CONJUNTOS INSTRUMENTALES Y ESTILOS MUSICALES En el

Departamento de Música
IES Jiménez de la Espada (Cartagena)
UNIDAD 2: CONJUNTOS INSTRUMENTALES Y ESTILOS MUSICALES
En el Renacimiento (segunda mitad del siglo XV y el siglo XVI) se
produce una evolución importante de la música instrumental. Después de un
dominio de la música vocal durante toda la Edad Media (siglo V hasta la
primera mitad del siglo XV), los compositores escriben cada vez más
obras destinadas a la música instrumental; Se desarrolla la técnica
instrumental (primeros métodos publicados) y se crean formas puramente
instrumentales. En un primer momento, las piezas instrumentales son
transcripciones o adaptaciones de obras vocales o de música para la danza.
Pero poco a poco, instrumentos como el laúd, la vihuela o el órgano tendrán su
propia música. En el siglo XVI, la invención de la imprenta musical
desempeñó también un papel decisivo en el desarrollo y difusión de la
música.
En la época barroca (1600-1750), la música instrumental y la
música vocal se pueden equiparar en cantidad y calidad. Así, en el
siglo XVII, se crean las primeras orquestas, algunas de las principales
formas instrumentales y vocales como por ejemplo la sonata, el
concierto y la ópera.
1º) EVOLUCIÓN DE LA ORQUESTA EN LA MÚSICA CLÁSICA
1.1 LA ORQUESTA BARROCA:
El concepto de orquesta nace en la época barroca. En general, las
orquestas barrocas eran orquestas de cámara (pequeñas orquestas que
podían tener hasta un máximo de unos treinta músicos). La familia
instrumental más importante de la orquesta era la cuerda. Incluía los
instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo o viola de gamba,
contrabajo) pero también el clave o clavecín (Instrumento de tecla de cuerda
pulsada casi obligado en la música barroca) así como en ocasiones,
instrumentos como el laúd. Las otras familias instrumentales contaban con
pocos instrumentos e incluso la percusión solo utilizaba un instrumento, los
timbales. En la segunda mitad del siglo XVII, la orquesta de la corte francesa de
Luis XIV, orquesta dirigida por el compositor J.B. Lully, se convirtió en el
conjunto de referencia en Europa. Lully era el compositor favorito del rey Luis
XIV y fue considerado como una de las principales figuras que impulsaron el
desarrollo de la orquesta barroca.
El clave (clavecín):
El clave es un instrumento de cuerda pulsada que tiene uno o
dos teclados. Al presionar cada tecla, un mecanismo acciona un plectro que
pulsa las cuerdas. El inconveniente de este instrumento es que no permite
variaciones de intensidad. En la segunda mitad del siglo XVIII fue sustituido
progresivamente por el piano. El piano tiene una extensión mayor, permite
cambios de intensidad y tiene más potencia sonora. En la actualidad, el clave se
sigue utilizando para interpretar música de la época barroca y también algunas
obras más contemporáneas.
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- Bach: Complete works for harpsichord on historical instruments (Obras
completas para clave) https://youtu.be/2THc4ClNr1Y
- Rarezas instrumentales: virginal y clavicordio https://youtu.be/t576_4U_PQs
El bajo continuo:
Es un elemento característico de la textura de la música
barroca. Consiste en un acompañamiento de la melodía con un bajo y
acordes. En general, instrumentos melódicos de tesitura grave como el
violonchelo, la viola de gamba, el fagot o el contrabajo tocaban el bajo y un
instrumento de tecla (clave u órgano) interpretaba el bajo y los acordes. Otros
instrumentos de cuerda pulsada de la familia del laúd también podían tener
esta misma función.
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Los compositores solían utilizar un bajo cifrado, indicando las cifras los
acordes que los instrumentistas tenían que improvisar (Ver los acordes
improvisados en la parte en clave de sol)
Alessandro Marcello, Concerto in re m per oboe e orchestra
https://www.youtube.com/watch?v=aYnU-CaH0bM
Bach: Brandenburg Concerto No. 2 in F major, BWV 1047 (Freiburger Barockorchester)
https://youtu.be/3HSRIDtwsfM
Chamber music and harpsichord:
Rameau - Pièces de clavecin en concert N° 5 (La Forqueray) / Il Giardino Armonico
https://youtu.be/_Hw9wCPMfmI
TEORÍA MUSICAL:
 CLAVE DE FA
La clave de fa (cuarta línea) se utiliza para escribir las notas graves. La
nota de referencia es el Fa que se encuentra en la cuarta línea del
pentagrama.
- 1º) Representa la clave de fa y las notas siguientes en el
pentagrama.
Mi sol fa re
sol la do´ fa
re fa la sol
fa do re sol
- 2º) Indica el nombre de las notas siguientes.
-3 º) Ejercicios de audición:
 ACORDES MAYORES Y MENORES::
Ear Training: Chord Recognition (Major and minor) https://youtu.be/Sh9__CmqdEo
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(min 4:40)


Acordes con carácter alegre y con una sensación de estabilidad
sonora=Acordes mayores.
Acordes que suenan como tristes= acordes menores
Ejercicio:
1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
.
ACORDES: Se producen cuando tres o más notas suenan a la vez. Los
acordes pueden ser consonantes (sensación de estabilidad y de plenitud
sonora) o pueden ser disonantes (crean una sensación de inestabilidad
sonora y de tensión). En general, una sucesión de disonancias suele buscar
una resolución hacia un acorde consonante que resuelva estas disonancias.
Acorde mayor (triada de do M)
4º) Dictado de notas con las notas del acorde perfecto de Do M (do, mi, sol)
1.2 LA ORQUESTA SINFÓNICA DEL CLASICISMO
La orquesta sinfónica nació en la segunda mitad del siglo XVIII.
Las primeras orquestas sinfónicas clásicas eran pequeñas orquestas.
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Más adelante, Beethoven utilizará orquestas de mayor tamaño para poder
interpretar sus sinfonías e incluso recurrirá a un coro y a cantantes solistas en
su novena sinfonía.
Las principales diferencias con la orquesta del Barroco
La orquesta del clasicismo es más grande que la orquesta barroca pero
sigue siendo una orquesta sinfónica pequeña.
 De forma progresiva, en la segunda mitad del siglo XVIII, el clave es
sustituido por el piano y desaparece como instrumento fijo en la
orquesta. Del mismo modo, otros instrumentos como el laúd que
tocaban el bajo continuo caen poco a poco en desuso puesto que este
elemento no se utiliza en la textura de la música del clasicismo.
 En la sección de viento madera se incorporan los clarinetes. Existe una
mayor variedad en los instrumentos de viento.
 A principios del siglo XIX, se impone progresivamente la figura del
director de orquesta como músico que se dedica plenamente a la función
de dirección.

Haydn - Symphony No. 104 - London (Proms 2012)
https://youtu.be/OitPLIowJ70
Symphony N°25 KV 183 W A Mozart Mozarteum Salzbourg Orchestra
https://youtu.be/6Btlp3T7IIk
Beethoven - Symphony No. 5
https://youtu.be/jv2WJMVPQi8
Harnoncourt rehearsal Beethoven
https://youtu.be/Z4izV0CBHzQ
Sinfonía Nº 9, en Re menor, Op. 125 “Coral”. Ludwig van Beethoven (Germ./ Engl./ Span.
subtitles) https://youtu.be/thEJQF8a2-M
En el Clasicismo, los compositores seguían utilizando los
instrumentos de cuerda para los pasajes más importantes pero
empezaron a explotar en mayor medida las capacidades dinámicas y
tímbricas de las orquestas. Por ejemplo, utilizaban cambios graduales de
intensidad como los reguladores (crescendo y decrescendo), recursos
dinámicos que no se usaban en el Barroco.
1.3 LAS ORQUESTAS SINFÓNICAS ROMÁNTICAS Y CONTEMPORÁNEAS
En el Romanticismo, las orquestas sinfónicas crecen en tamaño y
variedad instrumental pudiendo tener una cantidad importante de músicos (80
o más instrumentistas). Se puede apreciar en la plantilla de la orquesta una
mayor variedad de instrumentos en las secciones de viento madera, viento
metal y percusión. Con este tipo de orquesta, los compositores logran grandes
contrastes y cambios graduales de intensidad trabajando con una
gama muy importante de matices; en un mismo compás, la música puede
empezar ppp (muy, muy , muy suave), experimentar un fuerte sforzando en
la parte central y volver a un matiz ppp.
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LA ORQUESTA SINFÓNICA DEL ROMANTICISMO
Cualquier instrumento podía interpretar un solo en función del
efecto perseguido por el compositor y se escribieron pasajes
importantes para los instrumentos de viento madera y de viento
metal.
- Wagner: Tannhäuser Overture - Thielemann / Münchner Philharmoniker
https://youtu.be/KTM7E4-DN0o
- Richard Wagner: Ride of the Valkyries (Berliner Philharmoniker, Daniel
Barenboim) https://youtu.be/P73Z6291Pt8
- "The Imperial March" by the Vienna Philharmonic Orchestra (John Williams)
https://youtu.be/4wvpdBnfiZo
- The Lord of the Rings Symphony Soundtrack live Orchestra (Howard Shore)
https://youtu.be/ybZINoDv8I8
2. EVOLUCIÓN DE LAS AGRUPACIONES INSTRUMENTALES EN LA
MÚSICA POPULAR
2.1. LA REVOLUCIÓN DE LA MÚSICA AMPLIFICADA
Al crecer las bandas de jazz y convertirse en big bands, los guitarristas
de jazz necesitaron amplificar sus instrumentos para poder ser escuchados. En
1924, Lloyd Loar, un ingeniero instrumental diseñó el primer sistema
de pastillas para la guitarra; las pastillas convierten los sonidos creados por
las vibraciones de las cuerdas en impulsos eléctricos. Estos impulsos se
trasladan a través de un cable a un amplificador externo en el cual se potencian
para ser transmitidos a un altavoz. Diez años más tarde, los fabricantes de
guitarras empezaron a comercializar en el marcado del jazz, las
primeras guitarras eléctricas.
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Durante los años 50 y 60, la guitarra se convierte en el
instrumento más importante de la música popular. Su evolución le
permitió ser un instrumento fundamental en una gran variedad de estilos
musicales y lograr una multitud de posibilidades sonoras. Ha sido uno de los
elementos esenciales en la evolución de estilos como el blues eléctrico, el rock
and roll, el rock y otros muchos géneros musicales.
Las bandas de música pop y rock utilizan las guitarras eléctricas para
cumplir dos funciones:
 Ser un instrumento de acompañamiento (guitarra rítmica que toca
progresiones de acordes y marca el ritmo de las piezas)
 Ser un instrumento solista (guitarra solista) para interpretar solos o
fragmentos melódicos.
La estructura básica de una banda de rock cuenta con una guitarra
solista, una guitarra rítmica, un bajo eléctrico y una batería.
Desde los años 30 hasta mediados de los años 60, los guitarristas
utilizaban en general sonidos más bien claros, sin mucha distorsión.
A partir de mediados de los años 60, los guitarristas buscaron nuevos
efectos, distorsiones más potentes. Para conseguirlo, fue necesaria una
evolución tecnológica de los amplificadores así como la utilización de
dispositivos externos como pedales de efectos para lograr una gran
variedad de timbres.
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Los orígenes: el blues y el rock and roll de los años 50

T-BONE WALKER- Don't Throw Your Love On Me So Strong
https://youtu.be/V1xvx0UHa0A
T-Bone Walker fue uno de los pioneros de la guitarra
eléctrica. Su estilo influenció a muchos guitarristas de blues y de rock como
Chuck Berry, Jimi Hendrix, Eric Clapton, BB King y muchos más...

El nacimiento del rock and roll (años 50s)
Roll Over Beethoven - CHUCK BERRY LIVE
https://youtu.be/kT3kCVFFLNg
Chuck Berry es considerado como el padre del rock and roll.
Música pop-rock de los años 60s
- THE BEATLES -NME - 1964 LIVE
https://youtu.be/MG-DXGKDBcA
Sus giras internacionales duraron unos dos años escasos entre agosto de
1964 y agosto de 1966.
The Beatles at Shea Stadium (1965)
https://youtu.be/M6DfG7sml-Q?list=PL1- 22Zco6xH0w5wo4yoIfQ_ZYx6YPbIVM
Los Beatles en el Shea Stadium es un documental de cincuenta minutos de duración
del concierto de los Beatles en el Shea Stadium de Nueva York el 15 agosto de 1965 y lo más
destacado de la gira de 1965 del grupo. La película capta no sólo el concierto, la asistencia de
las 55.600 personas, el más grande concierto de los Beatles hasta ese momento, sino también
los acontecimientos que llevaron al concierto, incluyendo un paseo en helicóptero de los
Beatles así como su preparación en los vestuarios.
La película no es una representación totalmente exacta del concierto real. El audio de
las canciones pasó por un gran proceso de postproducción. Algunas canciones fueron tratadas
con doblajes o incluso re-grabadas por completo por los Beatles para cubrir los problemas de
audio durante la grabación del concierto. El ruido ensordecedor del público y la distancia
importante entre el escenario y el público hicieron casi inaudible la actuación de los Beatles
aquel día. Los Beatles tampoco se podían escuchar ellos mismos en el escenario puesto que no
disponían de monitores. En aquel entonces, su concierto duraba aproximadamente unos
treinta minutos, lo habitual en aquella época.
- LOS ROLLING STONES "(I Can't Get No) Satisfaction" en el Ed Sullivan Show
https://youtu.be/ROAKlnaMuRw
La época de los reyes de la guitarra:
Explorando los límites de las posibilidades de la guitarra eléctrica.
Las generaciones anteriores, con el rock and roll de los 50 y el rock de
los inicios de los 60 tuvieron sus grandes figuras de la guitarra pero nunca los
guitarristas alcanzaron tanto reconocimiento y notoriedad como en la época de
los reyes de la guitarra (segunda mitad de los años 60 y parte de los 70). Los
guitarristas más importantes de aquel periodo fueron Eric Clapton, Jimi
Hendrix and Jimmy Page (Led Zeppelin).
- JIMI HENDRIX - Hey Joe (Live At Monterey,1967) https://youtu.be/8XlatbZ5k-k
- The Top 30 Best Damn Rock Riffs Ever https://youtu.be/invnCfdq-fk
- AC/DC: un millón y medio de vatios y mil comidas al día
http://www.elmundo.es/cultura/2015/05/28/55670de346163fab3e8b4579.html
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2.2. LOS SINTETIZADORES Y LA TECNOLOGÍA DIGITAL
La llegada de los sintetizadores tuvo una repercusión considerable
sobre la música popular del siglo XX. Los sintetizadores son instrumentos
electrónicos que generan señales eléctricas que se convierten en sonido a
través de amplificadores y altavoces o auriculares. Los sintetizadores pueden
imitar la sonoridad de otros instrumentos acústicos o generar nuevos timbres
electrónicamente. Tienen en general la forma de un teclado para poder ser
utilizados como instrumentos.
En los inicios del rock, algunas bandas contaban con teclistas que
tocaban el piano, el piano eléctrico o el órgano Hammond; por ejemplo Ian
Stewart de los Rolling Stones tocaba en un principio el piano. Pero, durante los
años 50 y 60, estos instrumentos eran voluminosos y difíciles de transportar y
por tanto, las bandas optaban preferentemente por utilizar las guitarras
eléctricas. En los años 80, cuando la tecnología de los teclados y sintetizadores
permitió comercializar instrumentos más económicos y más ligeros, los
sintetizadores digitales empezaron a incorporarse de forma habitual en las
bandas de pop rock. El sintetizador se convirtió en uno de los instrumentos más
importantes de la industria musical. Por otra parte, las bandas o artistas
pertenecientes a nuevos estilos musicales como la New Wave o varios estilos de
música electrónica utilizaron estos instrumentos.
Depeche Mode - Just Can't Get Enough (Live) 88 https://youtu.be/e6zZYCdyF_o
- MECANO - "Hoy No Me Puedo Levantar" (1981) https://youtu.be/DtEZTXBLgng
(synth-pop)
El siguiente paso en la evolución de la tecnología musical nos conduce al
mundo de la música electrónica donde los DJs desempeñan un papel
fundamental.
- Avicii - Ultra Music Festival 2015 https://youtu.be/ec8CsjAtg1k
EJERCICIOS:
1º) Evolución de la música instrumental en la música clásica
Importancia y evolución de la música instrumental en cada periodo.
- La Edad Media:
- El Renacimiento:
- El Barroco:
2º) Indica si cada afirmación es verdadera o falsa y cuál sería la
afirmación correcta en cada caso:
1) Las orquestas barrocas eran esencialmente orquestas sinfónicas.
2) Las orquestas barrocas incluían en general un clave, instrumento del
Barroco.
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3) El piano fue creado en el Barroco pero adquirió popularidad como
instrumento solista durante el Clasicismo.
4) En el Clasicismo, los compositores utilizaban orquestas sinfónicas muy
grandes. Sus secciones de percusión, viento metal y viento madera contaban
con una gran variedad de instrumentos.
5) El clavecín fue un instrumento muy popular durante el final del Clasicismo.
6) Beethoven compuso nueve sinfonías. En su última sinfonía, utilizó una
orquesta sinfónica de gran tamaño para la época, voces solistas y un coro para
interpretar su famosa Oda a la Alegría que hoy en día es el himno de la
Comunidad Europea.
7) En la música barroca los compositores no utilizaban reguladores como
crescendo o decrescendo. Empezaron a utilizarlos durante el Romanticismo.
8) En la música romántica, los instrumentos de viento metal y viento madera
pueden interpretar pasajes importantes en las obras, pero las orquestas no
contaban en general con varios instrumentos de percusión.
9) En el Clasicismo, Romanticismo y siglo XX, las orquestas de cámara eran
poco comunes. Los compositores preferían las orquestas sinfónicas.
3º) Relaciona cada compositor con su estilo o época:
J.S Bach
Barroco
P.I.Tchaikovsky
R. Wagner
W.A.Mozart
Clasicismo
A. Vivaldi
Romanticismo
L.V. Beethoven
Haydn
Haendel
4º) ¿Cuándo se generalizó el uso de sintetizadores en los grupos de
música pop rock? Explicar las razones de esta evolución.
5º) Proyecto de investigación: Instrumentos digitales modernos
(sintetizadores, baterías eléctricas, cajas de ritmo) ¿Cuáles fueron sus orígenes
y evolución así como su papel en estilos musicales recientes?
6º) Análisis de vídeos: Instrumentos, conjuntos instrumentales,
textura, dinámica, estilo...
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