Cuerpo, Juego, Objeto Principios para el Teatro de Títeres

Investigando caminos en el lenguaje
del Teatro de Animación
Cuerpo, Juego, Objeto
Principios para el Teatro de
Títeres
Ministrante:
Luciano Bugmann
Público Cautivo:
Público General, Profesores y Artistas de Teatro
DESCRIPCIÓN
El Taller ofrecerá a sus participantes herramientas para poder adentrar con tranquilidad y
seguridad al universo del teatro de títeres; para desarrollar con calidad el oficio de
titiritero, sea en el ámbito artístico, pedagógico o mismo como entretención.
Proporcionaremos elementos para identificar los puntos clave para un excelente manejo
de títeres, muñecos u objetos, bien como nociones prácticas de dirección para
construcción de cuadros y obras.
El trabajo estará enfocado en conceptos contemporáneos de este arte: la utilización del
cuerpo, el juego dramático, la utilización de la voz, la dramaturgia y principalmente los
principios fundamentales para lograr una correcta y efectiva manipulación de los
muñecos.
OBJETIVOS
El taller tiene la fuerte intención de despertar en los participantes la conciencia de su
cuerpo y posibilidades de movimiento a través de juegos dramáticos. El cuerpo es llevado
a comprenderse y comprender el objeto, cuando es parte del y cuando el cuerpo
desaparece. Captando un campo más allá de las aplicabilidades tradicionales del Teatro de
Animación, sin nunca olvidarla.
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Compañía MestreLunas Teatro de Animación
lucianobugmann@gmail.com
Investigando caminos en el lenguaje
del Teatro de Animación
Objetivos específicos:
Desarrollar la percepción para las herramientas corporales destacando el cuerpo como
primera forma a ser manipulada.
Trabajar el raciocinio para la construcción dramatúrgica.
Formar y estimular la capacidad critica en relación al Teatro de Animación.
Producir discusiones al respecto de la historia del teatro de muñecos, sus diferentes
técnicas y líneas de pensamiento.
Manipular objetos.
CONDICIONES TÉCNICAS
Participantes:
Edad:
Duración:
Horario:
Requerimientos:
Materiales:
Máximo 20 personas (mínimo 10)
A partir de 16 años
20 horas.
4 horas clase
Los participantes deberán, NESCESARIAMENTE, vestir ropas
confortables y principalmente flexibles. Traer toalla pequeña.
Para el taller se utilizan materiales de uso doméstico y cotidiano.
Cinta adhesiva, tijera, plumones, cordeles, hojas de papel, pedazos de
tela, bolsas plásticas.
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Investigando caminos en el lenguaje
del Teatro de Animación
Principios del Lenguaje*
Elementos técnicos de analice que son la base del camino pedagógico del curso.
Ahorro de medios: Principio que trabaja el menor número de recursos para realizar
determinada acción. Implica en seleccionar los gestos más expresivos, el movimiento
preciso, limpio, sin titubeos, y claramente definido. Es como comprender que “menos vale
más”, o sea, NO ES LA CANTIDAD DE GESTOS QUE GARANTIZA la calidad de la acción
Foco: Es la definición del centro de la atención de cada acción. La noción de foco puede
ser ejemplificada en momentos en que el muñeco proyecta su mirada hacia el objeto o
personaje con quien contracena. Cuando existen diversos muñecos en escena y apena uno
esta realizando una acción, todos dirigen su mirada al que realiza esta acción. Esto
entrega la noción de foco, define el lugar donde el público debe concentrar su mirada
La mirada como indicadora de las acciones: Principio que se realiza, cuando el
muñeco, antes del inicio de determinadas acciones, mira hacia el punto exacto de
desplazamiento. Este principio también sirve para destacar la presencia de un personaje
en escena. La precisión de su mirada es determinante e indica al espectador lo que debe
ser observado. Eso requiere un movimiento de cabeza amplio y definido para dar la
sensación de que el muñeco mira. Es común escuchar de actores/titiriteros
"experimentados" que el muñeco mira con la cabeza no solamente con el ojo.” El resorte
del movimiento es la mirada.
Triangulación: Recurso que se realiza con la mirada y colabora para “dialogar” con el
espectador, haciéndolo “entrar” en la escena. Tratase de un truco hecho con la mirada
para mostrar al espectador lo que pasa en la escena, evidenciar la reacción de un
personaje, destacar la presencia de un objeto. El muñeco interrumpe la acción con objeto,
(congela) dirige su mirada hacia el público, vuelve a mirar para el objeto y reinicia la
acción
Cuando hay dos muñecos hablando en el escenario, una de las formas más comunes para
realizar la triangulación es hacer con que el muñeco que habla y actúa, mira al público
mientras es observado por el otro muñeco que permanece inmóvil. Cuando haya
terminado su discurso o acción, devuelve su mirada al segundo los papeles se invierten. Es
decir, el que actúa y habla, mira hacia al público, mientras es observado por el otro
muñeco. Es el triángulo: el personaje que sirve al público y el segundo carácter. Esto
también se establece el centro de la escena y capta la atención del espectador.
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La partitura de gestos y acciones: Es la escrita escénica que detalla de la secuencia de
movimientos, acciones y gestos de cada personaje en el espacio, en cada una de las
escenas del espectáculo. La construcción de la partitura es creación del actor animador en
parceria con el director obedeciendo determinaciones de las técnicas de animación, a la
materia con la cual fueron confeccionados los muñecos, a las articulaciones de su
estructura física y a la conducción del personaje. Vale destacar aun la vinculación entre los
gestos y acciones del muñeco con los principios estéticos del espectáculo. Por lo tanto, la
creación de la partitura de gestos y acciones no es creación aleatoria del actor titiritero: su
construcción mantiene estrechos vínculos con la concepción del espectáculo teatral.
Subtexto: Es una creación interna del actor, pautada en las intenciones de cada
personaje, y que apoya la construcción y presentación de la partitura de gestos y acciones.
Según Pavis es aquello que no está dicho explícitamente en el texto dramático, pero queda
visible en la manera por la cual el texto es interpretado por el actor. El subtexto es una
especie de comentario efectuado por la puesta en escena y por el juego del actor, dando al
espectáculo la luz necesaria para su entendimiento. La construcción del subtexto puede
funcionar como una guía al actor titiritero para sostener la actuación de la marioneta.
El eje del muñeco y su manutención: Consiste en respetar la estatura corporal y su
coherencia con la columna vertebral del ser humano u obedecer la postura animal cuando
el personaje es de esta naturaleza. Es importante aproximar el muñeco de la forma
“natural” del personaje que representa. Exige observar la posición de las piernas, columna
vertebral, verticalidad del cuerpo del muñeco cuando se trata de un muñeco de tipo
antropomorfo. Cuando el actor titiritero no mantiene el eje corporal del muñeco, colabora
para la pérdida de credibilidad del personaje en escena porque evidencia el hecho de ser
manipulado.
Relación frontal: mantenerla es actuar de forma que el público no pierda la visión del
rostro o mascara del muñeco. Cuando el muñeco realiza acciones en que esconde su rostro
por un tiempo prolongado es difícil mantener el foco y la atención del espectador en la
escena. El personaje pierde fuerza y da la impresión que vuelve a ser objeto o materia de
la cual es confeccionado el muñeco.
Movimiento es frase: Trabajar con este concepto implica superar la idea de trasladarse
al azar o sacudir el muñeco en escena, implica disecar los movimientos, dándoles la
“puntuación” adecuada, incluyendo “puntos” y “comas”. Cada acción tiene sus
movimientos realizados en una secuencia que implica finalizarlas para después realizar el
movimiento subsecuente. Remite a la necesidad de cuidar de la finalización de cada gesto
y acción ayuda a definir los diferentes ritmos presentes en cada acción. Binomios como
acción – reacción, silencio – ruido, inmovilidad – movimiento pueden ser referencias
importantes para el actor titiritero realizar este trabajo.
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La respiración: hacer con que el muñeco u objeto respire completa la noción de estar en
movimiento, de estar vivo. Encontrar el movimiento justo para dar la idea de que el
muñeco respira exige la amplitud de este movimiento, una vez que el muñeco respira con
todo el cuerpo. Por eso el actor animador busca encontrar el movimiento justo para dar
veracidad a esta respiración. Muchas veces el muñeco respira en sintonía con la
respiración de su animador. Muchos gestos son impulsados por el acto de inspirar. Las
emociones vividas por el personaje muñeco también están relacionadas con la
inspiración/respiración: reaccionar con rabia implica en respirar de forma distinta a la
que ocurre al recibir un cariño. Es necesario largo tiempo de “convivencia” con el muñeco
para encontrar el movimiento justo. Tratase de un movimiento dilatado, diferente del
modo de respirar humano, pero fundamental para dar calidad a su actuación. Cuando la
respiración es hecha adecuadamente, el muñeco parece vivo y su actuación es
convincente.
La neutralidad: Este principio tiene generado muchas controversias, porque es difícil
concebir la idea de presencia neutra en la escena, una vez que todo lo que está en el
escenario adquiere significado. La “neutralidad” es acá concebida como predisposición del
actor animador para estar al servicio de la forma animada, tornarse invisible en escena,
atenuar su presencia para valorar la del muñeco. Supone suprimir muecas, suspiros,
miradas y ahorrar gestos del actor animador para evidenciar las acciones del muñeco.
Tratase de trabajar con la noción de conciencia de estar en escena, lo que exige gestos
comedidos, discretos, elegantes, suficiente para que remeta el foco de las atenciones al
muñeco presente en la escena y no en su animador. Cuando los gestos del actor titiritero
son más elocuentes que la presencia del muñeco, crease un duplo foco que desvaloriza la
escena.
* Del Articulo Principios del Lenguaje. Dr Valmor Nine Beltrame
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