thomas noone dance balbir, el meu avi
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THOMAS NOONE DANCE BALBIR, EL MEU AVI Dosier pedagógico 1. PRESENTACIÓN DEL DOSIER ¿Qué? ¿Por qué? ¿Para quién? 2. EL ESPECTÁCULO: BALBIR, EL MEU AVI 2.1. Por qué Balbir? 2.2. La pedagogía de Balbir: valores que quiere transmitir, su fundamentación y relación con la actualidad 2.3. Los elementos del espectáculo 2.4. El proceso de creación: fases y desarrollo de casa fase 3. PARA TRABAJAR EN COMUN 3.1. Sobre la danza en general 3.2. Sobre los valores o ideas que transmite: para valorar en grupo 3.3. Objetivos y contenidos pedagógicos 3.4. Sobre el espectáculo: aspectos en los que profundizar a nivel artístico 3.5. Links, videos, referencias y demás vínculos 4. ENTREVISTAS CON EL EQUIPO 1.-PRESENTACION DEL DOSIER ¿QUÉ? ¿POR QUÉ? ¿PARA QUIÉN? Este dosier se presenta como una herramienta para los profesores y alumnos, una guía con información detallada del espectáculo y de las motivaciones que lo han puesto en escena. Pero sobre todo es un dosier que quiere transmitir la pasión por la danza, un arte y un lenguaje universal que tiene una gran capacidad de comunicación con todos los públicos. Encontrarán datos sobre la compañía y también entrevistas con sus componentes para saber de primera mano cuáles son sus inquietudes e intereses a la hora de crear y bailar Balbir, el meu avi. Intentamos que sea lo más detallado posible para que se encuentren en él muchas respuestas, pero siempre habrá cuestiones que solo se podrán responder tras la función, cuando todos pongan en común las sensaciones, ideas y vivencias que les ha provocado el espectáculo. Esperamos que lo disfruten y que conecten con la energía que nos ha llevado a crearlo para todos ustedes. 2. EL ESPECTÁCULO: BALBIR, EL MEU AVI 2.1. Por qué Balbir, el meu avi Desde que en 2005 Thomas Noone Dance entró en residencia en el SAT!, siempre ha existido un interés de crear un espectáculo para todos los públicos. El contacto directo con los directores del SAT!, quienes tienen una contrastada experiencia y actividad en el ámbito del teatro familiar y escolar, ha cultivado este interés desde la compañía. También la creencia de que las artes escénicas deben estar en contacto con el curriculum de los alumnos como parte esencial de su educación. Antecedentes TND ha tenido varias experiencias con público infantil y juvenil, como la participación en las campañas escolares del SAT! desde 2008 o la presentación de extractos de obras para público adulto creados expresamente para todos los públicos., en la campaña Anem al Teatre de la Diputación de Barcelona. La compañía ha visto la necesidad de implicación en actividades que creen interés hacia la danza, creación de públicos y también de profundizar en la implicación de la danza a nivel social. El concepto Con este espectáculo se busca crear una actuación única y singular. TND se caracteriza por montajes muy físicos y dinámicos, y creemos que su naturaleza, muy visual y accesible, puede conducir a un espectáculo apto para niños. “Cuando empecé a pensar en el espectáculo ya tenía en mente imágenes de situaciones que quería crear. Paralelamente comencé a leer historias para niños y también cuentos de la mitología Hindú, en parte buscando el cuento universal pero también por mi propia herencia y recuerdos de mi abuelo, un inmigrante en Guyana, tercera generación de una familia hindú en este país suramericano. De esta investigación llegué a la fórmula para la pieza, y además al título, Balbir, el meu avi," nos cuenta Noone. El espectáculo El director nos da algunas claves más de sus planteamientos iniciales 1.- Mi primera preocupación fue como adaptar mi estilo físico, abstracto y visual para captar a un público joven. Por eso considero que el mejor método es optar por una estructura de escenas muy visuales y dinámicas para mantener la atención. La idea es crear un cuento dentro del cuento para dar más teatralidad la experiencia. Empezar con la imagen de una niña que se encuentra a su abuelo y cuando él empieza a contarle sus historias nos lanzamos a un viaje fantástico. 2.- Además de entretener hay una línea didáctica. Desde siempre he sido consciente de mis orígenes, diferentes a los de la gente de mi país, y mi abuelo fue uno de los elementos más importantes para ello. Aun así, con la facilidad de un niño lo asumí con normalidad. Sus cuentos eran exóticos, de lugares lejanos (Guyana, India,..), pero siempre cercanos porque hablaban de parientes y amigos nuestros. En esta pieza creo que hay que hablar de diferencias que no lo son, de que la diferencia es algo que disfrutar y celebrar, y que no hay que cultivarla como barrera. En la pieza, la historia contada del abuelo a la niña es un viaje a un lugar extranjero donde la diferencia entre el viajero y la gente de allí causa a primera vista confrontación y desconfianza, pero con un simple gesto se convierte en amistad y se encuentran similitudes. Se empieza en la silla del comedor, y entre la niña y el abuelo se viaja por un bosque, un palacio, jardines y lugares indescriptibles antes de volver de nuevo a casa. 2.2. La pedagogía en Balbir Valores que quiere transmitir, su fundamentación y relación con la actualidad La diversidad de culturas, razas y orígenes es positiva. La identidad es importante a nivel individual, pero no niega la aceptación de los que son diferentes ni supone que se es superior a los otros. La gente mayor tiene mucho valor. La danza y el teatro nos pueden hablar de cosas de la vida real, son un vehículo de comunicación social. 2.3. Los elementos del espectáculo Movimiento Utilizamos nuestro estilo característico que es una danza muy física y dinámica. La danza muestra la técnica del bailarín y tiene momentos “extremos”. ¡No veo la gracia en que bailemos para el público si ellos pueden hacerlo también! En Balbir también incluimos aspectos más gestuales e incluso jugamos con efectos como el uso de los bailarines como marionetas, manejadas por otros bailarines. Me gusta, sobre todo visualmente, resulta atractivo a todo el mundo, especialmente a los niños, y juega con el cuerpo como instrumento absoluto. Balbir incluye elementos muy dinámicos, incluso un poco acrobáticos. Los jóvenes ya están acostumbrados a ver break y hip hop, por eso lo podemos incluir. Música La música de Jim Pinchen es universal, el tiene integra música de diferentes estilos. Además al ser de Inglaterra, un lugar muy multicultural, está influido por muchos estilos. Su background televisivo y cinematográfico es muy útil para el mundo de la escena. Vestuario Es una propuesta simple, y con una premisa básica. Dividir los personajes por colores: los de “aquí” Balbir y su nieta, y los de “allá” También hemos introducido algún elemento retro para enfatizar a algunos personajes. Iluminación La iluminación enfatiza las escenas y da ambientes impactantes a la vez que se iluminan los cuerpos de los bailarines. El poder de la iluminación es grande en la danza y de manera muy sutil evoca lugares. Un ejemplo muy interesante es la luz lateral de los objetos del bosque donde las sombras rojizas son evocadoras Escenografía Es esencial en Balbir para conducir el viaje. Todo se despliega, se desenrolla, se puede ver a los bailarines “construyendo” la escena. Esto es para implicar la imaginación del espectador, porque inconscientemente le ayuda a crear la escena en su mente. 2.4. El proceso de creación: fases y desarrollo de cada fase A partir de la idea original, lo primero que se hace es tener clara y por escrito la planificación de todo el proceso de creación y de producción. Para entendernos, se trata de que todo aquello que necesita el creador para hacer el espectáculo, en esta caso Thomas con Balbir, se pueda ir haciendo: contratar a los bailarines, preparar el local de ensayo, hablar con el músico y con el iluminador para ver si están disponibles en las fechas previstas, también con el teatro donde se estrenará para ver si tiene fechas disponibles. Luego hay que ponerse a trabajar con los escenógrafos y el músico. Luego la creación en el estudio para tener la base de movimiento e ir desarrollando lo que será la coreografía. Este proceso puede durar de 1 a 3 meses y en él participan los bailarines, el coreógrafo y la ayudante del coreógrafo. Paralelamente se inicia un periodo de trabajo con los elementos escenográficos con los que los bailarines tendrán que relacionarse e interactuar en el escenario. Llega el momento de unificar todo: la música, con la danza, con la escenografía para ir arreglando aquello que no encaja o no gusta tras el ensamblaje. Luego se entra en pruebas en el teatro para seguir con los ensayos. El vestuario, del que ya hay algunas ideas, se determina en este momento. Y también en el teatro se hacen las pruebas con la iluminación y se concluye el diseño de las luces Después de todo esto solo queda ¡¡el estreno!! Y hasta ese momento se estarán ultimando todos los detalles. 3. PARA TRABAJAR EN COMUN 3.1. Sobre la danza en general La danza contemporánea La danza contemporánea surgió como reacción contra las posiciones y movimientos del ballet clásico, alejándose de su estricto criterio tradicional y romántico, de cualquier código y regalo académica. Se empezó a conocer después de la I Guerra mundial y ha sido la portadora de una importante función: la comunicación. En la danza contemporánea, la dinámica del cuerpo proviene de la energía de la persona hacienda que el movimiento alcance cada parte del cuerpo. El espacio es usado como una vía natural de expresión a través de cada gesto y del dinamismo del movimiento. Su ejecución, que no solo se desarrolla en posición vertical, es tan rica que se pueden usar diferentes posiciones y niveles. La forma en que ocurre está siempre caracterizada por la simplicidad y la elegancia de su técnica. La danza contemporánea se basa en conceptos universales como son la línea, la curva, el espacio y el tiempo. Dentro de esta modalidad de danza, se crea, para cada una de sus obras, un lenguaje nuevo, cuyos elementos son momentos expresivos y, por tanto, no clasificables e imposibles de preestablecer. 3.2. Sobre los valores o ideas que transmite: para valorar en grupo En esta obra se habla de que las diferencias culturales son riqueza para las personas. Estamos ya en una sociedad donde convivimos con vecinos que provienen de otros países y de otras culturas, a los que aceptamos y con lo que nos relacionamos. Pero aun así a veces el rechazo se manifiesta sobre todo cuando se dan determinados problemas de incomprensión. Reforzar la idea de que el inmigrante es una persona que se traslada a otro país con su cultura y sus costumbres aunque llegue a una sociedad nueva, es una de las ideas que quiere mostrar este espectáculo. Además, ¿por qué la gente emigra? ¿Por gusto o por necesidad? En la mayoría de casos es porque en sus países de origen no tenía muchas posibilidades de prosperar, o porque sus regímenes políticos eran duros y represores. Ahora viven aquí, convivimos todos desde la tolerancia pero ¿nos preguntamos donde están sus familias? ¿A qué se dedican? ¿Cuáles son las diferencias culturales y religiosas básicas entre nosotros? Su alimentación, sus fiestas de celebración, el tipo de ropa también a veces es diferente, y deberíamos aprovechar que tenemos a gente tan dispar cerca para aprender de sus lugares de origen, de su cultura, de sus costumbres, incluso algunas palabras de su idioma. Antes de asistir al espectáculo Ya que después espectáculo puede haber una charla con los niños sería interesante que la preparaseis siguiendo unas pautas que hay más adelante. 3.3. Objetivos y contenidos pedagógicos Objetivos generales Familiarizar a los jóvenes con el lenguaje de la danza contemporánea. Promover la danza como espectáculo visual. Crear un nuevo público crítico y con criterio personal. Ofrecer a los niños una experiencia artística poco habitual. Objetivos específicos Transportar lo que pasa en el escenario a lo que pasa en el aula y que la experiencia sea personal. Promover el valor de la opinión personal del espectador sobre el espectáculo, es decir, fomentar un espíritu crítico y abierto a nuevas experiencias. Contenidos conceptuales La danza como lenguaje artístico y como medio de expresión corporal. La música como acompañamiento inseparable de la danza. La imaginación: fuente de creación de imágenes en movimiento. Contenidos procedimentales Observación de la danza como lenguaje corporal. Entrenamiento de la sensibilidad estética. Descubrimiento de las posibilidades de movimiento de las diferentes partes del cuerpo. Control del espacio y el tiempo a través de la danza y la música. Expresión de sentimientos a través de la danza. Contenidos de actitud La buena relación y el respeto con los demás. Respeto por el trabajo de los bailarines. Interés por seguir el desarrollo del espectáculo. Atención per reconocer que nos dicen las imágenes del espectáculo. Finalidades La sesión de charla-encuentro entre el equipo y los escolares sigue un guión según el tiempo disponible y con unos objetivos: Ver cuáles eran las expectativas antes de la función y si se han cumplido. Que se ha aprendido o descubierto, si ha interesado o si han variado ideas que se tenían antes de ver la obra. Si se ha captado el mensaje del espectáculo Hablar de la música, del vestuario, la escenografía, la luz. Hablar de las diferentes maneras en que se ha bailado. Animar a asistir a otros espectáculos de danza. Facilitar el contacto con bailarines profesionales y hablar de la danza como profesión. Procedimiento Las preguntas introductorias y orientativas del diálogo pueden ser trabajadas en clase antes o después del espectáculo. Los temas a tratar, de forma orientativa, podrían ser: ¿Qué conocéis sobre la danza? ¿Habéis asistido a algún espectáculo antes? ¿Lo que habéis visto es diferente de la danza que sale en la televisión? ¿Qué os ha interesado más? ¿Las partes os han parecido iguales o diferentes? Si os ha gustado una más que otra y por qué ¿Creéis que os tiene que gustar todo en un espectáculo? ¿A qué otro tipo de espectáculos asistís normalmente? ¿Cuándo veis una película os gusta toda o unas partes más que otras? ¿Habéis visto alguna película sobre danza? ¿Habéis podido observar alguna historia? ¿Cuántas veces a la semana creéis que ensayamos? ¿Cuánto tiempo creéis que los bailarines han tardado en se profesionales? 3.4. Sobre el espectáculo: aspectos en los que profundizar a nivel artístico Después de asistir al espectáculo: 1- Hablad con vuestros alumnos sobre el espectáculo en general. Que expresen que les ha parecido, que les ha impactado, como han visto a los bailarines y la música. Que comuniquen las sensaciones que han tenido y las emociones vividas. 2- Hablad de lo que es el guión, la coreografía y la escenografía en una representación teatral, o en una de ballet. Comentad la importancia que se da a cada uno de estos aspectos en esta obra comparadlo con la que se da en alguna otra obra que hayáis visto. Trabajad los ritmos. 3- Ponedles músicas de diferentes orígenes y que adivinen de que cultura son. ¿Cuales serian los ritmos típicos de este país? (flamenco, sardana, etc.). ¿Qué culturas han sido representadas por sus ritmos durante el espectáculo? ¿Tenéis idea de algún otro tipo de ritmo que sería descriptivo de un origen? 4- Pensemos en las emociones que hemos sentido durante el espectáculo. ¿Qué tipo de emociones se han reflejado en los ritmos durante el espectáculo? (Alegría, tensión, calma,...) Entre todos, podéis dar algún ejemplo de ritmo alegre, tenso, tranquilo enfadado... Os sugerimos que los propios alumnos hagan prácticas intentando reflejar estas emociones a través del movimiento y la expresión corporal. Los compañeros de clase pueden adivinar entre ellos, el ritmo. ¿Cual sería el mensaje del espectáculo? El ritmo se refleja en todo, también nos da pistas sobre el origen de las personas que lo ejecutan. La verdadera escucha se basa en la sensibilidad hacia el ritmo de la otra persona. Si en la clase hay alumnos de otros países se puede incidir en su manera de bailar y en su expresividad. 6- Experimentar primero con el propio cuerpo primer con el propio cuerpo, y después con objetos del aula, las sonoridades que podemos conseguir. No es solo los diferentes instrumentos que tenemos (las manos, los pies,...) sino también las diferentes opciones que tenemos de crear sonidos con cada uno de ellos (picando de diversas formas, rascando,...). 7- Trabajad buscando dos o tres sonoridades con los pies y creando pequeñas poliritmias: por parejas, uno de los alumnos hace un obstinado rítmico que será la base y el otro improvisa pequeños ritmos sobre ellos; o los dos dialogan con ritmos de sonoridad diferente. 8- También podéis llevar un sintetizador al aula y escuchar los ritmos que lleva incorporados. Después podéis hablar de que música va bien encima. 9- Hacedles ver la importancia del ritmo en toda clase de música y danza. Escuchad obras de estilos muy diferentes (jazz, rock, clásica y tradicional o étnica).Hablad sobre el uso del ritmo y bailadlas. 3.5. Links, videos, referencias y demás vínculos. Webgrafia Bahok de Akran Khan con el Ballet Nacional de China http://www.youtube.com/watch?v=FKKiHmt7OGc Babel de Sidi Larbi Cherkaoui http://www.youtube.com/watch?v=Sz7UY5DEVhQ The tales of Beatrix Potter del Royal Ballet http://www.youtube.com/watch?v=AHcnf06HE_Q The Forest Fevered sleep http://www.youtube.com/watch?v=VcTElO4vhGY Bollywood para ver otras formas coreográficas http://www.youtube.com/watch?v=vewp4vJojac 4. ENTREVISTAS CON EL EQUIPO Con el director y los bailarines Entrevista con Thomas Noone Es tu primera producción para público familiar, ¿supone esto algún tipo de reto para ti? Mas que un reto supone repensar cómo haces el espectáculo enfocado a un público distinto. Me ha supuesto sentarme y pensar antes de ir corriendo al estudio a trabajar. ¿De dónde surgió la idea de Balbir? Siempre he querido hacer algo sobre mi herencia familiar, es algo que llevo conmigo. Me siento inglés, pero la mía no ha sido una familia típicamente inglesa. Mi abuelo fue de todos el más diferente y en parte es un homenaje a él. ¿Cómo eran los cuentos que te contaba tu abuelo, de que trataban? Mi abuelo no quería que perdiera el contacto con mi raíz hindú ni con la de Guyana, por eso me contaba historias de mis parientes de allí y de su infancia: cómo cazaban serpientes y lagartos en los campos de caña de azúcar, cómo nadaban en los canales o huían de las avispas gigantes.También hablaba de sus abuelos y de su vida en India, ¡además de contarme relatos míticos hindús con morelejas! Igual solo intentaba inculcar un comportamiento cívico en su nieto. ¿Qué sucede durante el espectáculo? ¿Cómo desarrollas tu idea original a través de las escenas? El espectáculo es muy visual y sitúa la danza en entornos "impactantes". Siempre me ha fascinado cómo el escenario puede transformarse en diferentes lugares de forma muy sencilla. Me encanta la idea de un teatro antiguo, donde los actores despliegan unos elementos muy simples y construyen palacios, desiertos, bosques. Me parece que si logras estimular al público ellos mismos se transportan, y este es, para mí, el reto al hacer un espectáculo. ¿Cómo es el movimiento? Como siempre, muy bailado y muy físico. Pero también hay un componente de clown. El payaso es como el comunicador primordial y lo ilustra todo, desde lo humorístico hasta lo triste. La danza también es algo primordial que se salta el texto y puede ser entendido por todos. ¿Qué papel tiene la música? En nuestro movimiento es muy importante la simbiosis de música y danza, es una cuestión de ritmo, de crear ambientes que den cohesión al espectáculo. Como hilo conductor su habilidad para retener al espectador es fundamental. ¿Hay texto, o palabras? No, no hay texto o palabras, no hace falta. Debemos ser capaces de comunicar todo sin ellos. ¿Cuál es el objetivo que persigues con esta nueva creación? Lo primero de todo, que padres y niños vean la danza como algo normal a la vez que entretenido, emocionante y estimulante. Espero también que los niños puedan entender algo de los valores que intentaba transmitirme mi abuelo, pero no de manera forzada, solo por observación. ¿Cómo definirías a los bailarines de tu compañía? ¿Y uno por uno? Todos son muy buenos bailarines, técnica y físicamente, además de ser muy instintivos, algo muy importante para bailar en esta compañía. Elena Montes es la nieta en Balbir... no solo porque es la más joven y la más pequeña físicamente, también porque tiene dotes de actriz y una gran presencia. Arnau es un bufón, aunque no lo es en la realidad, es el hombre más práctico que conozco. Jerónimo es el abuelo, aunque no tiene nada de hindú (es de Valencia). Es el más tranquilo y también el más alto de la compañía; lo opuesto de Alba, muchos hablan de su "elegancia física"... ¡ese es el poder gallego! A Javi lo llaman el hombre serpiente por su gran ductilidad y fluidez. Por último, Silvia posee lo animal e instintivo. ¿Cómo es la iluminación? Aunque buscamos crear lugares misteriosos y bellos, hay que iluminar el cuerpo para que se pueda ver lo que hacen los bailarines. Es difícil hacerlo bien y encontrar el equilibrio entre efecto y visibilidad. ¿Cual crees que es el papel de los espectáculos familiares? Creo que permite unir a la familia en el teatro. Normaliza ambas cosas, ir al teatro como actividad y ver danza. ¿Cual es para ti el aspecto de la producción más complicado? ¿Y el más sencillo? Lo más sencillo es crear un espectáculo de danza, algo muy normal para mí. Igual no me he topado aún con las cosas más complicadas, ¡ya te lo diré! Pero voy a ser más directo de lo normal y voy a dejar a un lado lo conceptual. ¿Cuáles son las fases del proyecto? Mucha planificación en papel.... El trabajo con los escenógrafos y el músico. Luego la creación en el estudio para tener una base de movimiento. Un periodo de trabajo con los elementos escenográficos. El momento de unificar todo. Los pruebas en el teatro... Los pruebas en el teatro con la iluminación Y ¡¡el estreno!! ¿Qué quieres que le llegue al espectador sea niño o adulto? Sobre todo que lo pasen bien en el teatro y que tengan ganas de volver a ver danza. Que el espectáculo provoque unas emociones y salgan del teatro pensando. Una imagen que defina Balbir es… Veo a mi abuelo, que era muy hindú, vestido con un traje "tweed" muy muy inglés, con un bastón, sus gafas de hilo de oro, el sombrero "trilby", leyéndome los “normas” de la vida hindú escritas con una caligrafía gótica que ha heredado a su vez de su abuelo.... Una invitación al público para que venga Haré varias invitaciones. Para los que aman la danza: ven a ver esto, hay mucha danza (¡y buena!); para los que no la conozcan: ven porque vas a descubrir un mundo estimulante. Para los niños: lo vais a pasar muy bien. Para los adultos: ¡vas a ver tu niño pasarlo bien! Extractos de las entrevistas con los bailarines. Para ver entrevistas completas descargar A-II “Lo que piensan los bailarines”. Sobre el trabajo coreográfico de Thomas Noone “Hay algo que se siente nada más cruzar el aula de ensayo por primera vez; su amor al trabajo, su dedicación y entrega, su pasión. Es una persona que trae las ideas trabajadas y las entrega en forma de propuesta. Sabe lo que quiere, y en caso de no ser comprendido nunca abandona y le da un par de vueltas más. Su lenguaje es muy físico y su teatralidad suele residir en esa misma fisicalidad. Trabaja con los bailarines que tiene, los mezcla, los unifica, y de esa manera potencia la imagen del grupo, y a la vez, personaliza a cada individuo”. Elena Montes “Al espectador le abre el campo de la imaginación, una cualidad imprescindible en esta profesión” Silvia Albanese Del proceso creativo de una nueva coreografía “Es parte del "alimento" del artista, donde se establece la comunicación y complicidad entre intérprete y creador, es fundamental. El proceso creativo muchas veces va a definir el "alma" de una pieza” Javier Arozena. “Buscar, investigar, intercambiar ideas, entender, superar retos.... trabajar de manera cercana con Thomas y todo el equipo para conseguir hacer algo "bueno", que nos guste y que guste, que nos haga sentir bien. Lo disfruto mucho” Alba Barral. Cómo responden los niños y niñas al espectáculo “Los escolares responden bien a las propuestas, captan el lenguaje de Thomas y nos descolocan con preguntas inesperadas. Además, es público más receptivo, ya que no pone filtros racionales a lo que perciben”. Javier Arozena “Es un público sincero y muy espontáneo, abierto a lo que le den y dispuesto a regalar energía, fresco y poco contaminado. Esto todo hace que sea fácil para nosotros salir al escenario y disfrutar con ellos; son muy participativos”. Alba Barral. “El público escolar suele ser un público honesto, agradecido y muy imaginativo, y desde el escenario o bien en los coloquios posteriores uno recibe siempre una respuesta franca” Elena Montes. “Creo que el lenguaje de Thomas es apto para todas las edades. El cuerpo (en movimiento) habla y así transmite sensaciones que son accesibles a cualquier edad. No debemos subestimar la capacidad de absorción y entendimiento del público infantil. Les llega y lo disfrutan e interpretan a su manera ¡bravo!” Alba Barral. Balbir, el meu avi cuenta con la colaboración del Taller de Escenografía del Auditori de Sant Cugat, de La Sala Miguel Hernández de Sabadell y del SAT! TND es la compañía asociada al teatro SAT! (Sant Andreu Teatre) de Barcelona TND recibe el apoyo del ICUB (Institut de Cultura de l´Ajuntament de Barcelona), del CONCA (Consell Nacional de les Arts de Catalunya), del INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música) y del Institut Ramon Llull en sus giras por el extranjero. Una producción de Thomas Noone Dance www.thomasnoonedance.com
