PINTURA GÓTICA - Real Colegio Nuestra Señora de Loreto

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PINTURA GÓTICA
* PINTURA GÓTICA ITALIANA:
Cimabue: Cristo crucificado. Basílica de la Santa Croce, Florencia
- La pintura gótica italiana tiene un preciso origen regional. Los artistas más
destacados del período del Trecento nacen en la Toscana, concretamente en dos ciudades:
Florencia y Siena. Es decir, es en el norte de Italia y probablemente con el contacto de estas
dos ciudades y de sus círculos burgueses y el incipiente humanismo de figuras de la categoría
universal de Dante, Petrarca o Bocaccio. Por ejemplo, se sabe que Dante era amigo personal
de Giotto, y de él habla en la Divina Comedia, o Petrarca poseía una Madonna de aquél
-según Vasari-, o Bocaccio alababa el sentido del natural que le inspiraban las obras del
artista1.
- La pintura italiana anterior al Trecento estaba fuertemente apegada a los modelos
iconográficos bizantinos, los iconos italobizantinos. A partir de modelos clásicos, los artistas
de Florencia desarrollan algunos aspectos de la representación que en definitiva son el
arranque de lo que será el modelo renacentista de representación.
- Las características esenciales del estilo se pueden resumir en los siguientes aspectos:
1) Estudio de la profundidad en el plano de la representación. Esto significa que
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introducen un estudio más riguroso de la perspectiva. En el Trecento vemos desarrollarse
cuatro modelos de perspectiva que no se unifican hasta el Renacimiento con la perspectiva
monofocal. La primera, utilizada la representación de la figura humana es el traslapo; una
segunda, muy desarrollada en los artistas vinculados a Giotto, es la perspectiva "cornuta",
de líneas paralelas en profundidad, y que se utiliza preferentemente para los edificios, los
cuales también aparecen con un efecto similar al de una casa de muñecas, abierto al
espectador; una tercera perspectiva, muy extendida en la escuela sienesa y a través de ella
del estilo internacional de fines del siglo XIV y principios del siglo XV, es la caballera en
la que convencionalmente los objetos más lejanos aparecen en la parte superior mientras los
más cercanos aparecen en la parte inferior; una cuarta, tiene su origen en los trabajos de los
hermanos Lorenzetti y paso previo para la perspectiva monofocal, la perspectiva llama de
eje de fuga2.
2) Estudio anatómico basado en el natural, valoración del estado anímico, del
sentimiento, en la plasmación del carácter de las imágenes (Giotto). Carácter monumental
de las figuras, algo que pervive en el concepto profundamente humanista del arte italiano.
3) Valoración de la luz como modeladora de la figura en tres dimensiones, matizando
tonalmente las diferentes coloraciones del objeto representado. Se utilizan colores muy
apagados y aplicados o al fresco o al temple. Importante la pintura mural por los grandes
espacios de lienzo mural que tenían los edificios italianos.
4) En la escuela sienesa, más arcaica, hay una valoración de los aspectos decorativos de
la pintura, por ejemplo, la curva de las líneas de contorno, las ornamentaciones de los paños,...
Suele ser un arte grácil, que resalta la delicadeza de la imagen.
- Los artistas más señalados son:
1) GIOTTO (h. 1266-1337), escuela florentina, es el artífice y origen de la revolución
en la representación de la civilización occidental, un auténtico revolucionario ya reconocido
en vida por sus coetáneos. Fuerte monumentalidad en la representación de la figura humana,
suele reducirla a imágenes muy geometrizadas, valora como nadie la gradación tonal de sus
personajes para dar la sensación de profundidad. También se preocupó por la plasmación del
sentimiento en los rostros y en los cuerpos (en este aspecto es el artista que descubre el valor
expresivo del escorzo agitado o violento en el espacio del personaje).
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Lamentación por Cristo muerto. Capilla
Scrovegni, Capilla de la Arena, Padua
Obras señaladas son los frescos de la Basílica de San Francisco de Asís y sobre todo
el ciclo para la Capilla Scrovegni en Padua (1303-1305).
2) Duccio di Buoninsegna: Escuela sienesa. Entre 1308-1311, realiza su obra maestra la
Maestá (Siena, Catedral) en la que se percibe perfectamente el eclecticismo de la escuela
sienesa. Es una tabla pintada por los dos lados; en uno hay una representación de la Virgen
entronizada, rodeada de santos y ángeles, la cual pertenece a modelos algo más desarrollados
del estilo italobizantino; no hay innovación puesto que era el objeto de culto como tal. Pero
en la parte posterior, no visible al culto, desarrolla la vida de Cristo y de la Virgen y expone
algunos de los mejores hallazgos de la pintura florentina de Giotto. Una de esas escenaas se
puede disfrutar en la colección Thyssen, robada en el siglo pasado.
Maestá. Museo catedralicio, Siena
3) Simone Martini: Escuela sienesa. Fundamental en el desarrollo de la delicadeza de
la línea de la escuela sienesa y que al viajar a la corte papal de Avignon, extiende por Europa,
estilo internacional, un arte con algunos de los logros de las escuelas italianas, muy suavizadas
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y difuminados en los aspectos decorativos del estilo.
Anunciación. Museo de los Uffizi, Florencia
4) Otros artistas señalados son Cimabue, maestro de Giotto, escuela florentina, los
hermanos Lorezetti, Ambrogio y Pietro, escuela sienesa, y que desarrollan los efectos más
importantes de la profundidad de campo en todos los aspectos.
* PINTURA GÓTICA FLAMENCA:
- La pintura gótica flamenca o la pintura de los primitivos flamencos tuvo su apogeo
en el siglo XV. Es decir, coincide en el tiempo con la pintura del primer renacimiento
italiano, lo que supone en algunos aspectos un retraso con respecto al arte que se realiza en
el país del sur.
Los primitivos flamencos suponen junto con los pintores florentinos los primeros que
rompen con las tradiciones compositivas o técnicas del arte medieval. Cada uno investiga
aspectos que podríamos definir como diferentes y complementarios en la investigación de la
representación pictórica del espacio sensible, racionalizado y homogéneo.
- Flandes, a comienzos del siglo XV, es una región muy próspera comercialmente
perteneciente al Ducado de Borgoña. Aunque feudataria del Reino francés, la burguesía
flamenca se hace con el control del tráfico de paños, hasta el punto de convertirse en el mayor
productor de éstos a lo largo y ancho de Europa, en detrimento de las viejas ciudades textiles
francesas. Todas las grandes compañías comerciales, especialmente italianas y alemanas
tendrán agentes comerciales en las principales ciudades de los Países Bajos. En el siglo XV,
sobresalen Gante, Ypres, y sobre todo, Brujas, verdadero puerto internacional en este
período. Son ciudades poco habitadas (se calcula que Brujas en el momento de máximo
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esplendor no llega a los 50.000 habitantes) pero en las cuales existe un grupo señalado de
acaudalados comerciantes.
Esta sociedad, por lo demás devota, aparece vinculada a la nueva mentalidad que nace
en esta época de talante humanista, apegada al mundo sensible, material, y en la que la
religión se impregna de nuevos valores. El mundo jerarquizado, neoplatónico, idealizado y
abstracto cede ante el empuje de una nueva concepción de la realidad; ésta ya no aparece
como un reflejo más o menos difuminado de la divinidad, sino que es una manifestación
directa de ella. Por esta razón todo el arte flamenco rebosa realismo, y detallismo en la
representación. La realidad es simbólica, o sea Dios se manifiesta en la realidad, a través de
la luz fría septrentional que ilumina o las iglesias góticas o las casas de los ciudadanos
flamencos, o a través de los objetos más cotidianos que rodean el mundo apacible de aquellos
hombres. Es un arte realista, minucioso, que ama la naturaleza con un carácter casi panteísta.
* CARACTERÍSTICAS FORMALES:
1) Es una pintura minuciosa, preciosista en el tratamiento de la superficie pictórica. Los
artistas flamencos suelen emplear pinceles muy finos, los cuales les permiten retratar hasta
el más mínimo detalle los objetos más minúsculos, o la más fina arruga del rostro humano.
El tratamiento de las superficies produce un efecto esmaltado, de superficies muy lisas, en
las que hay un predominio absoluto de lo que Wölfflin llamó "efecto lineal"3.
2) Siempre hay una búsqueda de representar aspectos reales, sin embargo, a diferencia de los
italianos, los flamencos no buscan el efecto general en la composición sino que se preocupan
de la plasmación individual de objeto, a veces incluso descontextualizando los personajes
principales del fondo decorativo 4.
Un efecto muy habitual en el tratamiento de las figuras humanas viene determinado por
el "encajonamiento" espacial del cuerpo humano: suelen existir desproporciones entre el
cuerpo del retratado y su rostro 5.
3) El arte flamenco es el primero que se plantea de modo radical la representación visual de
la naturaleza. Frente a la costumbre del arte gótico de sobreponer la escena sobre fondos
planos dorados, en las tablas flamenca aparecen frecuentemente fondos de arquitectura y
de paisaje admirablemente detallados.
4) En cuanto a las perspectivas los flamencos usan varias pero merecen destacarse dos
concretas. Una hija del Trecento sienés y que se difunde a través del Gótico internacional
a caballo entre el siglo XIV y XV: la perspectiva de espina de pez, es decir, aquella en que
las líneas de perspectiva convergen en torno a un eje de "fuga", como en la Virgen del
Canónico Van der Paele (Brujas, Museo) de Jan van Eyck. La segunda es posterior en el
tiempo aunque convive en importancia con la anterior: la de punto de fuga. Ésta última a
diferencia de la italiana no concibe el cuadro como una ventana sino como una trasposición
de la visión del ojo humano al plano de la pintura, como, por ejemplo, El Matrimonio
Arnolfini (Londres, National Gallery, 1434), también de Jan van Eyck 6.
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5) El arte flamenco utiliza el óleo que fue el pigmento que desarrollan para dar los efectos
necesarios para captar el mencionado efecto de realidad. Con él pueden trabajar con
veladuras, transparencias tan necesarias para la representación fidedigna de ciertos objetos,
por ejemplo, los cristales o las sedas y telas trasparentes.
6) El soporte pictórico es de madera. De ahí, que denominemos a la obras de los flamencos
tablas. El soporte sobre lienzo es un descubrimiento veneciano de fines del siglo XV. Esto
quiere decir que son obras por lo general de tamaño reducido, fácilmente transportables, lo
que concuerda con la función social de estas obras 7.
En muchos casos, los artistas flamencos trabajan por encargo de estos burgomaestres o
comerciantes, los cuales aparecen introducidos en la escena religiosa; se trata de los
comitentes, que aparecen en actitud orante, casi siempre arrodillados o de busto.
El formato más característico es el de tríptico o díptico, dos o tres tablas unidas por
bisabras, que se cierran de modo que están decorados también por fuera. A veces, estas alas
externas imitan los efectos de escultura, pintadas con colores grisáceos (grisallas).
* ARTISTAS DESTACADOS:
1) Hubert y JAN VAN EYCK:
Los dos hermanos firman el Políptico del Cordero Místico (San Bavón, Gante,
1426-1432), primera gran obra maestra de la pintura flamenca y auténtico emblema de la
nueva tendencia pictórica naturalista. Probablemente ambos se forman en la corte
borgoñona de Dijon a fines del siglo XIV, con los miniaturistas hermanos Limbourg (El
libro de las Ricas Horas del Duque de Berry, Chantilly, Musée Condé), y con Melchior
Broederlam, flamenco como ellos. Pronto regresan a los Países Bajos y se establecen en
Brujas, el centro comercial más importante en aquel momento. Traen con ellos las
innovaciones que se han producido en Dijon, entre ellas las de las mismas esculturas que
Claus Sluter realizó para la cartuja de Champmol. Sus figuras parecen en muchos casos
esculturas pintadas, estáticas y con un drapeado que recuerda el carácter rígido y
monumental de las obras de Sluter (amplios paños que caen hasta el suelo dando a la imagen
el característico contorno triangular de las obras de arte flamenco).
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Sus figuras parecen estáticas, sin ningún tipo de expresividad; las composiciones resultan
excesivamente simétricas y realmente la máxima preocupación de los van Eyck sería la de
representar del modo más fidedigno posible los retratos de los personajes o la riqueza de su
vestuario. Por lo general, sus obras carecen de dinamismo y se dedican a pintar vírgenes con
el niño, o en todo caso con el donante arrodillado a su lado. Muy valioso desde el punto de
vista técnico es el tratamiento realmente genial de la luz; descubren, por así decirlo, la
calidad de la luz, la gradación tonal necesaria para dar la sensación de realidad.
Sus obras principales son la ya mencionada del Políptico del Cordero Místico, una
imagen que se pude interpretar como una escena vinculada al Juicio Final y al triunfo de
la Iglesia en ese momento; la Virgen de Canciller Rolin (Louvre, París), la Virgen del
canónigo van der Paele (Brujas, Museo) o el Matrimonio Arnolfini (Londres, National
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Gallery). Estas tres últimas realizadas por Jan ya que Hubert debió de morir temprano pues
no se conoce más que su participación en el Políptico. En estas obras se descubre la
sorpredente capacidad de Jan para el retrato, el verísmo de la representación.
2) Robert Campin o Maestro de Flemalle: Trabaja en Tournai y es estricto coetáneo de
van Eyck, aunque si bien parece haber sido influído por áquel. Su estilo es ampuloso,
monumental, eliminando la delicadeza de las formas de Jan van Eyck, en beneficio de un
carácter más severo y ampuloso en la representación de la figura humana. Suele tener
bastantes defectos de perspectiva o en las sombras esvatimentadas, sin embargo, sus imágenes
tienen una poesía, una melancolía que nunca aparece en su coetáneo. Una de las piezas más
hermosas de su arte es la Santa Bárbara (Madrid, Prado).
3) Roger van der Weyden: Discípulo del anterior, trabaja en Tournai y en Bruselas. Quizá
por contacto con el mundo italiano (parece que hizo un viaje a Italia), en su pintura destaca
ese carácter expresivo de sus figuras. En él tienen cabida los sentimientos, la imagen patética
de los personajes como se puede observar en su obra maestra El Descendimiento de Cristo
(Madrid, Prado).
4) Hans Memling: Artista que nació en Alemania pero educado en Brujas, donde a su
muerte sucede en calidad de pintor de la ciudad a Jan van Eyck. Su arte es más convencional,
desprovisto de la frescura de su antecesor, pero al vivir a mediados del siglo, en el máximo
apogeo de la escuela, es imitado por doquier, no sólo en Flandes, sino también en España o
en Francia. Produjo una gran cantidad de obras que se extendieron por toda la geografía
europea. Magniífico retratista de la burguesía acaudalada de Brujas.
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5) El Bosco: Holandés de nacimiento, siempre vivió alejado de las grandes ciudades
comerciales del sur flamenco. Es más, su arte resulta anticuado puesto que se introduce en
el siglo XVI (muere en 1516). Ahora bien, su fertilidad imaginativa, su forma de componer
escenas de contenido más bien oculto lo colocan entre los artistas a los que prestaron mayor
interés loa surrealistas de este siglo, Dalí y Cousteau a la cabeza. Pinta escenas de un
simbolismo esotérico, de significados ocultos y prolijas en la plasmación más alucinante de
los seres más inverosímiles. El lugar donde mejor se le puede conoceer es el Prado. Podemos
ver la Mesa de los Pecados Capitales, El Carro del Heno, la Adoración de los Reyes Magos
o el fantástico Jardín de las Delicias. También son muy interesantes Las tentaciones de San
Antonio (Lisboa, Museu de Arte Antica), y el Tríptico del Juicio Final (Viena,
Academia).
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* OTROS ARTISTAS POR ESCUELAS:
- BRUJAS: Gerard David, Adriaen Isembrandt, Hugo van der Goes (Tríptico
Portinari, Florencia, Uffizi 8) y Petrus Christus.
- LOVAINA: Dirk Bouts.
- HOLANDA: Gerardo de San Juan (artista exquisito en el tratamiento del claroscuro).
Notas
1. Para este tema vease los capítulos iniciales de PANOFSKY, Erwin. Renacimiento y renacimientos en el arte occidental,
Madrid: Alianza, 1975.
2. Vease PANOFSKY, Erwin. La perspectiva como forma simbólica, Madrid: Tusquets, 1985 (5ª edición).
3. Wölfflin habla de efecto lineal en una pintura cuando el dibujo predomina en el cuadro, quedando el color como mero
comparsa de ese efecto. Vease Conceptos fundamentales en la Historia del arte, Madrid:Espasa-Calpe, 1989, cap. I.
4. Por ejemplo, en las desproporciones que existen entre el fondo de arquitecturas y los protagonistas de la escena.
5. A veces, tenemos la impresión de que algunos personajes retratados padecían de macrocefalía, por ejemplo, los de Hans
Memling, o de Jan van Eyck.
6. Cuadro que en su momento estuvo en las colecciones reales españolas y que pudo servir de inspiración a Velázquez en Las
Meninas.
7. Son pequeñas obras para los oratorios privados de esos burgueses, o que transportaban en sus diferentes viajes comerciales.
A ello, hay que añadir que muchas de estas obras fueron concebidas para la exportación, convirtiéndose en un magnífico objeto
de comercio que coadyuvó al crecimiento de los Países Bajos en este periodo.
8. Importante por cuanto fue enviado a Florencia por el agente comercial de los Mediccis en Florencia, Tomasso Portinari
y de este modo se convirtió en una verdadera conmoción artística entre los pintores del primer renacimiento italiano. A partir
de este momento buscarán aprender por ejemplo la técnica al óleo que tan magníficos resultados aportaba al realismo del cuadro
acabado.