Steve Reich and Musicians

Steve Reich and Musicians
País: EE.UU.
Género: Contemporánea
Representación: España y Portugal
“Solo hay un puñado de compositores vivos que puedan decir que han alterado la dirección
de la historia de la música y Steve Reich es uno de ellos” – The Guardian (Londres)
“…uno de los grandes compositores del siglo” – The New York Times
Considerado por muchos “el mejor compositor americano aún vivo”, Steve Reich, es, sin duda,
un nombre imprescindible para la clásica actual y para muchos otros géneros que le guardan un
considerable respeto y le tienen como una importante influencia. Es también el mayor
vanguardista musical, por encima de otros nombres, como Glass, Adams, o Stockhausen, y no
le importan en absoluto ni las ventas, ni las críticas, ni las reacciones que puede provocar.
La obra de Reich se basa en variaciones métricas a veces muy complejas y sutiles así como en
grabaciones de materiales verbales o sonoros previos (Differents trains, Vermont Counterpoint,
etc.), aunque en Tehilim ha ahondado sobre la música judía, y en The cave realizó un complejo
multimedia con la videoartista Beryl Korot, que es su esposa.
Reich ha sido el gran responsable de sacar al minimalismo de sus estrechos límites y llevarlo a
dimensiones impensadas en óperas, obras orquestales y corales, música solista y de cámara. Esa
expansión fue revelada por primera vez en “Music for 18 Musicians”, obra de gran riqueza
armónica y rítmica que, al igual que “Drumming”, marca la plenitud del minimalismo.
Steve Reich (Stephen Michael Reich) nació en Nueva York el 3 de Octubre de 1936. Estudió
filosofía en la Universidad de Cornell y música en la Juilliard School con Vincent Persichetti y
en el Mills College con Darius Milhaud y Luciano Berio. En los años sesenta sufre la influencia
de Terry Riley (quien también la ejercerá sobre Philip Glass) y se inserta en la corriente del
minimalismo repetitivo, aunque su posición es muy personal dado el interés práctico que muestra
por las músicas de otras culturas. En 1970 estudió percusión africana en la Universidad de Ghana
y entre 1973 y 1974 estudió gamelang indonesio en Berkeley y Seattle. También estudió en
Jerusalén canto hebraico. En 1966 fundó su propio grupo de intérpretes, Steve Reich Ensemble
(posteriormente Steve Reich and Musicians) con el que ha recorrido el mundo entero. En 1999
obtuvo un Premio Grammy.
Fechas disponibles: 15 al 30 de octubre de 2009
Programa: “2x5 + 18”
I. 2x5 (2009) 20’ (*)Una pieza nueva de Steve Reich compuesta específicamente para el
ensemble Bang on a Can que será estrenada en julio de 2009 en Manchester (UK). La nueva
obra será compuesta para cinco músicos (dos guitarras eléctricas, bajo eléctrico, teclados y
batería) + cinco partes pre-grabadas con los mismos instrumentos.
II. MUSIC FOR 18 MUSICIANS (1974-76) 55'
Una de las piezas fundamentales del minimalismo y la obra que cimentó las bases de la
reputación de Steve Reich. Interpretada por Steve Reich y Bang on a Can All-Stars.
(*) Estreno en España
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Biografía completa
Stephen Michael Reich (Nueva York, 3 de octubre de 1936), es un compositor estadounidense.
Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con Philip Glass, Terry Riley y La
Monte Young.
Las ideas que Reich ha desarrollado incluyen el uso de loops en cinta (tal como en sus primeras
obras It's Gonna Rain y Come Out), efectos de fase repetidos (Phase Patterns, Violin Phase y
Piano Phase), y nuevos conceptos musicales (Pendulum Music y Four Organs). Estas
composiciones han tenido una importante influencia en la música contemporánea americana.
Luego Reich, ha seguido explorando nuevas formas de expresión musical, como Drumming,
Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales. The Guardian ha descrito a Reich
como uno de los pocos compositores que "alteró la dirección de la historia de la música". En el
año 2006 ha sido distinguido con el Praemium Imperiale y en el 2007 con el Polar Music Prize.
Años de estudio [editar]Steve Reich nació en la ciudad de Nueva York el 3 de octubre de 1936.
Cuando solo tenia un año, sus padres se divorciaron, y Reich pasó su primeros años entre Nueva
York —donde vivía su padre, abogado— y Los Angeles —el nuevo hogar de su madre, cantante y
letrista. Cuando cumplió cinco años y tenia que empezar la escuela, el pequeño Steve se quedó
con su padre, que fue quien realmente le crió. A esa edad comenzó a recibir lecciones de piano,
de una forma convencional, que él describirá más adelante como "crecer con los favoritos de la
clase media" —la Quinta de Beethoven, la Inacabada de Schubert, la obertura de Los Maestros
cantores, los espectáculos de Broadway, grabaciones de Carusso, etc.[1]— sin haber escuchado
ninguna música escrita ni antes de 1750 ni después de 1900. A los catorce años, recuerda que
tuvo la suerte de que uno de sus amigos le hiciera escuchar una grabación de La consagración de
la primavera de Stravinsky; que pocos días más tarde oyó el 5º Concierto de Brandenburgo y que
adquirió sus primeros discos de jazz, de Miles Davis, Charlie Parker y Kenny Clark. [2]
Todo esto le hizo sentir que quería tocar jazz, y puesto que su mejor amigo ya era mejor pianista
que él, decidió hacerse batería y comenzó a estudiar percusión con Roland Kohloff, un músico
local que más tarde sería timpanista de la «New York Philharmonic Orchestra». Reich tocó en
varias bandas de jazz durante sus años de High School (secundaria). Durante este período
también amplió sus intereses musicales, oyendo música del barroco (y anterior), así como música
del siglo XX: Stravinsky, primero, que será una de sus pasiones; luego, Bartok y finalmente
Schoenberg. Ingresó en la Universidad de Cornell y aunque se dedicó fundamentalmente a la
filosofía, graduándose con honores en 1957 (B.A.) con una tesis sobre Ludwig Wittgenstein —
Reich cuarenta años más tarde usará algunos textos suyos en obras como Proverb (1995) y You
Are (variaciones) (2004))— siguió algunos cursos de música con William Austin. Austin era un
compositor, pianista y musicólogo que enseñaba Historia de la música de una manera muy
particular, que a Reich le afectará: la primera parte empezaba con el canto gregoriano, llegaba
hasta J.S. Bach y, entonces, venían ... Stravinsky, Duke Ellington, Charlie Parker, Bartok, etc.; la
segunda parte comenzaba con Haydn y llegaba hasta Wagner. Reich aún recuerda que creía que
era muy mayor para ser compositor —Mozart empezó a los cinco, Bártok a los seis[3]—, pero que
hablando con Austin, se convenció de que 16 años era una buena edad para empezar. Su padre
no creía que fuera lo más acertado ya que no tenia estudios preparatorios (no había estudiado de
niño ni composición ni contrapunto) y, también, aunque calladamente, porque así seguiría los
caminos de su madre. Pese a todo, Reich decidió dedicarse a la música.
El año que siguió a su graduación estudió en privado composición con Hall Overton, un pianista
protegido de Vincent Persichetti y amigo de Thelonius Monk, una combinación que Reich
considerará que fue maravillosa para él. Hall le instó a mejorar su técnica pianística con el estudio
de las piezas del Mikrokosmos, de Bartok y, tras un año, le aconsejó ingresar en la Juillard School
of Music, donde él era profesor. De 1958 a 1961, trabajó allí con William Bergsma y con
Persichetti, a quien Reich recuerda como un profesor y una persona maravillosa. En esos años
coincidió con Philip Glass en la Juillard, entablando una buena amistad que siempre ha
conservado. Decidió marcharse a la Costa Oeste, a graduarse en el «Mills College», en Oakland
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(Bahía de San Francisco, California), para participar del prestigio que tenían sus profesores
visitantes, Darius Milhaud y Luciano Berio. En esos años, o escribías como John Cage o Karlheinz
Stockhausen o Berio o tu música era irrelevante, recuerda. [4]
No obstante, más adelante Reich dirá que su tiempo en el Mills fue aburrido y frustrante, y que
solo le fue valioso porque le condujo en la dirección opuesta a la esperada. Siguió sus estudios
allí de 1961 a 1963: de Milhaud, ya envejecido y enfermo, recuerda que era "un hombre bueno,
agradable" («a kind man, a nice man»), más interesado en sus recuerdos que en el análisis
musical, pero que el semestre que pasó con él su contribución a su formación musical fue "menos
que cero" («less than zero»). En los dos semestres que estuvo con Berio si lo frecuentó, aunque
no le inspiró mucho como profesor, ya que estaba más interesado en enseñar sus propias
maneras que en favorecer las de sus estudiantes. En sus primeros intentos compositivos, Reich
experimentó con la composición dodecafónica y con la técnica serial, pero poniendo más énfasis
en los aspectos rítmicos de la serie que en los aspectos melódicos [5]. Comentando una pieza
para orquesta de cuerda del Reich estudiante, Berio observó ciertas tendencias tonales y le
recomendó que si quería ser tonal, que escribiese verdadera música tonal. Ese consejo fue la
influencia más valiosa para él, además de que al escuchar los ejemplos musicales que ponía en
clase, decidió que tipo de música no quería componer: la que quería hacer aún no estaba clara,
pero si la que nunca iba a escribir.
Mientras asistía al Mills, para pagarse los estudios, Reich dio clases de rock progresivo en el
«San Francisco's Hunter's Point» (un guetto) ("enseñándoles su propia música ... una clase muy
divertida") y teoría y composición musical en la escuela de música de Kapp Street en la Mission.
Reich se unió a un grupo de improvisación jazzista, con el violinista (y luego filósofo) George Rey,
el celista Gwen Watson, el teclista Tom Constanten (quién formo Grateful Dead), y el saxofonista
y compositor Jon Gibson, que será "una influencia muy importante en mi pensamiento y también
un apoyo en mi trabajo" [6]. El quinteto tocaba una mezcla inhabitual de jazz y de Stockhausen.
Concebido como grupo de improvisación, ilustrando la atracción de Reich por el jazz y su deseo
de distanciarse de la composición académica, tras meses de sesiones semanales de
improvisación en gran parte subjetivas y extemporáneas, Reich se dio cuenta de que estaba en
un callejón sin salida. Procuro remediarlo en noviembre de 1963, escribiendo la pieza Pitch Charts
(«Reparto de cartas»), con una notación gráfica derivada de los Tempi Concertati de Berio, en la
que una serie de cajas marcaban en la partitura las notas, pero no el ritmo o el modo de tocarlas.
El último semestre escribió una pieza para la «San Francisco Mime Troupe», para voz, clarinete,
violín rasgueado y kazooo, para una producción de Ubu Roi, que tocó con su ensemble. Al
concierto asistió Terry Riley, que se marchó a mitad del mismo. Al día siguiente, Reich fue a
preguntarle a su garaje-estudio porqué se había ido y de esa forma se conocieron. El contacto
con ese nuevo mundo artístico le resultó mucho más estimulante que el mundo serio y académico
del Mills. "¡Adiós, Luciano! sí, seré tan tonal que no podrás soportarlo." («Goodbye, Luciano! yes,
it'll be so tonal you won't be able to bear it»), recordará en 1992.
En junio de 1963, obtuvo su máster en composición musical (M.A.), con una pieza en su tesis de
jazz dodecafónico, para piano, bajo, tambores, saxo tenor y trompeta, "una pieza de muy poco
nivel de la que preferiría olvidarme" («a really low-level piece I would choose to forget».) en la
línea de la entonces de moda «third stream». La pieza fue interpretada por el propio Reich al
piano y por su grupo, John Gibson, Paul Breslin y Gwen Watson.
Primeras composiciones. Minimalismo
Después de graduarse, comenzó a conducir un taxi. Un año antes, en 1962, ya había comenzado
a experimentar de forma rudimentaria con cinta, pero en esa época comenzó a manipular las
grabaciones trabajando con un Wollensak —la primera grabadora mono disponible en los
comercios de Estados Unidos, que más adelante complementó con una Viking, también mono—.
A finales de 1963 terminó su primera pieza, una obra collage adecuada para la película
experimental de Robert Nelson, Plastic Haircut. Como recuerda en una entrevista que le hizo
Michael Nyman en 1970, "grabo un trozo, paro la cinta, muevo la aguja, y después comienzo a
grabar otra vez, esa era la forma de hacer cualquier empalme".
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En febrero de 1964, terminó su primera pieza usando un instrumento musical, Music for Three
Pianos or Piano and Tape, un trabajo desechado pero significativo como anticipo de trabajos
posteriores a 1966. La influencia directa era Refrain, de Stockhausen, una pieza en la
Stockhausen había adaptado a los vibráfonos las lentamente descendentes estructuras acórdicas
de Morton Feldman. Reich creó una estructura cíclica de acordes repetidos, algunos derivados del
jazz, una pieza que recuerda como "en alguna parte entre Morty Feldman y Bill Evans". Los
acordes tocados por el primer piano son repetidos (tanto exactamente como en forma invertida, o
rotos, etc.) por el segundo y el tercero, dando por resultado una repetición de notas con el mismo
timbre, pero sin la repetición de patrones rítmicos o el golpeo fijo de la pieza de su tesis.
Cuando consiguió más encargos para obras en cinta, Reich adquirió ese mismo año 1964 un
Sony 770, entonces lo mejor en estero, y un Uher portátil —ambos con un compañero del Mills,
Phil Lesh, entonces cartero y que más tarde seria bajista de los Grateful Dead—. Reich metió el
micrófono del Uher bajo el asiento del conductor de su propio taxi, y con las grabaciones, hizo un
pieza-collage de tres minutos, cortada a mano, de puertas que se cierran y discusiones sobre el
precio de las carreras, que oportunamente tituló Livelihood («Sustento»).
Reich tocaba a veces en el ensemble en el que estaba Terry Riley, el «San Francisco Tape Music
Center», junto con Pauline Oliveros, Ramon Sender, Morton Subotnick y el mismo Riley. (Gracias
a una ayuda de la Fundación Rockefeller, el «San Francisco Tape Music Center» se incorporó en
el verano de 1966 al Mills College, transformándose en el «Mills Tape Music Center,» y más tarde
en el «Center for Contemporary Music». Pauline Oliveros fue su primera directora desde 1966.)
Con ellos, en 1964, estreno la obra de Riley In C, y él fue quien sugirió el uso del pulso de la
octava nota que ahora es habitual en la ejecución de la obra. Con ellos produjo, en 1965, Oh Dem
Watermelons, una obra para voz y cinta, de nuevo para una película de Robert Nelson, una obra
que era ya, básicamente, un trabajo de cinta, con el empleo repetido de frases y un gran canon en
cinco partes.
Riley, que había estado explorando sus propias técnicas repetitivas desde 1960 —como resultado
de la influencia en él de La Monte Young, un pionero del minimalismo—, influyó mucho en el
desarrollo posterior del estilo de Reich. La estructura libremente aleatoria de In C, con su
combinación de patrones musicales simples, desiguales en tiempo y que poco a poco van
cambiando, fue adoptada para componer su primer trabajo importante, It's Gonna Rain («Va a
llover»). Comenzada a finales de 1964, pero solo finalizada en 1965, la obra parte de una
grabación realizada con la grabadora Uher en la esquina de la Union Square, donde un
predicador negro —el Hermano Walter, de los de los Black Pentecostal—, sermoneaba sobre
Noé, el diluvio universal y la llegada de un nuevo fin del mundo, que los presentes oían con el
recuerdo aún reciente de la crisis de los misiles cubanos y de una posible guerra nuclear. Reich
construyó su primera obra importante en cinta, con segmentos del sermón cortados y arreglados,
repitiéndose en múltiples bucles, que son tocados en y fuera de fase.
Vuelta a Nueva York
En setiembre de 1965, volvió a Nueva York y comenzó a dar conciertos con sus obras en galerías
de arte y a frecuentar a algunos pintores y escultores que más adelante serían conocidos como
"mínimalistas", como Sol LeWitt y Robert Smithson o el cineasta Michael Snow. Paula Cooper
tenia la «The Park Place Gallery», y algunos artistas le invitaron a que diera un concierto allí,
primero en el año 1966 con obras de cinta y más tarde en el 1967. Los conciertos de «The Park
Place Gallery», fueron un éxito y Reich recuerda que a uno de ellos incluso asistió Robert
Rauschenberg. Acudían pintores, escultores, cineastas, coreógrafos, pero no compositores, salvo
Phil Corner y James Tenney. Algunos de esos pintores y escultores le ayudaron a conseguir más
actuaciones. Sol LeWitt le compró en 1970 una partitura de Four Organs y alguna otra más, y ese
dinero le sirvió para adquirir el Glockenspiels que usará en Drumming. Bruce Nauman le ayudó a
conseguir un concierto en el Museo Whitney en la primavera de 1969 —se celebró el 27 de mayo,
como parte del espectáculo Anti-Illusion, y se tocarón Four Log Drums, Pulse Music, Pendulum
Music (con Bruce Nauman, Steve Reich, Richard Serra, Michael Snow y James Tenney) y Violin
Phase— y Richard Sierra le consiguió otro en el Museo Guggenheim. Fue una situación que le
resultaba muy estimulante y comenzó a ser ya conocido en los ambientes musicales y artisticos
neoyorquinos. (Reich volvió al Whitney en 1978 y en 1981 como parte de la serie Composer’s
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Showcase, en que se estrenaron muchos de sus obras. El 15 de cotubre de 2006, le dedico un
festival de cuatro horas para conmemorar su setenta aniversario.) [7]
Formo su propio conjunto en 1966, al principio solo con Art Murphy y Jon Gibson, conjunto que
fue poco a poco creciendo, hasta alcanzar en 1971 los 12 músicos para interpretar Drumming,
momento en el que se llamo «Steve Reich and Musicians». Al principio nadie tenía nada de dinero
y tocaban porque estaban interesados en lo que hacían ("confiamos en ti y queremos ver lo que
puedes crecer"). Una vez que comenzaron a tener actuaciones, los miembros comenzaron a ser
pagados. De forma asombrosa, como recuerda Reich, Russ Hartenberger y Bob Becker, se
unieron al grupo en 1971 y todavía ahora forman parte de él, simultaneándolo con su trabajo en el
ensemble canadiense Nexo, uno de los mejores grupo de percusión del mundo. «Steve Reich and
Musicians» sigue actuando a día de hoy, con una formación flexible desde los 2 a los 18 músicos,
y ha viajado con frecuencia por todo el mundo, actuando en lugares tan diversos como el
Carnegie Hall o el Bottom Line Cabaret.
It's Gonna Rain fue bien recibida en Nueva York y escuchada por algunas personas que fueron a
su estudio. Le pidieron si podría hacer algo parecido para una campaña benéfica para obtener
fondos para intentar la revisión de un juicio por disturbios raciales, en que seis chicos de color
fueron arrestados en 1966 acusados de matar a un policia, caso conocido como los Harlem Six.
Le dieron un lote de 10 cintas con grabaciones de los acusados, y eligio a uno de ellos, Daniel
Hamm, de 19 años, que luego sería absuelto ya que se logro demostrar que había sido torturado
en la comisaria de Harlem, y que por eso había admitido participar.
Compuso Come Out (1966), una obra de 13 minutos en que hace uso de una sola línea hablada,
también manipulada, en la que Daniel, mostraba una de sus heridas para convencer a la policía
de que había sido golpeado. La línea hablada incluye la frase "dejar la sangre de la magulladura
salir para mostrárselo". («to let the bruise blood come out to show them»). Reich regrabó el
fragmento "salir para mostrárselo" («come out to show them») en dos canales, que se tocan
inicialmente al unísono, pero que rápidamente se desincronizan. La discrepancia se ensancha y
se convierte gradualmente en una reverberación. Las dos voces, en un bucle continuado, se
dividen en cuatro, después en ocho, y continúan dividiéndose hasta que las palabras reales ya no
son inteligibles, dejando al oyente, solamente, con el discurso de un patrón rítmico y tonal.
Come Out fue interpretada en un concierto en «The Park Place Gallery» al que asistió David
Behrman —por entonces asistente de John McClure, de Columbia Masterworks— que le propusó
grabarla. En diciembre de 1967 Columbia Records sacó simultáneamente 20 grabaciones de
compositores contemporáneos, como Gordon Mumma, John Cage, Milton Babbitt, Stockhausen o
el mismo Reich en la serie de New Sounds in Electronic Music. El disco agrupaba Come Out de
Steve Reich, con Night Music de Richard Maxfield y I of IV de Pauline Oliveros. Alan Rich, critico
de Time eligió Come Out como la mejor de todas las obras de la serie. Fue todo un espaldarazo
para la carrera de Reich, que empezó a realizar entrevistas radiofónicas para la NYC o la WBAI.
Empezó a interesarse por la aplicación a la interpretación en vivo de la técnica de cambios de
fase, de sus piezas de cinta. En 1966 compuso su primera pieza para ser interpretada en vivo,
Reed Phase, una pieza en la que Jon Gibson tocaba una melodía pregrabada en el saxo tenor y,
mas tarde, en escena, dos cintas la reproducían controlando el intérprete ambas velocidades. Le
siguieron, en 1967, Piano Phase, una obra para dos teclados, con los intérpretes turnándose en y
fuera de fase, y Violin Phase, una pieza en la que Paul Zufofsky tocaba contra varios bucles
pregrabados. Ese mismo año 1967 compuso una obra conceptual, Slow Motion Sound, muy del
tipo Fluxus, que solo constaba de una breve descripción: "Muy gradualmente hacer más lento un
sonido grabado muchas veces su longitud original, sin que cambien ni el tono ni el timbre" («Very
gradually slow down a recorder sound to many times its original lenght without changing its pitch
or timbre at all».). Más adelante, cuando la técnica lo permita, Reich retomará esta línea de
investigación. Un ejemplo de un procedimiento musical similar fue la pieza Pendulum Music, del
año 1968, que consistía en el sonido grabado de varios micrófonos oscilando sobre unos
altavoces a los que estabán unidos, reproduciendo lo que captaban, produciéndose una
retroalimentación («feedback») mientras lo hacían. A medio camino entre escultura sonora y
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performance musical, la obra se estrenó en 1968 —puesta en práctica por Steve Reich en
compañía del pintor William Wylie— y después, en 1969, se programó en el Whitney Museum,
con Reich en compañía de artistas como Bruce Nauman, Michael Snow, Richard Serra y James
Tenney. (Esta pieza ha sido "reconstruida" en 1996 por el grupo Bang on a Can para el 60º
aniversario de Steve Reich y en 1999 por Sonic Youth y Jim O'Rourke para el álbum Goodbye
20th Century.)
En el año 1969, Philip Glass le hospedó durante 3 meses, y ambos, muy próximos en esa época,
tuvieron la oportunidad de trabajar con uno de sus "modelos", con Moondog, al que ambos
calificaron como "fundador del minimalismo". (Moondog rehusó este titulo, no por modestia, sino
porque él se consideraba heredero directo de la música contrapuntistica de los grandes clasicos,
sobre todo de Bach). Ese mismo año 1969, David Behrman superviso también Live/Electric Music
in 1969, que contenía dos obras de Steve Reich: Violin Phase y It's Gonna Rain. (Se puede
encontrar los primeros registros discográficos de Reich, los más experimentales, en la
compilación Early Works).
Los años 1970
En 1970 vuelve a la idea de Slow Motion Sound de ralentizar un sonido grabado muchas veces su
longitud original, sin cambios de tono o de timbre y compone Four Organs (1970), para cuatro
órganos elctricos y maracas, pero ocupándose específicamente del fenomeno del aumento
(«augmentation»), del alargarmiento temporal de frases y fragmentos melódicos. En la obra las
maracas tocan un pulso rápido de corcheas, mientras que los cuatro órganos tensionan ciertas
corcheas usando un acorde de oncenas, resaltando la repetición y el cambio rítmico sutil que
poco a poco se va produciendo. Es una obra única en el conjunto de las obras de Reich, al tener
un desarrollo lineal, muy diferente de las obras cíclicas de trabajos anteriores. Por ejemplo, es
muy diferente de Phase Patterns, de ese mismo año y también para cuatro órganos (pero sin
maracas), que como el nombre sugiere, es una obra de fase similar a otras compuestas durante el
período. Four Organs fue interpretada como parte de un programa de la Boston Symphony
Orchestra, y fue la primera composición de Reich que se estreno en una sala de conciertos
tradicional.
En el verano de 1970, con la ayuda de una beca del «Institute for International Education», Reich
estudió percusión en el «Institute for African Studies» en la Universidad de Ghana en Accra.
Durante cinco semanas, aprendió con el maestro percusionista Gideon Alerwoyie. En 1962 Reich
ya había conocido el libro de A.M. Jones, Studies in African Music, acerca de la música del pueblo
Ewe (una tribu ghanesa), y más tarde el trabajo de Colin Mcphee, Music in Bali, y, por fin, pudo
profundizar en sus enseñanzas. De su experiencia africana, sacó la inspiración para su siguiente
obra, una pieza de 90 minutos que compuso poco después de su vuelta, y que de forma
siginificativa llamó Drumming («Tamborileando»). Drumming fue estrenado en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York, en una sala que no había sido usada para la música desde un primer
concierto para percusión de John Cage. Compuesta para un conjunto de nueve percusionistas
con voces femeninas y flautín, Drumming marcó el principio de una nueva etapa en su carrera,
porque por esa época tomo formó definitiva su propio conjunto, «Steve Reich and Musicians», al
que se dedicaría desde ese momento en exclusiva como compositor y ejecutante. «Steve Reich
and Musicians» fue el único conjunto que interpretó sus composiciones durante muchos años, y
aún hoy todavia permanece activo con muchos de sus miembros originales. Por esa época, 1971,
Michael Nyman le consiguió su primer concierto en Londres, en el ICA. Un año más tarde, estrenó
Drumming en la Hayward Gallery londinense, con ocasión de una exposición de Rothko, y como
Reich no tenia forma de reunir los 12 músicos, participaron el propio Nyman y Gavin Bryars.
Tras Drumming, Reich siguió investigando la técnica, que él había iniciado, del "desplazamiento
de fase" («phase shifting»), y comenzó a escribir piezas más elaboradas. Por esa época, 1973,
escribió trabajos como Music for Mallet Instruments, Voices and Organ y Six Pianos. En el curso
1973-74 estudió «Balinese Gamelan Semar Pegulingan» y «Gamelan Gambang» con I Nyoman
Sumandi en la «American Society for Eastern Arts» en Seattle y en Berkeley, California. Por
aquellos años el gamelan era aún bastante poco conocido y para Reich supuso una vuelta a las
raices de la música. En los años 1960 y 1970 la música no occidental era la via quizás más
atractiva para innovar la composición cocidental. Bali, Java, Africa, India, era una manera de
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reconocer las bases de la música —el centro tonal y los pulsos ritmicos— que se habian perdido
con la música serial y aleatoria de esos años. Cowell, Cage, Harrison, Riley, La Monte Young,
Glass, todos estudiaron con maestros locales y sacaron provecho de sus estudios. Con John
Adams, Michael Torke, Michael Gordon, David Lang esta música ha llegado a ser una parte de
nuestro universo musical. [8]
Reich ya comenzaba a ser muy conocido y Deutsche Grammophon (DG) le firmó un contrato,
fruto del cual fue la grabación en enero de 1974, en Hamburgo, de un triple LP conteniendo sus
obras Drumming, Six Pianos y Music for Mallet Instruments, Voices and Organ, en el que además
de miembros de su ensemble, contó con las colaboraciones de Glen Velez y de Cornelius
Cardew. El lanzamiento no tuvó mucho éxito ya que se vendieron muy pocas copias (fue
relanzado en un doble CD, con más éxito).
En 1974, Reich comenzó a escribir Music for 18 Musicians (Música para 18 músicos), el número
de integrantes de su ensemble, una pieza que acabaría dos años más tarde. Seguramente es la
obra de Reich que más éxito ha tenido y para muchos, es lo que se llamaría su trabajo seminal.
Esta pieza implicó muchas nuevas ideas, aunque algunas ya fueron escuchadas en piezas
anteriores. La obra se organiza alrededor de un ciclo de once acordes introducidos al principio,
seguidos por un pequeños trozos basados en cada acorde, y por una vuelta final al ciclo original.
Las secciones se nombran conveniente, "Pulses", "Section I-XI", y nuevamente, "Pulses" . Este
fue el primer intento de Reich de escribir una obra para conjuntos mayores, con más ejecutantes,
que permitia un mayor alcance de los efectos psicoacústicos, cosa que fascinó a Reich, que ya
anotó por esa época que le gustaría "explorar esta idea más" («explore this idea further»). Reich
comentó que este trabajo contenía más movimiento armónico en los primeros cinco minutos que
cualquier otro trabajo que él hubiera escrito. DG grabó la pieza, pero no estaba muy seguraa de
lanzarla debido al relativo fracaso de ventas de Drumming. A Reich le propusieron entonces
sacarla en el sello ECM, y recuerda que al principio lo rechazó diciendo que su obra no era jazz.
Bob Hurwitz —entonces en ECM y luego al frente de Nonesuch—, le convenció y vendieron más
de 100.000 copias en los siguientes dos años, promocionando la obra en emisoras de radio de
rock progesivo y jazz experimental. Para Reich, fue una suerte haber accedido, ya que desde ese
momento gozó de un amplio prestigio y difusión en la escena musical internacional. A mediados
de los 1980 firmó un contrato con la editora Universal para sus nuevas obras. Dado que
Drumming no tenia partitura, fue un problema durante bastante tiempo, ya que muchos grupos
querian tocarla. Le propusieron hacerla y contrataron a un estudiante de doctorado, Mark Mellitz,
que tras transcribir paciente e integramente la pieza grabada —en más de 400 páginas—,
finalmente logró con la ayuda de Reich, hacer una notación más sencilla que puedieron acabar en
1998 y con la que se toca actualmente la obra).
En 1976 Recih se casa por segunda vez, con la videoartista, Beryl Korot (Nueva York, 1945). A
partir de ese momento, Reich siente un renovado interés por su herencia judia, se vuelve más
religioso, y comienza a estudiar, sobre todo en 1977, las formas tradicionales del «cantillation» (el
cantar) de las escrituras hebreas, tanto en Nueva York como en los viajes que realiza a Jerusalén.
Este interés no se reflejará en ese momento en su obra, y solo fructifirá a partir de obras como
Tehilim (1981).
Reich siguió explorando ideas en sus siguientes obras, en Music for a Large Ensemble (1978)
(una de sus obras más grabadas) y en Octet (1979). En estos dos trabajos, Reich experimentó
con "la respiración humana como la medida de duración musical… los acordes tocados por las
trompetas se escriben para que el músico pueda respirar cómodamente" (notas del CD Music for
a Large Ensemble). Las voces humanas son parte de la gama de colores musical en Music for a
Large Ensemble, pero la parte vocal, muda, simplemente forma parte de la textura (como lo hace
en Drumming). Con Octet y sus primeras variaciones de orquesta, las Variations for Winds,
Strings and Keyboards (también 1979), la música de Reich demostró la influencia de Cantillation
bíblico, que había estudiado en Israel desde el verano de 1977. Después de esto, la voz humana
que canta un texto desempeñaría un papel cada vez más importante en la música del Reich.
La técnica […] consiste en tomar patrones melódicos preexistentes y encadenarlos juntos para
formar una melodía más larga al servicio de un texto santo. Si quitas el texto, te dejan con la idea
de juntar motivos pequeños para hacer largas melodías -una técnica que no había encontrado
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antes. (The technique […] consists of taking pre-existing melodic patterns and stringing them
together to form a longer melody in the service of a holy text. If you take away the text, you're left
with the idea of putting together small motives to make longer melodies - a technique I had not
encountered before.) [9]
A finales de los años 1970, Reich publicó un libro, "Writings About Music", conteniendo ensayos
con su filosofía, estética, y proyectos musicales escritos entre 1963 y 1974. Una colección
actualizada, "Writings On Music (1965-2000)", fue publicada en 2002.
Los años 1980
El trabajo de Reich adquirió un carácter muy diferente, algo más oscuro, en los años 80, con la
introducción de temas políticos y de referencias a su herencia judía. Reich no había compuesto
hasta ese momento ninguna obra vocal al modo tradicional, y para hacerlo eligio poner música a
uno de los textos más conocidos del judaismo, el Libro de los Salmos —salmos 19:2-5 (19:1-4 en
traducciones cristianas), 34:13-15 (34:12-14), 18:26-27 (18: 25-26), y 150:4-6—, aunque al igual
que hizó Stravinsky con el latín en la Sinfonía de los Salmos, eligió el texto original hebreo,
estableciendo una distancia histórica que le permitió una cierta abstracción y una percepción casi
linguistica de la parte vocal. En esta obra Reich no emplea ninguno de los repetitivos patrones de
obras anteriores, iniciando una via claramente melódica que será un punto de partida para otros
trabajos. Tehillim (1981), consta de cuatro partes, y se anota para un conjunto de cuatro voces
femeninas (soprano alto, dos sopranos líricos y un alto), flautín, flauta, oboe, corno inglés, dos
clarinetes, seis percusionistas (que tocan pequeños tambourines templados sin cascabeles,
aplausos, maracas, marimba, vibráfono y crótalos), dos órganos electrónicos, dos violines, viola,
violoncelo y bajo doble, con voces amplificadas, cuerdas y vientos.
Este interés siguió en su siguiente obra, la cantata de casi 50 minutos Desert Music, sobre un
poema de William Carlos Williams (1984), uno de los poetas que fascinó a Reich durante toda su
vida. Por vez primera, Reich se atrevió directamente con el inglés, y para ello uso la mayor y más
diversa orquestación de toda su carrera. Reich alternó producciones de gran escala para orquesta
—The Four Sections (1987)— con composiciones para instrumentos solistas con cinta electrónica:
Vermont Counterpoint (para flauta amplificada, escrita para Ransom Wilson en 1982), New York
Counterpoint (para clarinete amplificado escrita para Richard Stoltzman en 1985) y Electric
Counterpoint (para guitarra eléctrica, escrita para Pat Metheny en 1987). Todas estas obras hacen
uso de multilineas (en alguna obra, hasta once) con el instrumentista tocando en vivo. En 1984, la
compañía de danza «Laura Dean Dancers and Musician» y el Gobierno francés (para ser
interpretada por el grupo Nexus), le encargaron conjuntamente una nueva obra, Sexteto. El ballet
de Laura Dean se llamo "Impact" y fue estrenado en el «Brooklyn Academy of Music's Next Wave
Festival», y les supuso a Reich y a Laura Dean la concesión del «Bessie Award» en 1986.
Su siguiente composición fue Different Trains («Trenes diferentes») (1988), para cuarteto de
cuerdas y cinta, en la que Reich utiliza fragmentos de voces registradas, como en sus trabajos
anteriores, pero esta vez con un fin melódico más que como un elemento rítmico. En Different
Trains Reich compara y contrasta sus recuerdos de la niñez, cuando entre 1939 y 1941 viajaba en
tren acompañado por su niñera Virginia —de uno a otro lado del país, de Nueva York a California
y de nuevo de vuelta—, con lo que podrían ser sus viajes en tren si fuera un niño judio nacido en
esos años en Europa, entonces bajo el régimen nazi, trenes que los conducian a la muerte. La
obra se organiza en tres partes: en la primera, America, antes de la guerra, Reich usa
grabaciones con la voz de su niñera y de un revisor (ambos por entonces todavia vivos); en la
segunda parte, Europa, durante la guerra, emplea las voces de Rachella, Paul y Rachel, tres
supervivientes de los campos de concentración, de su misma edad, que explican su experiencia;
en la tercera parte, Después de la guerra, usa las grabaciones de todos ellos entremezcladas.
El «New York Times» saludo la obra como "un trabajo de tan asombrosa originalidad que un gran
descubrimiento parece la única descripción posible ... posee un impacto emocional absolutamente
horrendo". («a work of such astonishing originality that breakthrough seems the only possible
description ... possesses an absolutely harrowing emotional impact»). La grabación del «Kronos
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Quartet» de Different Trains consiguió el Premio Grammy a la «Mejor composición
contemporánea clásica» en 1990.
Los años 1990
A principios de los años 1990, Reich ya gozaba de una importante reputación internacional como
compositor, lo que le permitió abordar algunos proyectos más ambiciosos. Fruto de un encargo
conjunto de los Festivales de Viena, Amsterdam, París, Berlín, Londres y Nueva York, Reich
abordó en 1990 la composición de su primera ópera, The Cave (La cueva), una obra en la que
colaboró con su esposa, la videoartista Beryl Korot, y que no acabó hasta 1993. La obra, en tres
actos, es descrita como "una pieza teatral de video de musica documental" («documentary music
video theater piece») y se organiza alrededor de una proyección de video en cinco grandes
pantallas, con un conjunto de percusión, voces y cuerdas tocando en vivo bajo ella.
En el relato bíblico, Abraham compra a Ephron el hitita, para enterrar a su esposa Sara, la cueva
de Macphelan. La Cueva de los Patriarcas, como desde entonces se conoce, se convirtió en el
lugar de reposo final no sólo para Sara, sino también para el propio Abraham y sus
descendientes. Para los judíos, la cueva es también un camino de vuelta al Jardín del Eden y se
dice que Adán y Eva estan enterrados alli. La cueva tiene también una gran significación religiosa
para los musulmanes; si los judíos son descendientes de Abraham y Sara, a través de su hijo
Isaac, los musulmanes remontan su linaje a Abraham —Ibrahim— a través de su hijo Ismael,
nacido de Hagar, sirvienta de Sara. La cueva, situada en la ciudad árabe de Hebron, en
Cisjordania, no es accesible al haberse construida sobre ella. Las ruinas revelan una larga historia
de demandas y conflictos: permanece el muro que Herodes erigió alrededor de la cueva; se han
descubierto ruinas de una iglesia bizantina; y permanece, finalmente, la mezquita construida en el
siglo XII. Desde 1967 la mezquita está bajo jurisdicción musulmana, aunque el ejército israelí
mantiene su presencia en el lugar. Aunque las tensiones son muy altas, sigue siendo el único
lugar en la tierra donde los judíos y los musulmanes adoran juntos.
En esta obra Reich explora las diferentes raíces del judaísmo, del cristianismo y del Islam
mediante una confrontación con la historia biblica. La obra narra el relato biblico de Abraham y,
simultáneamente, aparecen en pantalla las entrevistas de video a personajes contemporáneos.
Las preguntas que se hacen son solo cinco (¿quién es, para ti, Abraham? ¿quién es Sara?,
¿quién es Hagar?, ¿quién es Ismael? y ¿quién es Isaac?). En el primer acto, se pregunta a
personajes israelíes; en el segundo, a palestinos; y, en el tercero, a americanos. Las preguntas
son repetidas musicalmente por el ensemble.
The Cave fue estrenada el 15 de mayo de 1993 en Viena, luego viajó por Europa, y abrió
finalmente, en octubre de ese mismo año, el «Brooklyn Academy of Music's Next Wave Festival».
La obra tuvo una excelente acogida y el «Time Magazine» la definió como una "ojeada fascinante
de como será la ópera en el siglo XXI". («a fascinating glimpse of what opera might be like in the
21st century»). Del estreno en Chicago, John von Rhein en el «Chicago Tribune» escribió, "las
técnicas usadas en esta obra tienen el potencial de enriquecer la ópera como arte vivo en el
nuevo milenio... The Cave impresiona, en última instancia, como un trabajo poderoso e
imaginativo de música teatral de alta tecnología, que vuelve a un presente preocupado con un
diálogo resonante con el pasado, y nos invita a considerar de nuevo nuestro herencia cultural
compartida." («The techniques embraced by this work have the potential to enrich opera as living
art a thousandfold....The Cave impresses, ultimately, as a powerful and imaginative work of hightech music theater that brings the troubled present into resonant dialogue with the ancient past,
and invites all of us to consider anew our shared cultural heritage».) (Nonesuch hizo una
grabación de la obra y una nueva versión fue repuesta en Chicago en abril de 1996.)
En los años siguientes, Reich compuso varias obras de pequeña escala, como Duet (1993) y
Nagoya Marimbas (1994). Ese mismo año 1994, Steve Reich fue elegido miembro de la
«American Academy of Arts and Letters», el primer gran reconocimiento en el mundo musical de
su país, reconocimientos que los años siguientes irán extendiéndose por todo el mundo. Al año
siguiente, en 1995, compuso su obra City Life, que incorpora el uso de técnicas de muestreo
(«sampling techniques») en un marco de instrumentación convencional, una música densa con
sonidos cotidianos de la ciudad, trepidantes y repetitivos (claxons, frenazos, sirenas de coches,
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alarmas...). En el último movimiento, Reich incluso emplea comunicaciones del cuerpo de
bomberos provenientes del atentado contra las Torres Gemelas de 1993. Esta obra tuvó un gran
éxito. Ese mismo año 1995 fue elegido también miembro de la Bavarian Academy of Fine Arts.
En junio de 1997, en la celebración de su sexagésimo cumpleaños, Nonesuch lanzó una caja de
10-CD con sus obras, alguna de ellas grabadas por vez primera y otras remezcladas. En 1998, la
crema de los músicos electronicos de los años 1990 le rindio un homenaje participando en un CD
—Reich Remixed, Nonesuch, 1999— en el que artistas como Coldcut, Howie B, Andrea Parker,
Tranquility Bass, Mantronik, Nobukazu Takemura, D*Note, DJ Spooky y Ken Ishii colaboran con
una pieza a partir de una o varias obras de Steve Reich.
Obtuvó un segundo Premio Grammy en 1999, por la obra Music for 18 Musicians, grabada
también en Nonesuch. En julio de 1999 el «Lincoln Center Festival» presentó una gran
retrospectiva con sus obras. Un año antes, en 1988, el South Bank Centre de Londres, montó una
retrospectiva similar programando varios conciertos.
En 1999 compuso Know What Is Above You («Sabe que está sobre ti») y el Gobierno francés le
nombró Commandeur de l'ordre des Arts et Lettres.
Los años 2000
El año 2000 fue un año de de nuevos reconocimientos públicos; ese año le concedieron el
«Schuman Prize» de la Universidad de Columbia, la «Montgomery Fellowship» del Dartmouth
College, el «Regent’s Lectureship» de la Universidad de California en Berkeley, un doctorado
honorifico del California Institute of the Arts y, además, fue nombrado Compositor del año por el
«Musical America Magazin»e.
En el año 2002, Reich y Beryl Korot finalizaron una nueva colaboración, que habian iniciado en
1997, la obra Three Tales (Tres cuentos), una nueva clase de teatro musical u ópera que incluye
película, entrevistas de video, fotografías y textos, montados con ordenador y proyectados en una
gran pantalla de unos 9 metros, bajo la que los cantantes y 16 instrumentistas tocan. La obra dura
poco más de una hora y es una reflexión profunda sobre el progreso cientifico y el uso de la
tecnologia. La ópera tuvo una excelennte acogida y el estreno completo tuvo lugar en el Festival
de Viena del año 2002 (Hindenburg, el primer acto, se estrenó primero en el festival de Spoleto en
mayo de 1998). La gira continuo con estrenos ese mismo año por toda Europa —(Holland Festival
(Amsterdam), Settembre Musica (Turin), Barbican Centre (Londres), Musica Strasbourg, Festival
d'Automne à Paris (Cité de la Musique), Centro Culturel de Belem (Lisboa), Hebbel Theater
(Berlin)—, America —Spoleto Festival (Charleston), Next Wave Festival at the Brooklyn Academy
of Music (Nueva York), June in Buffalo Festival (version película, 2003), Krannert Hall, University
of Illinois (con video de Beryl Korot, 2003) y Atheneum Theater (Chicago, con video de Beryl
Korot, 2003)—, Australia —Perth Festival (2003)— y Hong Kong —Hong Kong Festival (2003)—.
En el primer cuento, Hindenburg, utiliza material histórico como fotografías y una entrevista
grabada que proporcionan el soporte para el texto sobre el famoso zeppelin. Comenzando con la
explosión final el 6 de mayo de 1937, en Lakehurst, New Jersey, también incluye material sobre la
construcción de zeppelines en Alemania en 1935 y de su última travesía del Atlántico. La actitud
inequívocamente positiva hacia la tecnología se refleja en los mensajes de los locutores de la
época.
El segundo cuento, Bikiní, se basa en fotografías y textos sobre las pruebas de la bomba atómica
que se hicieron en el atolón de las Bikiní entre los años 1946 y 1954. Narra el desalojo y
relocalización de los habitantes del atolón, que vivían al margen del mundo occidental que
determinó su destino. Mientras que Hindenburg se presentaba, más o menos cronológicamente,
en cuatro escenas con un silencio y un fundido en negro que las separaban, en Bikiní se montan
tres bloques de imágenes/música que se repitan en un ciclo repetido tres veces, conformando una
cierta meditación cíclica sobre los acontecimientos. Una pequeña coda explora el período trás las
explosiones, con lo que finaliza el cuento. Entremezcladas, hay dos historias, que recoge el
Génesis, diferentes sobre la creación de los seres humanos; en una, el primer hombre es creado,
junto con la mujer, para controlar y dominar todos los animales y plantas de la tierra; en la
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segunda, el hombre es creado con barro, la mujer con una de sus costillas, y ambos son puestos
en el edén para servirlo y guardarlo. Estas dos historias sobre la creación representan dos tipos
muy diversos de realidad humana presentes en nosotros de diferentes formas. No son cantadas,
sino interpretadas por la percusión y los pianos, como si existieran (como lo hacen de hecho) en
otra dimensión.
El tercer cuento, Dolly, con textos y una entrevista, trata sobre la reproducción de una oveja adulta
en Escocia en 1997. En él se ocupa extensamente de la idea del cuerpo humano como máquina,
de la ingeniería genética, la evolución tecnológica y la robótica. Mientras que en Hindenburg
Reich utilizó solo una "entrevista" del presente para comentar el pasado, y en Bikiní no utilizó
ninguna, Dolly está lleno de fragmentos de entrevistas a miembros de las comunidades científica
y religiosa. Se oye, entre otros, a James D. Watson, Richard Dawkins, Stephen Jay Gould,
Rodney Brooks, Marvin Minsky, Steven Pinker, Sherry Turkle, Bill Joy, Jaron Lanier y Rabbi Adin
Steinsaltz. Con un uso de las entrevistas similar a The Cave, los nuevos tratamientos formales de
los fragmentos conducen a un resultado muy diferente. Específicamente, "el sonido a cámara
lenta" («slow motion sound») (una idea que Reich tenía en los años 60 pero que técnicamente
solo fue posible en ese momento) permite que uno considere y que oiga a la gente hablar en
cámara lenta sin cambiar el tono. Otra nueva técnica, el "cuadro de sonido congelado" («freeze
frame sound») es el equivalente sonoro de un plano congelado en el cine, y consiste en que una
sola vocal o consonante está ampliada y deja durante mucho tiempo un rastro audible en cada
altavoz, que se convierte en parte de la armonía total. Además, un robot parlante tiene un papel
importante en la narración. Las dos versiones de la creación se vuelven a presentar de varias
maneras. Diversas actitudes hacia la ciencia y la tecnología que tan ávidamente abrazamos, se
encajan en los fragmentos de las entrevistas, incluyendo una perspectiva religiosa no escuchada
en la discusión pública.
Reich también volvió a componer trabajos puramente instrumentales para las salas de concierto,
comenzando con Triple Quartet (1998) escrito para el Kronos Quartet que puede ser interpretado
tanto para cuarteto de cuerdas y cinta (tres cuartetos de cuerda) o por una orquesta de 36
instrumentos. Según Reich, la obra está influenciada por Bartók y los cuartetos de cuerda de
Alfred Schnittke. Esta vena instrumental continuó con las obras Dance Patterns («Patrones de
danza», 2002), Cello Counterpoint («Contrapunto para violoncello», 2003), y la serie de obras
centrada en las variaciones: You Are (Variations) (2004) —un trabajo que vuelve de nuevo a la
escritura vocal de obras como Tehillim o The Desert Music— Variations for Vibes, Pianos, and
Strings (2005), para la London Sinfonietta) y Daniel Variations (2006).
En una entrevista muy reciente en «The Guardian», Reich indicó que continúa siguiendo esta
dirección con una obra todavia sin nombre encargada por un el conjunto americano «eighth
blackbird», que consiste en el mismo quinteto instrumental de la obra de Schoenberg de 1912,
Pierrot Lunaire, —flauta, clarinete, violín o viola, violoncelo y piano— añadiéndole percusión.
Reich piensa que volverá otra vez con la cinta, y que está pensando en Agon de Stravinsky
(1957), como modelo para una futura obra instrumental.
En el año 2007 Steve Reich y el saxofonista Sony Rollins fueron distinguidos con el Premio de
Música Polar 2007 («Polar Music Priz»e), que otorga la Real Academia Sueca, considerado el
Premio Nobel de la Música. La justificación del galardón dice que Reich ha logrado "de un modo
personal, e inspirado por diferentes culturas, que la variación minimalista se convierta en un
universo completo de música con una sonoridad de belleza inmediata". Reich ha trasladado
además cuestiones sobre la fe, la sociedad y la filosofía "a un sonido hipnótico que ha inspirado a
músicos y creadores de todos los géneros".
Su música
Influencias
El estilo de composición de Reich ha influido a muchos otros compositores y grupos musicales,
entre ellos a Philip Glass (especialmente en sus primeras obras), John Adams, la banda de rock
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progresivo King Crimson, el guitarrista de New Age Michael Hedges, el músico electrónico y de
arte-pop Brian Eno, los compositores asociados con el festival Bang on a Can (entre ellos David
Lang, Michael Gordon y Julia Wolfe), y el músico de rock indie Sufjan Stevens. Su música también
ha sido una fuente de inspiración para los músicos de Ambient y Techno. Una línea melódica de
su obra de 1987 Electric Counterpoint fue utilizada por The Orb en su Little Fluffy Clouds de 1991.
Esta conexión ha sido honrada en un álbum de 1999 por DJs y músicos electrónicos, Reich
Remixed, editado por Nonesuch Records.
John Adams ha comentado:
"él no reinventó la rueda, pero nos ha mostrado una nueva manera de montar." («He didn't
reinvent the wheel so much as he showed us a new way to ride».
También ha influenciado a artistas visuales como Bruce Nauman, y ha expresado su admiración
por el montaje que la coreógrafo Anne Teresa De Keersmaeker hace con sus obras ("Fase"
(1983), set de cuatro de sus primeras obras; "Drumming" (1998); y "Rain", con música de "Music
for 18 Musicians").
Otros coreógrafos conocidos han creado obras con la música de Reich, incluyendo a Jirí Kylían
("Falling Angels", un montaje sobre Drumming Part I"), a Jerome Robbins para el ballet clásico de
New York City ("Eight Lines") y a Laura Dean. Laura Dean ha usado en sus coreografias muchas
obras de Reich, como en sus obras Quartet Squared (Phase Patterns) (1972), Square Dance
(1972) Walking Dance (con música de Clapping, 1972)Drumming (1975), Tehilim (1984), Impact
(1985), Force Field (1986) o Space (1988). Otros coreógrafos importantes que han usado música
de Reich son Eliot Feld, Alvin Ailey, Lar Lubovitch, Maurice Bejart, Lucinda Childs, Siobhan Davies
y Richard Alston.
Reich a menudo cita a Pérotin, J.S. Bach, Debussy y Stravinsky como los compositores que
admira, de cuya tradición deseaba formar parte cuando era un joven compositor. El jazz es una
parte importante en la formación del estilo musical de Reich, y dos de las primeras influencias en
su obra fueron las vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller, cuyo énfasis en las capacidades
artísticas de la voz sola con poco vibrato y otras alteraciones, fue una inspiración en sus primeras
obras. El estilo de John Coltrane, que Reich ha descrito como "tocando muchas notas con pocas
armonías" ("playing a lot of notes to very few harmonies"), también le influyó, en especial el LP
Africa/Brass, que "era básicamente media hora en Fa" ("was basically a half-an-hour in F." )[4]. La
influencia del jazz incluye sus raices, y Reich también estudió la música de Africa del oeste en sus
lecturas y en una visita que hizo a Ghana. Otras influencias importantes fueron Kenny Clarke y
Miles Davis, y y otros artistas visuales amigos suyos como Sol Lewitt y Richard Serra.
Discografía
Selected Works
Steve Reich: Works 1965-95
The Cave (excerpts); City Life; Come Out; Clapping Music;
The Desert Music; Different Trains; Drumming; Eight Lines;
Electric Counterpoint; Four Organs; The Four Sections; It's
Gonna Rain; Music for 18 Musicians; Music for Mallet
Instruments, Voices, and Organ; Nagoya Marimbas; New
York Counterpoint; Piano Phase; Proverb; Sextet; Six
Marimbas; Tehillim; Three Movements
Various artists
Nonesuch 79451 (ten-CD set)
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New 5 CD box, 'Phases' released by Nonesuch in
September 2006
Nonesuch records has released its second boxed set of
music by Steve Reich entitled 'Phases - A Nonesuch
Retrospective', and sold at a special reduced price. Included
in the 5 CD box are a large number of Steve Reich's best
know works including, Music for 18 Musicians, Drumming,
You Are (Variations), Different Trains,Tehillim, The Desert
Music, Cello Counterpoint, Eight Lines, Proverb, Come Out,
Music for Mallet Instruments, Voices and Organ, Electric
Counterpoint, New York Counterpoint and Triple Quartet.
Various Artists include Pat Metheny, Kronos Quartet,
Michael Tilson Thomas, Steve Reich & Musicians and Evan
Ziporyn.
You Are (Variations) & Cello Counterpoint
performed by the Los Angeles Master Chorale, conducted by
Grant Gershon and by cellist Maya Beiser.
Nonesuch Records 79891-2 - released September 27, 2005
Three Tales DVD & CD set
Steve Reich Ensemble & Synergy Vocals conducted by
Bradley Lubman
Nonsuch Records 79662 - release date: August 19, 2003
Drumming
performed by So Percussion
Cantaloupe records CA21026
Six Pianos, Pendulum Music, Violin Phase, Music for
Pieces of Wood, Drumming-Part Four
Performed by Steve Reich and Musicians at The Kitchen
1977. This recording is live and completely unedited.
Orange Mountain Music 0018.
Different Trains
On September 5th, 2005 Signum Records in UK will release
a new CD of Different Trains. Triple Quartet and Duet
performed by the Smith Quartet
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Drumming
Steve Reich and Musicians, recorded by Deutsche
Grammophon in 1974. Re-released 2004.
Deutsche Grammophon DG 474 323-2
Tehillim The Desert Music
performed by ALARM WILL SOUND and OSSIA
conducted by Alan Pierson
Produced by Bang on a Can
Cantaloupe Records CA21009
City Life, New York Counterpoint, Eight Lines, Violin
Phase
Roland Diry: clarinets (New York Counterpoint); Jagdish
Mistry: violin (Violin Phase); Peter Rundel: conductor (City
Life); Bradley Lubman: conductor (Eight Lines)
RCA/BMG 74321 66459 2
Drumming Music for Mallets, Voices and Organ
Six Pianos
Steve Reich & Musicians (Reissued)
DGG 427 428-2
Variations for Winds, Strings, and Keyboards (reissued)
San Francisco Symphony Orchestra
Conducted by Edo de Waart
Steve Reich & Musicians
DGG- 20/21 Series - 4715912
New Release of Different Trains (for string orchestra),
Triple Quartet and The Four Sections
The Orchestre National de Lyon conducted by David
Robertson on Naïve label, number MO 782167
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Triple Quartet
Electric Guitar Phase (1967, 2001)
Music for a Large Ensemble
Tokyo/Vermont Counterpoint (1981, 2000)
Kronos Quartet, Dominic Fracsca, Alarm Will Sound & Ossia
Ensembles, Mika Yoshida
Nonesuch 79546
New York Counterpoint
Eight Lines
Four Organs
Bang on a Can, Evan Ziporyn, clarinets, Bradley Lubman,
cond.
Nonesuch 79481
Reich Remixed
(tribute to the composer; various DJs re-work Reich
recordings)
Nonesuch 79552
City Life
Nagoya Marimbas
Proverb
Bob Becker and James Preiss, Steve Reich Ensemble /
Bradley Lubman
Theatre of Voices/Paul Hillier
Nonesuch 79430
The Cave
Steve Reich Ensemble / Paul Hillier
Nonesuch 79327
The Desert Music
Steve Reich and Musicians; Brooklyn Philharmonic
Orchestra & Chorus / Michael Tilson Thomas
Nonesuch 79101
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Different Trains
Electric Counterpoint
Kronos Quartet
Pat Metheny, guitar
Nonesuch 79176
Drumming
Steve Reich and Musicians
Nonesuch 79170
Early Works
Clapping Music
Come Out
It's Gonna Rain
Piano Phase
Russ Hartenberger and Steve Reich, perc., Nurit Tilles and
Edmund Niemann, pianos
Nonesuch 79169
The Four Sections
Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ
London Symphony Orchestra / Michael Tilson Thomas;
Steve Reich and Musicians
Nonesuch 79220
Music for 18 Musicians
Steve Reich and Musicians
Nonesuch 79448
Music for 18 Musicians
Steve Reich and Musicians
ECM New Series 78118-21129
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Music for 18 Musicians
Ensemble Modern, Lubman
BMG 09026-68672
Music for 18 Musicians
(Live recording in Budapest)
Amadinda and Musicians
Hungaraton 33208
Music for a Large Ensemble
Octet
Violin Phase
Steve Reich and Musicians
ECM New Series 78118-21168
Sextet
Six Marimbas
Nexus, Steve Reich and Musicians, Manhattan Marimba
Quartet Nonesuch 79138
Tehillim
Steve Reich and Musicians
ECM New Series 21215
Tehillim
Three Movements
Schoenberg Ensemble / Reinbert de Leeuw
London Symphony Orchestra / Michael Tilson Thomas
Nonesuch 79295
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Four Organs & Phase Patterns (reissued)
Steve Reich, Philip Glass, Jon Gibson, Arthur Murphy,
Steve Chambers
New Tone Records RDC5018
Phase Patterns
Pendulum Music
Piano Phase
Four Organs
Ensemble Avantgarde
Wergo 6630
Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ
Music for Pieces of Wood
Sextet
Amadinda Percussion Group
Hungaroton 31358
Four Organs (reissued)
For four electirc organs and maracas
Michael Tilson Thomas, Steve Reich, Ralph Grierson, Roger
Kellaway, Tom Raney
Also includes, The Rite of Spring by Igor Stravinsky,
arranged for two pianos, and Three Dances by John Cage
Angel Classics #67691
Obras
en orden cronológico
17
It's Gonna Rain (1965)
tape
Come Out (1966)
tape
13
Melodica (1966)
tape
11
Piano Phase (1967)
for two pianos - can also be played on two marimbas
published by Universal Edition ( London )
15-21
Violin Phase (1967)
for violin and tape or four violins
15-18
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published by Universal Edition (London )
7-15
My Name Is (1967)
for three tapes recorders and performers
manuscript only
5-8
Pendulum Music (1968)
for 3 or 4 microphones, amplifiers and loudspeakers
published by Universal Edition (London)
16-22
Four Organs (1970)
for four electric organs and maracas
published by Universal Edition (London)
15-18
Phase Patterns (1970)
for four electric organs
published by Universal Edition (London)
55-86
Drumming (1970-71)
for 4 pairs of tuned bongo drums, 3 marimbas, 3 glockenspiels, 2 female
voices, whistling and piccolo
Part 1: 4 pairs of tuned bongo drums
Part 2: 3 marimbas(9 players),2female voices
Part 3: 3 glsp(4 players),picc
Part 4: complete ensemble
(each of the four parts may be performed separately)
ensemble: 9 percussion, picc., 2 womens voices (S,A)
all instruments and voices amplified
17'25
1826'
1116'
919'
Clapping Music (1972)
two musicians clapping
published by Universal Edition (London)
both musicians amplified
3-5
Music for Pieces of Wood (1973)
7-10
for five pair of tuned claves
published by Universal Edition
Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ (1973)
17'-20'
4 marimbas,vibraphone,2 female voices (S & A) (long tones with organ).
1 female voice (S) (melodic patterns with marimbas).elec.organ
all voices and instruments amplified
24
Six Pianos (1973)
for six pianos
(available as Six Marimbas for six marimbas)
Music for 18 Musicians (1974-76)
55-65
for ensemble
2cl(I,II=bcl)—4pft—perc(6):3marimbas/2 xyl/vib—vln.vlc—4female
voices(SSSA) All instruments and voices amplified
Music for a Large Ensemble (1978)
17
1.0.2.2ssax.0—0.4.0.0—perc:4marimba/2xyl/vib—4pft—2vln.2vla.2vlc.1db
—2female voices (S.A) (woodwinds,pianos,voices and strings amplified)
Variations for Winds, Strings, and Keyboards (1979)
2130”
for orchestra
3.3.0.0—0.3.3.1—2pft—3elec.organ—strings
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Octet (1979)
see Eight Lines (1983)
30
Tehillim (1981)
for voices and ensemble
Text: Psalms 19,34,18,150 (Heb)
1.picc.1.corA.2.0—perc(6):maracas/clapping/4tuned tamb without
jingles/marimba/vib/crot—2elec.organ—4women's voices(high sop, 2lyric
sop, alto)—strings 2-2-2-2-1 (woodwinds, voices, and strings amplified)
30
Tehillim (1981)
for voices and orchestra
Text: Psalms 19,34,18,150 (Heb)
(orchestral version)
3.picc.2.corA.2.1—perc(6):maracas/clapping/4tuned tamb without
jingles/marimba/vib/crot—2elec.organ—4female voices(high sop, 2lyric
sop, alto)—strings (woodwinds and voices amplified)
Vermont Counterpoint (1982)
9
for amplified flute (=piccolo,alto flute) and tape.
Ensemble version for 8 flutes (1=picc,afl.4=picc) & 3afl
46
Desert Music, The (1984)
for amplified chorus (27), and orchestra
Text: William Carlos Williams (E)
4(II,III,IV=picc).4(II,III,IV=corA).4(II,III,IV=bcl).4(IV=dbn)—4.4
(I=picc.tpt ad lib).3.1—timp(2players=rototoms).perc(7):medium tam-t/
maracas/sticks/2BD/2glsp/2xyl/2vib/2marimba—2pft(4players)—
strings(12.12.9.9.6) (voices and woodwinds amplified)
46
Desert Music, The (1984)
for 10 singers (amplified) and reduced orchestra
Text: William Carlos Williams (E)
4(II,III,IV=picc).0.0.0—4.4(I=picc.tpt ad lib).3.1(brass optional)—
timp(2players=rototoms).perc(7):med tam-t/maracas/sticks/2BD/2glsp/
2xyl/2vib/2marimba—2pft(4players:I,III,IV=synth)—strings 3-3-3-3-1
(voices,woodwinds and strings amplified)
1730”
Eight Lines (1983)
for ensemble
2fl(=picc).2cl(=bcl)—2pft—strings(2.2.2.2.1)
For performances where the concert hall has a capacity of greater
than 200 the flutes (but not piccolos) & clarinets/bass clarinets and pianos
must be amplified
28
Sextet (1984)
for percussion and keyboards
2pft(3players).2elec.pft(synth)—perc:2vib(bowed)/3marimba/tam-t/
click sticks/2BD/crot (+ amplification)
New York Counterpoint (1985)
11
for amplified clarinet and tape,
or 11 clarinets(8 clarinets, clarinet (=bass clarinet), 2 bass clarinets)
New York Counterpoint (Saxophone Quartet version) 1985)
Arranged for amplified saxophone quartet by Susan Fancher for the Vienna
Saxophone Quartet
saxophone quartet (SATB) with tape
11
New York Counterpoint (solo soprano saxophone + tape) (1985)
Arrangement for solo amplified soprano saxophone and tape by Susan
11
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Fancher
Six Marimbas (1986)
transcription of Six Pianos (1973) for 6 marimbas
24
Three Movements (1986)
15
for orchestra
2.2picc.2.corA.3.3(III=dbn).dbn—4.3.3.1—perc:2marimbas/2vib/
BD—2pft(4 hands)—strings (left:6.6.4.4.4;right:6.6.4.4.4)
if required for balance, 1st violin section right may be expanded to
8 players
Electric Counterpoint (1987)
15
for electric guitar or ampliied acoustic guitar and tape
Amplified Guitar soloist and tape, or guitar ensemble. Ensemble consists of 12
guitars and 2 electric bass guitars
The Four Sections (1987)
for orchestra
4(IV=picc).4.4(IV=bcl).4(IV=dbn)—4.4.4.1—timp.perc(4):2vib/2marimba/
2BD—2pft(=2synth)—strings(16.16.12.8.6)
25
Different Trains (1988)
27
for string quartet and tape
Different Trains (1988, orch.2000)
27
(string orchestra version)
String orchestra and tape - withdrawn 2003
2:22
The, Cave (1990-93)
Music and Video theatre work
Video by Beryl Korot
Text: Bible (E), Koran and documentary material (E)
2ww(fl, ob, corA, cl, bcl)—perc(4):vib/mar/BD/kick drums/claves—3kbd
(pft, sampler. computer kbd)—strings 1.1.1.1.0
4 voices S,S,T,Baritone
all voices and instruments amplified
requires six screens, video projectors, multi channel synchronoized video
playback
5
Duet (1993)
for two solo violins and string ensemble
2 solo vln.4vla.3vlc.db or small string orchestra
3
Typing Music (1993)
[Genesis XII]
for percussion from The Cave, Act I
amplified computer keyboard.2clapping.2claves.2BD
The Cave (excerpts) (1993/2003)
for amplified voices and ensemble
18
Nagoya Marimbas (1994)
5
for two marimbas
Nagoya Guitars (1994, transcribed 1996)
5
transcription for two guitars by David Tannebaum in collaboration with the
composer
24
City Life (1995)
for amplified ensemble
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2.2.2.0—0.0.0.0—perc(3 or 4):2vib/cym/SD/2BD—2pft.2samplers
(3 sampling keyboards)—strings(1.1.1.1.1)
all instruments amplified
15
Proverb (1995)
for voices and ensemble
Ludwig Wittgenstein (E)
3 lyric sop.2 ten—2 vib—2 kbd (playing 4 five-octave keyboards)
depending on hall voices and vibraphones may be amplified
15
Triple Quartet (1998)
for amplified string quartet (with pre-recorded tape), or three string quartets, or
string orchestra 9-9-9-9-0
Original: for string quartet and pre-recorded tape
Also: for three string quartets or string orchestra
NB: these are two separate performing editions
Know What Is Above You (1999)
for four womens voices (S,S,A,A) and 2 percussion (tamborims)
330”
Electric Guitar Phase (2000)
for electric guitar and pre-recorded tape
arrangement of Violin Phase(1967)
15 18
Tokyo/Vermont Counterpoint (2000)
9
for KAT MIDI mallet and pre-recorded tape
arrangement of Vermont Counterpoint (1981)
1:05
Three Tales (2002)
Video Opera. Video by Beryl Korot
Act I: Hindenburg
Act II: Bikini
Act III: Dolly
5 voices: 2S, 3T;
perc(4):/2vib/2SD/2pedal kick dr/susp.cym/large gong
2pft
string quartet—prerecorded video and audio tape
DA-88 Digital Tape recorder and high-quality video projection equipment
required
all voices and instruments amplified
16
22
27
6
Dance Patterns (2002)
2 xylophones, 2 vibraphones, 2 pft
15
Cello Counterpoint (2003)
for amplified cello and multichannel tape
You Are (Variations) (2004)
text: Rabbi Nachman of Breslov (E), Psalms (Heb.), Wittgenstein (E) & Pirke
Avot (Heb.)
for amplified ensemble and voices
2-2-3-0, no brass, 2 marimbas, 2 vibraphones, 4 pft., strings 3-3-3-3-1
voices S,S,S,A,T,T
ca. 27
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