La escuela al cine: Patoruzito, Buscando a Nemo

PROGRAMA NACIONAL
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Introducción
El cine y la educación
Las películas hacen algo más que entretener.
Ofrecen visiones del mundo, movilizan deseos,
influyen sobre nuestras posiciones y percepciones de la realidad, y nos ayudan a construir un
fresco de la cultura y la sociedad.
Los filmes apelan y evocan la memoria pública.
Ponen en relación nuestros deseos personales
con las aspiraciones sociales. Las películas llevan
ideas a nuestras conversaciones públicas y cotidianas. No sólo reflejan la cultura, sino que la conforman y construyen. Son un espacio que permite conocer la visión que una sociedad tiene de sí
misma y son por ello, un punto de partida común
desde el cual las personas pueden dialogar y
repensar sus propias historias, como individuos y
como sociedad. Las películas participan de la
construcción de identidades individuales y colectivas.
Los filmes nos permiten entender la cultura
más amplia y descubrir cómo influyen en nosotros. Generan identificaciones y afectan el modo
particular en que comprendemos el mundo y
percibimos la realidad. Cumplen un papel activo
en la conformación de nuestro sentido de vida
cotidiana.
Esto, que sucede con los adultos, se acentúa
con los jóvenes. Las películas desempeñan un
papel fundamental en la vida de los estudiantes.
Precisamente porque la cultura popular es uno
de los espacios en los que niños y jóvenes configuran sus identidades individuales y colectivas.
Aprenden “lecciones” acerca de cómo verse y
narrarse a sí mismos en relación con los demás.
Descubren cómo es y funciona la sociedad en la
que viven, y cómo se los define socialmente.
Los niños y jóvenes aprenden a partir de la
exposición a un filme. Y ello les proporciona un
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nuevo registro cultural de lo que significa estar
alfabetizado. Las películas podrían llamarse
“pedagogías públicas”, en la medida que subrayan la necesidad de nuevas formas de alfabetización, y que participan de la construcción del
conocimiento. Los filmes que los chicos ven, descentralizan al aula como único espacio en la
construcción de su identidad, a la vez que amplía
las posibilidades de enseñar a los estudiantes
múltiples maneras de leer y escribir el mundo.
El cine –y la cultura popular en general– debe
incorporarse a la escuela como objeto de estudio
y análisis. Ello supone una reconsideración de lo
que se entiende por conocimiento útil, una
reconsideración del sentido, el rango y las posibilidades de lo que la escuela considera conocimiento en sí.
Los dibujos animados, también representan
formas de ver e interpretar la realidad. Más allá de
ser un género que nos entretiene y seduce con su
magia, los dibujos animados nos presentan
modelos de identidades, de familias, de hombres,
mujeres y niños. De valores, comunidades y culturas. Nos proponen una mirada del mundo
entre las múltiples posibles.
El cine –como las demás expresiones de la cultura– tiene un sentido pedagógico amplio y cumple una función educativa porque remite a
memorias, historias, modos de vida, valores ...
Por ello, decimos que el cine habla de la sociedad y construye la cultura pública. Y ésta es precisamente la propuesta y el valor de incorporar el
cine en la escuela: pensar en “nosotros” y “los
otros” a través de las historias, narraciones e imágenes que nos ofrece la pantalla grande.
Patoruzito
Ficha Técnica:
Producción ejecutiva
Juan Pablo Buscarini
Dirección de arte
Edgar Simkin
Montaje
César Custodio
Sonido
Diego Arancibia
Producción
Pablo Bossi
Dirección de producción
María Laura Moure
Dirección de animación
Franco Bíttolo y Alberto Grisolía
Animación
Cristian Morales (Supervición en 3D)
Jorge Marinucci y Mariano Sister
(intercalado)
“(…) Hoy las películas de mayor éxito son las que están hechas en 3D, estas son las que rompieron el molde.
El primer gran logro de taquilla, que obtuvo Pixar, fue Toy Story. Ellos la produjeron después de haber ganado un Oscar en el ¨90 como mejor corto animado. Casualmente, este trabajo estaba hecho en 3D. Ya desde
entonces se veía venir una evolución. Creo que dieron e la tecla con una nueva forma de animación. Se toma
una parte del cine tradicional que algunos llaman clásica o 2D –como Pinocho, Bambi, o El rey León– pero
se desarrolla de otra manera porque al emplear animación en 3D,no sólo generás más impacto en el espectador sino que también conseguís una forma de narración mucho más cinematográfica. Eso, sumado a una
nueva generación de guionistas un poco más jugados en el humor, da como resultado el fenómeno del que
hoy estamos hablando”.
Juan Pablo Buscarini, productor ejecutivo de Patoruzito - Cinemanía, Julio 2004
La Escuela al cine 3
Un poco de historia
La historieta:
El inicio del dibujo animado
La historieta –origen y antecedente del dibujo
animado– adopta su forma actual, tal como la
conocemos hoy, en 1895, el mismo año en que
nace el cine y un año antes de la aparición de la
radio. La historieta, también llamada “cómic”, se
sitúa como uno de los medios de expresión más
característicos de la cultura contemporánea. Su
gran desarrollo y difusión tuvo que ver con la circulación que comenzó a tener el periódico en el
mundo, a partir del abaratamiento de sus costos
de producción y del aumento en la velocidad de
las comunicaciones.
La historieta supone la combinación de elementos visuales, gráficos y literarios. Traza la realidad en el papel, nos propone una serie de imágenes (fijas, a diferencia del cine o la televisión), y
se orienta fuertemente a la acción. Estas características le han permitido desarrollar un lenguaje
específico, el lenguaje de la historieta.
Al igual que en los filmes, la historieta tiene un
lenguaje propio y códigos que la definen, pero es
necesario interpretar sus contenidos en el contexto en el que se producen, para analizar lo que
quieren transmitir y las formas en que representan identidades, comunidades y lugares.
Patoruzú1
Patoruzú se convirtió en un “héroe nacional”, ideado por Dante Quinterno, el 19 de octubre de
1928.
Patoruzú narró, a partir de 1936 y durante cuatro décadas, las aventuras de un generoso indio
terrateniente, en los comienzos de la depresión
económica. Este indio era feo, muy fuerte, muy
bueno, y solía mantener enfrentamientos cómicos aunque no humorísticos, con ladrones y
delincuentes comunes.
Uno de los personajes que acompañó a Patoruzú fue su padrino, Isidoro Cañones, representante del “porteño vivo”, egoísta, buscador de dinero,
fanfarrón, desconfiado y vividor. Aun cuando, en
los momentos claves siempre está junto a Patoruzú (no es tan malo después de todo). El otro personaje que acompaña al protagonista es Upa, su
hermano menor. Sus enemigos (también de
minuciosa descripción) suelen responder a los
1. Fuente: Leyendo historietas. Oscar Steimberg. Nueva Visión. Buenos Aires, 1977.
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modelos que circulaban en la sociedad en aquel
momento.
Patoruzú es sinónimo de perfección moral. Aun
sus demostraciones de fuerza están acompañadas
de virtudes nacionales. Patoruzú también responde a un estereotipo social: es “gaucho” por su bondad, usa boleadoras (que lo acompañan a todos
lados) toma mate, come empanadas, grita “¡Huija!”
el 25 de mayo, es patriota, servicial y está siempre
dispuesto a ayudar a los desamparados con dinero.
Patoruzú representa la “mezcla” de identidades
que de alguna manera vivía el país a principio del
siglo veinte, cuando esta tira comenzó a aparecer.
Patoruzú es un indio con ropa de indio, alma y
boleadoras de gaucho, vive en una estancia, y
comparte su cotidianeidad con un personaje casi
porteño. La aparición de Patoruzú se produjo
muy poco tiempo después de los últimos exterminios de indios realizados en el sur argentino en
beneficio de los terratenientes.
Quizás por ello, aunque es cacique, no parece
cien por ciento indígena. La condición telúrica de
Patoruzú parece algo confusa. Tiene virtudes gauchas pero es un indio; y los indios y los gauchos no
han sido, en la historia argentina, una unidad
social. Es un terrateniente, y, a la vez, un cacique
del sur; una dualidad presente en un tiempo de
matanzas a los indios de las que fueron en gran
medida responsables los terratenientes del sur.
Un 11 de octubre de 1945 apareció "Patoruzito",
que surgió como un personaje para un público
más infantil que el ya popular "Patoruzú". Como
era de esperar, Patoruzito era un chico noble,
valiente, fuerte, dotado de un genuino ingenio
criollo, más avispado que el personaje de Patoruzú y con un alma generosa. Su personalidad se
oponía a la de su amigo Isidorito, quien llegaría a
ser, con el paso del tiempo, el padrino Isidoro,
símbolo de la viveza y la picardía porteña.
¿Sabías que...?
Dante Quinterno fue un gran admirador de
Walt Disney y esto lo llevó a “animar” a Patoruzú a principios de los años 40.
El primer corto, de 12 minutos, contaba la
travesía de Patoruzú para rescatar a su hermano Upa. "Upa en Apuros", verdadero clásico de la animación argentina, contó con una
epopéyica producción debido a la alta calidad de su realización gráfica y la utilización
del color, siendo el primer dibujo animado
local en Technicolor.
La Escuela al cine 5
¿Qué cuenta la película?
“Patoruzito” narra las aventuras del pequeño cacique y las pruebas que debe afrontar cuando llega
el momento de convertirse en el líder de su tribu,
los tehuelches.
La historia comienza en el año 2200 AC, en las
lejanas tierras de Egipto. El imperio está bajo el
mando de Patoruzek 1°, líder noble que brega
por el bienestar de los suyos. “Tierra de luz, son
tus cimientos...” narra la canción, mientras el estilo de los dibujos y el particular color de las imágenes, nos transportan a un momento lejano en
la historia.
No pasa mucho tiempo antes de que se presente el conflicto. El personaje antagónico de Patoruzek es un malvado villano quien desea poseer el
medallón mitológico para adueñarse de un
poder absoluto. Patoruzek logra salvaguardar ese
medallón y decide buscar un nuevo lugar donde
su pueblo pueda vivir en paz.
Esa tierra, ubicada en el fin del mundo, es la
Patagonia argentina. Al descender de la embarcación, las huellas de sus pies quedan marcadas
en la arena. El movimiento de una ola borra esas
huellas para dejar escrito en su lugar, “Patoruzito”.
La escena se ilumina, los dibujos adquieren
mayor brillantez y un cartel nos indica que estamos en la Patagonia nuevamente, pero en el
Siglo XXI. Se inicia de esta manera, el desarrollo
del relato.
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¿De qué y de quién se habla?
Las películas de dibujos animados cuentan historias que nos permiten descubrir distintos grupos
sociales. Construyen un “nosotros” y un “los otros”
con el cual nos identificamos, acordamos, debatimos o disentimos.
“Patoruzito” cuenta la historia de un joven que
debe pasar una serie de tres pruebas para
demostrar que es capaz de liderar a su pueblo. En
cada etapa superada, refrendará que es dueño de
la sabiduría, la bondad y el coraje necesarios
para transformarse en un verdadero cacique.
El filme se construye sobre las mismas bases
que dieron origen a la historieta de Quinterno.
Aparecen los mismos personajes que acompañan al pequeño cacique en sus andanzas y la
lucha entre el bien y el mal continúa siendo el
nudo temático. Además, se incorporan nuevas
figuras que enriquecerán y actualizarán el relato.
“Patoruzito”, de esta manera, retoma características de la historieta, para representar la identidad
nacional y los valores que la sostienen.
De nosotros, identidades y valores
“Patoruzito” apela a ciertos rasgos nacionales y
habla de la sociedad argentina en la que se produjo y a la que se destina el filme. Por eso justamente podemos decir que la película crea un
“nosotros” en relación a la identidad nacional.
Definir las identidades a través de un filme es
una tarea compleja. En “Patoruzito”, rastreamos
ciertas huellas del ser nacional, objetos, prácticas
y costumbres “típicamente” argentinas. Cada uno
de los personajes reforzará estas ideas.
La Chacha será la voz que transmite a Patoruzito la importancia de poseer un alma noble y de
liderar un pueblo y enfatizará la necesidad per-
manente de “defender las tradiciones frente a los
gringos curiosos”. En el salvataje de los caballos
de la rueda de fuego, o cuando pone en riesgo su
vida para salvar al viejo Egolia, Patoruzito reforzará los valores de “ser un buen argentino”. Y siempre con empanadas y un asado con amigos.
El filme construye un “nosotros”. Patoruzito, La
Chacha, sus amigos e incluso Isidorito (con características más ligadas a la pedantería porteña)
integran ese “nosotros”.
Cachicó y sus secuaces Tino y Moncho, son las
figuras antagónicas a Patoruzito y aunque pertenecen a las mismas tierras, no conforman este
“nosotros”; son “los otros”. El otro antagónico, es
Mr. Ferguson, un misterioso arqueólogo extranjero, obsesionado por acceder al Valle Perdido, tierra sagrada y escondida entre montañas, donde
el gran Patoruzek 1ro. fundó 5000 años atrás, la
protegida ciudad de Los Antiguos para los
Tehuelches.
Estos personajes, conforman en el filme los
contravalores, aquellos con los cuales los espectadores no nos identificamos. Sin embargo, al
final de la película, la fuerza de la argentinidad
triunfa y Cachicó se alía a Patoruzito para vencer
al arqueólogo. Este finalmente se presenta bajo
su verdadera identidad, la de Arotep XXXV y ha
llegado hasta la Patagonia en nombre de sus perversos antepasados, con el fin de robar el mitológico medallón y acceder así a un poder absoluto.
La Escuela al cine 7
¿Cómo se dice lo que se cuenta?
Las películas, articulan imágenes y sonidos, que
conforman lo que llamamos, el texto fílmico. Por
ello, la fotografía, la música, los sonidos del
ambiente, los encuadres, la luz, los planos y el
montaje, son las herramientas que se utilizan
para contar las historias.
Los dibujos animados como género, se estructuran a partir de ciertas especificidades narrativas, con códigos y significados propios. Las nuevas tecnologías de animación dan origen a la animación digital, que es hoy la forma más habitual
en la que se nos presentan los dibujos.
8 Escuela y Medios
La producción de la película se realizó íntegramente en Argentina, y ocupó durante casi
un año de trabajo intensivo, a más de 120
artistas y técnicos (dibujantes, animadores,
expertos en imagen digital, editores, músicos
y sonidistas). Juan Pablo Buscarini es el productor ejecutivo, y Franco Bittolo ha estado a
cargo de la dirección de animación. La banda
musical del filme tiene gran relevancia sobre
la acción y cuenta con temas interpretados
por Los Nocheros, León Gieco y La Mosca.
La luz, el color, la música y el montaje
En “Patoruzito”, la música adquiere un rol relevante. Cada canción ambienta, acompaña y da sentido a las imágenes. “Aquí está tu mundo, aquí está,
aquí está tu historia, cuídala, vuelan las gaviotas en
el viento... aquí están los tuyos, aquí están, con toda
su belleza natural...”, nos dice la canción mientras
en la película el pequeño Patoruzito recorre sus
tierras e interactúa en su casa con los miembros
de su familia.
De la misma manera, al inicio del filme, la música y la letra relatan el conflicto por el que pasa
Patoruzek 1°, antes de partir en búsqueda de
otras tierras: “Hombres ambiciosos, hombres desalmados, que eligen a la guerra antes que a la paz”:..
A su vez, a partir de los encuadres y el tipo de
planos seleccionados, el director le asigna distintos significados a casa escena. En el filme, son
muchas las escenas que muestran los diferentes
ambientes y los cuadros se amplían dando lugar
a objetos y personajes que componen la narración. Cuando se enfocan los rostros de los personajes más detalladamente, es el momento en
que vemos más claramente los sentimientos que
se transmiten en los diálogos y las acciones. Así,
somos espectadores de la alegría, el enojo, la
ambición o la preocupación de Patoruzito, de Mr.
Ferguson, de la Chacha o de cualquier otro protagonista del filme.
“Patoruzito”, como toda película, refleja el contexto social. en el que se produjo. En todo filme,
aún en los históricos, siempre hay huellas del
momento en que se realizó. Cuando comienza la
búsqueda de la piedra azul, Isidorito dice que él
podría encontrarla en un “shopping”. Los “shoppings” nos remiten a la época actual.
El uso del color también es fundamental cuando queremos transmitir sensaciones. Las escenas
se iluminan de diferentes maneras, para trasladarnos en el tiempo y en el espacio, para demostrarnos los distintos sentimientos de los personajes y características, sus alegrías, preocupaciones
o tristezas.
El montaje es uno de los últimos pasos en la
construcción de un filme. Su función es conseguir
que las imágenes seleccionadas y organizadas en
una determinada estructura narrativa, signifiquen los que el director quiere contar.
En “Patoruzito”, somos espectadores de un relato cronológico y lineal, en el cual recorreremos la
historia de los antepasados y las aventuras del
pequeño cacique que quiere transformarse en el
líder de su pueblo, sin interrupciones temporales durante el desarrollo del filme.
La canción que cierra la película, sintetiza de alguna
manera su mensaje. Rescatar el valor de los
suyos, apoyarse en
el regazo de la
familia y bregar
por una causa noble,
fueron motivos suficientes para que
Patoruzito recorriera
su camino hacia el
Valle...
“Vamos, busca tu
destino, busca tu camino,
tienes que confiar...
vamos hasta las
estrellas, las primeras huellas son tu
libertad”.
La Escuela al cine 9
¿Qué dijo la prensa?
"Patoruzito" puede unir generaciones, a
partir de una narración nunca vista en la
producción argentina.
"Patoruzito", filme con identidad
argentina
Por Adolfo C. Martínez - La Nación
Por Pablo Scholz
Los mayores recuerdan a Patoruzito por la historieta, mientras son pocos los chicos que saben quién
es ese indiecito con la plumita en la cabeza. Hasta
hoy. (…) Patoruzito llega con una producción animada nunca vista en la producción argentina. Realizada en los estudios de Patagonik Animation
Group, la apuesta es fuerte desde la técnica del 3D y
el colorido, el abrevar en personajes y situaciones
de tierra adentro, con empanadas, pastelitos y
payada, que puede acercar a los niños a preguntarse qué es ese país que tan poco se ve en la pantalla
grande y en la chica. La película logra mantener
entretenidos a los más chicos, mérito de las imágenes en 3D. El director José Luis Massa (que venía de
Chiquititas y Un hijo genial) impone el ritmo
apropiado, y las canciones, de Los Nocheros, León
Gieco y La Mosca, hacen más que acompañar las
imágenes.
10 Escuela y Medios
El primer acierto de los responsables de esta producción (y no el único) fue el rescate de ese Patoruzito que, según la tradición tehuelche, deberá convertirse en cacique de su tribu. Su vida había transcurrido en la estancia de la Chacha y, rodeado del
cariño de los suyos, vagaba por las tierras patagónicas sin preocupaciones, feliz, en contacto con la
naturaleza. Pero la envidia es mala consejera, y
Cachicó, un niño tan insoportable como dispuesto
a romper con las ideas de hidalguía de los tehuelches, se enfrentará a ese Patoruzito asediado por
tres pruebas de gran riesgo (que, tras vencerlas, lo
elevarán a la categoría de cacique) y por un extraño
expedicionario dispuesto a recuperar un medallón
mágico.
El equipo técnico del film, con el director José Luis
Massa a la cabeza, logró plasmar en impecables
dibujos animados las aventuras y desventuras de
ese indestructible Patoruzito, y supo entretener con
estas andanzas a los pequeños espectadores,
muchos de los cuales, sin duda, se acercarán por primera vez a ese entrañable personaje.
Actividades
Para reflexionar en grupos...
Acerca de los personajes
• ¿Cuál es su vestimenta?
De Identidades
• ¿Cómo aparece representada la identidad
argentina?
• ¿Qué gestos son los que lo caracterizan?
• ¿Qué roles asumen hombres y mujeres?
• ¿Qué dice?
• ¿Qué se cuenta de ellos y ellas?¿Qué no se cuenta?
• ¿Cuál es su rol en la película?
• ¿Qué diferencias encuentran entre las características de hombres y mujeres?
• ¿Cómo son los roles? ¿Quiénes son protagonistas?
• ¿Qué significados tienen sus gestos y vestimenta?
• ¿Qué significados tienen los colores elegidos?
• ¿Cuáles predominan? ¿Qué sensaciones nos
transmiten?
• ¿Y el ambiente? ¿Qué nos cuentan estos detalles?
• ¿Qué cosas aparecen? ¿Cuáles consideran que
en el filme no están?
• ¿Qué paisajes selecciona la película para mostrar el país? ¿Cuáles agregarían?
• Escriban toda la información reunida, en una
hoja. Pueden dividirla de la siguiente manera:
Personaje
Características
Patoruzito
Amigable, valiente...
Mr. Ferguson
deshonesto...
Ambiente
Características
Casa de Patoruzito
Cómoda, luminosa
• Hagan otro cuadro con todo lo que agregarían
como representativo de los argentinos y las
argentinas y los ambientes que sumarían.
• Una vez elaborada esta actividad, circulen entre
los distintos grupos sus respuestas.
• ¿Qué pueden observar? ¿Todos eligieron los
mismos ejemplos? ¿Por qué creen que es así?
¿Todos nos sentimos representados de igual
manera?
La Escuela al cine 11
Armemos nuestra propia historia
Piensen que son los creadores de una historieta,
cuyo contenido y personajes, luego serán los protagonistas de una animación digital.
Teniendo en cuenta lo realizado en la actividad
previa, armen un listado con los temas y características que incluiría una historieta que represente personajes argentinos en la actualidad. Piensen cuáles serían sus características, vestimentas,
y actividades. Hagan una lista con todo lo que
imaginen. Decidan qué temas incluirán en la historieta, y qué técnicas utilizarían para realizarla:
qué colores predominarían, qué objetos se mostrarían, etc.
Una vez realizada, pasen entre los grupos las
producciones finales y revelen las similitudes y
diferencias entre cada uno. Peguen las historietas
en la cartelera escolar o publíquenlas en el periódico escolar. No se olviden de asignarles, un título atractivo y significativo en relación a lo que
quieren decir con su historia.
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Buscando
a Nemo
Ficha Técnica:
Dirección
Andrew Stanton y Lee Unkrich.
Producción
Graham Walters.
País: USA.
Año: 2003.
Productor ejecutivo
John Lasseter y Jinko Gotoh
Duración: 100 min.
Música
Género: Animación.
Thomas Newman.
Personajes
Nemo, Marlin, Dory, Gill, Bloat, Peach,
Gurgle, Bubbles, Nigel, Crush, Coral,
Chum, Pearl, Bruce.
Fotografía
Sharon Calahan y Jeremy Lasky.
Guión
Andrew Stanton, Bob Peterson y David
Reynolds; basado en un argumento de
Andrew Stanton.
Montaje
David Ian Salter.
Diseño de producción
Ralph Eggleston.
Dirección artística
Randy Berrett, Anthony B. Christoy,
Robin Cooper y Ricky Vega Nierva.
La Escuela al cine 13
¿Qué cuenta la película?
“Buscando a Nemo” cuenta la increíble travesía de
Marlín, un pez payaso, que atraviesa el océano en
compañía de Dory, su inseparable amiga azul,
para recuperar a su hijo Nemo, capturado por un
buzo cuando nadaba fuera del arrecife.
La película se inicia con Marlín jugando en el
arrecife con su esposa Coral, recién mudados a
una anémona a la espera del nacimiento de sus
casi cuatrocientos hijos. Mientras conversan
sobre posibles nombres y recuerdos de pareja,
Coral le dice a Marlín que quiere que uno de sus
pequeños peces se llame Nemo. Color, alegría y
ruidos forman parte de la escenografía de la escena, cuando bruscamente todo se vuelve silencio.
Una barracuda se asoma desafiante. Marlín llama
a Coral pero ella acude desesperada a proteger a
sus crías. Marlín intentará pelear contra el gran
pez pero desmayado por un coletazo, al despertar descubre lo peor. En vano, llama a Coral, y
cuando todo parece perdido, en la arena divisa a
uno de sus huevos naranjas, un poco dañado,
pero latiendo con vida. Con el susurro del “Ya, ya,
ya... tranquilo, yo estoy aquí, papi te cuida, no dejaré que nada te pase… Nemo”, se abre el relato del
filme.
Vuelve a iluminarse el arrecife y aparecen Nemo
y Marlìn, unos años más tarde, despertando en su
anémona. Es el primer día de escuela y Nemo
salta impaciente. Su “aleta feliz” –como llaman
con su papá a una de sus aletas más pequeñas
producto del ataque de la barracuda– se mueve
entusiasmada. Marlín es un padre temeroso y
sobreprotector y no hay acciones que reparen la
culpa o aplaquen el miedo de que algo terrible
pueda volver a pasar. Cepillarse muchas veces las
aletas, observar detenidamente hacia los lados
antes de salir, dar la aleta para cruzar, agobiar de
14 Escuela y Medios
recomendaciones al profesor. Nada tranquiliza a
Marlìn.
Cuando todos los pequeños peces se van con
el maestro raya, Marlín se entera que el destino
de la clase es el arrecife. Desesperado va en búsqueda de Nemo, quien harto de su sobreprotección, lo desafía dirigiéndose hacia un bote en mar
abierto. En ese momento, Nemo es capturado
por un buzo, quién traslada al pequeño pez a la
pecera de su consultorio odontológico, en
Sydney.
Comienza así la búsqueda frenética de Marlín
por el océano, pero inmediatamente un nuevo
personaje se inserta en la historia. “Dory” una
amigable pez azul que sufre la pérdida de memoria de corto plazo, será su fiel compañera en la
admirable travesía que estructura el filme. El precavido padre terminará convirtiéndose en el
héroe de una verdadera epopeya cuyo fin es rescatar a su hijo, quién por su parte ha tramado un
descabellado plan junto a sus compañeros de
pecera, para volver sano y salvo al encuentro de
su papá.
¿De qué y de quién se habla?
“Esta película es de una belleza sobrecogedora. Además, incluye elementos de un dramatismo, una emoción y una profundidad
muy realista, así como un divertidísimo
toque cómico. Tengo cinco hijos, así que me
siento muy identificado con la historia. A los
realizadores nos encanta que los sentimientos sean sinceros y auténticos. Aunque
'Nemo' es una historia inventada, se inspira
en situaciones que al público le resultarán
familiares. Por ejemplo, la relación padrehijo, el primer día de colegio de un niño... son
cosas que todo el mundo entiende, a pesar
de que la historia trate sobre un pez que vive
en un arrecife de coral". John Lasseter. Productor ejecutivo de “Buscando a Nemo”.
De nosotros y valores
“Buscando a Nemo”, nos sumerge en un mundo
submarino caricaturizado, pero en el cual todo
goza de un realismo extremo, relatando vivencias
y situaciones humanas. El filme construye el relato, interpelándonos como espectadores, para
que nos sintamos reflejados en situaciones cotidianas. De esta manera, la película crea un “nosotros” que se identifica con los personajes.
Cada uno de los protagonistas del filme animado, se vuelve más complejo a medida que transcurre la película. Y los frecuentes estereotipos de
“buenos y malos” no aparecen: los tiburones
hacen terapia de grupo para contener su desenfrenado deseo de “comer peces”, el odontólogo
no representa “al villano” que captura a Nemo.
Por el contrario, piensa que salvó al pequeño pez
de la soledad del arrecife.
Todos los personajes tienen una historia, un
contexto que también les permite cambiar: Marlín no es el mismo padre en el inicio que al final
del filme. Haber realizado una búsqueda incansable, toparse en su viaje con un tortugo que a
pesar de sus años “sigue joven” y contar a su lado
con su inseparable amiga desmemoriada, hacen
que Marlín se replantee sus miedos.
Por su parte, Nemo puede demostrarle a su
papá y a sí mismo, que puede y que es fuerte
cuando tiene un objetivo. Y Dory, logra “recordar”,
cuando está en compañía.
La película forma así, este “nosotros”. Juega con
nuestras vivencias y recurre a “gags” para conquistar el humor de los adultos. “Los hombres
odian pedir indicaciones”, le reprocha Dory a Marlín mientras buscan el camino a Nemo en el enorme mar azul. “Seguro eran banqueros” – asevera el
tiburón al escuchar el relato desesperado de MarLa Escuela al cine 15
lín por la pérdida de su hijo en mano de los
buzos. Y la música de “Psicosis” que acompaña la
entrada de Darla al consultorio del odontólogo,
es un recurso que remite a una película de Hitchcock para adultos, sin dejar de lado la diversión
de los más pequeños.
“Buscando a Nemo”, como todo filme, refleja el
contexto social. Todas las películas, aún las históricas, hablan del momento en que se realizan.
“Buscando a Nemo” dibuja una representación
de la familia. Hoy no existe un único modelo
familiar y esto es lo que expresa el filme. La familia aparece como sinónimo de refugio, contención, afecto y respeto, pero también y fundamentalmente se conforma en la diversidad. Marlín
tiene a cargo la crianza de Nemo. El primer día de
escuela, son papás los que aparecen conversando antes que llegue el maestro y finalmente Dory
será parte de la familia cuando regresen al arrecife. De esta manera el relato también se acerca a
las audiencias representando realidades múltiples, tales como las que todos vivimos en nuestra
cotidianeidad.
Otro eje importante en “Buscando a Nemo”, es
el valor que los protagonistas de la historia le
asignan a la amistad. Una vez que Nemo es capturado, el relato se abre en dos. Por un lado narra
la búsqueda de Marlín junto a Dory atravesando
los peligros del océano para llegar a Sydney. En
paralelo, somos espectadores de la experiencia
de Nemo: conocerá otros peces y tramará la
huída heroica con el fin de reencontrarse con su
padre y no quedar en manos de “Darla” la odiosa
sobrina del odontólogo, para quien está destinado el pequeño pez payaso.
En ambos casos, el valor de la amistad estructura todo el relato: Ni Marlín ni Nemo hubieran
16 Escuela y Medios
podido lograr sus objetivos en soledad. Dory, es
desde su inocencia muchas veces exasperante, el
permanente respaldo de Marlín. Por otro lado, los
nuevos amigos de Nemo serán el soporte del
niño pez para apaciguar su angustia y el apoyo
en el armado de su huída, hecho que se acelera
cuando Nemo se entera de que su papá ha cruzado todo el océano para dar con él.
De aquí se desprende otro valor: el trabajo en
equipo. Un ejemplo de ello es cuando al son del
“nadaremos” Dory y un gran cardumen son liberados de las redes de los pescadores, gracias a
una estrategia esgrimida por Nemo, previamente
ejecutada en la pecera junto a sus amigos, para
liberarse de la red del odontólogo cuando éste
quería limpiar el tanque.
“Buscando a Nemo” es un filme de animación
para todas las edades. Representa las relaciones
de los padres con los hijos, de los amigos, y de las
circunstancias que vivimos, de manera compleja,
ahondando en las vivencias humanas y rescatando valores fundamentales a la hora de pensar en
términos de transmisión.
Con dramatismo y humor y un espectacular
desarrollo tecnológico, nos invita a zambullirnos
en una historia plena de experiencias comunes y
significativas.
"Me emocionaba la idea de contar una historia en la que el protagonista es el padre. Creo
que nunca he considerado una película de
animación desde esa perspectiva. De repente,
sentí muchas ganas de ponerme a escribir
porque sabía que podía contar esa historia.
También me di cuenta de que el océano es
una metáfora magnífica de la vida. Es el lugar
más aterrador e intrigante que existe en el
mundo porque puedes encontrar cualquier
cosa. Cosas buenas y cosas malas. Me encantaba jugar con ese tema y hablar de un padre
al que el miedo impide comportarse como un
buen padre. Tiene que superarlo y convertirse
en un padre mejor. Además, está en medio del
océano y tiene que afrontar todos los peligros
a los que nunca ha querido enfrentarse. Por
eso, me pareció que sería una oportunidad
única para divertirnos y al mismo tiempo tratar temas importantes". Andrew Stanton.
Dirección-guión John Lasseter. Productor ejecutivo de “Buscando a Nemo”.
La Escuela al cine 17
¿Cómo se dice lo que se cuenta?
“Blancanieves” fue el primer largometraje de
animación realizada por Walt Disney en 1937.
“Blancanieves”, además también fue la primer
película de la historia de disponer de merchandising a la venta el día del estreno y la
primera en editar en disco la banda de sonido
original. Luego vendrían tres largometrajes
nuevos que buscaron superar los estándares
de “Blancanieves” más allá de los resultados
posteriores: “Pinocho” creó un mundo de animación más detallado, “Fantasía” un uso de
la animación combinado con música clásica y
“Bambi”, llevaría a los dibujos
animados a un exigente
nivel de realismo.
18 Escuela y Medios
En 1997, Disney firma contrato con Pixar una
empresa dedicada a la animación por computadora. Pixar tendría total libertad de creación aunque los personajes pertenecerían a
Disney. El contrato de esta unión establecía la
creación de cinco películas además de Toy
Story: Bichos, Monster Inc., Buscando a Nemo
y Cars. El final del del Siglo XX daba lugar a un
nuevo cine: la era digital del cine de animación. Dreamworks, por otro lado, veía con
entusiasmo a su competencia y en el 2001
estrenaría Shrek, el ogro verde del pantano,
que encantará al público infantil y adulto.
Los filmes, combinan imágenes, sonidos, y
silencios. Por ello, la fotografía, la música, los sonidos del ambiente, los encuadres, la luz, los planos
y el montaje, son las herramientas que los cineastas utilizan para realizar sus historias.
Los dibujos animados son un género en sí
mismo, poseen cualidades narrativas específicas.
Analizar el lenguaje de los dibujos animados nos
permite entender la forma en que producen significados con códigos y estructuras narrativas
que les son propios.
El uso de las nuevas tecnologías de animación
y dibujo añaden hoy un plus a estas producciones que se presentan para un público de todas
las edades. El cine de animación digitalizado es la
forma contemporánea del género.
La música, los colores, los planos, los ambientes, constituyen y conforman lo que llamamos
lenguaje, y estas decisiones no son azarosas. En
cada una de ellas se busca una forma y no otra
de representar y producir un mensaje y un significado.
La producción de “Buscando a Nemo” comenzó
en enero de 2000, cuando el equipo quedó constituido por un máximo de 180 personas. Toda la
animación se realizó en los estudios de Animación de Pixar.
“En cuanto a la técnica, hemos llegado a unos
límites que jamás se habían alcanzado en
Pixar. El simple hecho de animar peces ya
resultaba bastante complicado, pero nuestro
equipo técnico ha logrado crear un entorno
submarino de un encanto y una belleza impresionantes. El mundo submarino real es tan
espectacular que ya es un mundo fantástico
en sí mismo. El reto al que nos enfrentábamos
era que el público entendiera que nuestro océano es una caricatura. Nuestro objetivo era
que fueran conscientes de que ese mundo no
existe. Sin embargo, aprovechamos todas las
fabulosas herramientas que ofrece el campo
de la animación generada por ordenador
para dotarlo de un aspecto totalmente creíble.
Siempre nos marcamos como meta que las
cosas sean creíbles, realistas”. John Lasseter.
Productor ejecutivo.
La Escuela al cine 19
La luz, el color, la música y el montaje
"La música, el color y la iluminación son un factor
clave en todas las escenas. En 'Nemo', la iluminación y el color están siempre al servicio de la historia.” John Lasseter
“Buscando a Nemo” conjuga escenas dramáticas
y cómicas que le dan cuerpo al relato. Para lograr
emocionarnos y/o divertirnos, se potencian los
usos del lenguaje audiovisual.
Tal como señalamos, al comienzo del filme
todo es resplandor, brillo y bullicio. El vecindario
explota en su multiplicidad de formas y luces,
Marlín y Coral nadan alegres. Las caras de los
peces protagonistas en cada toma poseen una
luminosidad que transmite felicidad. Sin embargo, la aparición de la mortal barracuda, está
acompañada de silencio. Y la luz se transforma:
Cuando Marlín despierta y da cuenta de los
devastadores resultados del ataque, el entorno
adopta una apariencia grisácea y el sonido
angustiante de su voz, retumba en el silencio del
inmenso arrecife. En pocos minutos, las distintas
combinaciones de luz, color y sonidos, nos trasladan de la felicidad a la angustia, de la vida a la
muerte. Para finalmente, resaltar la esperanza a
partir del brillo naranja de un huevo dañado que
aún cubre a una de sus crías. Aquí la música suave
e instrumental, refuerza el sentido emotivo con el
que comienza el relato de esta historia de búsqueda, amor, amistad y compañerismo.
Estos mecanismos se profundizan en cada
escena, en cada diálogo y en la creación de cada
uno de los personajes: la música, la gravedad de
los sonidos, las luces y el color se combinan reforzando los significados.
20 Escuela y Medios
“…Una de las cosas que tuvimos que hacer fue
crear una pista de movimientos para todos los
peces que fuera creíble y dotar a cada uno de
ellos de una personalidad propia. Uno de mis
sonidos preferidos es el que emite la aleta
deformada de Nemo. Es como el sonido de
una vibración, casi como un aleteo. Lo conseguí con una toalla de papel. Es casi como el
sonido que emite un colibrí. Marlin se impulsa
con las aletas que tiene en la cola, así que el
sonido que genera es bastante frenético. Para
él, utilizamos el sonido del personaje del pez
del cortometraje de Pixar “Knick Knack”. El
sonido que produce Dory al desplazarse por el
agua se parece más al de un corte suave. Ella
ha venido al mundo para disfrutar. Recurrimos a todos los trucos que conocíamos para
diferenciar a los personajes por su sonido".
Gary Rydstrom, diseñador de sonido
A partir de los acercamientos a los rostros de
los personajes, logramos captar más profundamente los sentimientos que se transmiten en los
diálogos y las acciones. Estos primeros planos
refuerzan la narración de cada hecho, y lo podemos apreciar en las conversaciones entre los personajes. Cuando los planos se abren, entran en el
cuadro visual otras acciones, objetos y personajes y todos van construyendo el relato. En la elección de los encuadres, el director decide de qué
manera mostrará a los personajes y a su entorno.
El montaje es el mecanismo a partir del cual se
articula el espacio y el tiempo en una película. Su
función es conseguir que las imágenes seleccionadas y organizadas en una determinada estructura narrativa, signifiquen los que se quiere
expresar.
En “Buscando a Nemo”, las escenas están montadas en un orden cronológico, de manera tal de
construir un relato lineal a lo largo del tiempo. En
paralelo, aparecen la historia de esta búsqueda a
partir de las experiencias de Nemo al llegar a la
pecera y el viaje de Marlín para reencontrarse con
su pequeño.
"Una de nuestras prioridades principales era
que los peces resultaran atractivos. Nuestro
objetivo era que el público se enamorara de
los personajes, a pesar de que los peces son
unos seres pequeños y cubiertos de escamas.
Una de las maneras de hacerlos más interesantes era dándoles luminosidad. Al final, creamos tres tipos de peces: gelatinosos, aterciopelados y metálicos. Los gelatinosos, entre los
que se cuentan Marlin y Nemo, son compactos
y cálidos. Empleamos luces de fondo y de contorno para aumentar su atractivo y realzar las
escamas de la superficie. Los aterciopelados,
como Dory, presentan una textura suave. Los
metálicos son los típicos peces con escamas.
Este fue el tipo de pez que utilizamos para la
escuela de peces". Ralph Eggleston,
supervisor del diseño de producción.
La Escuela al cine 21
¿Qué dijo la prensa?
Por Pablo Scholz. Clarín, 3 de Julio de 2003
El cine de animación renació bajo el agua. Fue en
1989, con “La Sirenita”. Veamos: en “Buscando a
Nemo” la historia transcurre casi toda bajo el
agua. Pixar lo ha hecho de nuevo: mientras los
más chicos quedan atrapados por la acción, los
más grandes se enganchan —además— con la
sátira, convirtiendo a su quinto largometraje en
un festín para los estímulos.
Porque para los grandes el humor viene en
tamaño ídem. Los tiburones que hacen reuniones como si se tratara de Alcohólicos anónimos
("los peces son amigos, no comida", se repiten) o
los acordes de “Psicosis” cuando aparece Darla, la
sobrina del dentista con aparatos, no son gags
que los más pequeños puedan agarrar al vuelo.
22 Escuela y Medios
Por Diego Batlle. Diario La Nación, 3 de julio
de 2003
La impecable interacción entre ese festival de
luces, formas y colores que ofrecen los animadores (ya no hay limitaciones a la hora de imitar el
ondular del agua o las muecas más imperceptibles de un animal) y el aporte histriónico de los
actores que aportaron sus voces (en la versión
original) como Albert Brooks (Marlin), Ellen
DeGeneres (Dory), Alexander Gould (Nemo),
Willem Dafoe (Gill, el líder de aquellos que sueñan con escaparse de la pecera), Geoffrey Rush
(el divertido y heroico pelícano Nigel), Elizabeth
Perkins (Coral) o Eric "Hulk" Bana (uno de los tiburones llamado Anchor) terminan por redondear
otra gran victoria de Pixar, que –paradoja
mediante– encuentra en las profundidades del
mar una nueva cima para su imparable evolución
artística y técnica.
Actividades
Para reflexionar en grupos...
• ¿Qué les pareció la película? ¿Qué escenas fueron las más divertidas? ¿Con cuáles se emocionaron más? ¿Por qué? ¿Todos tuvieron las mismas sensaciones?
• Elijan una de esas escenas en las cuales se hayan
sentido contentos o tristes. ¿Qué les sucedía en
ese momento a los personajes? ¿Cuáles fueron
los diálogos? ¿Cómo estaba iluminada la escena? ¿Había música? ¿Qué sonidos se escuchaban? ¿Son sonidos del ambiente? ¿Cómo se ve
a los personajes? Imaginen que quieren transformar esta escena para que transmita el sentimiento opuesto al que ustedes sintieron. ¿Qué
cambios le harían? ¿Cómo utilizarían la luz y los
colores? ¿Qué música utilizarían? ¿Cómo serían
los diálogos?
• En “Buscando a Nemo” se presentan historias de
familia, amistad y compañerismo. ¿Cómo es la
familia de Nemo? ¿Se parece a las familias que
conocen ustedes? ¿Qué valores son los más
importantes? ¿Son valores que ustedes comparten? ¿Todas las familias que conocen están
compuestas de la misma manera? ¿Y las del
filme?
• Elijan otras tiras de dibujos, u otras películas de
dibujos animados en las que se representen
familias o que narren historias de grupos de
amigos.¿Cómo aparecen en esos dibujos las
familias y/o los amigos? ¿En qué se parecen y
en qué se diferencian de las que aparecen en el
filme? ¿Cómo utilizan las películas la música, el
sonido y los colores para contar las historias?
• Lean el siguiente párrafo en el que el Director de
“Buscando a Nemo”, cuenta cómo a partir de un
hecho significativo en su vida, pudo terminar
de pensar el filme.
"Recuerdo un día que llevé al parque a mi hijo
cuando tenía cinco años. Había estado trabajando muchas horas y me sentía culpable por
no haber pasado más tiempo con él. Sin
embargo, reprimí ese sentimiento aunque no
podía dejar de pensar en cuánto lo había
echado de menos. Pero seguí caminando y
diciendo: 'No toques eso. No hagas eso. Te vas
a caer'. Pero dentro de mi cabeza oía una vocecita que me decía: 'Estás desaprovechando el
tiempo que estás pasando con tu hijo'. Me
obsesioné con la idea de que el miedo te
puede impedir ser un buen padre. Cuando hice
ese descubrimiento, todas las piezas encajaron y pude completar la historia de Buscando
a Nemo". Andrew Stanton
24 Escuela y Medios
Armemos nuestra propia historia
• ¿Sobre qué temas les gustaría contar una historia? Armen un listado de temas entre todos.
Luego seleccionen el que más les gustó a todos
y escriban una escena para un filme de animación que ustedes inventen. ¿Qué nombre tendría ese filme? ¿Qué contaría el dibujo? ¿Cuál
sería el argumento? ¿De qué hablaría? ¿Qué
valores transmitiría? ¿Cuáles serían los personajes? ¿Qué características tendrían? ¿Qué narrarían en esa escena?
• Escriban el guión de la historia. Dividan la hoja
en dos columnas, una para los textos y otra
para las imágenes y sonidos.
• Armen una historieta (“story board”) cuadro por
cuadro. Tengan en cuenta el uso de los colores,
y los planos de los personajes que dibujen (si
aparecerán en primer plano, o se mostrarán
objetos del entorno) en función de lo que quieren transmitir en esa escena.
• Para finalizar, reflexionen sobre los temas que
eligieron en cada grupo y los recursos que utilizaron para darle forma (colores, formas, etc.).
Peguen la historieta en un afiche y cuélguenla
en la cartelera del colegio.