PINTURA : ICONOGRAFÍA Y SIMBOLISMO

HISTORIA DEL ARTE GÓTICO
PINTURA : ICONOGRAFÍA Y
SIMBOLISMO
CAROLINA GILABERT SÁNCHEZ
UNIVERSIDAD PABLO DE OLAVIDE
Tomares, 19 Febrero 2014
Precedentes: Pintura románica
•  Para entender la pintura gótica debemos hacer
una breve introducción sobre el periodo artístico
anterior; en la pintura desarrollada en Europa
durante los siglos XI y XII, el arte románico.
•  Pero ¿de dónde procede este arte dramático e
ingenuo a un tiempo? Doble raíz: síntesis del
arte estático e hierático ascendiente en el
mosaico bizantino y de las miniaturas de los
códices mozárabes, con sus estilizaciones
dibujísticas, sus pliegues paralelos y sus rasgos
desorbitados.
Maiestas Domini.
Maestro de Tahull
Pintura románica
predominaba el uso de
la línea de contorno:
- Delimita las figuras
- Diferencia los planos
de colores
- Delimita el espacio
- Gusto ornamental por
los pliegues
- Iconografía religiosa:
Pantocrator solemne
rodeado de los
Evangelistas.
Características de la pintura
románica:
-  Dibujo grueso.
-  Color puro, sin mezclas, con
dos tonalidades a lo sumo.
-  Carencia de profundidad y
luz.
-  Composiciones
yuxtapuestas: preferencia
por las formas frontales y
por la eliminación de
cualquier forma que rompa
el plano.
-  El muro se prepara al fresco
de forma concienzuda.
-  Por tanto, una concepción
antinaturalista de la pintura.
Detalle ábside San Clemente de Tahull: Ofrece un conjunto
impresionante de figuras, en las que el Cristo en Majestad
destaca por la penetración de los ojos terribles.
Maiestas Mariae. Escenas de la vida de la Virgen María .
Maestro de Tahull (hoy en el Museo de Barcelona)
Vidrieras y Libros Ilustrados
•  Influjo de lo bizantino
•  Miniaturismo
•  Figuras naturalistas, de fuerte corporeidad y
volumen
•  Matización cromática y uso de línea de contorno
•  Cambio del soporte pictórico
Embalsamamiento de
Cristo y las tres Marías al
pie del sepulcro.
1265. Salterio Ingeburge
Transición
al GÓTICO PLENO
SIGLO XIII, COMIENZOS DEL S. XIV
PINTURA GÓTICA ITALIANA
•  Curiosamente es en la pintura donde mejor se
define el espíritu gótico italiano.
•  Se sigue dando importancia a la pintura mural,
al contrario que en el resto de Europa; al mismo
tiempo que el retablo adquiere importancia.
•  El cambio se lleva a cabo en tres núcleos
diferentes: Roma, Siena y Florencia.
Ubicación_ Pintura gótica en
Italia
Focos: Roma, Siena y Florencia
CARACTERÍSTICAS
•  Frente a la más primitiva pintura italiana
de influencia bizantina, preocupada por la
decoración y el dibujo plano, la pintura del
Trecento muestra un mayor interés por la
belleza naturalista y el juego de los
volúmenes. CAVALLINI constituye el
punto de partida de la nueva pintura, los
mosaicos de Santa Maria in Trastevere
reflejan el mayor naturalismo.
CIMABUE
Maestà. Iglesia de la Santa
Trinidad de Florencia.
Composición clara y
sencilla, de dibujo preciso
y formas generosas; que
posee además un
importante componente
bizantino.
En los primeros años del siglo XIV, la actividad pictórica se acelera y aparecen en
Toscana las dos escuelas de pintura que constituyen el antecedente directo del
Renacimiento, la florentina y la sienesa.
La escuela Florentina:
Tiene en Giotto su máximo representante; por su extraordinario y profético
lenguaje pictórico marca una auténtica revolución en la historia de la pintura.
Giotto rompe los convencionalismos del denominado estilo bizantino. Su técnica
y planteamiento artístico añade valores de modernidad estética en las artes
decorativas del periodo gótico.
Giotto di Bondone
-  Perteneciente a la escuela florentina
Innovación técnica:
-  Primer autor que firma sus obras.
-  Inaugura el sentido plástico de la pintura.
-  Coloca las figuras de espaldas para dar noción
de volumen.
-  Intuye la profundidad, aunque el fondo de sus
composiciones es un telón.
-  Valora el paisaje y el espacio, aunque la figura
es protagonista.
-  Representa personajes con miradas
penetrantes.
-  Utiliza colores simples y planos.
San Francisco predicando a
los pájaros. 1298. Giotto
Madonna di
Ognisantti, Galería
Uffizi. Giotto
- Clara influencia de la
Madonna de Cimabue. Misma
función y mismo tema.
- El trono no queda colgando
en el espacio.
- Figuras laterales quedan
relegadas. No superan la
altura de la cabeza del niño.
- La Virgen mira al espectador,
acercando su imagen al
espectador.
El prendimiento de Jesús de la Capilla Scrovegni de Padua .Giotto
Los sacerdotes expulsan del templo a San Joaquín por no tener descendencia.
1304-1306. Capilla Scrovegni de Padua. Giotto
Comparación de las dos Madonnas : Cimabue y Giotto
Escuela de Siena:
Destaca por su delicadeza y elegancia que sugiere una afinidad con el gótico del
estilo internacional; sintetiza el recuerdo del arte de Bizancio, por un lado, y el nuevo
lenguaje propuesto por el genio artístico del Giotto, por otro.
La belleza de las líneas, la proliferación de las figuras y temas diversos que
complican enormemente la composición y el carácter decorativo del color
constituyen sus principales características. Sus máximos exponentes serán
Duccio di Buonisegna y Ambrogio
Lorenzetti.
Duccio di Bouninsegna
-  Trabajó en la ciudad de Siena, si bien su
papel no resultó definitivo
-  Realizó obras muy cercanas a lo bizantino
-  Destaca por su sensibilidad cromática
Duccio di Buonnisegna: La Majestad, 1308.
Puede considerarse a este pintor con esta pintura de la
Virgen en Majestad, como el creador de la escuela
sienesa.
Ambrogio Lorenzetti
•  Junto a su hermano, importante representante de la
pintura sienesa.
•  Muestra el movimiento, la vida, el sentimiento y el ritmo
de manera segura.
•  Autor de diversas vírgenes de gran éxito.
•  Conocido por el ciclo cívico encargado por el Común de
Siena, donde al fresco, representa simbólicamente al
buen y el mal gobierno, con sus respectivas
consecuencias sobre la ciudad.
Efectos del buen gobierno. Lorenzetti
SIMONE MARTINI
•  Principal exponente de la pintura sienesa
•  Gran preciosista, delicado y refinado.
•  Muestra un claro gusto por las caras ovaladas y los ojos diminutos.
•  El color se torna preciosista y decorativo
•  Encarnación del espíritu femenino.
•  Mantiene el gusto por lo bizantino.
•  Acumulación de figuras y elementos anecdóticos.
Maestá. 1315-1316.Palazzo Pubblico
Siena. Simone Martini.
Retrato ecuestre del condotiero Guidoriccio da Fogliano. 1328. Palazzo Pubblico
Siena. Simone Martini.
La Anunciación. 1333. Simone Martini.
La difusión en Europa de este primer gótico
italiano, no tuvo la misma resonancia que
el modelo importado desde Francia.
En Cataluña, la familia Serra creó un estilo
propio, utilizando el ilusionismo espacial,
creando unas composiciones plácidas y
agradables.
LA PINTURA GÓTICA EN ESPAÑA
•  DESPUÉS DE ITALIA, es España el país que ofrece más interés
por la pintura durante la Edad Media. En España se trabajará poco
la pintura mural al fresco, prefiriéndose la tabla y olvidándose de la
tradición fresquista románica, sin embargo, se mantendrá vivo el
interés por el color y una expresividad llena de naturalismo.
•  La pintura es la manifestación plástica donde menos se aprecian las
dependencias del extranjero, ya que cuando llega aquí una
influencia se asimila para recrearla en arte genuino.
•  Las más importantes escuelas pictóricas que se desarrollan en
Europa durante el gótico, son la italiana, la borgoña y la flamenca.
En este orden irán percibiéndose las variaciones de estilo y con
frecuencia suele clasificarse nuestra pintura en función de estas
influencias.
Retablo de la Cofradía
del Espíritu Santo.
Catedral de Manresa,
siglo XIV. Pere Serra
- Los hermanos Serra son
los mejores representantes
del Trecento catalán.
Participan de la elegancia
y refinamiento sienés.
Utilizan fondos dorados
- Escenas ordenadas
cronológicamente
- Composiciones sencillas,
muy expresivas y con un
acusado naturalismo
idealizado.
LLuis Dalmau: Verge dels Consellers, Museo de Barcelona, siglo XV. Es
asombrosa la fidelidad con que el artista capta el espíritu de los Van
Eyck. La obra podría tomarse como flamenca.
Bartolomé Bermejo: Santo Domingo de
Silos, Museo del prado, 1474.
EN este monumental retrato Bermejo
retorna a los recursos medievales- casi
bizantinos- para transmitir solemnidad
y eternidad. Por eso emplea fondos
dorados, muy planos, con estofados y
relieves y, especialmente recurre al
hieratismo y frontalidad de la figura.
GÓTICO INTERNACIONAL
SIGLOS XIV Y XV
Entre 1385-1390, y 1425-1450 en toda Europa, se da un
tipo de pintura y miniatura de cierta homogeneidad.
Mientras que en escultura es posible distinguir diversas
corrientes.
Se conserva el gusto por los ritmos curvilíneos, pero se ha
perdido la línea de contorno a favor del color.
El interés por el espacio no se extiende a todos los artistas,
si bien se producen importantes avances en este
campo.
Son varios los focos principales de este nuevo estilo: París,
Praga, Florencia, Valencia y Cataluña.
Virgen María con el niño rodeada de once ángeles. Díptico de Wilton
National Gallery Londres
Adoración de
los Reyes
Magos. Lorenzo
Mónaco
Los reyes
simbolizan las
tres edades del
hombre, y la
existencia de
tres continentes
- Juicio Final más completo
de la miniatura europea de
la época.
- Su autor es el introductor
del Internacional francés en
España, sin olvidar la
tradición ítalo-catalana
anterior.
Misal de Santa Eulalia. Juicio
Final. Rafael Destorrents
Retablo de La Bañeza.
Nicolás Francés
Nicolás Francés creó
escuela en España por
su amplia trayectoria.
En este retablo, se
centra en la figura de
la Virgen, y desarrolla
dos ciclos dedicados a
ella y a San Francisco
Durante el Gótico Internacional, resulta
indispensable la aportación flamenca.
El realismo de los pintores flamencos revoluciona
las artes plásticas, y ejerce una importante influencia en
el resto de Europa
Las obras más conocidas del Gótico, han sido
realizadas por estos pintores, que se afincaban en
grandes ciudades de los Países Bajos, como Brujas o
Gante.
La escultura se produjo sobre todo en madera, si
bien no generó una revolución en las artes, y pasa hasta
cierto punto desapercibida.
La pintura es la más importante de las
manifestaciones artísticas del Gótico en los
Países Bajos
A sus pintores, en España se les denomina
“primitivos flamencos”, a pesar de que su
técnica resulta extremadamente moderna.
Los flamencos crean un nuevo modelo de
pintura.
-  Perfeccionamiento de la técnica del óleo.
-  Desarrollo de la perspectiva.
-  Búsqueda del más acusado realismo;
desarrollando el retrato, y buscando la
veracidad.
-  Preocupación por utilizar materiales de la más
alta calidad.
Robert Campin
•  Maestro de grandes pintores como Roger
van der Weyden
•  No firmó ninguna obra
•  Se caracteriza por un arte monumental y
plástico, que roza lo escultórico; al mismo
tiempo que destaca por ser muy
minucioso y realista
Natividad.
Robert Campin
- Imagen de la Sagrada
Familia completada por
dos comadronas
- Figuras esquemáticas e
insulsas, sin
expresividad
- El escenario es uno de
los primeros grandes
paisajes del Gótico.
Detallista y minucioso,
con un manejo excelente
de la perspectiva.
HERMANOS VAN EYCK
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Jan y Hubert van Eyck
Exponentes de la primitiva pintura flamenca
Reflejan el realismo típico de la burguesía
Captan los detalles particulares
Técnica: óleo sobre tabla
Temas religiosos, interpretación casera
Interés por la perspectiva
Políptico del Cordero
Místico. (cerrado)
1426-1432.
Hermanos Van Eyck
Políptico del Cordero Místico. (abierto) 1426-1432. Hermanos Van Eyck
Jan van Eyck
•  El más grandes de los pintores flamencos
•  Utiliza un complejo lenguaje de símbolos y metáforas
•  Técnica prodigiosa
•  Sus obras solo se entienden en el contexto de un marco
determinado
•  La gran mayoría de sus obras fueron realizadas para
particulares y oratorios
Matrimonio
Arnolfini. 1434.
Jan van Eyck
Giovanni de Arrigo Arnolfini
Giovanna Cenami
Matrimonio Arnolfini. Jan van Eyck
Detalle del espejo. Matrimonio Arnolfini. Jan Van Eyck.
Matrimonio Arnolfini
Jan van Eyck
Lámpara de araña e inscripción: “Jan van
Eyck estuvo aquí, 1434”
Perro, símbolo de
fidelidad marital y
amor terrenal
- Realismo
- Captación de
detalles
particulares
- Ropajes con
pliegues para
conseguir
volumen
- Preocupación
por el espacio
y la
perspectiva
- Interpretación
casera de la
religión
La Virgen del Canciller Rolin. Jan van Eyck
Virgen del Canónigo Juris van der Paele. 1436. Jan van Eyck
El arte de Jan Van Eyck fue admirado
en toda Europa. El rey de Aragón, Alfonso
V el Magnánimo, envió al pintor Luis
Dalmau a Flandes para que aprendiese la
nueva técnica
Virgen dels
Consellers.
1443. Luis
Dalmau
Ejemplo de la
influencia ejercida
por Juan Van
Eyck en Europa
Roger van der Weyden
•  Ordena sus composiciones según un eje de
simetría vertical
•  Constituye a los personajes en relieve, con
ropajes ampulosos. Las figuras parecen
esculturas policromadas.
•  Muestra rostros compungidos y bañados en
lágrimas. Gusta de los temas dolorosos
•  El colorido es brillante, cuidando al máximo el
detalle
•  Está especializado en la representación de dos
temas dolorosos de la Virgen al pie del
Sepulcro: La Quinta Angustia y la Piedad
Descendimiento de Cristo y
Quinta Angustia de María.
1436-1437. Roger van der
Weyden
Descendimiento de Cristo y
Quinta Angustia de María.
Roger van der Weyden
Descendimiento de Cristo y
Quinta Angustia de María.
Roger van der Weyden
Hugo van der Goes
Posee una implacable ejecución
pictórica que ha sido entendida como el
preludio del Renacimiento. Así, sus obras
sirvieron de influencia a grandes artistas
como Leonardo da Vinci
Adoración de los pastores. Hugo van der Goes
Hans Memling
Caracterizado por realizar obras suaves y
amables, con colores claros, y elementos
pintorescos y anecdóticos.
Desposorios
místicos de
Santa Catalina.
Memling
El Bosco
•  Jeroen van Aken
•  Técnica miniaturista y lenguaje simbólico
•  Visión pesimista de la existencia humana, donde
la salvación se consigue mediante el control de
las pasiones
•  Sus fantasías oníricas lo convierten en precursor
del surrealismo y el psicoanálisis
•  Felipe II poseía una importante colección de
obras del Bosco
El carro de heno. El Bosco
El jardín de las delicias. El Bosco
- Representación de una
operación quirúrgica realizada
durante la Edad Media, en la que
se extraía la piedra causante de
la necedad del hombre.
- Falso médico, como indica el
embudo. Su bolsa de dinero
atravesada por un puñal, como
símbolo de estafa.
- Mofa hacia la Iglesia, con la
monja ignorante y el sacerdote
borracho.
- El cuadro es como un espejo que
muestra al mundo su estupidez
Extracción de la piedra de la locura El Bosco.
1475-1480.
El modelo flamenco se extendió por el resto
de Europa, marcando así la concepción
de la pintura.
Sin embargo, durante el siglo XV, se
ofrecerá una alternativa e lo ofrecido por
los Países Bajos, puesto que aparece el
modelo italiano renacentista.
Jean Fouquet
Pintor y miniaturista, que conjuga la
influencia flamenca, con las nuevas
técnicas italianas renacentistas.
Virgen con el Niño. Fouquet/ Museo del Prado
El Prado presenta
'La Virgen con el
niño', de Jean
Fouquet, la "Mona
Lisa" de las
vírgenes
Este préstamo
"excepcional" se
encuadra en el
programa 'La obra
invitada’
Podrá verse hasta
el 25 de mayo en el
Museo del Prado
El Museo de
Amberes dice
que es un "icono
excepcional del
arte"
http://www.rtve.es/noticias/20140212/pradopresenta-virgen-nino-jean-fouquet-mona-lisavirgenes/877502.shtml
Música medieval
Música religiosa
Los orígenes y el gregoriano
La música hebraica constituye el punto de
partida de la música cristiana; los cantos de
sinagoga, salmodiados por una sola voz
(monodía) o por un coro que canta al
unísono, inspiran las plegarias cantadas de
los primeros siglos del cristianismo. En el
siglo VII el papa GREGORIO MAGNO
uniforma la liturgia mediante un tipo de
canto que lleva su nombre.
Audición canto gregoriano
El canto gregoriano utiliza intervalos de un
tono y ritmo constante , con una sola
alteración en la escala, el si bemol, y es
cantado al unísono por voces de hombres,
en frases largas. Son líneas son tan puras
que se convirtió en un lenguaje místico,
comparado por su espiritualidad a los
mosaicos bizantinos y en el siglo XI a las
líneas severas de las primeras
construcciones románicas.
La polifonía
A finales del s.XII, el triunfo del gótico coincide
con el de la polifonía, arte de superpones varias
voces, en su forma clásica cuatro (soprano,
contralto, tenor y bajo). La riqueza del timbre de
la polifonía ofrecía muchas semejanzas para los
hombres del siglo XIII con los adornos y luces de
las catedrales góticas, y así como el canto
gregoriano parecía haber encontrado su recinto
espacial idóneo en la sobriedad de los edificios
románicos, la polífonía, más complicada y
diversa, rimaba con los ideales de la arquitectura
ojival y la expresividad de la plástica gótica.
La voz humana es la base de toda la música
religiosa del medievo; los instrumentos juegan un
papel accesorio, o están ausentes, como ocurre
en el elemento gregoriano puro. El órgano suscitó
la necesidad de buscar timbres y, así se utilizaron
instrumentos “bajos” (laúd) y “altos” trompetas y
trombones
Audición polifonía medieval
Música medieval
La música Profana
La música de juglares y trovadores
En las canciones populares se ponía
música a poesías latinas, con frecuencia de
tema religioso, a veces de tema profano.
Estas últimas fueron las preferidas para
alternar con las danzas en fiestas de
corporaciones y espectáculos. Durante la
Alta Edad Media los juglares recitan las
gestas de los héroes acompañándose de
músicas y danzas, de las que muy poco
sabemos. En los siglos del románico, las
Cruzadas continúan reclamando los tonos
heroicos de los cantares de gesta. Mientras,
en los núcleos aristocráticos de las cortes
principescas comienzan a pedirse a los
músicos temas galantes, que enmarquen el
ceremonial de cortesías y de culto a las
damas; el amor cortés será el tema
predilecto de los trovadores, que unen,
como los juglares, poesía y música.
Cantigas de Alfonso X el Sabio. Aquí
tenemos un buen ejemplo del
muestrario musical ,pues las
miniaturas incluyen todos los
instrumentos de la Baja Edad Media,
desde laúdes e instrumentos de
cuerda hasta trompetas y la variada
familia del metal. En la ilustración
podemos ver cómo un músico juglar
entretiene una reunión señorial.
Audición música profana medieval
CONCLUSIÓN
•  El Gótico es un periodo artístico
dependiente de las circunstancias sociopolíticas de cada lugar.
•  Bebe directamente del Románico, y va
evolucionando, pasando de Francia al
resto de Europa
•  Resulta importante su vertiente francesa,
aunque también Italia y los Países Bajos
fueron un importante foco de creación.
•  Se pasa de pinturas y esculturas hieráticas, sin
movimiento y dependientes de la arquitectura; a
creaciones dotadas de vida.
•  La preocupación por el espacio, hace que sus
composiciones resulten novedosas, y cercanas
a la realidad
•  Se evoluciona en la concepción de la figura,
puesto que se avanza hacia el retrato.
•  Durante el Gótico, son innumerables los artistas
que aportan su punto de vista; haciendo de él un
estilo heterogéneo y dotado de gran
personalidad.
¡¡MUCHAS GRACIAS
POR SU ATENCIÓN!!
Carolina Gilabert Sánchez
Universidad Pablo de
Olavide (Sevilla)
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