INTRODUCCIÓN

INTRODUCCIÓN
En el análisis de la historia del desarrollo del género que hoy denominamos como ópera, un retroceso hasta
justo cuatro siglos aparece como decisivo para establecer el verdadero comienzo en un andar que ya ha
entregado miles de obras con centenares de compositores que lo han engrandecido.
A finales del s. XVI−principios del XVII, un grupo de intelectuales florentinos, denominados Camerata
Fiorentina o Camerata Bardi intentan resucitar la tragedia griega clásica (que era una síntesis de teatral de
música, poesía y danza) con el propósito de infundir nueva vida al teatro clásico griego y romano, en el que la
música tenía un papel esencial.Buscan la representación de un texto dramático como diálogo cantado de los
personajes. Así nace un nuevo estilo, el estilo recitativo, que consiste en una una línea vocal entonada de
modo declamatorio y libre y apoyada de un sencillo acompañamiento instrumental.De la Camerata Florentina
surgiría la que para muchos es considerada la primera ópera en el sentido actual de la acepción. Ella es
Euridice de Jacobo Peri, estrenada en 1597.
Entre estos artistas están los nombres del Conde Bardi, el poeta Rinuccini y los músicos Galilei, Vecchi, Peri,
Caccini, entre otros. Rehuyen de la polifonía. Buscan una línea melódica adaptada al texto. Se hacen varios
intentos. La ópera se configura como una forma musical profana, de carácter narrativo, con representación
escénica (Antecedente en los madrigales dialogados y otras formas).Las primeras óperas se deben a Peri y
Caccini.
Después de haber asistido en Florencia a la representación de esta Euridice, Vincenzo Gonzaga, Duque de
Mantua, solicitó a Monteverdi que pusiese en música el mismo tema, volcado en la fábula de Orfeo, el antiguo
mito recogido y reconstruido por Poliziano, cien años antes.
El libreto fue elaborado por Alessandro Striggio, permitiendo al compositor trazar toda una gama de
intensidades dramáticas.
Aquel estilo recitativo, explotado por la Camerata Florentina, tal vez se habría extinguido o habría quedado en
pura teoría si el arte de Monteverdi, en la que sería su primera ópera, no hubiese intervenido para liberarlo de
cuanto tenía de artificioso.
Monteverdi entretejió en la rica variedad del acompañamiento orquestal formas musicales antiguas y nuevas y
logró una síntesis estilística que es una suerte de resumen de todo lo mejor de la música profana vocal de su
época.
Al contrario de los cameristas florentinos, que para no cubrir las palabras, habían reducido al mínimo el
acompañamiento instrumental, Monteverdi se sirve de una agrupación que por la cantidad de instrumentos y
la variedad de sus timbres, plantea una revolucionaria sonoridad, aun cuando la utilice en toda su magnitud
sólo en pocos pasajes.
En el plano estrictamente vocal las numerosas intervenciones de Orfeo anuncian ya las arias de bravura de la
ópera barroca italiana, con floridos ornamentos, así como los coros plasman los rasgos sobresalientes del
madrigal de la época en breves y concisos parlamentos.
CARACTERÍSTICAS
Pero es Monteverdi (1567−1643), componente también de este grupo, el que con Orfeo, estrenada en 1607,da
a la ópera sus principios estructurales básicos:
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− Uso de la declamación dramática o recitativo, en el que los personajes desarrollan la acción, en ritmo libre y
con acompañamiento de bajo continuo.
− Pasajes melódicos cantados: arias, dúos....coros...
− Pasajes orquestales (obertura, interludios...)
− Uso del bajo continuo como base musical del nuevo estilo.
ESCUELAS
En Italia la ópera pasó por distintas fases y estilos según la zona donde se impusiera.
− Florencia. Espíritu racionalista. Expresiva, para conmover y asombrar. Aristocrática: temas mitológicos.
Menos espectacular que la romana. Peri,Caccini, Monteverdi.
− Roma. En Roma están los Papas y los grandes mecenas. Temas sacros y mitológicos. Grandiosa y efectista
(propaganda del poder).
− Venecia. Ópera burguesa. De hecho, es allí donde, en 1637 aparece el primer teatro público (San Casiano),
al que seguirán otros. Temas mitológicos, pero más enfocado a las guerras, héroes militares y argumentos más
burgueses. Monteverdi estuvo aquí y siguió este estilo en su última etapa.
− Nápoles. Bastante posterior. Finales del s. XVII. Será más sencilla, elegante, busca agradar más que la
coherencia dramática. A. Scarlatti. Allí aparece al ópera seria. Al amparo de esta ópera se desarrolla el bel
canto, que si bien conllevó un importante desarrollo de la técnica vocal, también dio lugar a exageraciones y
abusos por parte de los cantantes.
Otros países.
− Francia. Tras un período de influencia italiana, Luis XIV propicia una vuelta a las tradiciones de la música
francesa. Se desarrolla la canción cortesana (l´air de cour), de carácter íntimo, normalmente monódica,
acompañada de laúd. Y el ballet de corte, con múltiples variables. Partiendo de estos elementos, Lully
(1632−1687) creará una ópera típicamente francesa. Nació en Florencia, pero vive en Francia desde niño. En
1661 es nombrado superintendente de la música. Busca un estilo verdaderamente francés para el canto. Crea
la obertura francesa (lento−rápido−lento).Consigue ese estilo puramente francés con la tragedia lírica. La
ópera francesa tiene evidentes fines propagandísticos, y por lo tanto es grandiosa y llamativa. Alguna de sus
óperas: Alceste.
El gran continuador de Lully es Rameau (1683−1764), organista, músico titular de la corte, compositor del
gabinete del rey. Su influencia va más allá, por tanto, de la música escénica e instrumental. De hecho es más
conocido por sus estudios teóricos.
− Inglaterra. Tiene un espectáculo escénico, la mascarada. Se dará al balad opera. De todos modos, en
Inglaterra la ópera no tuvo mucha fortuna. El compositor más destacado es Purcell, que hizo música de todos
los géneros, pero destaca por sus óperas, especialmente Dido y Eneas (1689).
− Alemania. El espectáculo escénico típico alemán será el singspiel. Vocalmente, de todas formas, en
Alemania se prefiere el lied y el coral.
− España. Se ha considerado que el barroco en España fue una época pobre y decadente en lo que se refiere a
la música. Aunque aún hay pocos datos, se va descubriendo que no fue así. El espectáculo escénico
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propiamente español es la zarzuela (que nada tiene que ver con la del s. XIX).Y más adelante, la tonadilla
escénica. Compositores: los italianos D.Scarlatti y Bocherini, que se adaptan al gusto español, Juan Hidalgo,
Antonio Rodríguez de Hita.
TIPOS DE OPERA
En el s. XVIII la ópera ya ha evolucionado lo bastante como para diferenciar claramente dos estilos: ópera
seria y ópera bufa.
Ópera seria: carácter aristocrático, importancia del libreto, argumentos mitológicos, solemnidad y heroísmo,
importancia del aria (abusos de los solistas), orquesta en segundo plano, Händel.
Ópera bufa: carácter burgués, protagonistas de clase media que critican a la aristocracia, economía de medios,
uso del folclore, frases cortas, repeticiones...Pergolesi (La serva padrona, guerra de los bufos).
OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS
En el año 1600, el compositor italiano Giacomo Peri estrenó la primera ópera de la historia, Eurídice. En las
invitaciones que circularon con motivo de este acontecimiento se decía que los asistentes gozarían de una gran
novedad, pues los actores dirían la comedia cantando, o mejor dicho, recitarían cantando sus distintos
parlamentos.
A la Eurídice de Peri, siguió dos años después otra Eurídice, con el mismo libreto; ésta fue compuesta por el
rival, Giulio Caccini. Tales óperas eran muy rudimentarias, el recitar cantando resultaba monótono y falto de
expresión y musicalmente estas dos obras carecieron de verdadero valor; hacía falta un genio de la música
para que pudiera imprimir a este nuevo género emoción para que, no sólo por el texto sino también y
principalmente por la música, se pudiera conmover a los oyentes. Monteverdi fue el genio que pudo lograr lo
que hacía falta y desde su primera ópera Orfeo, estrenada todavía en Mantua, logró que los asistentes se
conmovieran hasta derramar lágrimas con su música tan expresiva. Orfeo resulta así la primera ópera
verdaderamente dicha y sin embargo, los trabajos posteriores de Monteverdi superaron esta primera obra. En
Venecia escribió nuevas óperas, entre ellas El Regreso de Ulises y principalmente la que fue su obra maestra
Incoronazione di Popea.
En esta última, ya no retrata héroes mitológicos, sino personas que existieron y en verdad amaron y sufrieron.
Son ahora personajes históricos como Nerón, Octavia su esposa legítima y Agripina su madre.
Monteverdi había declarado su preocupación por la música expresara las pasiones humanas: el dolor, la ira, la
serenidad, el amor y la calma y había logrado algunas técnicas, un tanto ingenuas para nuestros tiempos, pero
absolutamente nuevas para su época. Por ejemplo en los pasajes dolorosos y tristes, las notas eran de larga
duración y el tono melódico descendente; en los pasajes alegres, las notas eran cortas y la escala se volvía
ascendente de lo grave a lo agudo.
A pesar de estas limitaciones en los recursos técnicos, que naturalmente no se acercaban a los que se
emplearon en el siglo XIX durante la época romántica, Monteverdi puede ser considerado como un precursor
del romanticismo. Para que su ópera Incoronazione di Popea fuera superada, tuvieron que pasar cien años
hasta que, en el firmamento musical apareció Alessandro Scarlatti.
AUTORES MÁS IMPORTANTES
A final del siglo XVI, surgió en Florencia un grupo de humanistas interesados en resucitar la tragedia clásica
griega. Trabajaban en la búsqueda de un modo de representar las palabras que fuera distinto de la polifonía,
contra la que se rebelaban porque dificultaba la comprensión del texto. Estos humanistas afirmaban que un
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drama con música podía realizarse a la perfección declamando el texto con un acompañamiento instrumental,
en un estilo que llamaron estilo recitativo.
Así, en un grupo que hoy conocemos como la Camerata Fiorentina, nació la melodía acompañada o monodía
acompañada, base de una nueva e importantísima forma musical: la ópera.
CONCLUSIÓN VALORACIÓN
La ópera es importante puesto que sin ella otra composiciones como la cantata y el oratorio. Es decir la ópera
es el verdadero comienzo de un andar que ya ha entregado miles de obras con centenares de compositores que
lo han engrandecido.
Si no hubiera existido la ópera quizá ahora no tubieramos tantas composiciones distintas.
VALORACIÓN PERSONAL
En mí opinión la ópera ha sido una manera de culturizar al mundo, es decir muchos mitos de la época clásica
no los conocerían tanta gente si no fuera por la ópera, ya que la ópera en un principio se estableció para las
clases burguesas, ricas.
Cabe añadir que ha sido un paso importante en la historia gracias a ella se han dado muchas composiciones
distintas (cantata, oratorio...).
Monteverdi estudió con Ingegneri, maestro di cappella en la Catedral de Cremona, y publicó varias
colecciones de motetes y madrigales antes de viajar a Mantua alrededor de 1591 para trabajar como intérprete
de instrumentos de cuerda en la corte del Duque Vincenzo Gonzaga. Aquí fue influido por Giaches de Wert
pero no logró ser su sucesor como maestro di cappella en 1596. Tres años después se casó con Claudia de
Cattaneis, cantante de la corte, con quien tuvo tres hijos, y en 1602 fue nombrado maestro de capella tras la
muerte de Pallavicino.
Como resultado de una larga controversia con el teórica G.M.Artusi, Monteverdi se hizo conocido como el
principal exponente del empleo moderno de la armonía y la expresión del texto. En 1607 se estrenó en Mantua
su primera ópera, Orfeo, y en 1608 la segunda, Arianna. Desencantado con Mantua, el compositor retornó a
Cremona, pero no consiguió ser despedido por la familia Gonzaga hasta 1612, cuando murió el Duque
Vincenzo. La dedicación al Papa Paulo V de una gran colección de música litúrgica conocida como Vísperas
(1610) ya indicaba una ambición superior y en 1613 fue nombrado maestro di cappella en San Marcos de
Venecia.
En este lugar Monteverdi reorganizó y mejoró la capilla mientras escribía nueva música para ella, pero
también era capaz de aceptar encargos de otros sitios, incluyendo algunos de Mantua, como por ejemplo el
ballet Tirsi e Clori (1616) y una ópera, La finta pazza Licori (1627). Al parecer su actividad declinó hacia
1629 y se recuperó desde 1637 gracias a una gran demanda como compositor de óperas para la apertura al
público de los teatros de ópera en Venecia. En 1640 fue repuesta Arianna y los dos años siguientes vieron
estrenadas Il ritorno d'Ulisse in patria, Le nozze d'Enea con Lavinia y L'incoronazione di Poppea. En 1643
visitó Cremona y falleció poco después de su retorno a Venecia.
Monteverdi ha sido una de las más importantes figuras en la historia de la música. Mucho de su desarrollo
como compositor puede ser apreciado en los ocho volúmenes de madrigales seculares publicados entre 1587y
1638. Las primeras colecciones muestran una particular deuda a Marenzio. La última, Madrigali guerrieri et
amorosi, incluye algunas piezas in genere rappresentativo como Il ballo delle Ingrate, Combattimento di
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Tancredi e Clorinda y Lamento della ninfa, las que aventuran la experiencia de Monteverdi como compositor
de ópera. Un noveno libro fue editado póstumamente en 1651.
Orfeo fue la primera ópera en revelar el potencial de este novedoso género y Arianna (de la cual se conserva
aquel famoso Lamento) bien pudo ser responsable de su continuidad. La última ópera de Monteverdi,
L'incoronazione di Poppea, aunque conservada en fuentes no del todo confiables e incluyendo música de otros
autores, es su gran obra maestra e indiscutiblemente la más fina ópera del siglo. En su colección de música
litúrgica de 1610 Monteverdi desplegó la multiplicidad de estilos que caracteriza su producción. La misa,
escrita sobre temas del motete In illo tempore de Gombert, es un monumento a la prima prattica o estilo
antiguo. En el otro extremo, los motetes, escritos para virtuosos cantantes, se constituyen en la más concreta
exhibición del estilo moderno y la seconda prattica.
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ARGUMENTO
En tiempos legendarios, la acción de la ópera se desarrolla en en un prólogo y cinco actos.
Prólogo
Después de una sinfonía, en la que se escucha una música marcial, aparece la Música, quien hace alabanza de
los presentes y los insta a callarse durante la narración de las aventuras y desventuras de Orfeo.
Acto Primero
Prado en medio del campo, pastores y ninfas celebran con júbilo el día esplendoroso en que van a casarse el
mítico cantor de la Tracia, Orfeo, y su amada ninfa Eurídice.
Orfeo pondera cómo se enamoró de ella y ésta responde con no menos ardor. Luego se va a recoger guirnaldas
de flores con sus compañeras, mientras ninfas y pastores siguen sus danzas y cantos de alegría. El regocijo y
la felicidad son generales.
Acto Segundo: Un paraje en un bosque
Orfeo, rodeado por los pastores, canta a la naturaleza y cuenta a sus amigos cómo corría por los bosques
sombríos cuando todavía no se había enamorado.
La alegría se interrumpe con la llegada de la Mensajera, que le anuncia a Orfeo con sentidos versos la muerte
de Eurídice por la picadura de serpiente.
La propia Mensajera considera que ya no podrá vivir como hasta ahora y tendrá que lamentar toda su vida
haber traído una noticia semejante. Orfeo decide ir a rescatar a Eurídice de los infiernos, a la vez que entona
un desesperado lamento.
Acto tercero: La laguna Estigia
Orfeo, acompañado por la Esperanza, busca a Eurídice. Pero ésta, viendo el escrito grabado en piedra que cita
la Divina Comedia de Dante: "Dejad toda esperanza los que entráis" le anuncia a Orfeo que no puede llevarlo
más allá.
Orfeo se desespera, pero es interpelado por Caronte, que se niega a darle paso en su barca.
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Caronte sigue en su obstinación hasta que los dulces lamentos del poeta le adormecen.
Orfeo sube a la barca y pasa a la otra orilla penetrando en los Infiernos, mientras un coro de espíritus canta su
proeza.
Acto Cuarto: Salón en el palacio de Plutón
Orfeo ha vencido los obstáculos y ha llegado a los infiernos, donde su canto emociona a Proserpina.
Ésta apela a Plutón aludiendo a su antiguo amor, que hizo que la raptara y la condujera a los infiernos, e
intercede para que devuelva a Eurídice a los brazos de su amante.
El dios admite que también a él le ha conmovido el canto de Orfeo y por fin acepta y permite que Eurídice le
siga, pero con la condición de que Orfeo no se vuelva a mirar a su amada.
Orfeo, luego de expresar alegría y luego duda, temor y desconfianza, parte de los infiernos con Eurídice,
aunque termina por volver la cabeza ya que teme que su esposa no le siga sorprendido por el silencio reinante.
Entonces Eurídice retrocede obligada a regresar para siempre al reino de Plutón y se despide del poeta.
Orfeo no sabe qué hacer en su renovada soledad, mientras los espíritus infernales se lamentan de su breve
felicidad, y comentan que Orfeo, que ha podido vencer a los infiernos, no ha logrado vencerse a sí mismo.
Acto Quinto: Un lugar en un bosque
Orfeo, al borde de la locura, regresa al sitio donde se enteró de la muerte de Eurídice. El eco repite su trágico
lamento. Apolo, condolido del pesar que aqueja a su hijo, desciende del Olimpo y le dice que le acompañe a
las alturas, donde volverá a encontrar a Eurídice. Padre e hijo entonan un alegre dúo, mientras el coro despide
al poeta.
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