan características específicas ni se conocen exactamente los autores, es sólo porque son obras realizadas en relación a una ciudad. No siempre se conocen los autores y muchas obras se conservan por copias romanas. Escopas y Lisipo influirán enormemente durante todo el helenismo. El Toro Farnesio o el Castigo de Dirce .130 a. C Fue realizado por Apolonios y Tauriscos esculpido de un solo bloque de mármol.. Actualmente se encuentra en el museo de Nápoles, pero antes era un monumento público y por ello tenía estructura piramidal. Representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden castigar a Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un toro hasta morir. Hay un poco de representación del paisaje en la parte inferior (ésta será la principal aportación de la escuela alejandrina, es el llamado fondo helenístico o alejandrino frente al fondo ático o neoático). Las otras figuras, las que no son el toro, Dirce o los hijos de Antíope, quizá son añadidos posteriores, pero no se sabe. Todos están mirando hacia arriba. Dirce tiene una actitud de súplica y clemencia, que no conseguirá. El toro es muy realista. Conocemos el grupo a través de esta versión tardía y terriblemente restaurada que es el Toro Farnesio del Museo de Nápoles. Pese a sus infidelidades y añadidos, podemos sentir a través de esta obra la aportación básica del original: se trata de un grupo dinámico, perfectamente tridimensional, y asentado en una base paisajística. Apolonio y Taurisco lograron un indudable efecto expresivo, y ello a pesar de partir de elementos tan diversos como el realismo de los animales, las actitudes rígidas de los jóvenes, y esa compleja torsión en espiral de la figura de Dirce, verdadera síntesis del drama. Toro Farnesio (Copia romana del bronce original) 130 a.C.Autor: Apolonio de Tralles. Mármol 370 cm. altura Museo: Museo Arqueológico de Nápoles Victoria de Samotracia 200 AC. mármol, 2.4 m de altura, Museo de Louvre, París, Francia La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento éste que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras figuras femeninas de la misma época. Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo. Laoconte (o Laocoonte) y sus hijos. – Autores: Agesandro, Polidoro y Atenodoro. – El original del conjunto en bronce. Esta copia romana del siglo I DC. – Representa un episodio que se cuenta en la Ilíada, en la ciudad de Troya: Laoconte es unsacerdote troyano que se opone a que entre el Caballo en la ciudad. Poseidón, que protegía a los aqueos, le castigará… – Para algunos representa la impotencia humana ante el castigo y poder de los dioses. – El grito desgarrador que se adivina en la boca de Laoconte, junto con la tragedia de ver a sus dos hijos engullidos por el monstruo marino, son el summun del expresionismo clásico. La verticalidad se rompe totalmente. Nos hallamos ante un estilo alejado del clasicismo, que ya no es su modelo. Es un estilo vigoroso, con fuertes contrates, con grupos contorsionados y expresiones de un gran dramatismo y emoción. El grupo fue concebido para ser contemplado de frente. Los tres escultores que intervienen en la ejecución del grupo, contrarrestaron la tremenda convulsión de los músculos de Laoconte con el mayor clasicismo de las anatomías de sus hijos, que están concebidos en un menor tamaño, lo que acentúa el desequilibrio y dinamismo compositivo. Es una obra de gran barroquismo que ejerció una poderosa influencia tras su descubrimiento en 1506, sobre todo en Miguel Ángel. Características generales escultura helenística Copia en mármoldel s. I (Agesandros, Polidoro y Atenodoro) de original enbronce del s.III a.C. Pérdida de visión frontal composiciones movidas : diagonales, espirales, etc. Líneas de fuerza abiertas Nuevas temáticas: grandes grupos, lo feo, lo desagradable, anecdótico, etc. Captación del instante teatralidad: exaltación de las pasiones Dolor físico y espiritual (están matando a sus hijos) Frente rugosa, ojos hundidos, pómulos marcados, boca entreabierta Rotunda representación de poderosa anatomía Cabellos profundamente horadados con tecnica a trépano (aumenta efectos de claroscuros) Hijos con cuerpo de adultos pero a distinta escala Línea serpentinata Desequilibrio acentuado por postura inestable: ambos pies apenas apoyados a distinto nivel Temática sobre guerra de Troya. Serpientes enviadas para castigar al sacerdote Laoconte Época helenística. Escuela de Rodas. Laoconte ESCUELA DE PÉRGAMO: Cultiva preferentemente lo patético y lo heróico. Lo mejor documentado son las estatuas de Gálatas del monumento de Atalo I que levantó al finalizar la guerra entre galos y sirios. El conjunto ornamentaba una plaza tiene forma piramidal, y estuvo realizado por Epígonos. Pérdida de visión frontal (multiplicidad de puntos de vista) composiciones movidas : diagonales, espirales, etc. Nuevas temáticas: grandes grupos, lo feo, lo desagradable, anecdótico, etc. Captación del instante teatralidad: exaltación de las pasiones. Personaje ennoblecido ( desnudo como los héroes y girado para mirar altivamente a sus enemigos. Contraste: cuerpo tenso del hombre (desnudo) y flacidez de mujer muerta (vestida) Gusto por lo macabro y desagradable. Gálata moribundo Gálata suicidándose. Época helenística. Escuela de Pérgamo Monumento de Átalo I (reconstrucción) Copias en mármol de original en bronce Altar de Zeus en Pérgamos. La escultura se encuentra en el friso corrido y está en altorrelieve. El tema es el de la gigantomaquia, la lucha de los dioses contra los gigantes. Mide algo más de 100 metros y hay figuras de hasta dos metros de altura. Hay una gran riqueza de actitudes y posturas. Los dioses están agrupados de cierta manera: Atenea y Zeus en oriente, los dioses del día en el lado sur y en el lado norte los relacionados con la noche y la oscuridad. A los dioses se les da un tratamiento clasicista, mientras que los gigantes se les trata de una manera más humana, por lo que se refleja la fealdad, etc. Hay una influencia clara de Escopas ya que se deja ver claramente el pathos con los ojos hundidos y las bocas abiertas. Estaba bastante deteriorado pero se reconstruyó. El friso, en el nivel bajo del edificio llamado altar, con una altura de unos 2,30 metros, desarrolla una narración: la lucha entre los dioses y los gigantes. La narración de esta lucha permite explayarse en el movimiento ,la expresividad, violencia del combate y enfrentamiento del bien y el mal. También es una narración política: Eumenes II, quien encargó la obra, y descendiente de Atalo, general de Alejandro Magno, desea advertir de que su poder es como el de los dioses, estando como está protegido por Atenea, la diosa del saber. Inspirará narraciones posteriores (columna trajana, por ejemplo). ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO Altar de Zeus, en Pérgamo (hacia el 160AC) Época helenística. Escuela Ática o Neoática .Venus de Milo A fines del siglo II a. C., un artista desconocido -alguien ha pensado en un Alejandro o Hagesandro, basándose en una dudosísima inscripciónrealizó la que quizá sea la obra más famosa del neoaticismo. Posiblemente llevaba en la mano una manzana -símbolo de la isla de Milo-, pero lo principal es el modo en que el artista logró un movimiento ondulante del cuerpo, dando vida y vibración al elegante y frío esquema del siglo IV a. C. LaEscuela Ática sigue con los modelos clásicos de los siglos anteriores. La Venus de Milo es una escultura tridimensional, ya que además de tener volumen puede ser vista desde diferentes perspectivas. Otra característica formal cque podemos apreciar es el contraste entre los gruesos pliegues del manto, que crea ricos claroscuros, y suave lisura de la pulimentada piel, por donde resbala la luz. Un elemento fundamental que da mayor movimiento a la estatua es el contrapposto, pues de la base parte un desequilibrio que afecta a toda la estatua. La pierna derecha sostiene el cuerpo dejando libre de esta manera a la pierna izquierda del peso del cuerpo, lo que da una mayor sensación de profundidad. La ruptura de la frontalidad, se produce también debido a la colocación de su brazo izquierdo, aunque ya perdido, se cruza ligeramente con la silueta, situando ésta hacia la izquierda. Además, la musculatura reflejada en el hombro izquierdo también sugiere que el brazo estaba alzado. Por último, el rostro es situado hacia la izquierda, lo que rompe aún más la frontalidad de la obra. También podemos ver en el rostro el Ideal de belleza clásica: frente alta, nariz recta, boca pequeña pero carnosa, mejillas lisas. Niño de la espina La composición es cerrada y está en un escozo, ya que el niño adelanta el cuerpo y la cabeza inclinándose para buscar esta espina. Dentro de este escozo vemos que una pierna se dobla y gana espacio al igual que la cabeza al inclinarse. La escultura es naturalista, no solo por la expresión de la cara del joven y el naturalismo que representa la anatomía de su cuerpo, sino por el tema. Es una escena de género (se representa una escena de la vida cotidiana). Busca lo trivial, por lo tanto hay una gran diferencia con los temas del periodo clásico y arcaico, en los que se representaban los atletas, dioses y héroes. Estamos en una época en el que los temas se han diversificado y empiezan a tomarse temas de la vida real, temas o escenas que pueden inclinar al placer, tranquilidad, a lo común que es esto. Vemos que el cuerpo está representado tal como era el niño (realista). Se destacan los rasgos psicológicos del retratado, donde se ve que empieza a proliferar el retrato. El cuerpo está proporcionado, equilibrado. La luz busca contrastes de claro-oscuro, predominando los efectos pictóricos (reflejado en el pelo). La cara es bastante realista y proporcionada. La expresión es de búsqueda. El tronco sobre el que está es más largo que sus piernas, lo que le obliga a poner el pie en punta y la da esbeltez. Los brazos también están estilizados. Contorsión del personaje que contrata con serenidad del rostro Composición triangular con Cabeza muy vértice superior caída desplazado hacia un lado Cabello pegado (estilo arcaizante) contrasta con desarrollo en parte inferior Mirada dirige(melenas) al tema (hecho anecdótico) Desequilibrios de masas zona superior e inferior Copia en mármol de original en bronce Época helenística. Escuela Ática. Niño de la espina Predominio de formas quebradas, angulosas Incorporación del aire a la obra alrededor de los brazos y piernas Tema intrascendente con protagonista infantil Piernas en escorzos perpendiculares multiplican puntos de vista