Movimientos artísticos contemporáneos

APUNTES MOVEMENTOS ARTÃSTICOS CONTEMPORÃNEOS
4º CURSO PUBLICIDAD 2º PARTE
TEMAS DEL FAUVISMO AL POP−ART
FAUVISMO (1904−1908)
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904−1908
aproximadamente.
El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crÃ-tico de arte Louis
Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les
atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un
calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artÃ-sticos del S. XX, pero fue asumido por el
público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
Madame Matisse (LA RAYA VERDE) (1905)
El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y empastadas pinceladas que recuerdan
al impresionismo. Los colores son arbitrarios, rompiendo con la estructura habitual del color, siguiendo a
Cèzanne. AsÃ-, en el rostro de la dama apreciamos toques de color lila, verde, azul o amarillo. El resultado
es una obra cargada de elegancia e intensidad, en la que el espectador disfruta de la estridencia tonal que
identifica el estilo fauvista, y especialmente de Matisse. En su cara traza una bisectriz de color verde
dividiendo el cuadro en dos mitades. Su lado derecho repite el color verde que la divide, mientras que el
izquierdo repite los tonos de su vestido. Esta LÃ-nea actúa como una sombra divisora artificial formando un
lado más claro y otro mas oscuro, en términos cromáticos un lado mas fresco y uno mas caliente. La Luz
natural esta dirigida directo a los colores y las gruesas pinceladas le dan una imagen dramática.
Para Matisse Para él el color es el que da entidad a la pintura, el color puede desempeñar el papel de
dibujo, de perspectiva, de sombra de volumen. Observa que la vida es color y lo plasma en su pintura. La
supresión de sombras y su sustitución por colores puros hace que la pintura brille más que nunca. Matisse
dibuja con el color y lo distribuye en el espacio de modo que éste quede sugerido sin que se produzcan las
deformaciones de la perspectiva. Matisse trabaja a base de amplias áreas de color, mostrándose con ello
heredero de Gauguin. La pintura se hace presente a través del grumo y del empaste, sentimos la pintura
como materia. La mancha plana de color provoca en nosotros un valor plástico y figurativo. Matisse
construye sobre el color.
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ARMONÃA EN ROJO Henri Matisse Pintura Fauvista (1908).
En 1908 pinta su famosa obra ArmonÃ-a en Rojo, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y
paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente
sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del
paisaje en el fondo, que se presenta como un preludio de los que más tarde realizarÃ-a en Ãfrica. Este
arabesco y su influencia en la distribución de la composición nos recuerda claramente al Ukiyo−e, la
estampa japonesa, que estiliza los elementos vegetales y los utiliza con valores de disposición y ordenación
compositiva. Como podemos observar el colorido es vivo, y no refiere en absoluto a la realidad, es un color
expresivo, subjetivo, liberado de la forma.
EXPRESIONISMO (1905−1925)
Los primeros artistas del expresionismo desarrollan su actividad en un perÃ-odo anterior a la eclosión de la
escuela expresionista alemana (Die Brücke y Der blaue Reiter). Munch y Ensor son las cabezas visibles de
este pre−expresionismo vinculado al norte de Europa.
Hacia 1905 se funda en Dresde el 1º grupo expresionista formado por estudiantes de arquitectura que desean
ejercer conjuntamente actividades artÃ-sticas. Su nombre es Die Brücke. Sienten devoción por Van Gogh
y por la pintura de los primitivos alemanes (Durero,Grünewald,), y rechazan el arte de su tiempo. Son
caracterÃ-sticos sus grabados caracterizados por la angulosidad y la trazas negras, fruto de la utilización de
técnicas de xilografÃ-a artesanales y primitivas. Formaron parte de este grupo: Kirchner, Heckel,
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Schmidt−Rottluff, Nolde y Pechstein.
De modo casi simultáneo nace en Münich Der blaue Reiter (el jinete azul). Exponen por 1ª vez en 1911.
Kandinsky, Marc y Macke son sus componentes más destacados.
CARTEL DE DIE BRÃœCKE ERNST LUDWIG KIRCHNER (1911)
En esta obra se aprecia perfectamente la técnica de grabado de este grupo expresionista alemán
ejemplificada en Kirchner que introdujo desde la Alemania meridional la xilografÃ-a, que él, atraÃ-do por
los viejos grabados de Nuremberg, habÃ-a rescatado .
En este cartel encontramos representado uno de los temas favoritos de los expresionistas alemanes,el desnudo.
Destaca en esta concepción del desnudo la angulosidad y el trazo negro, identificativo de este grupo
impresionista y derivado de la utilización de técnicas de grabado arcaicas.
CABALLO AZUL FRANZ MARC (DER BLAUE REITER) (1910)
Este es un ejemplo de la producción pictórica de Marc. Su temática favorita son los animales, en especial
los caballos. El caballo azul es una constante en su obra. Los colores, vivos, tienen un significado: por
ejemplo el azul representa lo espiritual y la austeridad masculina, el amarillo la alegrÃ-a, etc. Intenta
simplificar las formas de tal manera que se parezca a la visión de un animal.
CUBISMO (1907−1914)
El cubismo fue un movimiento artÃ-stico desarrollado en Francia y encabezado por Picasso, Juan Gris y
Georges Braque.
El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las
partes de un objeto en un mismo plano. Es un momento claramente vanguardista ya que rompe con una de las
grandes tradiciones de la representación pictórica y escultórica: la perspectiva.
El término cubismo fue acuñado por el crÃ-tico francés Louis Vauxcelles.
Picasso y Braque crean dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analÃ-tico (1910−1912), en
donde la pintura es casi monocroma. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los
diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo.
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El segundo perÃ-odo que es el cubismo sintético (1912−1914). El cubismo sintético lo inició Braque al
poner papel collé pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos y
esto evolucionó en lo que es hoy en dÃ-a el collage. Estas obras son más sencillas y parecen estar
ensambladas, formadas por diversos materiales cotidianos como tiras de papel de periódico, cajetillas de
cigarros o cajas de cerillas.
LAS SEÑORITAS DE AVIGNON PICASSO (1907−1908).
Picasso no ponÃ-a nombre a los cuadros. Empezó a conocerse como las Señoritas de Avinyó, zona de
Barcelona donde frecuentaban las prostitutas. Sin embargo, con el tiempo se confundió con Avignon, por lo
que el tÃ-tulo varió de esa forma. La descomposición y esquematización de los cuerpos y del espacio que
los rodea se debe principalmente a un deseo de expresar la idea última que hay en ellos. Por esto, las figuras
se despersonalizan, se deforman, y el espacio también. Ya no hay perspectiva, el fondo es completamente
plano y fragmentado, los colores no se corresponden con la realidad (como se observa en los cuerpos). Los
rostros de todas las figuras se representan de frente y de perfil a la vez, como si viéramos a la persona en
dos posiciones simultáneamente. Con esto conseguÃ-a representar múltiples puntos de vista en una misma
figura y darle cierta profundidad a un espacio completamente plano. inauguró con esta obra una nueva
manera de concebir la pintura. En ella realizó transformaciones revolucionarias que provocarÃ-an el
nacimiento de una nueva estética de vanguardia: el Cubismo.
En origen, la composición de las Señoritas está relacionada con las últimas Bañistas de Cézanne y
con obras de él derivadas, como las de Matisse AlegrÃ-a de vivir y Lujo, calma y voluptuosidad, a la que
trata de oponerse conceptualmente; pero sobre todo está influida directamente por la estética
antiacadémica de la escultura arcaica griega, egipcia, ibérica y negroafricana. Durante 6 meses el pintor
estuvo haciendo dibujos previos, cada vez más simplificados, eliminando lo anecdótico para quedarse
únicamente con el espacio y las figuras; después lo transformó con violencia, y al fin lo dejó inacabado.
Del lienzo original pintado en la primavera de 1907 sólo quedan los desnudos centrales que miran al
espectador. Es patente la norma del antiguo Egipto en la figura de la izquierda, mientras que el arte ibérico
influye en el modelado de las cabezas, algunas de las cuales fueron violentadas en el otoño, tras el contacto
de Picasso con las esculturas africanas. El bodegón que aparece es claramente Cézanniano, las frutas
aparecen geometrizadas y las pinceladas que utiliza recuerdan a la técnica del facetado.
EL GUERNICA PICASO (1937)
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El bombardeo de la población de Guernica el 26 de abril de 1937 por parte de la aviación alemana
despertará la conciencia polÃ-tica de Picasso. Guernica será el tema de su obra maestra, realizada para el
Pabellón de España en la Exposición Internacional de ParÃ-s de 1937.
El lienzo mide 8 metros de largo por 4 de ancho y en la parte superior cuelga una bombilla eléctrica que
arroja una frÃ-a luz aserrada. Como si esta luz eléctrica no fuera suficiente, una mujer porta en su largo
brazo un candil de petróleo, iluminando asÃ- hasta el último escondrijo del cuadro. En el lienzo aparecen
otras tres mujeres: bajo el toro que aturdido mira a su alredor, posible sÃ-mbolo de la República, una que
porta un niño muerto representación del horror nos recuerda a una Piedad; en el extremo derecho, otra que
levanta los brazos ante el fuego de su hogar; en primer plano, una tercera mujer arrodillada, presumiblemente
embarazada, con los pechos desnudos y unos llamativos pezones en forma de chupete.
Bajo la luz eléctrica se encuentra el caballo malherido, que es elemento más cubista del cuadro, relincha y
a sus pies se hallan los restos descuartizados de un hombre−estatua, en cuya espada rota renace una flor como
sÃ-mbolo de esperanza, esta figura es sÃ-mbolo de la barbarie de lo inexpresable. Un pedazo de suelo con
baldosas alude al recinto del pabellón español donde se ubicaba el cuadro.
Otras figuras simbólicas de la obra son: Una figura como un fantasma llega desde una ventana abierta con
una vela en sus manos. Se dice que podrÃ-a ser una representación de la República, que entra desconsolada
para mirar la escena. Las llamas que representan otra forma de dolor. La herradura (suerte), en el candil
encendido (razón) y la flor (esperanza). Picasso dibuja una paloma con un ala rota y el pico abierto,
sÃ-mbolo de que la paz se ha roto, de la guerra y una bombilla que podrÃ-a aludir a las bombas que cayeron
en la ciudad.
La ausencia de color no es un hecho fortuito. El horror de la violencia está reflejado de forma triste en los
colores, que se vuelven grises y negros. Tanto las formas como los colores del cuadro expresan la emoción
que el propio Picasso sintió al leer las noticias del bombardeo. Es un horror interior.
Guernika es un manifiesto contra la guerra y cualquier tipo de brutalidad humana. Por eso estamos ante un
cuadro universal que contrapone la capacidad de creación del artista y la capacidad de destrucción de la
guerra.
FUTURISMO (1908−1918)
En enero de 1909 el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publica el Manifiesto de Fundación del
Futurismo, que proclama el rechazo frontal al pasado, a la tradición y la defensa de un nuevo orden moderno,
dominado por la máquina, la velocidad y la ciudad. El futurismo surgió en Milán y desde la ciudad
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lombarda se difundió con rapidez por algunos paÃ-ses de Europa, siendo en ParÃ-s donde se establecerá el
otro núcleo de producción futurista. En 1910 se puede hablar ya de un grupo (de esta época data el
manifiesto propio del grupo). Liderado por Marinetti trabajan artistas como los pintores Russolo, Carrà ,
Boccionni y Balla.
A comienzos de 1913 el Futurismo está en su esplendor, tienen incluso su propia revista, "Lacerba" y han
publicado su manifiesto técnico.. El presentimiento de la Primera Guerra Mundial es saludado con
entusiasmo por los futuristas que confÃ-an en que una destrucción total permita hacer tabla rasa y construir
desde cero la nueva cultura occidental.
DINAMISMO DE PERRO CON CORREA GIACOMO BALLA
Balla intenta representar a un tiempo el movimiento y la velocidad, algo que los futuristas consideraban como
la esencia de la civilización moderna. Intenta captar el movimiento en secuencias como se hace con la
fotografÃ-a. Esta obra es un retrato de la vida urbana sÃ-mbolo del progreso de la civilización moderna por
la que sentÃ-an tanta devoción estos pintores.
ABSTRACCIÓN (1910−1925)
Arte abstracto es el estilo artÃ-stico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales,
acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales.
Surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografÃ-a que
provocó la crisis del arte figurativo.
Podemos distinguir dos tendencias: LA ABSTRACCIÓN LÃRICA y LA ABSTRACCIÓN
GEOMÉTRICA.
La abstracción lÃ-rica se desarrolla entre 1910 y 1912 y Kandinsky es su máximo representante. Desarrolla
una tendencia figurativa basada en el sentimiento e impregnada de su filosofÃ-a espiritual.
La otra tendencia la abstracción geométrica, tiene gran repercusión en Rusia, dónde toma la forma del
Constructivismo y Suprematismo (Malévich) y en los PaÃ-ses Bajos con el Neoplasticismo (Van Doesburg
y Mondrian). Estas tendencias geométricas se basan en el uso de las figuras geométricas, las lÃ-neas, las
cuadrÃ-culas y los los colores primarios.
PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA KANDINSKY (1910)
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Parece ser que en la época en que Kandinsky estaba pintando en Baviera, volvÃ-a un dÃ-a de pintar al aire
libre cuando vio un cuadro suyo colocado al revés que le fascinó, porque no podÃ-a ver en él ningún
tema, ni figuración, sólo una hermosa armonÃ-a de lÃ-neas y manchas multicolores. A partir de ese
momento comienza una serie de improvisaciones y estudios donde ya no hay referencia alguna a la realidad
objetiva, sólo pintura, aunque eso sÃ-, buscando siempre a través de ella la expresión del sentimiento.
En este momento se llega a decir que de esta forma la pintura se aproxima más que nunca al mayor de los
artes, la música, porque lo mismo que las notas musicales, que en sÃ- mismas son abstractas, en su
disposición armónica nos producen sensaciones y sentimientos diversos, asÃ- los colores y las formas (que
en sÃ- mismos también son abstractos) en un cuadro, dispuestos igual de armónicamente, han de provocar
en el espectador sensaciones y sentimientos. Que como las notas musicales y las formas y los colores, son
también abstractos.
BAUHAUS (1919−1933)
La Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de
diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las
autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de
las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las
enseñanzas artÃ-sticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de
acuerdo con la ideologÃ-a socialista de su fundador. La primera fase (1919−1923) fue idealista y romántica,
la segunda (1923−1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925−1929) alcanzó su mayor
reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van
der Rohe, se trasladó a BerlÃ-n donde cambió por completo la orientación de su programa de
enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y
gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existÃ-an tal y como
fueron concebidas dentro de esta escuela.
Primera época 1919−1923 (Se incorporan Klee y Kandinsky como profesores).
Segunda época 1923−1925 (incorporación como docente de Moholy−Nagy).
Tercera época 1925−1933 (Mies Van der Rohe la traslada a BerlÃ-n).
SILLA WASSILY DE MARCEL BREUER (1928)
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Ejemplo de la actividad de la Bauhaus en el campo del diseño industrial. Esta silla se inspira en el
funcionalismo arquitectónico del 1º tercio del siglo XX, asÃ- como en la industrialización (utilización
de barras de acero). Nuevos materiales y nuevas formas adaptados a unas nuevas concepciones
arquitectónicas dónde la funcionalidad prima en el mobiliario.
BAUHAUS DE PAUL KLEE (1923)
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Se trata de un cartel de la escuela Bauhaus. AquÃ- vemos una clara influencia de la abstracción
geométrica en el uso de figuras geométricas, trazos negros y colores primarios. Hemos de señalar que
la Bauhaus en este momento tiene relación con Theo Van Doesburg creador de la corriente abstracta llamada
Neoplasticismo.
DADAÃSMO (1916−1922)
El dadaÃ-smo fue un movimiento antiarte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916 iniciado por Tristan Tzara.
Fue una oposición al pasado violento de la Primera Guerra Mundial.
La difusión del dadaÃ-smo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se
extendieron por BerlÃ-n, Colonia, ParÃ-s y Nueva York.
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La máxima expresión del dadaÃ-smo es el ready−made: Término utilizado por Marcel Duchamp para
designar objetos de uso cotidiano que convenientemente descontextualizados se convierten en una obra de
arte.
RUEDA DE BICICLETA SOBRE TABURETE DE MARCEL DUCHAMP (1913)
Es el primer ready−made. Se trata de una rueda de bicicleta montada sobre un taburete de cocina. Se convierte
asÃ- en obra de arte, una obra de arte en el que los objetos prefabricados, fruto de la industrialización
cambian de significado y función. Es una acción más propia del dadaÃ-smo que incide en ese afán de
negar el arte, esto que observamos no puede ser arte, pero si lo convertimos en arte, negamos la propia
existencia de este.
FUENTE DE MARCEL DUCHAMP (1917)
Un urinario, descontextualizado, otro ejemplo de ready−made. En este caso Duchamp enfatiza su conversión
en obra de arte incorporándole fecha y firma.
SURREALISMO (1924−1940)
El Surrealismo comienza en 1924 en ParÃ-s con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André
Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigÃ-a un arte nuevo que indagara en lo
más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecÃ-a el psicoanálisis como método de
creación artÃ-stica.
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Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la
mente no ejerza ningún tipo de control. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado,
aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentesmáquinas fantásticas, relaciones entre
desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas
vacÃ-as. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren
realidades onÃ-ricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
Preferirán los tÃ-tulos largos, equÃ-vocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la
propia realización.
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean
universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o DalÃ- que
se interesan más por la vÃ-a onÃ-rica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo
fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
EL CARNAVAL DEL ARLEQUÃN DE MIRÓ (1924−25)
Es un ejemplo del lenguaje caracterÃ-stico de Miró. Son formas abstractas que sufren un proceso de
metamorfosis, que se alejan del referente del que partieron, la naturaleza. A pesar del aparente desorden en el
que se sitúan los diferentes personajes, hay un orden cromático. Siguiendo el colorido pasamos de un
personaje a otro, sin un recorrido definido. Todos tienen la misma importancia, no hay una jerarquÃ-a
establecida.
EL GRAN MASTURBADOR DE SALVADOR DALÃ (1929)
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Es una composición llena de implicaciones autobiográficas, mitos, miedos, ideas fijas en donde aparece la
forma expresiva del joven DalÃ-. Es el tema de la masturbación, muy poco conocido en la historia de la
pintura. Existen algunas en el expresionismo europeo en dibujos y el único precedente es el de Goya en sus
pinturas negras. El tema central es una masa viscosa dentro de lo blando, que es entendido como lo
sentimental y lo duro. En la izquierda aparece una cabeza, el autorretrato de DalÃ-, cuyos orÃ-genes
comienzan en el año 1927 con sus cabezas desdobladas, como en la obra Naturaleza muerta al claro de luna
malva, donde el retrato de DalÃ- está visto de perfil, como germen de donde saldrá el caricaturizado "gran
masturbador".El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y ceja; en el lugar de la boca aparece el saltamontes
como animal repulsivo, idea de la muerte, desintegración de la materia ya que lleva hormigas en el abdomen.
El peinado es muy marcado y en la cabeza está pinchada un ancla que podrÃ-a aludir a las exigencias de su
familia del año 1929. La otra figura, a la izquierda, puede ser también DalÃ- cortando las redes con su
familia. Es la huida del contexto español, familiar y catalán a la vanguardia surrealista parisina.El modelo
de la mujer pertenece a un cromo modernista que procede del prerrafaelismo inglés y alude a Gala. Es el
dilema del mundo que le abre Gala; el lirio representarÃ-a la idea de purificación. El escenario crea una
atmósfera desolada, un paisaje extenso que remite a la metafÃ-sica del italiano Giorgio de Chirico. La pareja
abrazada debajo del saltamontes hace referencia a Gala y a DalÃ-. Por su parte, la mujer modifica su sustancia
con carácter rocoso, aludiendo a sus primeros encuentros con Gala en las rocas de Cadaqués.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO (AÑOS 40)
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en
concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los
años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el
primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en
materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.
DRIPPING JACKSON POLLOCK (1947)
El dripping o chorreo es una técnica propia del expresionismo abstracto, creada por Pollock, consiste en
chorrear la pintura de tal manera que queden formas abstractas. Es una técnica de automatismo pictórico
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es decir no se pinta conscientemente sino que se busca que la forma y el color den lugar a una composición
creada de forma aleatoria y casual.
SIN TÃTULO DE MARC ROTHKO (1949)
Rothko representa otra tendencia frente a la pintura de acción (action painting) de Pollock. El pertenece al
color field painting tendencia que se caracteriza por las grandes superficies planas de color sin elementos
sÃ-gnicos ni gestuales que generan gran amplitud de espacio.
POP ART (FINALES DE LOS 50− AÑOS 60)
El Arte Pop (Pop Art, "Arte Popular") fue un movimiento artÃ-stico surgido a finales de los años 1950 en
Inglaterra y los Estados Unidos; sus caracterÃ-sticas son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo
de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnologÃ-a, el
capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como
productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una
adicción. El máximo exponente del movimiento en EEUU es Andy Warhol mientras que en Inglaterra es
Richard Hamilton.
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También destacan Liechestein (EEUU) y Hockney (Inglaterra).
SILLAS ELÉCTRICAS DE A. WARHOL (1964−1965)
En esta obra Warhol hace referencia al espÃ-ritu americano, reflejando uno de los temas más polémicos
en la sociedad americana, la pena de muerte.
En este caso Warhol simboliza la pena de muerte a través de la silla eléctrica convirtiéndola en icono y
elevándola a la categorÃ-a de imagen de la cultura popular. Lo hace con un afán crÃ-tico, porque en sus
obras intenta mostrar lo peor y lo mejor de la sociedad americana.
La técnica utilizada es la serigrafÃ-a, con ella contribuye a acercar la obra de arte al gran público.
CRYING GIRL (1964) LIECHESTEIN
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Liechestein recurre al cómic y a la imagen de las pin−up americanas para crear una imaginerÃ-a totalmente
pop y adaptada a los gustos de la época.
La técnica utilizada es el grabado litográfico que nos recuerda al puntillismo pero es una técnica
contemporánea que permite su reproducción de manera ilimitada.
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