Pintura Flamenca

INDICE
Contexto histórico2,3
Características de la pintura flamenca.4,5
Temática..6
El autor : Van Eyck.7,8,9
Análisis de su obra10,11,12,13,14,15
Bibliografía.16
La pintura Flamenca
CONTEXTO HISTÓRICO
Para entender la pintura flamenca debemos situarnos dentro del contexto histórico.
La pintura flamenca se inicia al mismo tiempo que el primer renacimiento en Italia, a mediados del siglo XV,
en los Países Bajos y concretamente el reino de Flandes, región que se encuentra en una época de gran
esplendor económico gracias a las relaciones comerciales que tienen con otros países cercanos, entre las
ciudades más destacadas encontramos Gante y Brujas, se difundió por el resto de Europa durante la segunda
mitad del siglo.
En la edad media se inició una transformación política, social y económica de Europa que finaliza en el XV
con la aparición de la burguesía, de desarrollo económico de la ciudad, aumento en la población...
Encontramos también un desarrollo a nivel comercial, aparece una nueva agrupación social, los gremios
formados por grupos de artesanos, gracias a estos gremios los artistas encontraran un apoyo económico para
realizar sus obras.
Aunque más adelante este concepto cambió pero en un principio el artista era considerado como un artesano
y, por lo tanto, con un nivel de consideración bajo al no valorarse como oficio intelectual, es por ello que
muchos de estos pintores no fueron reconocidos en su época, puesto que bastantes no firmaban sus obras hasta
bien avanzado el siglo XVI. Tampoco se entregaron demasiado a la reflexión sobre su arte por lo que son
escasas las biografías, así como las explicaciones sobre las técnicas, tampoco suelen teorizar sobre el
movimiento como si lo harán los artistas italianos, aunque al final de la época algunos autores como Van Eyck
empezaron a firmar obras.
La burguesía y la Iglesia se enriquecieron convirtiéndose en los mayores impulsores del arte, ya que eran estos
quienes encargaban sus obras a los pintores pertenecientes a los gremios, la gran cantidad de encargos hizo
que los talleres aumentaran en tamaño así como en número de trabajadores. Las técnicas empleadas fueron
evolucionando, en número de artistas se fue incrementando, así como el nivel adquisitivo, algunos de ellos
incluso tuvieron la oportunidad de formarse fuera del territorio.
La Iglesia también utilizó la pintura como medio para dar a conocer la religión entre la población ya que era
en su mayoría analfabeta y por lo tanto les resultaba mucho más fácil de comprender.
París que hasta entonces era considerada como la capital del arte debido a la guerra de los 100 años dejó de
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serlo, así que muchos de los artistas que antes emigraban hacia allí por no tener recursos dejaron de hacerlo,
ya que conseguían sus ingresos a través de la burguesía o la iglesia, el arte era cada vez más apreciado.
En cuanto al desarrollo de la pintura gótica en España encontramos que a mediados del siglo XV las
relaciones comerciales con Flandes, inician el desarrollo de la pintura flamenca en nuestro país. Jan van Eyck,
realiza una estancia en Barcelona y Valencia, introduciendo las formas flamencas en la península. Lluís
Dalmau , es enviado a Flandes por Alfonso V el Magnánimo, para formarse en la nueva pintura burguesa. Su
obra Virgen dels Concellers representa la influencia de las obras flamencas. Sin embargo en Cataluña se
mantendrán con gran fuerza la pintura gótica y la influencia italiana. En Castilla la influencia de pintores
flamencos es determinante, pintores como Jorge Inglés o Fernando Gállego son sus mejores representantes y
sus principales obras son una buena muestra de las influencias flamencas recibidas.
El estilo flamenco se inició en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. Las principales aportaciones de
esta escuela, que profundizaremos más adelante, son la utilización de la técnica al óleo, que permite una
mayor viveza del color y el enriquecimiento de la gama cromática, la realización de veladuras, que se trata de
una tinta transparente que se utilizaba para dar un matiz más suave al tono y la obtención de colores
compuestos. Otro de rasgos más definitorios que también aporta esta escuela es del estilo flamenco el mayor
naturalismo, el gusto por el detalle a través de una técnica minuciosa y, en ocasiones, la codificación
simbolista de ciertos objetos. Los iniciadores de la escuela flamenca son los hermanos Huberto y Jan van
Eyck, la primera obra más iporntate fue el retablo de El cordero místico de la iglesia de San Bavón de Gante.
De Jan van Eyck es una de las mejores obras del arte flamenco Giovanni Arnolfini y su esposa (1434,
National Gallery, Londres).
Otros pintores destacados son el maestro de Flémalle (Robert Campin), Rogier van der Weyden, Hans
Memling, Dierick Bouts y Hugo van der Goes. Sin embargo, dentro de la escuela destacó el pintor
Hieronymus van Aken, llamado el Bosco, conocido por haber pintado uno de los cuadros más famosos de la
historia , El Jardín de las delicias que actualmente se encuentra en el museo del Prado.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA FLAMENCA
Una de las características más importantes es la utilización de la técnica del óleo, los pintores flamencos no
inventaron ésta técnica, el descubrimiento llegó cuando Ene o Hubert mezclaron el aceite en las pinturas que
ellos estaban usando, en lugar del uso del huevo que constituyó la pintura al tempera, el problema era que la
pintura al óleo tenía un proceso de secado tan lento que no lo hacía demasiado útil, pero gracias a las
evoluciones técnicas se permitió conseguir un sistema mucho más rápido. Los flamencos lo utilizaron
habitualmente en sus cuadros, ya que les permitía dar una mayor luminosidad y tratar con un gran realismo la
imagen, así como una mayor gama cromática, de esta forma podían pintar con mucho más detallismo.
Además Utilizaban pinturas fluidas y transparentes para sombrear delicadamente o para dar matiz al color del
fondo.
También se solía mezclar con la técnica del temple, muy característica del románico, se formaba mediante la
mezcla de agua como disolvente y grasa animal, o de otras materias orgánicas.
La primera capa, normalmente al temple, se usaba para definir el dibujo y el modelado con sus luces, también
se representaba el color. La siguiente capa, al óleo, servía al artista para representar con detalle la imagen.
Gracias a la utilización de ambas técnicas los cuadros adquirieron un mayor realismo. Sin embargo aunque
surgieron nuevos métodos aún se conservaban rasgos góticos como por ejemplo el uso de la traba en vez del
lienzo como ya se estaba empezando a popularizar en Italia.
La simbología es otro de los rasgos más importantes, el autor no busca una mera interpretación de la realidad
sino que a través de la representación de los objetos, colocación de las figuras, inscripcionesTrata de
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representar conceptos o ideas de forma sutil que en apariencia podrían pasar desapercibidos de no conocerlos,
por el espectador, muchas de estas simbologías que aparecen tienen un carácter religioso o moral, por ejemplo
la representación de la manzana como símbolo de la fertilidad, el mono como símbolo de la
lujuriaEspecialmente los de tipo espiritual son los más comunes.
Algunos de los cuadros tienen una clara función moralizante, tal y como ocurre en el cuadro de El Bosco, en
el que se explican las consecuencias negativas de los pecados que ha realizado la humanidad a lo largo de la
historia, desde la creación del mundo, la pérdida de los valores eclesiásticos, con la corrupción existente en el
clero, la locura de los hombres con relación a la religión
Otra de las características de la pintura flamenca es que se representan los detalles con gran minuciosidad, se
basa en imitar la realidad de la forma más verídica posible, como si se tratara de una fotografía, tales como la
representación de cabellos pintados uno a uno, el detallismo en las vestiduras...Se llega a tal extremo que
algunos de los detalles incluso deben ser observados con lupa.
Es muy habitual en un cuadro flamenco encontraremos una escena que aparece un paisaje, bien sea a través de
una ventana, (como por ejemplo en el cuadro de la virgen del Canciller Rollin del pintor Van Eyck,) bien
porque se desarrolle al aire libre. Pero estos paisajes no eran reales sino que se trataba de paisajes inventados,
por ello sus elementos no eran tal y como en la realidad, esto puede comprobarse por ejemplo en la forma de
las rocas, aristadas y sin vegetación, las ciudades en la lejanía, con torres y de colores, que parecerían ser
sacadas de un cuento, los árboles en forma de pluma, con troncos delgados y largos
Al mismo tiempo que ocurrió en Italia descubrieron la perspectiva, tanto lineal como la aérea, aunque de
forma empírica, esto significa que no realizaron ningún estudio matemático sobre esta, sino que se basaba en
experimentos, ensayos para intentar captar la tercera dimensión, bastante conseguida.
En algunos cuadros puede encontrarse lo que actualmente hoy en día conocemos como perspectiva a vista de
pájaro , en la que se reproduce la escena como si el pintor se hubiera situado en un punto de vista elevado, así
mismo el espectador visualiza los objetos de mayor tamaño en la parte más cercana al mismo y se van
haciendo más pequeños a medida que nos alejamos de la imagen, superponiéndose uno a otro en el plano
vertical , normalmente se dibuja la línea del horizonte para separar la imagen. De esta forma se empieza a
tantear con lo que hoy en día conocemos como perspectiva, apareciendo de esta forma la tercera dimensión,
permitiendo la representación del mundo real de forma completamente naturalista.
La perspectiva también se captaba a través de objetos, tal y como más adelante analizaré en el cuadro de El
matrimonio Arnofini, se utilizan por ejemplo espejos convexos para representar espacios y la colocación de
las figuras.
LA TEMÁTICA
Entre los temas, predomina la temática religiosa, se basan en temas de pasajes de la Biblia, se representan
figuras de santos, escenas de la virgen MaríaEn una época en que la religión tiene una gran importancia en la
sociedad, que gira entorno a ésta.
Otro de los temas principales que encontramos en la pintura flamenca son los retratos que surgen impulsados
por la burguesía para demostrar su poder.
Gracias a la utilización de las nuevas técnicas, los retratos se llegaron a perfeccionar, estaban representados
con gran verosimilitud. Buscan además la captación psicológica de los personajes, no sólo se trata de
representar con el mayor realismo al personaje sino también de mostrarnos su personalidad, carácter El dibujo
tiene una gran importancia y la línea pero sin dejar de lado la importancia e la luz y el color, que sirve para
resaltar el volumen de las figuras.
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El personaje a menudo aparece un poco inclinado hacia uno de los lados, hecho que permite mezclarlo en el
espacio, este no se representa mediante ningún tipo de elemento arquitectónico en el fondo sino que el
volumen aparece solamente con la presencia de la figura. Se trata normalmente de un fondo neutro. Los
retratos más perfectos son los de Roger van der Weyden, los hermanos Van Eyck, Hugo van der Goes, Petrus
Christus o Dieric Bouts. Estos autores interpretaron de forma muy real a los personajes, pero también
añadieron a la realidad un aspecto espiritual.
El paisaje por otro lado es muy frecuente, aunque a veces aparezca como elemento secundario como ya he
comentado anteriormente, en su mayoría las representaciones son irreales, paisajes traídos de otros paisajes
lejanos, antigua Grecia o Venecia que poca relación tienen con los personajes.
VAN EYCK
Escasos son los datos tenemos sobre el autor, salvo algunos archivos con textos en los que lo describían como
el pintor más grande de la época, poco después de su fallecimiento. Aunque por sus contemporáneos no fue
valorado como se merecía, más adelante se hicieron infinidad de estudios para tratar de esclarecer detalles
sobre su vida, sobre sus cuadros, simbología utilizada
Cada una de sus pinturas ha sido estudiada con minuciosidad a través de microscopio, mediante radiografías,
analizando cada uno de los detalles, para tratar de esclarecer cada uno de los elementos que la componen.
Poco conocemos sobre su vida, se cree que posiblemente nació en la ciudad de Maaseik , próxima a
Alemania, sobre el año 1400 , en una época en que París aún era la ciudad del arte, aunque como he
comentado anteriormente no por mucho tiempo, en un principio muchos de los artistas se trasladaban hasta
allí, dónde encontraban el empuje económico y social para seguir con sus obras, aunque este panorama estaba
empezando a cambiar, se estaban empezando a crear nuevos centros, Van Eyck, vivió esa transformación. Los
artistas que antes iban a París se integraron dentro de las agrupaciones gremiales que ahora
Retrato de Van Eyck
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se habían establecido en ciudades nórdicas para así poder trabajar para burgueses y aristocráticos como
sucedió con algunos de los mercaderes extranjeros instalados en las diversas ciudades, como veremos en el
caso de Van Eyck.
Creció en una época en que el estilo internacional se encontraba en su primera etapa de desarrollo, durante su
adolescencia llegará a su máximo desarrollo, se trata de un arte refinado y casi manierista, propio de un gusto
de corte, brillante de color, amable y cruel al mismo tiempo. Aunque no en todas partes se desarrolla del
mismo modo.
Van Eyck fue influido por este arte así como otros artistas de la época como son Jean Malouel , y sus
sobrinos, los hermanos Limbourg, miniaturistas, que también provienen de esta zona norte y van a trabajar en
París y para el duque. Jean de Bery.
Son todos ellos los que marcan un camino nuevo de la pintura que conduce hacia lo que va a ser la escuela
f1amenca y uno de sus grandes representantes, Jan Van Eyck.
No conocemos si tuvo maestro ni quienes fueron, pero posiblemente su hermano mayor incidió en su pintura.
Aunque probablemente viajó a Paris antes del 1450, ya que en algunos de sus cuadros se demuestra el
conocimiento de la obra de el maestro de las horas de Boricaut y algunas similitudes con los hermanos
Limbourg.
Aunque se cree que Van Eyck viajó por España, en una o dos ocasiones, que algunas de sus obras más
significativas estuvieron aquí durante mucho tiempo y en fechas posteriores a su muerte, así como también
que Dalmau estuvo en Flandes en su estudio, sin embargo son informaciones que se han puesto en duda.
En 1422−1424, trabajaba en el palacio de la Haya, al servicio de del conde de Holanda, Jan de Baviera. En la
documentación conservada de este período solo aparecen registrados pagos a él y a algún colaborador lo que
quiere decir que durante estos años disfrutó de una situación privilegiada. Sin embargo no existen noticias
sobre el tipo de encargos que el duque debió hacerle.
Hacia 1430 se instaló en Brujas, donde trabajó de funcionario tanto para la corte, como de pintor
independiente para encargos. Murió allí el 9 de julio de 1441.
En cuanto a las características peculiares de su pintura cabe destacar, la minuciosidad con las que representa
las escenas y los diferentes detalles de las figuras, así como el increíble tratamiento de la luz y de la
perspectiva, así como el retrato de paisajes con una impresionante naturalidad.
Tanto su taller como el gozaban de gran fama, por ello optó por firmar muchas de sus obras algo muy poco
común en aquella época, en algunas de sus pinturas como si fuera un epítafio, mostrando su voluntad de
hacerse conocer entre la sociedad y de perduración de su obra, algo que era utilizado por la nobleza pero
nunca por un pintor considerados simples artesanos.
ANALISIS DE SU OBRA
El matrimonio Arnolfini
Actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres, se trata de un cuadro de 84cm x 57cm, según se
estima fue pintado en el año 1434, perteneciendo al estilo del gótico flamenco.
Este cuadro se ha convertido en una de las obras más conocidas de la pintura flamenca, no se trata de una
simple representación costumbrista de un hombre y una mujer como a simple vista podría parecer sino que va
más allá, es la representación de un momento solemne, la consagración del matrimonio entre los dos
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protagonistas de la escena.
La técnica empleada es el óleo sobre roble, gracias a esta se hace un tratamiento de la luz de forma muy real,
pudiendo representar de forma casi exacta la incidencia de la luz sobre las figuras, el reflejo sobre los distintos
objetos, con gran naturalidad, captando las distintas texturas en las superficies más iluminadas, consiguiendo
así transmitir una gran intensidad y armonía, con colores brillantes y
Cuadro del matrimonio arnolfini
profundos, ésta técnica en la forma de pintar del autor servirá como modelo para posteriores generaciones, los
pintores franceses i los alemanes de la segunda mitad del siglo XV la emplearán. El reflejo de la luz se puede
observar por ejemplo en el detalle del candelabro situado en la parte superior, parece estar pulido, la
diferencia visual entre la textura de la túnica del hombre y la mujer, todo ello representado tal y como es en la
realidad.
En la obra pueden verse reflejadas las características de la pintura flamenca, como son la minuciosidad con la
que se trata la imagen, conseguida con el empleo de finos pinceles, se hace patente al observar el pelaje del
perro. Debido a que las obras estaban destinadas a exhibirse en el interior de los inmuebles, eran pinturas de
tamaño reducido así que algunos detalles son difíciles de captar sino es con un microscopio.
El tratamiento de la luz y de la perspectiva, dos elementos muy importantes plasmados en esta pintura, por
una parte la luz que a
través de la ventana ilumina de forma suave
Detalle del pelaje del perro
las siluetas consiguiendo diferentes matices, la claridad se disuelve gradualmente, así como la construcción
del espacio delimitada por las líneas de fuga.
El naturalismo que trata de representar con la mayor verisimilitud posible la realidad, las figuras sin apenas
movimiento como si se tratara de una fotografía. Aparecen en la obra infinidad de objetos que parecen estar
colocados al azar, sin sentido aparente, dibujados con gran realismo.
Así mismo como la simbología que aparece constantemente, y que más adelante analizaré con detalle.
La escena representa por una parte a Giovanni Arnolfini un comerciante de origen italiano que se trasladó a
Brujas, no es en este en el único cuadro en el que aparece ya que encontramos otro retrato de media figura del
mismo personaje en el museo Berlín Dahlem. Giovanni desempeñó cargos de importancia en la corte de
Felipe el Bueno, duque de Borgoña, junto a él aparece su esposa Giovanni Cenami, que provenía de una
familia italiana de un alto nivel adquisitivo y que actualmente residían e en la ciudad de París.
El cuadro parece ambientado en la estación primaveral, por la iluminación. La escena toma lugar en la
habitación nupcial, cargada de elementos simbólicos, el cuadro viene a ser un certificado conforme la pareja
llevó a cabo la celebración del matrimonio, plasmado de forma visual en el cuadro. Las figuras son las
protagonistas del cuadro, Giovanni toma la mano de su esposa, simbolizando la unión entre ambos, la fusión y
por otra parte, levantando la mano derecha haciendo el voto nupcial, un acto solemne. El hombre muestra una
actitud más enérgica y autoritaria, cogiendo la mano a su mujer como si fuera el poseedor, en cambio ella
tiene una actitud más sumisa, mantiene la cabeza mirando hacia el suelo. La posición de la mano de Giovanni
durante la realización del juramento, tiene gran relevancia para el autor ya que según estudios posteriores
mediante rayos infrarojos, se comprobó que el dibujo de la mano había sido modificado en varias ocasiones
hasta resultar del agrado de Van Eyck.
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La vestimenta nos refleja que pertenecen a una clase social alta, ella luce un ostentoso largo vestido verde
propio de la época, símbolo de opulencia que se completa con complementos de oro como son las pulseras y
el cinturón, el por su parte un larga túnica color marrón sobrio que revela su posición socio − económica.
La simbología también está relacionada con el acontecimiento que se está produciendo, al fondo de la imagen
vemos la imagen de una cama símbolo del matrimonio, del proseguir de la especie humana, ya que este el
lugar dónde se da a luz y donde se muere, por otra parte las naranjas que encontramos al lado de la ventana
muy poco comunes en la zona nórdica eran importadas del sur, eran un lujo, sólo podían ser compradas por
los sectores más pudientes, nos indican la clase social a la que pertenecían los personajes, y son símbolo de la
fecundidad; La alfombra también es muestra de su poder económico.
Ambos van descalzos, símbolo en aquella época de fertilidad y que emula el gesto sagrado que hizo Moisés
cuando se descalzó para tocar tierra Santa
En la parte izquierda del cuadro encontramos unos zuecos que aparentemente no tiene ningún sentido su
colocación en la escena, pero si los analizamos más a fondo nos damos cuenta que también tienen un
significado, en realidad simbolizan, asimismo de la relación espiritual entre el suelo sagrado del hogar, sería
una forma de mostrar que en este momento se está realizando una ceremonia sagrada.
Los de Giovanni están cercanos a la parte exterior, en un extremo al lado de la entrada, en cambio los de la
mujer de color rojo se encuentran justo debajo de la cama.
Incluso si observamos la silla vemos dibujada en la madera la figura de Santa Bárbara patrona de las mujeres
que van a dar a luz. El perro que aparece en la parte inferior de la imagen es símbolo de fidelidad entre la
pareja y símbolo del amor terrenal. Los rosarios eran regalos habituales por parte del novio a su futura esposa.
El rosario indica la obligación de ser devota. También el cristal del espejo refleja la pureza de la mujer que
llega al matrimonio sin mancha.
Por su parte la lámpara tiene una de las velas encendidas, a simple vista no tendría ningún sentido ya que nos
encontramos en el interior de un habitación iluminada además por la mañana, pero también tiene su contenido
simbólico, simboliza el amor y la presencia de Dios durante la ceremonia, en aquella época era costumbre
flamenca encender una llama el primer día de matrimonio.
Por otra parte la mujer que luce un largo vestido verde, símbolo de la fertilidad y del amor terrenal, parece
mostrarnos su vientre señalándolo con su mano izquierda sugiriendo fertilidad, el vientre era considerada una
de las partes más bellas de la mujer, aunque pudiera parecerlo no está embarazada; En el cabezal de la cama
se ve el dibujo de una mujer con un dragón a los pies, es probable que sea Santa Margarita, patrona de los
alumbramientos, su representación es el dragón pero por la escobilla que hay al lado podría ser Santa Marta,
patrona del hogar, Así podemos decir que está repleto de elementos simbólicos relacionados con la
celebración del matrimonio.
Por otra parte nos podría resultar extraño que el acontecimiento se estuviera llevando a cabo en el interior de
una habitación, en vez de en una iglesia y sin la aparición de ningún sacerdote que de fe de ello, pero debemos
tener en cuenta que antes de las reformas del Concilio de Trento era perfectamente legal, sólo bastaba que los
contrayentes estuvieran en presencia.
Al fondo de la imagen, en la parte central vemos representado un
Detalle del espejo
espejo convexo, en aquella época era muy común este tipo de espejos, según se pensaba espantaban a la mala
suerte, la plasmación es perfecta, con 5 cm de tamaño está pintado con gran minuciosidad y astucia, para
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captar el gran detallismo puede ser observado a través de microscopio, en la imagen se ven reflejados dos
figuras según parece se trata de los testigos presentes en la escena, seguramente se trata de un autorretrato del
propio autor, este recurso será muy empleado a posterior en la historia del arte, recordemos por ejemplo el
cuadro de las Meninas Velázquez lo utilizará.
En torno al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis en las que se muestran las paradas del
camino de Cristo hasta su muerte, su
presencia nos indica que la interpretación del cuadro debe ser cristiana y espiritual, recuerda el sacrificio de
los esposos. En la parte superior del mismo vemos una escritura, firma del propio autor, Johannes de Eyck fuit
hic significa literalmente «Juan van Eyck estuvo aquí», indicándonos que él estaba presente.
Recordemos que era muy poco común signar las obras, la caligrafía gótica según los expertos era la empleada
para firmar documentos legales, como ceremonias religiosas. Podemos decir que Van Eyck estuvo presente
tanto en cuerpo como en palabra (inscripción).
En cuanto a la función de la obra es fundamentalmente conmemorativa, los protagonistas de la escena quieren
inmortalizar el momento de su unión , ordenaron la realización del retrato, que tiene asimismo una función
decorativa, se podría interpretar que cumple con una función religiosa en querer dar a una escena de la vida
cotidiana una profunda religiosidad.
En la composición cromática podemos destacar tres colores por una parte el verde, presente en el vestido de la
mujer que contrasta con el rojo de la tela que cubre el mobiliario y el marrón en la túnica de Giovanni.
La escena se encuentra iluminada por la claridad que entra a través de la ventana situada en la parte izquierda
de la imagen, esta claridad se va diluyendo a medida que se asciende hacia la parte superior de la habitación,
por su parte la mujer permanece iluminada y que crea a la vez una zona de sombra entre ambas figuras.
Si analizamos la composición del cuadro vemos que éste se ve delimitado por unas líneas de fuga
representadas por una parte en la parte inferior, por las tablas longitudinales de madera y por otra en la parte
superior donde encontramos los travesaños representados en el techo, dando como resultado un efecto
tridimensional, creando un nuevo concepto de perspectiva e involucrando al espectador a formar parte del
cuadro, como si él también estuviera dentro de la habitación presenciando la escena.
En la construcción del espacio se busca la confluencia entre los tres planos observables desde el punto de vista
del espectador, el de la pared del fondo, el del suelo i el de los dos laterales y para acabar de definir el espacio
Van Eyck introduce el espejo, creando un nuevo plano invisible.
En este cuadro Van Eyck demuestra un gran dominio de la perspectiva,
introduce una representación tridimensional del mundo visible y renuncia a las representaciones planas de los
miniaturistas flamencos como ocurre en el cuadro del jardín de las delicias. Además aplica en sus obras dos
tipos de perspectiva la lineal y por otra parte la aérea, dando una profundidad y un detallismo nunca antes
visto, por ello y por todos los detalles que he comentado anteriormente convierten a este pintor y a su obra
como uno de los más importantes en la historia del arte.
BIBLIOGRAFÍA
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http://w3.cnice.mec.es/eos/MaterialesEducativos/bachillerato/arte/arte/iconogra/ico−arno.htm − 3k
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