objeto artístico

UNIVERSIDAD NACIONAL DE CUYO
FACULTAD DE ARTES Y DISEÑO
CARRERA ARTES PLÁSTICAS
MONOGRAFÍA
ADSCRIPCIÓN
Cátedra VISIÓN I
OBJETO ARTÍSTICO
Alumna: Silvana Puccio
Profesoras: Lelia Roco
Cristina Bañeros
Año: 2.009
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OBJETO ARTÍSTICO
INTRODUCCIÓN
El objeto artístico plantea una novedosa visión e instala una nueva
problemática que nos lleva a reflexionar acerca del concepto de arte, artista y
obra de arte.
Para ello se utilizan elementos de uso cotidiano, generalmente provenientes de
la sociedad de consumo, producidos industrialmente, que al ser presentados
dentro del espacio tridimensional, en un museo, fuera de su contexto habitual
adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte.
En cuanto a la obra de arte, aquí ya no se representa, no hay una copia fiel de
la naturaleza tampoco encontramos el artista genio y habilidoso manualmente.
Se trabaja con la idea, con lo que se quiere decir, recurriendo a objetos que ya
están cargados con un significado, por ser conocidos.
De acuerdo al interés del artista, a lo que quiera transmitir se hará énfasis en
algún aspecto que le interese remarcar.
Varios artistas han trabajado con éste tipo de tendencias con intenciones
distintas, siendo pionero Marcel Duchamp.
La ironía, el azar, la guerra, la política, la religión, la ética, son algunas de las
temáticas abordadas desde la gestación de ésta tendencia .
Desde las vanguardias de principios de siglo XX
cuestionamiento del arte
tradicional
se comienza con
el
y académico, se investigan y
experimentan con otras propuestas, y en ésta búsqueda va modificándose de
alguna manera el interés. Si bien éste tipo de tendencias utiliza diversos
objetos, no es solamente por las cualidades formales que posean sino más
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bien por sus cualidades evocativas, denotando y connotando distintos
aspectos, el objeto es utilizado como un medio para expresar conceptos.
Para eso, el objeto, proveniente de las más diversas funciones, es incorporado
a las producciones artísticas, como un elemento real que se contrapone al
ilusionismo de la imagen visual bidimensional, en donde se juega o se trabaja
con los distintos grados de iconicidad que poseen los objetos.
En Argentina también se introducen éste tipo de prácticas a partir de fines del
cincuenta y principios del sesenta, artistas como León Ferrari, Víctor Grippo,
,solo por nombrar algunos utilizan objetos en ciertas obras pero con un sentido
diferente, de acuerdo a sus intenciones o intereses, ya sean éstos expresivos,
comunicativos ,interrogativos, políticos ,éticos ,religiosos, estéticos , artísticos,
etc.
También artistas contemporáneas argentinas
como Nicola Constantino
trabajan con objetos pero con una intención distinta lindando el arte conceptual
Éste tipo de obra plantea otro tipo de abordaje para su análisis ya que para
profundizar en ellas o al menos entenderla debemos considerar sus
vinculaciones con la idea, desde distintos niveles de comprensión.
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APROXIMACIÓN A LA DEFINICIÓN DE OBJETO ARTÍSTICO
Podríamos decir que el objeto artístico es una obra tridimensional, que se
presenta en el espacio con una intención estética, en donde un objeto o un
elemento funciona como disparador de posibles significados.
No hay representación o reproducción de objetos, de esta forma, se utilizan
objetos de la vida cotidiana, que sacándolos
de su
propio contexto y
presentándolos en un nuevo contexto como el museo, adquieren cierto estatus
como obra de arte.
También suelen emplearse elementos ya usados o consumidos (basura
derivada de la sociedad de consumo), que pueden ser incluidos sin
modificación alguna (objeto encontrado), o modificarse estéticamente y
adaptarse artísticamente.
El arte objetual, hace referencia al objeto mismo; presentado como tal en el
espacio; en donde pierde su sentido único para explorar su riqueza significativa
mediante una nueva propuesta visual desarrollada en la tridimensión.
El objeto artístico como signo tanto icónico como plástico ,esta concebido para
hacernos reflexionar, pensar, indagar, cuestionar y ampliar de alguna manera
conceptos acerca de lo que es el arte, el artista y la obra de arte en sí, y sin
embargo aparece ante nuestros ojos como un objeto cotidiano, generalmente
conocido, que cambia su función utilitaria por artística
Comparte la misma dimensión espacial que la escultura pero al haber perdido
la lógica del monumento no lleva pedestal y se puede instalar en cualquier
parte
El proceso creativo consiste en la selección y combinación de objetos cuya
finalidad puede ser la aproximación a la realidad como también la creación de
nuevas asociaciones. Los objetos pueden ser ejemplares únicos o ser una
reproducción.
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ALGUNAS DIFERENCIAS ENTRE EL OBJETO ARTISTICO Y EL
OBJETO DE DISEÑO
Al objeto artístico podríamos diferenciarlo del objeto de diseño porque éste
último está vinculado con la producción industrial, en serie ,para el consumo
masivo .está vinculado con el uso cotidiano cumpliendo una función utilitaria
específica, está hecho para algo, para ser usado, respondiendo
a una
necesidad.
En cambio el objeto artístico, es un objeto hecho industrialmente, que no
cumple una función en cuanto a uso , sino que tiene otro tipo de función ,más
bien artística ,reflexiva, ideológica, nos hace pensar ,nos transmite una idea, un
concepto ,dejando atrás los convencionalismos propios de la prácticas
académicas .
Ésta
tendencia abandona la representación, de la realidad objetiva
sustituyéndola por la presentación de la propia realidad objetual.
Partes de máquinas, muebles, ropas, telas, cartones, y otros elementos de uso
común son empleados para expresar ideas, conceptos
De alguna manera se le otorga valores artístico-estéticos a objetos que
despojados de su utilidad, se elevan a la categoría de arte.
El objeto artístico es una obra realizada mediante el montaje de elementos
cotidianos vinculados para expresar una idea.
Se propone acortar la distancia entre arte y vida ampliando el concepto de arte
y .proponiendo “todo es arte “
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POSIBILIDADES SIGNIFICATIVAS DEL ARTE OBJETUAL
Ésta tendencia se sustenta en las posibilidades evocativas y significativas que
tienen los objetos, remitiéndonos
a
la memoria para establecer diversas
relaciones , nos interroga de alguna manera ,nos sumerge en la búsqueda del
sentido, de la idea ,más allá del objeto ,pero sustentada en él.
El objeto como signo icónico y plástico denota y connota, según el grado de
iconicidad que posea ,y el tratamiento plástico dado, podrán identificarse
distintas relaciones entre la obra y su contexto.
En la mayoría de las obras se trabaja con un alto grado de iconicidad ,ya que
se presentan objetos tal cual los conocemos pero con un sentido distinto según
la voluntad del artista.
A partir de la década del sesenta las artes plásticas dan un giro importante
abandonando las poéticas de índole romántico-idealistas e incide sobretodo: la
tendencia sintáctico-formal por una parte, la semántica-pragmática por otra,
donde se presta menos atención a la sintáctica de las formas. Se enfatiza la
idea, el concepto por sobre el objeto, pero apoyándose en él, utilizándolo como
un medio de expresión.
Ambas
alternativas,
objeto
y
concepto
sobrepasan
las
fronteras
institucionalizadas de los géneros artísticos heredados de la tradición
académica.
Si en el arte académico tradicional predominaba el objeto sobre la teoría, en el
modelo sintáctico-semántico, desde la abstracción, se da un equilibrio hasta
pasar a situaciones límite donde prevalece el concepto, la idea, la teoría es
más importante que el objeto (arte conceptual). Tan necesario como percibir la
obra concreta es actualizar los conceptos teóricos anteriores a la misma, sus
presupuestos productivos y receptivos.
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Por otra parte la apropiación de la realidad como elemento artístico se realiza
con todas las cargas de significantes del fragmento declarado arte. La
hostilidad al objeto artístico tradicional, la extensión del campo del arte, la
desestetización de lo estético, la nueva sensibilidad en sus diferentes
modalidades, se insertan en la dialéctica entre los objetos y los sentidos
subjetivos,connotados ,en la producción no solo de un objeto para el sujeto
sino también de un sujeto para el objeto, que éste preparado perceptual y
sensitivamente para asimilar con mayor riqueza, el encuentro y la experiencia
con la obra.
Las vanguardias del siglo XX provocan cambios en las prácticas artísticas
tradicionales y artistas como Picasso, Tatlin, se iniciaron en experiencias de
éste tipo, pero se considera que M.Duchamp dio el paso decisivo hacia el arte
tanto objetual como conceptual.
Para él este gesto era una provocación artística contra el concepto y objeto del
arte burgués. Y éste gesto de provocación es considerado como arte. Con ello
crea una metamorfosis entre lo real y su apropiación por su creador. Es el
pionero del arte objetual y del arte conceptual. Sostiene al mismo tiempo el
polo físico de la permanencia y el mental de la elección y metamorfosis
significativa.
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REFLEXIONES ACERCA DEL CONCEPTO DE ARTE ,ARTISTA,Y
OBRA DE ARTE
Distintas tendencias vanguardistas y contemporáneas: assamblege, ambientes,
fluxus etc., buscan un impacto social, por un lado quieren salirse del
mercantilismo existente en el arte y en la sociedad, por otro no se conforman
en que el arte no es sólo caballete sino que cualquier objeto cotidiano, real
puede ser objeto de arte, incluso los sujetos, situados de manera casual en un
ambiente forman parte de ese arte.
El arte objetual intenta que el sujeto no sólo sea espectador, sea parte de la
obra, partícipe y, se aleje de los convencionalismos, para ello utiliza todo
aquello que la vida, la naturaleza nos ofrece.
El arte conceptual es aquel donde el concepto prima sobre el objeto. Sus
tendencias son tantas como las hay en el objetual: desde aquellas que eliminan
totalmente el objeto haciendo del arte pura teoría, como el conceptual
lingüístico y tautológico el arte como idea, a aquel que sólo pretende desplazar
la atención sobre el objeto hacia el concepto, el proyecto donde el receptor no
sea tan pasivo y participe más activamente en la obra de arte. Se trata de
procesos de autorreflexión, una autorreflexión crítica, constructiva frente a los
sistemas sociales instaurados. Hacer despertar al receptor de su letargo, de su
pasividad frente a la vida involucrándose en los procesos de cambio.
El arte tanto objetual como conceptual intentan una emancipación de la
práctica social actual, que no se acepte la realidad tal y como se nos presenta,
sino que se participe de ella, se altere, en una palabra hacer que el arte sea
igual a vida.
Se cuestionan distintos conceptos, primero que es arte ,qué es una obra de
arte y el concepto de artista
con el envío de la obra Fuente (bajo el
pseudónimo de R.Mutt) y declarándola obra de arte propia por el mero hecho
de haberla elegido y haberla predispuesto para ser un pensamiento nuevo,
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según las propias palabras de Duchamo. Esta acción supone en primer lugar la
aproximación del arte a la realidad, es decir formula la fusión arte = vida. Y en
segundo lugar libera a los objetos de sus fines de utilidad y consumo
recuperando su apariencia formal proclamando el principio de cualquier cosa
puede ser motivo de una articulación artística, cualquier objeto puede ser una
obra de arte.
“Fuente” de Marcel Duchamp (1.917).es una de las obras mas representativas del arte
moderno.el artista francés la firmó con el seudónimo R.Mutt
Para Duchamp se debe llegar a una especie de indiferencia tal que uno no
posea emoción estética. La elección de los ready-mades está siempre basada
en la indiferencia, así como en una carencia total de buen o mal gusto
Ready-made (listo y hecho): es una palabra inglesa que en una traducción no
literal, pero bastante aceptada, se conoce como "lo ya visto", y que deriva en el
"objeto encontrado" del surrealismo.
Designa objetos del entorno, carentes de valor artístico en si mismos, pero que
al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto,
cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido
de objetos artísticos.
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Objet trouvé (objeto encontrado): describe la obra creada a partir del uso no
disfrazado, pero a menudo modificado, de objetos que normalmente no se
consideran artículos, y que con frecuencia ya tienen una función mundana y
utilitaria.
En el Objet trouvé el surrealismo continua la tradición antiburguesa y
antiartística del dadaísmo. Es más importante la transformación del espíritu, la
provocación constante que la obra de arte.
Proviene de un acto practicado por primera vez por Marcel Duchamp, en 1915,
y consiste en titular "artísticamente" objetos producidos industrialmente, con
una mínima o ninguna intervención, declarándolos de esta manera "obras de
arte", porque según Duchamp, "arte es lo que se denomina arte" y por lo tanto,
cualquier
cosa
puede
ser
arte.
Los primeros ready made fueron una rueda de bicicleta, y un urinario, aún más
famoso que el anterior, que Duchamp tituló como Fontaine y firmó con
seudónimo, provocando revuelos en la crítica, ya que este tipo de actos plantea
todo un problema semántico, cuestionando las categorías estéticas que
determinan qué es arte y qué no lo es.
Esta clase de arte como otros más tecnológico o urbanos tiende a concientizar
al espectador de la situación estética, social o ambiental de las cosas y
provocar reflexiones y posiciones críticas ante ella. También comparte con otra
tendencias el aprovechar cualquier ambiente o situación, cualquier objeto, por
insignificante que parezca, puede provocar la sensibilidad del espectador y
hacer ver que el arte no tiene porque seguir los cánones tradicionales para ser
arte.
No hay un orden establecido, es el azar el que hace que varios objetos se
relacionen, se encuentren y emerja algo que impacta en el espíritu del artista y
lo considere su obra. Esta obra aparece por casualidad, nunca en el sujeto, en
el artista no ha habido un fin preconcebido, la obra ha surgido del azar, en el
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momento que la unión o dispersión de objetos ha ocasionado el impacto
espiritual del sujeto.
Se convierte en algo encontrado y cambiado por casualidad en una elección
promovida por estructuras psíquicas impulsoras de vivencias. Este retorno
surrealista al azar implica una aproximación a la realidad y a la vida vivencial.
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BREVE RESEÑA HISTÓRICA
DADAÍSMO Y SURREALISMO
Entre 1.912 y 1.924 se experimentaron distintas técnicas relacionadas con el
collage, se exploran tanto las cualidades estéticas como expresivas ,en objetos
desprovistos hasta entonces de ellas , Picasso incursiona con el arte objetual
de los Ready-made dadaístas y el objet trouvé surrealista.
La palabra y la cosa son invenciones de Duchamp, habiendo la cosa precedido
a la palabra en dos años: el primer objeto completamente hecho, la rueda de
bicicleta, fue montado en París en 1913 (“simplemente una distracción”, dirá),
mientras que la expresión “ready-made” no se impuso en él sino hasta 1915, en
Nueva York. En el intervalo, había producido varios ready-made: Farmacia,
cromo muy ligeramente modificado, adquirido en un negocio de accesorios
para artistas; Portabotellas, adquirido en el Bazar del Hôtel de Ville, con una
inscripción agregada de la que no se podrá acordar cuando el objeto se perdió
en el transcurso de una mudanza; finalmente, la pala para la nieve, intitulada In
Advance of the broken Arm. Manifestación perfecta del no-arte, según el
mismo, “basada en la indiferencia visual, al mismo tiempo en ausencia total del
buen o mal gusto
El artista francés fue el precursor de este concepto artístico., cualquier objeto
puede ser una obra de arte, siempre y cuando se le desvincule de su entorno
natural, se le dote de un nuevo punto de vista presentándolos en un nuevo
contexto denominado artístico. Lo importante, según él, es la idea.
El primer ejemplo que creó Duchamp como ready-made fue 'Rueda de
bicicleta', en 1913. Pero fue su conocida 'Fontaine' la que revolucionó el
panorama artístico al ser rechazada por un jurado de una exposición
independiente en Nueva York. La pieza en sí, un urinario de cerámica blanco,
firmado bajo el seudónimo de R. Mutt, fue presentada en secreto por el mismo
Duchamp, parte del jurado de la muestra, quien puso el grito en el cielo al ver
rechazada la obra por el resto del grupo de expertos.
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Un conjunto de objetos diferentes pero unidos por una misma intención:
provocar.
El Dadaísmo fue un movimiento artístico que se inició casi al final de la I Guerra
Mundial. Se podría decir que era una respuesta a la barbarie producida por la
Guerra, que provocó una subversión de los valores de la época.: antes de la
Guerra, se consideraba que la civilización occidental simbolizaba el progreso,
Tras los millones de muertos que dejó el conflicto, la gente pensó que eso del
progreso era una mentira y empezó a cuestionarse la realidad en la que vivían.
El dadaísmo ironiza la sociedad que se suponía que era la mejor..
Este arte o anti-arte transmite muchas cosas: cambio, intransigencia,
independencia, creatividad...
Duchamp, Rueda de Bicicleta, ready-made,1913
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Marcel Duchamp, Portabotellas perdido, ready-made,1914
Marcel Duchamp,Un ruido secreto, ready-made,1916
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Marcel Duchamp, ¿Por qué no estornudar, ready-made,1921
“ La totalidad del mundo del arte ha alcanzado un nivel tan bajo, ha sido
comercializado hasta un grado tal, que el arte y todo lo que tenga que ver con
él se ha convertido en una de las actividades más triviales de nuestro tiempo.
El arte en estos tiempos se ha hundido hasta uno de sus más bajos niveles en
la historia, seguramente incluso inferior al de finales del XVIII, cuando ya no
había gran arte, sino pura frivolidad. En el siglo XX el arte está jugando un
papel de puro entretenimiento, como si viviéramos una época diver-tida,
ignorando todas las guerras que experimentamos como parte de lo que
somos”. (Conversaciones con Marcel Duchamp, CABANNE, Pierre Ed.
Anagrama,
Barcelona,1.972)
El fin último del dadaísta francés no era otro que el de estimular una reacción,
un pensamiento en el observador. Su esfuerzo creador no iba dirigido a
producir obras, sino a crear un nuevo estilo de arte que rompiese con la
tradición artística.
Sin embargo, no todos los entendidos comprendieron y aceptaron este
pensamiento. Elevar a la categoría de obra una pieza creada en serie fue, y es
hoy en día para muchos, una aberración. No obstante, para otros
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contemporáneos de Marcel, el trasgresor concepto caló hondo, dando paso a
otros estilos
El movimiento dadaísta es
antiartístico, antiliterario y antipoético ya que
cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía. Por definición,
cuestionan el propio dadaísmo.
Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los
principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento,
contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.
Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad,
lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la
contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no;
defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por
tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en
última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto
de serlo. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del
consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación.
Para dadá la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben
ser abolidas.
La expansión del mensaje dadá fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en
todos los campos artísticos. En Alemania encontró adeptos entre los
intelectuales y artistas. En Francia ganó las simpatías de escritores como
Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.
El
aporte
permanente
del
dadaísmo
al
arte
contemporáneo
es
el
cuestionamiento continuo de qué sea el arte o qué sea la poesía; la conciencia
de que todo es una convención que puede ser cuestionada que por tanto no
hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran
parte de lo que el arte actual tiene de provocación viene de dadá, la mezcla de
géneros y materias propia del collage también deben mucho a dadá.
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Man Ray En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920,
con K. Dreier y M. Duchamp. Dos años después se instala en París hasta 1940,
y allí centraliza el Dadá parisino.
Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes
fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos
expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también
retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la
cu
Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía
Hace objetos dadaístas como Object to dead be Destroyed de 1923, un
metrónomo con la fotografía de un ojo agarrada a la aguja.
Man Ray, Indestructible Object ( o Object to Be Destroyed), 1964 (replica of 1923 original).
En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y
Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y
humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas,
objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.
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Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo
irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. “La búsqueda
de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte”, dirá.
Objetos despojados de su función utilitaria, que a veces se vuelven agresivos,
como en Cadeau o en Objeto indestructible; El objeto abandona su olvido
doméstico para pasar a una nueva existencia.
Lo importante para Man Ray era la creación, “estaba convencido de que
sentarse frente a un tema era un impedimento para realizar una obra realmente
creativa.”Dejaría de inspirarme en la naturaleza y me inclinaría prioritariamente
hacia los objetos fabricados por el hombre…”
La plancha, el acto de planchar, la mujer, lo erótico, el sufrimiento-dolor, el
trabajo. Todos estos elementos aparecen en esta obra de Man Ray.
Man Ray (1890-1976) ,Cadeau, 1921, ready-made
Meret Oppenheim, artista suizo – alemana. Presentada al grupo de los
surrealistas parisinos por Giacometti y Arp hacia 1932, es durante algún tiempo
modelo de Man Ray. Hacia 1936 se da a conocer por una obra con tintes de
surrealismo que huye de lo normal, proponiendo otras en las que el juego y la
libertad son notas dominantes: se trata de objetos cotidianos hechos de piel,
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cuero, etc., con títulos tan sugerentes como Comida en piel (MOMA, Nueva
York, 1936) o Taza de té en piel (1936)
Meret Oppenheim. Object (Le Dejeuner en Fourrure)1936.
Taza, platillo y cuchara recubiertos de piel, altura 7 cm.
En 1936 participa en la exposición "Arte Fantástico, Dadaísmo, Surrealismo"
en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su obra Déjeuner en Fourrure
causó sensación y fue adquirida por el Museo de Arte Moderno.
En 1942 participa en la exposición "Primeros papeles del Surrealismo" en
Nueva York.
En 1958 se inicia en la escultura. Al año siguiente, en una exposición
internacional de surrealismo celebrada en París muestra su famosa obra
Festmahl (Banquete), sobre el cuerpo de una mujer desnuda con la cara
dorada. Es una de las artistas más importante del movimiento surrealista,
cuyas ideas transforma en arte con un estilo ingenioso y dadaísta.
Se integrada en el grupo de poetas, pensadores y artistas surrealistas y
dadaístas y consiguió traducir en arte objetual las concepciones teóricas de los
surrealistas.
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En su ensayo Crise de l'objet (Crisis del objeto), publicado poco después de la
exposición de objetos de la galería Ratton, André Bretón resumió el subversivo
cambio de funcionalidad de los objetos de uso y su transformación en
enigmas, que él proponía, hablando de “acosar el animal rabioso del uso”. La
idea de un extrañamiento de los objetos y de su consiguiente distanciamiento
de la realidad se realiza en Juego de desayuno de piel de una manera tal que
provoca el efecto absurdo y de sorpresa buscado por los surrealistas.
Como lo hizo con el título, en sus diversas referencias a la génesis de Juego
de desayuno de piel, el café no sólo significaba convivencia social y
continuación de la tradición bohemia, sino también la manera ideal de
conjurarse
y
de
trabajar
colectivamente.
Pocas obras de arte han estimulado tanto en los últimos años la fantasía
como el objeto surrealista de Meret Oppenheim, la taza envuelta en piel, el
platillo y la cuchara. Como la famosa metáfora de Lautréamont, el encuentro
de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección, y los
relojes blandos de Dalí,
La tensión y excitación que produjo este objeto en decenas de miles de
norteamericanos se tradujeron en ataques de rabia, carcajadas, hastío y
éxtasis.
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Mesa con patas de ave' (1939). Meret Oppenheim (1913–1985).
Bronce con parte superior de madera tallada y dorada. Colección particular.
«La libertad no se concede, uno tiene que tomársela.»
Meret Oppenheim
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ARTE OBJETUAL EN ARGENTINA
A fines de la década del cincuenta y principios del sesenta en Argentina se
comienza a experimentar con tendencias propuestas por las vanguardias
europeas de principios del siglo XX.
El Centro de Artes Visuales (1963-1969) del Instituto Di Tella fue una entidad
que modificó para siempre la percepción de los fenómenos artísticos en
Argentina. Su director -una de las máximas autoridades nacionales en materia
de arte, Jorge Romero Brest (1905-1989), fue responsable del centro
experimental que, con el tiempo, se convirtió no sólo en sinónimo de
vanguardia y polémica, sino en uno de los mitos más emblemáticos de los años
sesenta.
El Instituto fue creado con la misión de “promover el estudio y la investigación
de alto nivel, en cuanto atañe al desarrollo científico, cultural y artístico del país;
sin perder de vista el contexto latinoamericano donde está ubicada Argentina”.
Financiado por la Fundación y el apoyo de organismos nacionales y
extranjeros, la entidad cristalizaba sus actividades a través de diez centros de
investigación especializados en distintas temáticas, tales como: artes,
economía, ciencias sociales y urbanismo.
Al tiempo, “el Di Tella” se constituyó en un hito cultural, en un centro de
diseminación e investigación de ideas de avanzada, en un ambiente
genuinamente plural. Contribuyó a la formación de varias generaciones de
artistas, profesionales y académicos de destacada actuación nacional e
internacional, tales como: Marta Minujin y León Ferrari (arte), Gerardo Gandini
y Les Luthiers (música), Antonio Seguí (pintura), entre otros.
A fines de los años sesenta, por diversos motivos, se dificultó su continuidad y
varios centros debieron cerrar sus puertas. No obstante, el Instituto Torcuato Di
Tella
mantuvo
su
independencia
intelectual
y,
actualmente,
continúa
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produciendo conocimiento, a través de los centros de investigación en
economía y ciencias sociales.
“Civilización occidental y cristiana.”León FerrariPlástico, óleo y yeso. 200 x 120 x 60 cm.
Colección Alicia y León Ferrari
En 1.965 Ferrari presentó en el Premio Di Tella un monumental montaje de
objetos, que incluía un cristo de santería una réplica del avión norteamericano
FH107 que se utilizaba en ese momento en la guerra de Vietnam bajo el título
“Civilización occidental y cristiana”,hizo que tanto por el tema como por los
campos significativos confrontados y en conflicto a los que hacía referencia , no
llegó a ser expuesto por temor a herir susceptibilidades.
“La obra de León Ferrari no es un teorema que demuestra, ni una ilustración
que representa, ni un medio de difusión que informa y comunica. Más bien es
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una suerte de interferencia visual que establece una comunicación sin violencia
que habla de la violencia...” (Horacio Zabala, Íconos y artes, medios y armas,
mimeo inédito, 1999)
Víctor Grippo (1937-2001), tras interesarse por los códigos del arte
conceptual, dejó de lado la preocupación por la belleza para concentrarse en
las ideas, lo que le adentró definitivamente en el formato de la escultura y de la
instalación como medio para lograr hacer una síntesis entre el pensamiento
analítico que le otorgaba su formación científica y su pasión por las artes
plásticas. A pesar de que, al comenzar a trabajar en los años ‘60 se le
puede llegar a asociar al arte conceptual, lo cierto es que resulta difícil de
clasificar dentro de las categorías tradicionales. Su obra, forjadora de nuevos
paradigmas es extraña, poco convencional en cuanto a los materiales y medios
empleados (herramientas, mapas, transistores, dinero, macetas, semillas,
pelos, alimentos, botellas…). Probablemente sus obras no entren dentro del
campo de lo “estético”, sino que se anclan en el territorio de lo conceptual,
forzando al espectador a buscar en su conciencia y a pensar y reflexionar
acerca de las metáforas contenidas en sus trabajos
Tras interesarse por los códigos del arte conceptual, dejó de lado la
preocupación por la belleza para concentrarse en las ideas, lo que le adentró
definitivamente en el formato de la escultura y de la instalación como medio
para lograr hacer una síntesis entre el pensamiento analítico que le otorgaba
su formación científica y su pasión por las artes plásticas. A partir de este punto
hay dos ejes básicos sobre los que gira su obra:
•
La Alquimia: Uno de los principales motivos de su trabajo es la idea de
la transformación y sus procesos, en relación con la vida cotidiana, el
mundo del trabajo, el alimento y la energía, lo que le sirve para
reflexionar en torno a las condiciones sociales y espirituales de los
trabajadores y de los artistas. Esta idea proviene principalmente del
mundo de la alquimia entendida como pre-ciencia, a la que recurre para
construir el imaginario de su obra, en la que no faltan referencias a la
rosa, a la piedra filosofal, al plomo y a la transmutación de los
metales. en busca de una comprensión simbólica, supo adaptar la
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poética de la alquimia a sus obras. De este modo, de la misma manera
en la cual los alquimistas sufrían una transformación interna al intentar
transmutar la materia, el artista también se transforma en el proceso de
creación, o, en palabras de Pablo Picasso: “con cada obra el artista
mutila parte de su cuerpo”.
•
Preocupaciones sociales y políticas: Grippo no era un optimista sino
que más bien se identificaba con un espíritu anárquico: creía que el
poder se encontraba en cada individuo, en cada ser humano y en su
capacidad de conciencia, de trabajo, de acción y de contemplación y no
tenía ningún miedo en utilizar los términos utopía y metafísica. En este
sentido resulta esencial conocer el contexto histórico, social y cultural
existente en la segunda mitad de los años ‘60. Y es que en esa época
todo el mundo tenía la desagradable sensación de que el futuro ya había
llegado y que nada era como se esperaba, por lo que fruto de ese
desagrado surgieron por todo el mundo protestas antibélicas y revueltas
de estudiantes que reclamaban un nuevo inicio, una nueva oportunidad
para la humanidad. Como respuesta a esta nostalgia por el pasado,
Grippo introdujo en sus creaciones modelos y elementos orgánicos que
durante años habían estado lejísimos del arte de vanguardia. Lo
orgánico simbolizaba, de este modo, una crítica a la sociedad del
momento, una propuesta de modelo social y un intento de recuperación
de la inocencia perdida de la humanidad.
El conceptualismo de Grippo (rótulo que no alcanza para contener la variedad y
amplitud de su obra) se expresó a través de una producción en la que el artista
siempre concretó sus ideas en piezas de una gran sensibilidad y calidad
reflexiva.
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Serie VALIJAS (Años ‘70) Víctor,GRIPPO
En 1976 Grippo presenta en la Galería Artemúltiple la obra Algunos Oficios,
donde reúne elementos y herramientas vinculados al trabajo del albañil,
herrero, horticultor, carpintero y picapedrero que simbolizan el efecto
transformador que estas herramientas (y los profesionales que las usan)
pueden tener en diversos materiales. Ese mismo año realiza su primera
“valijita” denominada Valijita de un Marchand. Durante mucho tiempo el artista
elaboró la serie de valijas como homenaje a las distintas profesiones,
personajes y oficios (albañil, herrero, carpintero, panadero…). En ellas se
contienen las distintas herramientas, objetos e instrumentales empleados en
cada oficio, de modo que, por ejemplo, en su obra denominada Valijita de
Panadero
(Homenaje
a
Marcel
Duchamp)
hay
un
pan
carbonizado
(especialmente tratado para su conservación) y en la obra Valija del Crítico
Sagaz, la maleta contiene lentes y gotitas para agudizar la vista y la pluma.
Este formato será utilizado por el artista hasta fines de esta década, y
reelaborado en sus posteriores series de cajas.
En otras obras utiliza como materia prima esencial, la papa, alimento originario
de América que se extendió por toda Europa tras el Descubrimiento y Partiendo
de su simbología cultural, constituye un símbolo del alimento de la gente
sencilla del entorno rural donde creció Grippo. Resaltando que el fracaso de
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una cosecha puede tener graves repercusiones sociales y políticas en los
países pobres. El hecho de trabajar con materia orgánica permite a Grippo
incorporar a sus obras el elemento de la transformación, ya que las papas
mueren después de un tiempo, y el espectador contempla cómo su energía
vital va disminuyendo al arrugarse, reblandecerse y pudrirse hasta que se
sustituyen por otras papas nuevas.
“Analogía I”, 1970/1971. Víctor, GRIPPO Técnica/ Material: Madera, pintura, circuitos
eléctricos y papas Soporte:47,4 x 156 x 10,8 cm
"Tabla". Víctor,GRIPPO. 1978
Grippo realizó en 1978 una muestra en la Galería Arte múltiple donde presentó
Tabla, una mesa de madera sobre la que escribe con tinta y reproduce
fotográficamente dentro de un cajón un relato sobre sus posibles usos e
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historias anteriores. Al eliminar el papel, el artista -escritor crea lo que se podría
denominar el”poema-objeto”. Esta austera mesa sirve de testimonio de uno de
los sitios donde la gente se reúne y donde tienen lugar las verdaderas historias
de la vida al narrar su intrahistoria (reproducción literal de la inscripción en la
mesa).
Finalmente la última obra: "El tiempo del trabajo", una mezcladora
enchufada. Pura poesía de albañil.
Se trata de una evocación clara al constructor y al oficio de albañil (masonry)
que generó la Masonería, la fraternidad secreta nacida durante las largas
construcciones de las catedrales góticas. La mezcladora es un reloj del trabajo
obrero que marca sesenta revoluciones por hora. Las revoluciones obreras
pasaban a ser así un recuerdo convertido en dato estético mientras el trabajo
manual parece extinguirse en el imaginario social.
"El tiempo del trabajo". Víctor Grippo. 2001
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ARTE CONTEMPÓRANEO ARGENTINO
Nicola Constantino es una artista visual, nacida en la ciudad de Rosario en
Argentina en el año 1964, y en la actualidad es una de las artistas más
significativas del arte contemporáneo.
Se puede decir que sus obras más destacadas, parten de conceptos que se
originan de una critica a la sociedad, así como en algunos examina el
comportamiento de los seres humanos ante los placeres de la vida, y asocia
estos y los propone de una manera innovadora y a la vez satírica, como en
otros casos contrapone la vida y la muerte utilizando elementos que pueden
considerarse de significación necrófila. También hace crítica al consumismo.
Es muy interesante la manera en que ésta artista hace referencia a los defectos
del ser humano en algunas ocasiones, y lo representa de una manera bastante
cruda en sus obras, para captar así mayor atención en el público ya sea por la
controversia o por la reacción de repulsión que generan. Es importante esta
forma en que interpreta y abstrae la esencia de la sociedad de hoy en día, ya
que en la actualidad hay tanta inconsciencia y falta de criterio, ya sea por la
mala utilización de los medios masivos de comunicación, y la falta de
educación, como la influencia de muchos factores, que tal vez esta sea una
manera inteligente de llegarle a las personas.
El porqué se dice y se etiqueta a esta artista dentro del arte contemporáneo,
basta con echar un vistazo al concepto dado anteriormente, solo por el hecho
de romper con la forma tradicional de representar el arte y de mostrar una
visión, como también podemos reforzar ese porqué, con la búsqueda de la
influencia de que tienen algunas de la vanguardias sobre esta artista como lo
es el caso notable del arte conceptual, utilizando un objeto de la realidad, lo
plasma o lo copia, y lo re contextualiza, para darle así un nuevo significado, tal
es el caso de una de sus obras llamada “animal motion planet”.
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También en una de sus obras más conocidas “savon de corps” y la cual ha
creado mayor polémica, podemos notar la fuerte influencia de las vanguardias,
y lo que nos reafirma una vez más que esta artista pertenece al género de Arte
Contemporáneo, esta obra trata de una serie de jabones que están hechos a
base de grasa de una liposucción a la cual se somete la misma Nicola, esta
obra la produce con el fin de denunciar en cierta parte el consumismo, y de
contraponer a los receptores con la idea de vida y la muerte en relación de
“cuerpo-vida
Combina
y
jabón
el
(grasa
lenguaje
de
este
visual
con
cuerpo-muerte).
el
verbal
Nicola Costantino "Savon de corps"
Ha indagado en nuevas técnicas de producción, su trabajo con moldes de
silicona y matricería realizados en resina poliéster, le permitió alcanzar tanto
originalidad como veracidad en sus obras. Después de investigar sobre temas
relacionados con la comida, la carne y el cuerpo de los animales, comenzó a
experimentar replicando la piel humana con silicona y a adentrarse en el
mundo
de
la
moda.
Así, comenzó a confeccionar su colección Peletería con piel humana,
conformada por carteras, zapatos, vestidos, tapados de piel que también
incluyen pelo real en sus cuellos. Pero lo más llamativo de sus prendas no es
su textura (que simula nuestra piel) sino que cada uno de sus diseños incluyen
impresiones que emulan pezones y otras partes del cuerpo humano. Las
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piezas se exhiben en los grandes museos del mundo como el New Museum de
Nueva York, a pesar de que su autora haya alguna vez declarado que a ella le
encantaría
que
sus
productos
se
consuman
de
manera
corriente.
De la Serie “Peletería con Piel humana”2.003
Objeto (abrigo con tetillas masculinas en silicona y cabello natural)
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BIBLIOGRAFÍA
ANZORENA, Horacio .Arte y Naturaleza: el mensaje de las formas ;
Mendoza.,
Ediunc, 1997
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yapa. Semiótica de las artes visuales; Mendoza, Ediunc, 2005.
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32
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http://www.nicolacostantino.com.ar/savon_de_corps/esp/index.html
http://www.santiagoamon.net/videoteca.asp
www.mnba.org.ar/images_obras/8452.jpg
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TABLA DE CONTENIDOS
Contenidos
Pag.
1
Introducción
2
2
Aproximación a la definición del objeto artístico
4
3
Algunas diferencias entre el objeto artístico y el objeto de
5
diseño
4
Posibilidades expresivas y significativas del arte objetual
6
5
Reflexiones acerca del concepto de arte ,artista y obra de arte
8
6
Breve reseña histórica : Dadaísmo y surrealismo
12
7
Arte objetual en Argentina
22
8
Arte Contemporáneo Argentino
29
9
Bibliografía
32
10 Tabla de contenidos
34
34