Germán Prentki - Escuela Universitaria de Música

3er. Festival de Violoncellos de la Escuela Universitaria de Música
Recital de los Profesores GERMAN PRENTKI y LUCRECIA BASALDÚA
Johann Sebastian Bach
Suite No. 1
Preludio
Allemande
Courante
Sarabande
Minuet I – II
Gigue
Raul Jaurena
Aire de tango y Milonga
Germán Prentki
Marita Perdomo
Muerte en Nueva Palmira (estreno mundial)
Miguel Angel Scebba
Monólogo (estreno mundial)
Lucrecia Basaldúa
Francois Couperin
Concert a deux violoncelles
Prélude
Air
Sarabande
Chaconne
Luiggi Boccherini
Sonata en Do Mayor
Allegro
Adagio
Allegro
José Luis Elizondo
Otoño en Buenos Aires (primera audición en Uruguay)
Germán Prentki
Lucrecia Basaldúa
Miércoles 6 de Agosto de 2013 - 19:30 hs
TEATRO de la FACULTAD DE ARTES
ESCUELA UNIVERSITARIA DE MÚSICA
Av. 18 de Julio 1772 Tel. +598 2403 6440
LOS INTÉRPRETES
GERMÁN PRENTKI
Comenzó su carrera profesional a la edad de 16 años en la Orquesta Sinfónica del S.O.D.R.E. Montevideo (URUGUAY) para luego
continuarla en Europa en diversas orquestas. Así es que fue violonchelo solista de la Orquesta Sinfónica de Haifa (Israel), de la
orquesta del Teatro del Giglio en Lucca y de la Orquesta del Festival Puccini en Torre del Lago (Italia), fue invitado a la gira
Europea de la European Master Orchestra.
Como solista ha sido invitado en varias oportunidades al Festival de Invierno en Mallorca y también dio conciertos en Alemania,
Suiza, Italia y España. Formó parte de diversos conjuntos, entre otros el Trío Prentki y la Orquesta de Cámara Tibor Varga. En
1992 realiza su debut en Nueva York con el conjunto Guitar Among Others.
Germán Prentki inicio sus estudios de violonchelo con Pedro Laniella (en la escuela Municipal de Música y el Conservatorio
Universitario de Música) y finalizó los mismos con Andre Navarra en la Musikhochschule en Detmold (Alemania)
Desde 1988 es integrante de la Philharmonie Südwestfalen y desde 1994 miembro fundador del Cuarteto Prentki.
En 1999 graba junto al pianista Stefan Irmer el CD Cello Passion el cual fue admirado por la critica europea. En el 2001 con el
Cuarteto Prentki un CD con obras de compositores sudamericanos y en el 2003 su nuevo CD Only Cello el cual acaba de presentar
en Alemania con una gira de 20 conciertos. Cabe destacar la labor de Germán Prentki como intérprete de la música sudamericana
la cual lo lleva a colaborar con compositores tales como Luid Di Matteo, Raúl Jaurena, Rene Marino Rivero, Lamarque Pons,
Ipuche-Riva, Beatriz Lokhart y Osvaldo Lacerda entre otros.
Desde el 2006 tiene un proyecto llamado Tango de Concierto, en el cual alternativamente con Julio Cobelli (Guitarra) y Raúl
Jaurena (Bandoneón) ha ya grabado 3 CD´s y realiza varias giras por Europa.
Ha participado como Profesor invitado en los Festivales de Violoncello organizados en la Escuela Universitaria de Música, desde el
año 2011.
LUCRECIA BASALDÚA
Violoncellista de amplia trayectoria en nuestro país. Profesora de la Cátedra de Violoncello de la Escuela Universitaria de Música,
Asistente de Solista de la Orquesta Filarmónica de Montevideo, Segundo solista Interino de la Orquesta Sinfónica del SODRE, puestos
ganados por concurso de oposición y méritos.
Inicia sus estudios musicales a temprana edad en el Conservatorio Falleri Balzo, con los profesores Pedro Laniella en violoncello, Ofelia
Morales en piano, y complementando sus estudios musicales con Hugo Balzo y Fanny Ingold.
Continua sus estudios con los profesores Juarez Johnson y Marie Alicie Brandao en Argentina y Brasil respectivamente, y participa en
distintos cursos con los profesores Roger Malitz, Marcio Malard, David Chew, Frank Lamsweerde, Wolfgang Laufer entre otros.
Como intérprete en música de cámara, se destaca el trabajo realizado con el Cuarteto Anahí, con quien trabajara con la guía de violinista
Fernando Hasaj. Ganadora del Primer Premio del Concurso Internacional de Música de Cámara de la Fundación Luis Tróccoli en el año
2002 integrando el Trío Arsis. Es elogiada su participación en el disco “Te amo Tango”, grabado en New York, del bandoneonista Raúl
Jaurena, quien fuera galardonado con el Grammy Latino. Junto al conjunto Quixote, ha participado en diversos ciclos de música de
cámara organizados por el Sodre y la IMM.
Se presenta como solista con la Orquesta Sinfónica del Sodre y con la Orquesta Filarmónica de Montevideo, bajo las batutas de Tiago
Rocha y Martin Lebel.
Ofreciendo recitales, se presenta en salas del Uruguay, Argentina, Brasil, Panamá y Estados Unidos. Ganadora de los premios en los
concursos nacionales y extraordinarios organizados por la Asociación de Estudiantes de Música (AEMUS) y Juventudes Musicales del
Uruguay.
Profesionalmente, incursiona en diversos géneros musicales, mientras se distingue en estrenos de obras de compositores tanto uruguayos
como extranjeros, apuntando especialmente a ampliar el repertorio latinoamericano para el violoncello de los siglos XX y XXI.
En su actividad docente, integra el staff de profesores de la Camerata Alfredo de Saint Malo, ejerciendo actividad docente y realizando
conciertos en Panamá. Es integrante del staff de profesores de Sembrando Talentos Uruguay, participando de los festivales anuales como
docente y realizando diversos conciertos.
Dentro de la actividad que realiza en la Cátedra de Violoncello de la EUM, se destaca la organización de masterclasses, seminarios de
interpretación y festivales con profesores de trayectoria internacional.
LOS COMPOSITORES
JOHANN SEBASTIAN BACH
Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach, Turingia, en el seno de una familia que durante siete generaciones dio origen, al menos, a 52
músicos de importancia, desde Veit Bach (?-1577) hasta Regine Susanna Bach (1742-1809), éste músico sobresale dentro de una genuina dinastía
de artistas que se remonta hasta el siglo XVI.
Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, Johann Ambrosius, que era músico de la ciudad. A la muerte de su padre, se fue a vivir y
estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph, por entonces organista de Ohrdruff.
Johann Sebastian Bach viajó por Europa durante el siglo XVIII trabajando como organista y compositor del periodo barroco, aunque también
tocaba el clavicémbalo y el violín, trabajo al servicio de la iglesia y de la realeza.
Sin embargo, en Kothen, la residencia en Sajonia donde Bach alcanzó su más alto estatus social en su condición de maestro de capilla de la corte,
pudo vivir y crear sobre terreno fértil desde 1717 hasta 1723, muchas de sus obras instrumentales.
Decidió convertirse en el sucesor de Johann Kuhnau, fallecido en 1722, como chantre en la iglesia de santo Tomás de Leipzig, a pesar de las
fastidiosas riñas con el limitado consejero de la ciudad de Leipzig, Bach permaneció allí hasta el final de su vida, y en este tiempo fue el
responsable de la música eclesiástica y del collegium Musicum de la universidad, que había sido fundado por su amigo Telemann.
Muere en el año de 1750.
Las Suites para violonchelo solo, BWV 1007-1012 son un conjunto de piezas escritas por el compositor barroco alemán Johann Sebastian Bach.
Aunque resulta difícil establecer con exactitud cuándo fueron compuestas, sabemos que las suites vieron la luz durante el llamado "período de
Cöthen", cuando Bach ejercía como maestro de capilla en la corte del príncipe Leopold. A diferencia de la otra gran colección bachiana para
instrumento de cuerda solo, las seis Sonatas y partitas para violín, no conservamos el manuscrito del propio compositor, sino una copia redactada
por su segunda esposa, Ana Magdalena, y que debemos fechar en torno a 1720 o 1721.
FRANCOIS COUPERIN
Nació el 10 de noviembre de 1668 en París. Sobrino de Louis Couperin, su padre, Charles, heredó de Louis el puesto de organista en la iglesia de
San Gervais de París (puesto que perteneció a la familia Couperin hasta 1826). Falleció en 1679 y a François se le educó para ocupar su puesto.
Con diecisiete años comenzó a trabajar y varios años más después también fue organista de la capilla real y director de música de la corte de Luis
XIV. En 1689, obtiene la licencia para poder imprimir su música y contrae matrimonio con Marie Ansault con la que tuvo cuatro hijos. En 1702 es
nombrado Caballero de la Orden de Letrán.
Autor de cuatro volúmenes de música para clavecín (1713-1730, que influyó sobre Johann Sebastian Bach), grupos de pequeñas piezas, satíricas o
profundas, basadas en ritmos de danza. Su tratado El arte de tocar el clavecín (1716-1717) es un documento imprescindible sobre la técnica de
teclado del siglo XVIII.
Fue el introductor en Francia de la sonata para trío, aunque dio un tratamiento típicamente francés en la melodía y la ornamentación. De su obra
destaca la colección Les nations (1726) y los doce conciertos para clavecín e instrumentos (1714-1724). Entre su música religiosa las tres Leçons
ténèbres (1714-1715), para voces solistas, órgano es instrumentos. Sus misas para órgano se encuentran entre las mejores partituras de la música
francesa barroca para ese instrumento.
A partir de 1723 la enfermedad le hace abandonar sus cargos públicos; ese mismo año cede su puesto en St. Gervais a su hija, y en 1730 abandona
el cargo de organista real.
François Couperin falleció el 11 de septiembre de 1733, en París.
LUIGI BOCCHERINI
Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca (Italia).
Cursó estudios en su ciudad natal, y algún tiempo después en Roma. Durante algún tiempo, formó parte de la orquesta del compositor Giovanni
Battista
Sammartini.
Más
tarde
trabajó
como
compositor
en
las
cortes
de
España
y
Prusia.
Comenzó a vivir en 1769 en Madrid, donde ejerció como compositore e virtuoso di camera de don Luis, infante de España. La mayor parte de sus
más de 350 obras son tríos, cuartetos y quintetos para cuerda, marcadas por el refinamiento del estilo postbarroco.
El instrumento principal de sus composiciones es el violonchelo. Entre todos sus quintetos, el que está en la tonalidad de mi mayor (opus 13 nº 5;
también numerado como opus 11), es famoso por su minué. Entre las obras para violonchelo destacan las 6 sonatas para chelo y bajo continuo y
los 4 conciertos.
Luigi Boccherini falleció el 28 de mayo de 1805 en Madrid en la miseria, pues, protegido inicialmente por el infante Luis, a la muerte de éste no
logró el favor de Carlos IV.
RAUL JAURENA
Es uno de los bandoneonistas más prominente. Su música se refleja como un homenaje muy personal a las influencias de su país natal, América
del Sur y su ciudad adoptiva de Nueva York. Combina las raíces tradicionales del tango y el estilo del "Nuevo Tango", influenciado por Astor
Piazzolla.
Se crió en Uruguay y su padre le enseñó a tocar el bandoneón - a la edad de ocho años ya se había unido a una orquesta de tango.
La fascinación por esta música emocional lo atrapó y no lo soltó desde entonces.
Como miembro y adaptador de renombrados conjuntos de tango en los años sesenta y setenta en Uruguay, Argentina, Brasil, Chile, Ecuador y
Venezuela, Raúl Jaurena, establece las vías para su carrera.
Una actuación, junto con Astor Piazzolla en el Festival de Jazz de Montreal resulta ser rector de su desarrollo musical. La conservación del
espíritu musical de Astor Piazzolla, se convierte en su vocación personal. Interpretaciones de Jaurena de tango se enriquecen por las influencias
del jazz, sus propios arreglos e improvisaciones espontáneas que fascinan a una nueva generación de oyentes y bailarines , además, sus
actividades siguen siendo tan multifacéticas como el propio artista.
Sus arreglos y sus habilidades como compositor y como solista lo hacen igual de popular tanto en los EE.UU. y en Europa.
La suite de ballet que compone en 1995 para la Compañía de Danza Irene Hultman se estrena en Nueva York y poco después de recibió el premio
"Bessie". Durante el mismo año fue invitado a la Casa Blanca y recibió una nominación al Grammy por su CD Tango Bar.
En 2007 ganó un Grammy Latino por Mejor el Álbum de Tango "Te amo Tango". lo largo de los años se hace cargo de la dirección musical de
muchos otros proyectos de esa etapa y entre otras cosas, con la actuación de artistas españoles invitados en el teatro Thalia en Nueva York.
Como solista toca con destacados conjuntos y orquestas en toda Europa y realiza periódicamente una serie de programas que incluyen música
Klezmer y Tango.
Ha actuado en diferentes Universidades y Escuelas de Música de Tango y en los Simposios en Hannover, Kassel Halle, Hamburgo, Lübeck, Munter,
Lingen, Landshut, Muhigorf, Heidelberg, Bonn, Kiel, Celle, de Würzburg, y Bremen.
Fue nominado al Premio ACE (Asocacion de cronistas de espectáculos de la Ciudad de Nueva York) por su trayectoria profesional. Como resultado
de una continua búsqueda de nuevas experiencias, la música de Jaurena se ha convertido en algo verdaderamente único. Esto refleja las
influencias de diferentes culturas, así como de cien años de historia del tango, con todas sus emociones contradictorias.
MARITA PERDOMO
Nació en Montevideo ,Uruguay. Compone música desde 1993.
Ha realizado estudios musicales con Antonio Domeneguini , Eduardo Alfonso y Daniel López. Armonía con Daniel López,y Gerardo Stezzano. Piano
con los maestros Eduardo Alfonso y Daniel López. Guitarra con Oscar Cáceres. Interpretación Musical con los maestros Jhon Wutsman,
Concepción Badía, María Caniglia (en Río de Janeiro). Composición y orquestación con Daniel López, Diego Legrand y Alvaro Martínez. Canto en
la Escuela de ópera del Sodre. Estudió con Ercilia Quiroga, Raquel Satre, Giorgio Algorta, Alma Reyles, Virginia Castro, Wilfried Jochims, Noemí
Peugia entre otros.
Actuaciònes con orquesta : Ossodre y Orquesta Sinfónica Municipal de Montevideo, con dirección de los Maestros: Alexander Kranhalls,
John.Kerewe, Nino Stinco, Juan Emilio Martini, Domingo Dente, Juan Protasi, Paolo Rigolín, Carlos Estrada, Guido Santórsola, Nilda Müller,
Miguel Patrón Marchand, Mercedes Olivera y otros.
Recibió el Premio Plaqueta de Plata de la Asociación Artística Matilde Bayly en Río de Janeiro.
En 1986, el diario” El País” la seleccionó entre lo mejor del año, por su actuación en La voz humana.
En 1998 “Tiempos Mundo conjuntamente con el SODRE grabó interpretaciones de Marita Perdomo en las óperas La Bohème y Gianni Schicchi
en una cassete, con venta nacional.
En 2000 el FONAM la seleccionó para la subvención de un CD con 19 canciones con textos de poetisas uruguayas de hoy y de ayer, como
Juana de Ibarbourou, Delmira Agustini, María Eugenia Vaz Ferreyra, Iris Bombet Franco , J.J.Morosoli, entre otros.
En 2003 el quinteto del SODRE interpreta Montevideo hora 0.
En 2007 es finalista en Bari (Italia), por su Miniconcierto para piano y cuerdas Montevideo hora 0.
De 2001 a 2007 fue Vicepresidenta de Donne en Música, filial Uruguay de la que es una de sus fundadoras.
En 2009 fue Premiada en Roma por ser ganadora por Uruguay, de la chiamata internacional de la Fundación Adkins Chiti.
De 2009 a 2010 En Roma se realizaron 13 conciertos, incluyendo el Cuarteto de flautas, que fue premiado en noviembre 2009 (Cuarteto dirigido
por Wilma Campitelli).
En 2011 el quinteto del Sodre interpretó Prometeo.
En 2011 la Mzzosoprano Nancy Fabiola Herrera graba El cantar del destino y la soledad, acompañada por el Mtro.Eduardo Alfonso en piano, y
edita un CD con 13 obras de Marita Perdomo.
En 2012 el FONAM selecciona su proyecto para editar sus obras para orquesta sinfónica y para Orquesta de Cuerdas y versiones.
En 2013 la orquesta Juvenil Del MEC con Dirección del Mtro. Carlos Weiske interpreta en el Espacio Cultural de La Spezia ,su obra para Orquesta
de Cuerdas, PROMETEO.
Muerte en Nueva Palmira fue creada por el dolor provocado por un hecho que conmocionó a la sociedad uruguaya, cuando un grupo de niños
maltrataron a un animal indefenso.
MIGUEL ANGEL SCEBBA
Intérprete de gran trayectoria, sus giras lo han llevado ya a más de 15 países de Europa y las tres Américas. Nacido en Buenos Aires, Scebba inició
su formación en la Argentina, completándola en Ukrania y finalmente en Rusia, a lo largo de cuatro años, bajo la guía del maestro Vladimir
Natanson en el Conservatorio Tchaikowsky de Moscú. Su registro de la Sonata op. 22 de Schumann fue comparado por la “Folha de Sao Paulo” con
el del célebre Sviatoslav Richter.
Scebba se cuenta entre los raros pianistas latinoamericanos que realizaran varias giras extensas por la ex-Unión Soviética (1976/81/85), cuyo
público y crítica eran de proverbial exigencia artística. Realiza anualmente extensas giras de recitales y conciertos con orquesta por la mayoría
de los países de Europa occidental y oriental. En la Argentina fue destacada por la crítica porteña su actuación en el teatro Colón ejecutando la
Sonata para dos Pianos y Perusión de Bartok en el festival que el primer coliseo dedicara al compositor húngaro. En América Latina ha actuado
con orquestas como Filarmónica de Buenos Aires, Sinfónicas de Mar del Plata, San Juan, Mendoza, Concepción, La Serena, Curitiba, Sao Paulo, La
Habana, bajo la batuta de prestigiosos directores como Pedro Ignacio Calderón, Enrique Ricci, Joachim Harder, Nicolás Pasquet, Alex Smirnoff,
Nicolás Rauss, Jorge López Marín y Lior Shambadal, entre otros.
Posée un vasto repertorio, en el que predominan obras del período romántico y de compositores rusos. Ha realizado el ciclo completo de las 32
sonatas de Beethoven y su repertorio con orquesta ronda los cincuenta conciertos.
Ha realizado numerosa actividad como músico de cámara con prestigiosos músicos argentinos y estadounidenses. Fue profesor visitante o artista
en residencia en las siguientes universidades: Miami University, Vilanova (Philladelphia), Temple (Philladelphia), Concepción (Chile), Chile
(Santiago), Cuyo (Mendoza), La Habana (Cuba), La Serena (Chile), State Academy of Music de Sofia (Bulgaria) y Conservatorio Tchaikowsky de
Moscú. brindando master classes y recitales. También es frecuentemente invitado como miembro de jurado en prestigiosos concursos
internacionales. Desde 1990 es profesor titular de la cátedra de piano en la Universidad Nacional de San Juan – Argentina. Profesor permanente
de la Maestría en piano de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá) e invitado anualmente a brindar masterclasses en el ciclo del
Conservatorio Beethoven de Buenos Aires que dirige la prestigiosa pianista argentina Pía Sebastián.
Scebba es también un compositor prolífico: siete sinfonías, algunas grabadas por la Orquesta Sinfónica de la Universidad de San Juan (Argentina),
así como numerosas obras de cámara, para órgano y obras vocales, muchas de ellas estrenadas en Francia y Rusia.
Monólogo, fue escrita en 2012. Inspirada en una obra de Chejov , "Sobre el daño que hace el tabaco". Se trata de un profesor que sale a dar una
conferencia sobre ese tema. Es un monólogo en un acto, sólo el actor que desde un escritorio le habla al público. Empieza todo serio, se propone
explicar científicamente el asunto pero poco a poco va derivando hacia su vida personal, la cual es un desastre, llega a un climax desgarrador y
finalmente se despide, presa de una gran melancolía.
LUIS ELIZONDO
José L. Elizondo recibió grados en Música, Humanidades e Ingeniería Eléctrica del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), donde sus principales
maestros de composición fueron Peter Niño y Edward Cohen. En Harvard, estudió análisis musical, orquestación y dirección de orquesta con Robert Levin,
James Yannatos y Jameson Marvin respectivamente.
Composiciones de Elizondo se han presentado en numerosos festivales de todo el mundo, incluyendo el Festival de Banff International en Canadá,
el Festival Castillo Ayton Música en Escocia, el Laboratorio Novamusica Contemporary Music Series en Italia, el Festival ADUR en Inglaterra, el
Festival de la Herencia Hispana, la América Festival, el Festival Jornadas Mexicanas 2002 en los Estados Unidos, el Festival Internacional Sefika
Kutluer y el Festival American Masters.
Otoño en Buenos Aires es una pieza de sus Danzas Latinoamericanas, encomendada por el Violoncellista Carlos Prieto.