ARTE GRIEGO ARTE GRIEGO 1.- Introducción. Los órdenes. 2.- El templo griego: el Partenón. 3.- La escultura. Los grandes maestros de los siglos V y IV. Policleto y Fidias. Praxiteles y Scopas. Lisipo y su canon. 4.- El periodo helenístico. 5. La escultura ibérica. Explicar los órdenes clásicos a partir de la preocupación griega por construir a escala humana y advertir la “armonía visual” y refinamientos ópticos que utilizaron los arquitectos en curvatura de entablamentos, inclinación y éntasis de las columnas, y distancia desigual de los intercolumnios para corregir las aberraciones naturales del ojo humano. Definir sus creaciones arquitectónicas, destacando la importancia del Partenón en la cultura griega, analizando planta y alzado, así como la decoración escultórica. La escultura griega por su importancia posterior, debe ser analizada en virtud de los grandes problemas externos e internos que resuelve. De entrada, los maestros del siglo V diferencian la “escultura” de la “imagen de culto”, a través de las creaciones de Policleto y Fidias. Policleto, que se ocupará meramente de los aspectos formales, rompe la “ley de la frontalidad” y aplica en canon de belleza basado en siete cabezas, regulando sus esculturas profanas por el principio de diartrosis. Fidias agrega a estos rasgos un contenido anímico, quid divinum, que hace que sus figuras de dioses dejen de ser simples esculturas para convertirse en imágenes de culto que provocan la devoción de los fieles. (Para aclarar estos conceptos, situémonos en el siglo XVII español, señalando las diferencias entre una escultura -retratos ecuestres de Felipe III o Felipe IV- y una imagen Crucificado procesional de Gregorio Fernández o de Montañés-). Explicar, asimismo, la doble tendencia de la escultura del siglo IV: la charis o gracia ática de Praxiteles y el pathos dramático de Scopas. Por último, ver un resumen de todas las tendencias de Lisipo, “el último de los clásicos”. Con respecto al mundo helenístico, señalar sus límites, el proceso de secularización del arte y su carácter mundano. ____________________________ El arte griego y, en general, toda su cultura están en la base de los conceptos estéticos y culturales predominantes en la cultura occidental. La belleza radica en la armonía derivada de la adecuada utilización de medidas y proporciones, de acuerdo con unos principios racionales arraigados en la Naturaleza. En relación con este principio, es el cuerpo humano el fundamento de toda belleza. Por otra parte, se tiende hacia la creación de un mundo idealizado, racionalmente abstracto, pues aunque se apoya en la naturaleza, se trasciende el mundo sensorial, ya que se busca un idealismo que va más allá de los sentidos. Medida, proporción, principios abstractos basados en la objetividad de las matemáticas, el idealismo de las formas y en el contenido expresivo. Se trata de una belleza que si de una parte atrae y capta los sentidos, se rige por principios independientes, por su intelectual racionalismo, de la subjetividad del espectador. ARQUITECTURA GRIEGA.Su origen podemos encontrarlo remotamente en la arquitectura egipcia (arquitrabada, importancia de la columna entre las que podemos destacar la protodórica, proporciones, etc.) sin embargo, su precedente más próximo lo hallamos en la cultura cretense (palacios adintelados con gran profusión de columnas) y micénica, protagonizada por los aqueos, (megarones, propíleos de sus acrópolis, etc.); a estos se impusieron los dorios. Pues bien, de todas estas aportaciones nació el arte griego. Características. Brevemente podríamos señalar las siguientes: 1 ARTE GRIEGO - Fin del colosalismo antiguo frente al que se sitúa la medida, la escala humana (“El hombre es la medida de todas las cosas...” Protágoras). - Edificios rodeados de columnas valoradas como si fueran esculturas. - Suma de aportaciones de distintos pueblos: eolios, jonios, dorios, etc. - Proporción y medida basadas en un módulo que suele ser el radio inferior de la columna. - Es arquitrabada lo que aporta mayor equilibrio pero dificulta la altura. - Materiales: el poros (conglomerado o arenisca), distintas calizas entre la que sobresale el mármol de Pentélico y Paros. - Valor escultórico de la arquitectura, es decir, preocupa más la apariencia exterior que el interior de los edificios que se han de integrar armónicamente en un conjunto. - Búsqueda de la armonía visual que rompe con las medidas matemáticas pero da lugar a sorprendentes refinamientos ópticos: · Curvatura de estilóbato y entablemento hacia arriba para evitar el efecto de pandeo, es decir, de hundimiento por el centro. · Inclinación de las columnas hacia dentro para impedir la sensación de caída y crear el llamado efecto piramidal. · Éntasis de las columnas para reducir el efecto de concavidad de las columnas de lados rectos. · Mayor anchura de las columnas de los ángulos, anulando cualquier presión de debilidad en ese punto. · Desigual distancia de los intercolumnios. Los órdenes griegos.- Orden en arquitectura se puede definir de varias formas: - Sucesión de las diversas partes del soporte y de la techumbre adintelada según tres modelos o estilos diferentes. - Armonía resultante de una admirable interrelación entre elementos constructivos y decorativos. - Consideración de la arquitectura como número, proporción y masa equilibrada; consiguieron tal armonía entre las partes y elementos arquitectónicos, que quedaron como prototipos para el futuro. El orden dórico fue inicialmente lignario y tiene su origen, aparte de en el protodórico egipcio, en los templos de Hera y Termo. Es sobrio, varonil y robusto. En el s.VII a.C. estaba ya formado. Se compone de diversas partes: A. Gradas compuestas por estereóbatos y estilóbato. B. Columna: su altura varía entre 7 y 12 módulos (radio inferior de la columna). 1. Carece de basa. 2. Fuste: 20 aristas vivas; éntasis en el centro. Collarino en su parte superior. 3. Capitel: collarino equino o moldura más o menos convexa. ábaco o paralelepípedo de base cuadrada. Ambos elementos constituyen una sabia alternancia de curvas y rectas. C. Entablamento que se compone de tres partes: 2 ARTE GRIEGO 1. Arquitrabe: Viga lisa montada sobre los ábacos. Está separado del friso por el mútulo con gotas. 2. Friso: Cuerpo de vigas longitudinales de la cubierta; está integrado por triglifos y metopas 3. Cornisa: Cuerpo liso o geison y moldura curva saliente o cimacio; bajo el geison hay otros filetes con gotas correspondientes a cada triglifo y metopa. El frontón, es una moldura triangular consecuencia de la cubierta a dos aguas, su superficie interior se llama tímpano; sobre él hallamos acróteras y gárgolas. Citar, por último, las antefijas que sustituyen al cimacio en las cornisas laterales o bien rematan una hilera de tejas. Predominó este orden en el Peloponeso, sur de Italia y Sicilia. El orden jónico posee mayor esbeltez (18 módulos) y decoración: es elegante, fastuoso, delicado y femenino. Nació en las colonias griegas del Asia Menor (Jonia) y se extendió luego por las islas del Mar Egeo; según Vitrubio, tratadista romano, su origen estuvo en el templo de Artemisa en Éfeso. - La columna posee basa que se compone de una pieza cuadrada o plinto, dos toros y una escocia separados por baquetones. La basa ática (Atenas) sólo tiene los dos toros y la escocia. El fuste puede o no tener éntasis y posee 24 estrías muertas redondeadas al final; acaba en un contario o fajita de perlas. El capitel se compone de astrágalo, ovas y dardos, equino con volutas y ábaco. - El entablemento consta de: · Arquitrabe de tres fajas o fascies en avance progresivo, la última está rematada con decoración de ovas y perlas. · El friso puede ser liso o con relieves. · Cornisa menos volada que la dórica pero enriquecida con dos bandas de ovas y dentellones (salientes a modo de almenado). En el s.V es frecuente que el orden dórico se encuentre en el exterior de los templos y el jónico en el interior (Partenón). El orden corintio1 más que un orden es solo un capitel, el resto es jónico, aunque algo más esbelto pues la columna tiene 20 módulos; su aparición es tardía por lo que serán los romanos quienes más lo utilicen. Se compone dicho capitel de un cuerpo troncocónico rodeado de acanto a dos alturas, caulículos (vástagos) que acaban en volutas y otros caulículos centrales acabados en rosas. Los griegos lo emplearon en el templo de Apolo en Bassai, región del Peloponeso (430 a.C.), Linterna de Lisícrates (334 a.C), Olimpeion de Atenas, etc. Su mayor expansión corresponde al periodo helenístico y posteriormente a Roma. Las creaciones arquitectónicas.- Aunque haya edificios que deban ser tratados individualmente, sin embargo por tratarse de una arquitectura que se proponía crear espacios para la vida colectiva habrá que La invención del capitel corintio ha llegado a nosotros expresada en el fino lenguaje poético de la fábula antigua. Refiere la leyenda que al morir cierta doncella de Corinto, sus familiares depositaron sobre su sepulcro el cesto de sus labores, cubriéndolo con una losa de mármol, y que la madre Tierra deseosa de recoger en su seno esos recuerdos de la desgraciada joven, hace brotar en su torno una doble fila de hojas de acanto o cardo que crece hasta la mitad de su altura, salvo una cuantas que se elevan más. Cuatro parejas de tallos, al tocar con los ángulos de la losa, se enrollan sobre sí mismos, mientras otras cuatro parejas hacen lo mismo antes de llegar a la altura de aquella. Entre estos asciende un tallo que termina en una rosa o palmeta. Entusiasmado el platero Calímaco, discípulo de Fidias, al contemplar el bello conjunto, no pudo resistir el deseo de copiarlo, y, al hacerlo, nos dejó creado el capitel corintio. El cesto se convierte en el cuerpo troncocónico del capitel, la primera fila de hojas, en las hojas de agua; los tallos de los ángulos, en los caulículos, y los centrales, en las rosas. 1 3 ARTE GRIEGO estudiar también conjuntos como santuarios, acrópolis y ciudades (tengamos en cuenta que el urbanismo nace en Grecia). E L T E M P L O.- Deriva formalmente del megarón micénico, núcleo del palacio prehelénico. Se inician en el s.VII cuando la representación de los dioses en estatuas obligó a construir un lugar donde resguardarlas; el altar se encontraba en el exterior. - Orientados de E a W siguiendo el ritmo del sol (simbología solar = Egipto). - Mal iluminados, la luz natural solo penetraba por las puertas. - Planta: simetría absoluta tanto longitudinal como perpendicular. : rectangular (canon clásico: columnas laterales = frontales x 2 + 1) : de 1 a 3 naves separadas por columnas incluso dispuestas en dos pisos por lo que anticipan las tribunas. : varias subdivisiones: - naos o cella (capilla) - pronaos formada por la prolongación de los muros, acabados en pilastras (antae) y dos columnas enmedio. - opistodomo en el otro extremo de la pronaos, servía para proteger los tesoros del templo. La galería que va entre el muro y las columnas se llama perístasis. : Según las columnas puede ser.- Áptero (sin columnas), in antis, próstilos, hípetros, anfipróstilos, períptero, pseudoperípteros, dípteros, tholos o monópteros lo que supone la decadencia del plan o planta antigua. También se pueden denominar conforme al número de columnas en la parte delantera: hexástilo como el templo de Afaia en Egina, tetrástilo es el templo de la Victoria en Atenas, octástilo, el Partenón. - Estucados, incluso cuando se generaliza el mármol, como disfraz de las imperfecciones de los materiales pobres iniciales. Convencionalismos: triglifos azules, estrías negras, tímpanos en rojo o negro, etc. - Como modelo de templo griego estudiemos el PARTENÓN · Construido entre 447-438 por Ictinos y Calícrates fieles intérpretes de los gustos de Fidias, responsable de la decoración como veremos en escultura. Destinado a la diosa Atenea Partenos (“la virgen”). · Dimensiones clásicas: octástilo y 17 columnas laterales (doble de las frontales + 1). Es un rectángulo de 69,5 x 31 m y 18 m de altura máxima. La proporción entre altura total y anchura estaba presidida por el número mágico: anchura / altura = 1´617, perfecto equilibrio entre el cuadrado y el rectángulo. Por otra parte, hallamos una proporción constante de 4 a 9 entre la longitud y anchura del estilobato (69,5 x 4 ARTE GRIEGO 30,88 m), diámetro de las columnas (1,905 m) e intercolumnios (4,296 m) y, entre la anchura total del estilobato (30,88 m) y la distancia desde el arranque del estilobato hasta la cornisa (13,72 m). · Es el mejor exponente de las correcciones ópticas que señalábamos con anterioridad. · Aunque se le presenta como paradigma del orden dórico, el friso exterior de la cella es jónico. · Las columnas tienen 11 módulos aproximadamente. · La naos o cella tiene 3 naves y 2 cuerpos para no romper las proporciones; al fondo Palas Atenea. · El opistodomo es casi cuadrado y con 3 naves, guarda los tesoros de la diosa y de la ciudad. · Fabricado con mármol de Pentélico y tejas del mismo material procedente de Paros. Los diferentes bloques estaban ligados no por argamasa sino por grapas metálicas. · Fue templo cristiano, mezquita y hasta polvorín turco que estalló al recibir una bomba veneciana en 1687. Los ingleses se llevaron al Museo Británico casi toda la decoración escultórica. - Modelos de templos jónicos son: · Artemisión de Éfeso fue una de las diez maravillas del mundo; data de ½ s.VI, a ½ del s.IV fue quemado, vuelto a levantar en época helenística para después desaparecer definitivamente. · Erecteón.- Se construyó en honor de Erecteo 2 entre 421- 415, se detuvo durante las Guerras del Peloponeso y se terminó el 406. Fue dirigido por el arquitecto Mnesiklés. Plan no simétrico y variado debido a los múltiples lugares sagrados que albergaba: manantial de Poseidón, la tumba de Cecrops, huellas de un antiguo templo de Zeus, un altar de Hefaistos, el olivo de Atenea... y en lugar de aplanar el terreno, los distintos cuerpos se adaptaron a él. Tiene cuatro pórticos a los lados destacando la Tribuna de las Cariátides. · Atenea Nike construido entre 421-415 según planos de Calícrates. Se contrapone a la dureza dórica de los Propíleos, cuyo proyecto se sacrificó a este templo. Los SANTUARIOS se construían para dar culto al dios titular por medio de juegos panhelénicos, teatro, etc. Junto al gran templo del dios, cada polis construye su tesoro (debemos destacar su importancia como factor de unificación panhelénico), un templo generalmente in antis; además estos conjuntos contaban con lugares destinados a los juegos, reuniones (el Pritaneo para las asambleas), etc. todo este espacio sagrado se llamaba peribolos al que, a veces, se accede por unos propíleos o entrada monumental, por ejemplo los de la Acrópolis ateniense, entonces con rampas, desde época de Calígula con escaleras. Los santuarios más importantes fueron el de Olimpia dedicado a Zeus y el de Delfos a Apolo en el que destaca la perfecta adaptación al paisaje de unos bellísimos edificios entre los que destaca el tholos de Atenea Pronaia (370-360 a.C.) levantado por la ciudad de Cirene; el de los Sifnos (535-530 A.C.) Los TEATROS.- Sabida es la importancia que el arte dramático tuvo en Grecia, por lo que estas construcciones, dotadas de una magnífica acústica, se prodigaron en ciudades y santuarios. Aprovecha las faldas de los montes para asentar un graderío que rodea a la orchestra circular (lugar donde se sitúa el coro o personaje colectivo de las obras teatrales); el conjunto se cierra con la escena y el proscenio situados a nivel del suelo. El mejor conservado es el de Epidauro en Atenas. El ODEON es muy parecido al teatro pero más reducido, se utilizaba para audiciones musicales. El ESTADIO era para las carreras humanas. La CASA está organizada en torno a un peristilo o patio porticado, al fondo del cual está el androceo o parte pública y, en lo más recóndito, el gineceo con el tálamo. En raras ocasiones hay una segunda altura donde suele ubicarse el gineceo. LA ESCULTURA GRIEGA.Erecteo o Erictonio, mitad hombre mitad serpiente, es un dios tan antiguo que ni los atenienses conocían muy bien su origen. Se le suponía hijo de Tierra y Hefestos, o bien, la consecuencia de un desliz de la propia Atenea. Fue de los primeros reyes de Atenas y el introductor del culto a Atenea 2 5 ARTE GRIEGO Inicialmente plantea dos problemas: - La inmensa mayor parte de las esculturas griegas son copias en mármol de la época romana. - Los mármoles griegos (tanto los bultos redondos como los relieves) estaban policromados pero con colores planos lo que supone más decorativismo que naturalismo. A las de bronce se les añadían láminas de cobre rojo o plata sonrosada en los labios, dientes de plata y pastas vítreas en los ojos. Época clásica. Características generales.- Los griegos, al igual que los egipcios, representaron al hombre por medio de una abstracción numérica. Las esculturas se basaron en tres principios: · armonía de proporciones utilizando como módulo la cabeza, · la diartrosis (δi-αρθρóω, articular) o movilidad de las articulaciones, · el contraposto que rompe definitivamente la ley de la frontalidad; es la oposición armónica de las partes del cuerpo, una parte en tensión y movimiento y la otra en reposo. - Diferencia entre escultura (sólo se busca la estética) e imagen de culto (se pretende provocar la devoción). Posiciones representadas por Policleto y Fidias respectivamente. - Se estudia el movimiento real de la musculatura, de ahí el naturalismo de los atletas realizando determinados movimientos, pero dicho naturalismo subordinado al idealismo. - Carencia de anécdotas que menoscaben la dignidad de los dioses; la belleza es factor de religiosidad. MIRON.- Interesado por el hombre en movimiento, aunque sin violencia, contemplando fugazmente (movimiento en potencia), facilitado por el empleo de bronce. - Enorme realismo atestiguado por las esculturas perdidas de una vaca (sus contemporáneos opinaban que podría mugir en cualquier momento) y un atleta en plena carrera con un rostro jadeante. - El Discóbolo es un atleta cogido en momento del movimiento potencial y transitorio inmediatamente anterior al lanzamiento. Carácter plano de los músculos. Anatomía de perfecta sobriedad. Rostro inexpresivo y sin relación con la acción realizada. Cabello arcaico sin relieve. Conserva la frontalidad, no es sino un gran relieve. - En Palas Atenea y Marsias de nuevo interés por el movimiento y lo transitorio: se escoge la reacción del sátiro como respuesta a haber tirado Palas la flauta porque al tocarla deformaba sus mejillas. Cuerpos de gran perfección. POLICLETO.- Broncista del Peloponeso (Argos), es el prototipo del escultor que exclusivamente se ocupa de los aspectos formales, por lo que es un teórico de la escultura: el cuerpo no es solo modelado sino también número y proporción (= Pitágoras); cada parte debe tener unas dimensiones para alcanzar un conjunto perfecto, ideal (σuµµετρíα, proporción). Autor de un canon (también usaron cánones: Zeuxis, Parrasio, Lisipo, etc.) perdido pero ejemplarizado en: El Doríforo.- (h. 440 a.C.) El módulo es el dedo corazón o, mejor, la cabeza que debía ser 1/7 del cuerpo, (el tratadista romano Vitrubio señalaba que 1/8). - Cuerpo fuertemente diartrósico: el cuerpo masculino lo es más que el femenino porque sus partes se individualizan más, pues en el femenino existen capas adiposas que producen redondez; el reto de estas esculturas será armonizar las partes con el todo sin confundir a éstas, pero logrando a la vez la unidad de ritmo y composición, lo que se consigue practicando incisiones y levantando uno de los bordes de la línea fronteriza (molduras). Separan el tronco de las extremidades, y dentro de aquel distinguen los pectorales, la cintura y el pliegue inguinal. - Las grandes líneas son curvas, la cabeza tiende a lo esférico. - Todo está en función de definir abstractamente la figura. - La figura se mueve de acuerdo con la fórmula de contraposto, final la frontalidad: · facilitado por el empleo de bronce que permite el apoyo de un sólo pie (diferencia con arcaísmo) 6 ARTE GRIEGO · brazo doblado en escorzo proporcionando profundidad, el derecho cae por su propio peso · la pierna derecha recibe toda la carga, la izquierda libre es la que marcha · la cabeza desviada a la izquierda · La rigidez arcaica ha desaparecido y todo el cuerpo se arquea y toma dirección oblicua. - Aún así, la contemplación sigue teniendo un punto de vista principal, no interesa la contemplación de costado. Tampoco tiene todavía alma a pesar de la perfección física. Diadumenos.- (h. 430) Figura más joven, de formas más blandas y actitud más movida y curvada. Así mismo de expresión más dulce. Es autor también de una estatua de Hera de Samos y de una Amazona en la que el contraposto se sustituye por una columnita para equilibrar la figura. PEONIOS.- Autor de la "Nike de Olimpia" dotada de admirable movimientos y gran maestría técnica. FIDIAS.- Autor más importante para la religión griega que todos los sacerdotes; llenó de nobleza todo el panteón griego. Les proporcionó a los dioses el quid divinum, es decir, rostro hermoso, honesto ademán y gallarda postura. Además, poseen el nous, que se podría traducir por espíritu. - Iconográficamente la iglesia católica aprovechó estas imágenes para convertir a Zeus en Dios Padre, a Apolo en Cristo, a Atenea en la Virgen y a Hermes en el Arcángel S. Gabriel. - Culmina la conquista de la belleza ideal y sublime partiendo de lo real. - Sus personajes son prototipos pocas veces reflejados en los mortales (platónico antes que Platón) con un equilibrio físico y moral, dotados de una paz interna consecuencia de haber dominado las pasiones. - Se le confió el Partenón, en cuyo trabajo escultórico participaron muchos artistas, sin embargo la uniformidad es manifiesta puesto que la obediencia al maestro era plena. La temática es el origen de Atenea: el motivo de ser patrona de Atenas, sus triunfos en el Olimpo, etc. · Metopas.- Son 92 (2x14 y 2x 32) relieves muy voluminosos, casi de bulto redondo. Temas: las cuatro luchas mitológicas: Centauromaquia (costado derecho), Guerra de Troya (costado izquierdo), Amazonomaquia (fachada delantera) y Gigantomaquia (fachada trasera); en todas ellas interviene Teseo, rey de Atenas. Fueron mayoritariamente destruidas por los cristianos cuando transformaron el Partenón en templo (p.ej. de la Guerra de Troya solo se salvó la 32 por creer reconocer el tema de la Anunciación). Gran diversidad en los rostros de los centauros, uno de los cuales parece el de Fidias, lo que supone una gran autoestima si añadimos que también se retrató, según parece, en el escudo de Atenea Parthenos. · Friso de las Panateneas.- Cada año en el mes de Julio se celebraban las Panateneas que consistían en una “hecatombe”, es decir, el sacrificio de cien bueyes; pero cada cuatrienio, además, tenían lugar las panateneas mayores en las que unas jóvenes atenienses elegidas por sorteo regalaban un peplo decorado con escenas de la Gigantomaquia a la diosa. Pues bien, ambas están intercaladas en este friso jónico que es un lienzo seguido de 160 x 1 m que rodea toda la cella. Los dioses están sentados en el monte Olimpo, entre ellos Hera girando y levantando coquetamente el manto para oír lo que le dice su esposo Zeus, contemplando el movimiento de los animales, dotados de una anatomía muy cuidada (aparecen incluso venas y tendones), mientras los humanos se mueven con discreción y gravedad; psicológicamente la mirada es perfecta. La luz, inferior, le proporciona gran claroscuro. 7 ARTE GRIEGO · Frontón oriental (trasera del templo).- Nacimiento de Palas en la Acrópolis escena a la que asisten numerosos dioses agrupados así: Las Parcas, Deméter, Perséfone e Iris; Helios y Selene con sus carros y, en el centro, Palas y Zeus. Las figuras centrales no se conservan (existen dibujos del s.XVII) y el resto se hallan descabezadas. Todos los personajes tienen la misma escala y se hallan perfectamente adaptados a la difícil superficie del tímpano. En las vestiduras se aprecia la técnica del “paño mojado”. · Frontón occidental.- En el Monte Olimpo los dioses se disputaron la ciudad de Atenas; el tema es la pugna entre los finalistas, Atenea y Poseidón, en presencia del panteón olímpico que concedió el patronato a aquella. Supone la cumbre del arte griego por la composición genial, con una sólida trabazón plástica y psicológica, y un gran dominio de las flexiones. - Imágenes de Fidias (conocidas por copias, testimonios literarios, monedas, etc.) · Athenea Lemnia.- Regalo que los atenienses, antes de colonizar la isla de Lemnos, hicieron a la Acrópolis. De belleza extraordinaria, con el perfil recto de su rostro - perfil griego - fue quizás la mejor interpretación de la diosa. Su tamaño es poco mayor que el natural. · Athenea Promacos.- De bronce como la anterior pero de mayor altura (15 m.). Se hallaba igualmente en la Acrópolis, la punta de la lanza y el casco era lo primero que veían los marinos al llegar a Atenas; fue costeada con el botín de la batalla de Marathón. La copia romana existente en la Casa de Pilatos de Sevilla es una de las mejores. · Athenea Parthenos.- Hecha de crisoelefantina y los ojos de esmeralda (Fidias acabó en el destierro porque parece que detrajo cierta cantidad de oro)3. · Zeus Olímpico.- También de crisoelefantina y con una Victoria en la mano, lo realizó en su exilio en esta ciudad. Estatua sedente enorme y dotada de gran majestuosidad. Se conoce por monedas. Sin embargo otros autores presagian nuevos tiempos, como aquellos que trataron el tema de Níobe viendo morir a sus hijos por castigo divino. El dramatismo y el tratamiento casi pictórico de los paños se acentúan en el Asia Menor griega. ÉPOCA CLÁSICA. SIGLO IV A.C. Características: · Los dioses se humanizan por escepticismo de los griegos; los colocan en sus plazas más por curiosidad que por piedad. · Las formas se ablandan y la pasión va asomándose a los rostros, por lo que se desarrolla el retrato. Las armas y el peplo, que le llegaba hasta los pies, así como el yelmo, la lanza y el escudo de la diosa, eran de oro puro, mientras que el rostro, los brazos y los pies eran de marfil, a semejanza del color de la piel. Los ojos eran de madreperla y turquesa, para reproducir la mirada glauca de la diosa. En la mano derecha tenía una imagen de la Victoria alada, del tamaño de una persona, por lo que la estatua debía tener por lo menos 35 pies de altura (x 0,3048=10,668 m) 8 3 ARTE GRIEGO · Aparece lo costumbrista y ordinario (Apoxiomeno) hasta lo atrevido (Ménade). · Como en pintura aparecen grupos escultóricos formando escenas, otros buscan efectos pictóricos por ejemplo en el tratamiento de los paños. · Florece la escultura privada extendiéndose a sectores que antes se contentaban con la admiración de las obras; incluso, nace un arte “popular” con lo que el arte griego empieza a perder su antigua unidad. También hay que anotar la aparición del arte oficial cuando Filipo de Macedonia y su hijo Alejandro contraten a escultores para su propia propaganda y de su monarquía. · El máximo foco escultórico es la Jonia que atrajo a artistas de Atenas y el Peloponeso, de ahí el gran desarrollo de esa región del Asia Menor durante el Helenismo. PRAXITELES.- Nació en Atenas probablemente con el siglo y trabaja su segundo tercio. Representa el "charis" o gracia ática, la expresión de las emociones líricas tenuemente melancólicas; por ejemplo, cultiva una mitología amable, el Olimpo cobra caracteres idílicos. Características: · Trabajó el mármol y el bronce. · La “curva praxiteliana” es el lógico destino del contraposto que es llevado hasta el desequilibrio, por lo que necesitan un punto de apoyo para no caer. · Sus formas son blandas; suaviza las líneas con curvas delicadas y bellas, de ahí que el mármol se convierta en piel humana. Evita toda recta y áspera rugosidad. · Tránsito muy suave de la luz a la sombra: es el sfumatto que provoca esa expresión vaga y soñadora de sus personajes. · Contraste luminoso en los cabellos. · Los dioses son tan humanos como sus modelos. Obra: - Apolo Sauróctono (380-70).- Obra de juventud en la que ya se aprecia su estilo posterior. Sabor femenino de este dios del día. La curva va desde el extremo del brazo extendido a los pies, constituyendo una línea sinuosa llena de armonía, de la charis que tanta fama le dio. Antiheróico, intenta matar a una lagartija, representación la noche, que forma una curva igual a la del dios. - Afrodita de Gnido (h.360).- Tuvo como modelo a su amante, Friné. Múltiples y muy bellos puntos de vista (diferencia con frontalismo). Es el primer desnudo de la diosa y tuvo que buscar como excusa su salida del baño, acto plenamente humano (el naturalismo justifica la desnudez). Supone, además, la aparición de un ideal anatómico de mujer (muy repetido y con variaciones hasta llegar a la Venus de Milo) distinto al masculino (recordemos las Amazonas heridas). Ligeramente coloreada con barniz de cera, su cabello era rubio. - Hermes de Olimpia (h.330).- Por hallarse donde dejó escrito Pausanias parece el original, sin embargo otros piensan que es una copia romana muy fiel al original. Está ofreciendo uvas al niño Dionisos. La luz resbala tenuemente por su anatomía (efecto pictórico). El intenso claroscuro de la cabellera contrasta con el esfumado del rostro. Fuente de inspiración de S. Cristóbal SCOPAS.- Interesado por ciertos estados del alma: la pasión violenta y dramática que atormenta e inflama a los individuos (“pathos”) lo que se manifiesta tanto en el movimiento de sus cuerpos como en la expresión: bocas anhelantes, ojos profundos, etc.; otros estados son: la nostalgia, el amor, la sensualidad... 9 ARTE GRIEGO - Ménade.- Sacerdotisa de Diónisos en pleno delirio religioso, con un cabrito al hombro, convulsa, con la cabellera suelta y dejando al descubierto gran parte del cuerpo. Expresa como nadie el frenesí divino de la orgía dionisíaca. - Meleagro.- Joven cazador con una expresión trágica que anuncia de su próxima muerte: ojos hundidos e inclinados hacia arriba e inundados de expresión visionaria; la boca entreabierta y anhelante. - Otras obras probables: Las Nióbides y la decoración del Mausoleo de Halicarnazo. Entre sus discípulos debemos mencionar a BRIAXIS (decorador también del mausoleo), LEÓCARES (retratista de Alejandro y autor del Rapto de Ganimedes y, según algunos, del Apolo de Belvedere. De esta época tal vez sea la Venus de Milo aunque otros la consideran helenística. LISIPO.- Unificador de las dos tendencias anteriores, es un artista muy fecundo (aprox. 1.500 obras, de bronce la mayoría, pero actualmente ningún original) e innovador; trabaja el último tercio del s. IV. Las proporciones de su canon son más esbeltas que las de su compatriota Policleto y su cabeza más pequeña, suponiendo 1/8 del cuerpo. Prefiere a los hombres como se ven con la vista no como deberían ser: naturalismo frente a idealismo. Las esculturas tienen varios puntos de vista (lo que se denomina estereometría). - Apoxiomeno.- Se escoge un momento vulgar y ordinario: quitándose con el estrígiles el sudor y el aceite con el que se untaban los atletas antes de empezar la prueba. Es el ejemplo de su canon naturalista frente al idealista de Policleto. No existe frontalismo, sino que la figura va variando a medida que giramos a su alrededor. Rostros de formas llenas; ojos y boca pequeños que ni reflejan ensueño ni pasión (diferencia con Praxiteles y Scopas). Se podría considerar el último kuros. A los ritmos estáticos a pesar de lo curvilíneo de Praxiteles, Lisipo contrapone un verdadero estado de agitación: el atleta, todavía jadeante por la competición, se balancea nervioso sobre la planta de los pies. Tensión en cada elemento, que es la clave de su arte. - Ares Ludovisi.- Sigue el estilo del Apoxiomeno; movida actitud de cómodo naturalismo impropia de un dios. Lo mismo podríamos decir de su Hermes calzándose. Multiplicidad de puntos de vista. - Heracles Farnesio.- Gran estudio de la musculatura con intensos efectos de claroscuro, lo que le sitúa cerca del Helenismo. Postura muy natural apoyándose en la clava (estaca), casi cubierta por la piel del León de Nemea. Perfecto ejemplo de estereomertría pues las manzanas del Jardín de las Hespérides, que lleva en su mano derecha, solo se ven girando la figura. - Retratos.- Retratista oficial de Alejandro al que dota de una expresión de fiereza contraria a la dulzura con que la ocultaba. Se le conocen diversas cabezas de Alejandro, además de una estatua ecuestre. ÉPOCA HELENÍSTICA (Muerte de Alejandro 323 a.C. - 30 a.C. conquista de Egipto por Augusto) Cuando el Próximo Oriente fue conquistado por Alejandro Magno se saturó de sabiduría helénica; pero esta forma de saber y de ser ya no puede llamarse helénica porque no es original, sino transferida y copiada: esto es el Helenismo. Los griegos influyeron de tal manera en el mundo antiguo que marcaron profundamente a egipcios, mesopotámicos, sirios, hebreos, persas, etc. quienes hicieron de todo lo griego una moda: esto es el Helenismo; pero una moda de tanto calado que sirvió para modelar un tipo de vida y conciencia: el hombre racionalista y burgués que solo se fía de sí mismo y de su razón; este tipo humano reaparece frecuentemente hasta que cuaja definitivamente en Europa el s.XIX. 10 ARTE GRIEGO Características generales: · Crisis de la polis por su integración en una unidad mayor (imperio). La armonía y la medida pierden ya su sentido al abandonarse la referencia de lo humano que se sustituye por el gigantismo. La doctrina filosófica estoica colabora al defender los valores cosmopolitas. · La complejidad de grupos sociales hace las artes plásticas sean más variadas que nunca y, por tanto, de difícil clasificación; un arte cortesano convive con otro burgués y estos con el popular: la burguesía aporta un sentido naturalista y un deseo de disfrutar de lo placentero, perdiéndose la antigua altura de miras. · Consecuencia de lo anterior es el cambio de valores, manifestado básicamente en la sustitución de lo ideal por lo real, lo que no indica que la escultura sea peor, sino, si se quiere, de peor gusto como consecuencia del descreimiento, de la libertad de costumbres y de pensamiento. · Se desarrollan los procesos estilísticos y espirituales del siglo IV y también se abrirán nuevos caminos (estética de lo feo). De Scopas se tomará lo pasional y trágico (Laoconte); de Lisipo la estereometría (muchas estatuas eran para colocarse en plazas públicas), el desenfado en las posturas y el retrato; la gracia ática y el sfumato de Praxiteles tampoco están del todo ausentes (Venus de Milo). · Los dioses tradicionales se representan en actitudes dramáticas. Se introducen dioses nuevos y también divinidades mixtas grecorientales. Afrodita pierde su categoría de diosa quedando sólo como símbolo del amor y la sensualidad, a veces conservando la dignidad (Venus de Milo) y otras perdiéndose (Venus Calipigia). El amor interesa desde el más puro (Dafnis y Cloe) hasta el más aberrante (Hermafrodita). · Gusto por la imperfección: viejos, niños, defectos físicos, etc. · Interés de algunas escuelas por la anatomía (Atenas, Peloponeso...); cada músculo se delimita y, al colocarlo en tensión, produce intensos claroscuros; además, bajo la piel laten músculos y venas. · El retrato varía entre el que da importancia a lo sobrio y sincero (Demóstenes) hasta el que valora lo anecdótico y caricaturesco (Diógenes) pero ambos de gran realismo (Escuela Ática). · Aparece como tema nuevo la alegoría p.ej. El Nilo. · El relieve llega a emplear la perspectiva en los fondos para dar profundidad (= pintura) y los grupos escultóricos, formados por figuras en perfecta relación, a veces se mueven sobre plataformas paisajísticas. · Las grandes individualidades desaparecen; se trabaja en equipo (escuelas). La datación es muy dificultosa. Esta escultura es la que conocen y copian los romanos, dificultando distinguir original y copia. · Abundan los museos y colecciones particulares que intentan hacer colecciones completas y sistemáticas del arte griego, fin con el que hacen innumerables copias que son las que han llegado a nosotros. · Dispersión: varios focos. Más abajo estudiaremos los más importantes. Elementos fundamentales son las ciudades, que crean o amplían los príncipes helenísticos como propaganda de sus cortes y que llevan el nombre de sus fundadores: los antiguos generales de Alejandro que se repartieron su inmenso imperio. Su trazado es hipodámico (la primera muestra es el puerto de El Pireo en época de Pericles), es decir, ortogonal; en el centro se halla el ágora o amplia plaza con soportales o stoas en sus lados. La influencia oriental, tendente al monumentalismo y la grandiosidad, rompe muchas veces con el ideal clásico de armonía y proporción en los edificios que adornaban estas ciudades: públicos, privados, religiosos, civiles (santuarios, mercados, palacios, teatros, mausoleos como el de Halicarnazo, etc.). En algunas zonas portuarias levantaron obras colosales, como el Coloso de Rodas o el Faro de Alejandría. Asimismo, podemos hallar edificios de varias plantas, precursores de las insulae romanas, con columnas gigantes (ya estudiaremos el orden gigante en el Renacimiento) y órdenes superpuestos. 11 ARTE GRIEGO Atenas y Peloponeso.- Los más tradicionales; se continúan los caminos del siglo IV. Podemos destacar El boxeador (Apolonio, 1ª ½ s. I aC) y el tan admirado por Miguel Angel Torso de Belvedere, del mismo autor. La Venus de Milo4. El niño de la espina donde se mezcla lo arcaico del peinado y el naturalismo de la composición (Lisipo), lo intrascendente y anecdótico. Cultiva el retrato, como queda dicho arriba. La Escuela Neoática, integrada por discípulos de las grandes figuras del siglo IV, se dedican a copiar e interpretar los modelos de los ss.V y IV Rodas.- El Coloso (obra de Cares de Lindos, representa a dios Helios en un bronce de 32 m situado en la entrada del puerto). El Toro Farnesio5. La Victoria de Samotracia6. El Laoconte7 culmina el pathos de Scopas por su ultrarrealismo en la representación del dolor humano. Pérgamo.- Temas alusivos a las victorias sobre gálatas y celtas que intentaron conquistar Asia Menor; destaca el Galo Ludovisi8. El Altar de Zeus y Atenea 9 es una obra sublime. Sin embargo, Hermafrodita defendiéndose de los sátiros sorprende por su mal gusto. Antioquía.- Escuela imprecisa a la que se asignan esculturas sin demasiada seguridad: Dafnis y Cloe, Venus Calipigia (125 aC), Sátiro Barberini (perfecta plasmación del sueño pesado y en el que los problemas de estabilidad desaparecen al extenderse el personaje ebrio sobre un asiento irregular de rocas). Alejandría.- Arraiga el sfumato praxiteliano. Se crean los relieves pictóricos más importantes, El Nilo10. Otros temas aluden al teatro (éxito de las comedias de Menandro), a personajes del hampa, seres contrahechos y, en resumen, lo más ínfimo de la ciudad (naturalismo). Perteneciente a la Escuela de Atenas, debe su nombre a una de las islas Cicladas. Está basada en la charis praxiteliana, aunque también tiene influencia de la Venus de Cápua de Lisipo. Se data en torno a 125 a.C. 5 Obra de Apolonio de Tralles y Taurisco. Su tema está extraído de una tragedia de Eurípides y es el castigo de Dirce por las torturas a las que sometió a Antíope, madre de los vengadores. Aparecen trozos de paisaje como base lo que le convierte en un relieve pictórico. La composición es acertada pero adolece del dramatismo que exigiría el tema. Las figuras ofrecen magníficas torsiones. 6 Obra de Pitócritos de Rodas (h. 220-190 aC). Probable exvoto de Rodas tras una victoria; su merecidísima fama se debe al realismo minucioso de los pliegues agitados por el viento, pero también a su energía estructural: firmemente asentada en la proa de una nave en piedra, la figura estaba en un pequeño nicho rodeado de rocas y agua en un claro precedente de los que serán las futuras fuentes ornamentales 7 Obra de Agesandro, Atenodoro y Polidoro de h. 50 d.C. pero inspirada en otra obra rodia de ½ del s.II a.C. El tema está tomado del libro II de la Eneida y narra cómo dos grandes serpientes marinas mandadas por los dioses (Atenea, Apolo y Poseidón) dan muerte al sacerdote Laoconte y sus hijos, por haber sospechado de la estratagema del llamado caballo de Troya. Terrible patetismo ante el dolor propio y el de sus hijos. Poderosa musculatura en tensión que provoca acusado claroscuro. Apreciable diferencia en la factura del sacerdote y la de sus hijos que más que niños, como los describe la Eneida, parecen pigmeos. Ordenación en un plano como consecuencia del gusto de los últimos tiempos helenísticos por el punto de vista frontal. Fue descubierta en 1506 en el Palacio de Tito, donde había dejado dicho Plinio. Ejerció una fuerte influencia en Miguel Ángel, que lo restauró, en Bernini y en la iconografía de los mártires cristianos, tan del gusto de la época barroca. 8 Obra de Epígono. El tema se refiere a un galo o gálata que ha matado a su esposa para evitarle la esclavitud, disponiéndose él a poner fin a su vida mientras lanza una mirada desafiante a sus enemigos. Este grupo escultórico se hallaba originalmente rodeado de otros galos heridos o muertos. Algunos tiene perfil triangular y muestran gran precisión étnica así como grandes muestras de heroísmo, con lo que se magnifica la victoria de Atalo I sobre ellos. 9 Realizado entre 180 y 160 aC, actualmente se halla en el Museo de los Estados de Berlín. Es el mayor altar con friso de la Antigüedad y se encontraba situado en un podio casi cuadrado, abierto por una escalinata, y rodeado de columnas al igual que las plazas de entonces (stoas). El friso primero tiene unas dimensiones de 120 x 2,30 m y como asunto la Gigantomaquia: lucha telúrica entre el caos, representado por los Gigantes (quienes muestran una novedad iconográfica: pies de serpiente) y la razón simbolizada por el Olimpo. Fuerte influencia de Scopas (ritmo serpenteante, miradas visionarias y bocas anhelantes), consta de escenas muy bien organizadas en las que colaboraron muchos artistas sin que ello reste nada de su valor. El friso segundo tiene 79 x 1,57 y narra la leyenda del fundador de la ciudad: Télefo; está situado en la galería interior. Rehuye toda grandilocuencia con sus detalles realistas. Los paisajes están dotados de perspectiva (pictoricismo). Digamos, por último, que poseía acróteras de gran calidad. 10 Magnífico exponente del paisaje antropomórfico y alegórico griego. Representa a un anciano apoyado sobre una esfinge y el cuerno de la abundancia, y a 16 niños que se le suben , representando los 16 codos ( 1 codo = 57,4 cm ) que asciende el río en su crecida anual. En los relieves se muestra la flora y la fauna. 12 4 ARTE GRIEGO LA ESCULTURA IBÉRICA. La cultura ibérica abarca un conjunto de pueblos, con una lengua y otros rasgos comunes, que se extiende entre el Languedoc francés, por todo el Levante español hasta Andalucía. Parte de este territorio estuvo bajo la influencia tartesia hasta que decae en el s.VI aC, y son los griegos los que comienzan a fundar colonias comerciales en su ámbito. Sus textos epigráficos aún no han sido transcritos, por lo que nuestro conocimiento sobre ellos procede de referencias grecolatinas. Su aportación artística reside en su peculiar estilo escultórico. En los mejores ejemplos está presente la influencia griega, en concreto la perteneciente a un periodo de principios del s.VI aC llamado “geométrico” o “severo” lo que explica que el conjunto escultórico de Porcuna (Jaén), que procedía quizás del mausoleo de un personaje de la aristocracia militar, guarde un cierto parecido con las figuras del frontón del tempo de la diosa Afaia en Egina. En este lugar y en Osuna (Sevilla) se aprecia a la aristocracia militar combatiendo contra animales u otros hombres, portando la falcata (espada) y protegidos por corazas de disco. Las “damas” de Elche y Baza son probablemente diosas del mundo de ultratumba, que comparten policromía, piedra caliza, ricos aderezos y tocados (lo que tal vez sea muestra de la importancia social de la mujer en aquella sociedad) concavidad dorsal para guardar cenizas funerarias, frontalidad, etc. Veamos las más importantes: La Dama de Elche fue hallada en 1897 recibiendo el nombre de la “Reina Mora”, al poco tiempo pasó al Museo de Louvre donde se expuso como una de sus piezas principales, y regresó a España en 1941. El complicado atuendo de la cabeza y las joyas serían de influencia fenicia, los rasgos del rostro son helénicos, pero la expresión honda y la cofia son ibéricas. Se discute si fue de cuerpo entero. La Dama de Baza, sedente, fue descubierta el año 1971 y por sus rasgos más individualizados podría ser el retrato de una dama importante. Conserva la policromía en bastante buen estado. La Gran Dama Oferente del Cerro de los Santos (Albacete), de cuerpo completo y de tamaño poco menor que el natural, se muestra erguida. Los pliegues del manto en zig-zag son de influencia arcaica griega pero el tocado pudiera tener ascendencia egipcia por intermediación de los cartagineses. La posición es de rígida frontalidad y en su rostro aparece la característica seriedad del arte ibérico. En las manos sostiene un vaso oferente No consta que tuvieran templos pues solían adorar a sus dioses en emplazamientos donde la naturaleza mostraba su poder (Despeñaperros p.ej.). 13 ARTE GRIEGO En los recintos sagrados de estos lugares se ha encontrado el grueso de se escultura: los exvotos. Son figuras orantes, guerreros, jinetes, partes del cuerpo y hasta animales que los fieles depositaban para pedir beneficios a los dioses. El conjunto más importante es el del Cerro de los Santos con centenares de estatuillas de piedra y bronce, ofrecidas por los grupos sociales inferiores, en su mayor parte hieráticas, esquemáticas, con proporciones poco cuidadas pero muy expresivas. Capítulo igualmente importante lo componen los animales: leones, toros, lobos, caballos, carneros además de seres fantásticos como esfinges o grifos de tradición oriental. Actúan como protectores de tumbas, poblados o, tal vez, como objetos de culto. Destaca la “bicha” de Balazote (Albacete) con cabeza humana y cuerpo de toro que representa al dios-río Aqueloo11 de la Magna Grecia. 11 Es el mayor de los tres mil hijos de Oceanos y Tetis. Es un dios río que tiene su nacimiento en el cielo, según Homero. Como deidad de las aguas podía transformarse en serpiente, toro y en todo cuanto quisiera. Luchó contra Heracles por la posesión de Dejanira y perdió uno de sus cuernos en la lucha. Logró su devolución entregando a cambio el cuerno de Amaltea que estaba en su poder. Ovidio dice en cambio, que fue el propio cuerno de Aqueloo el que recogido por las ninfas, y llenado de flores y frutos dio origen al cuerno de la abundancia. Aqueloo para ocultar su desgracia, se replegó bajo sus aguas y disimuló la falta de su cuerno adornando su cabeza con hojas de sauce y rosas. Hoy se llama al río que antes era el Aqueloo, río Megdora la parte superior y Astropótamos la inferior. 14