Lecturas Andrea Hurtado Wills

Andrea Hurtado Wills - 20020007
Historia del Diseño II
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LECTURA: COMO MIRAR UN CUADRO
Interpretación de Obras de Arte
Parson at the Window. Salvador Dalí
Person at the Window ● Figura asomada a la ventana ● Person am Fenster
Salvador Dali, 1925 - Oil on canvas, 103 x 75 cm - Museo Nacional Reina
Sofía, Madrid.
Paisajes, reflexiones en el vidrio y una persona. La luz en la parte posterior de
la muchacha (Ana María, su hermana) resalta una de las formas preferidas por
Dalí. El paisaje visto por la ventana es la bahía de Cadaqués, donde Dalí solía
pasar temporadas durante el verano. García Lorca conservó particulares
recuerdos de la vista desde esa ventana al despertarse, describió su estancia en
Cadaqués, como maravillosa, como un hermoso sueño. Salvador y Ana María
eran muy unidos, particularmente a raíz de la muerte de su madre. Ana María
fue su única modelo hasta que Gala la sustituyese en 1929. Luego que Ana
María en un libro describiera a su hermano de una manera que a éste no le
agradó, Dalí creó otra versión de este cuadro con el título “Joven virgen sodomizada por su propia
castidad”(1954).

Esta obra de Dalí me expresa la serenidad de una mujer, esperando en la ventana por alguien, en una
cálida tarde, por el color se las sombras y la textura vaporosa de la ropa que ella lleva puesta. Por su
posición me da a entender que está relajada, tranquila y admirando el hermoso paisaje que tiene en
frente.
Retrato de Cristina, Mi Hermana 1928. Frida Kahlo
Este retrato es de la hermana menor de Frida, Cristina. Frida todavía seguía
pintando con el estilo europeo renacentista utilizado por los retratistas
mexicanos del siglo XIX, pero en esta pintura ya se apunta la influencia
estilística y temática de Diego Rivera. Los contornos duros y rígidos
caracterizan ahora la composición. Un pequeño y estilizado árbol en el fondo
contrasta con una rama más grande en la parte frontal de la pintura, para crear
la única sugerencia de espacio y profundidad. En sus previos retratos y
autorretratos, Frida pintaba con colores oscuros (otra característica del estilo
renacentista) y este retrato, pintado solo un año después es un gran contraste.
Frida expandió los límites del retrato pintando parte de la composición en el
marco.
Cristina fue el segundo miembro de la familia retratado ya que al año anterior
Frida pintó el retrato de su hermana mayor, Adriana (pintura perdida).
En 1988, este retrato se vendió en Sotheby's por $198.000 dólares americanos. En el 2001 se vendió por
$1.655.750 dólares americanos.

Esta obra me da a entender que es un retrato de una mujer sencilla, por su posición y postura, rostro
de facciones delicadas, y de apariencia un poco humilde, lo cual la hace diferente de los retratos
hechos antiguamente solo a personas importantes, como reyes, que manifestaban en estos cuadros su
posición social a través de duros gestos y poses prepotentes.
El Grito (Edvard Munch, 1910)
Este pintor y grabador noruego plasmó en su pintura todo el conflicto
interior y la angustia de su grave enfermedad mental. Influido por Gauguin
se le considera, junto a Van Gogh, como los precursores del expresionismo
alemán. Su exposición individual en Berlín en 1892 se considera el inicio
del movimiento Sezession. El Grito es uno de sus cuadros más conocidos y
figura en cualquier tratado donde se trata del arte producido por los
enfermos mentales.

Al ver esta obra, puedo sentir por parte del autor la necesidad de
reflejar algún tipo de desesperación o angustia, por la fluidez de la
pintura que da el efecto de movimiento y que todo está envuelto en
medio de este. También los personajes del fondo al ser oscuros y
representarse a través de sus siluetas, me haces sentir que son personas que de algún modo están
haciendo sufrir, o causándole una gran angustia al el que se encuentra en el frente, ya que este tiene
expresión y pose de angustia el cual quiere comunicar al que lo esté viendo. Los colores son
vibrantes, y hacen que uno como espectador sienta la misma energía que quiere expresar el autor.
La lata de sopa Campbell. Andy Warhol
La lata de sopa Campbell es una representación totalmente cotidiana, ya que se
trataba de un tipo de producto muy frecuente en la América de los años sesenta,
que casi cualquier persona podía tener en su despensa y fue uno de los motivos
que más repitió Warhol. En todos ellos se transmite una sensación de irrealidad,
pues parecen un tanto artificiosos, tal vez como crítica a la sociedad de consumo
americana.

Al ver esta obra de Warhol, si siento como un cierto aspecto de ironía o
burla hacia la sociedad de consumo, al tomar un objeto cotidiano, sin
ninguna característica peculiar y convertirlo en una obra de arte, como si
cualquier objeto de nuestro entorno, al ser visto con otros ojos e
interpretada de cierta manera, puede llegar a ser visto como cada uno quiera.
LECTURA: QUE ES ARTE?
En la lectura que es arte podemos ver los diferentes puntos de vista de cómo las personas ven el arte, y de
cómo el llegar a clasificar el arte puede llegar a ser muy subjetivo, dado que este depende en gran parte de
cómo cada persona está preparada para valorarlo o no, o simplemente dejarse llevar por lo que le hace sentir,
dando su punto de vista según su profesión y sus conocimientos.
Una persona estudiada, y que conosca mucho de arte, de técnicas, de movimientos artísticos y demás, de
pronto pueda a llegar a evaluar lo que es arte, ya que el arte está determinado por todo un grupo de
características dadas por la sociedad, por una época que llevaron a clasificar determinadas obras como
arte….. Pero sigue siendo un punto de vista, por eso no tengo en cuenta la palabra arte a la hora de decidir si
una obra me gusta o si no, solo tengo en cuenta que me llame la atención, que me haga involucrarme en ella
e interpretar que es lo que el autor quiso decir en ella, para mi eso es arte, además ver verlo estéticamente
bien hecho, una composición adecuada, limpia digna de ser admirada y de ser llamada arte, y pues para esto
la verdad me fijo muy poco en lo que piensen los demás, si les parece bello o no, si es arte o no.
LECTURA: MANUSCRITOS ILUMINADOS
Los manuscritos iluminados, son páginas de libros escritos a mano
que al ser terminadas, eran decoradas por personas expertas en este
oficio. Estaban elaborados en papel o pergaminos que se hacían en la
época a base de la piel de los borregos, y las tintas con las que
escribían estos estaban hechas a partir de sustancias como el hollín,
o partículas de humo que sueltan ciertos materiales al ser
incinerados, gomas, y larvas de insectos que dependiendo cual fuere
proveía colores distintos de pigmentación, con el fin de destacar
frases para llamar la atención. Con el proceso de mejoramiento de
estas tintas se llego a mezclar lo que ya se tenia, con oro y plata,
consiguiendo así que los manuscritos se comenzaran a ver como
bellas piezas graficas, en donde posteriormente eran decoradas
también con laminillas de oro y plata que se adherían a los
pergaminos, y esto junto a las tintas doradas y plateadas, hacían que
estos escritos reflejaran la luz viéndose como si iluminaran, y por
esto se hacen reconocer con el nombre de manuscritos iluminados.
En aquella época era necesario conseguir y procesar la piel de 300 borregos para utilizarla como pergamino o
papel para la realización de libros extensos. Cuando el libro era terminado, y se le colocaba una tapa para
proteger su contenido, elaborada y tallada en madera, también en marfil y eran decoradas en a veces con
piedras.
Se caracterizaban porque en su interior habían bellas ilustraciones, hechas por artistas durante todo el
periodo medieval, igualmente que los textos y adornos del libro, eran terminados y decorados con tintas de
oro y plata, lo que embellecían aun mas los manuscritos.
El diseño gráfico editorial nació con los manuscritos, los cuales con el tiempo desarrollaron nuevos estilos de
diseño y edición, dependiendo de las regiones en las cuales eran producidos. Por ejemplo dentro de esos
estilos se encuentra el clásico, el cual se caracteriza por la implementación de letras mayúsculas y rusticas,
de tipo pictórico, lo que los hacia exclusivos o de muy pocos ejemplares, y además lo que se veía en su
interior eran temas de carácter histórico.
LECTURA: LOS IMPRESOS LLEGAN A EUROPA
La importancia de los avances industriales y de innovación dados a partir de la invención del papel y la
aparición de la tipografía, contribuyeron a un mayor poder de adquisición de libros por toda la sociedad, y la
disminución de ignorancia en las personas de un menor nivel social, además de comenzar a contribuir con el
avance comercial de las ciudades, pues el interés por leer y por el conocimiento, incremento notablemente la
demanda de libros hasta el punto en que la búsqueda de libros era superior a la posibilidad de producirlos.
En Europa se empiezan a ver principalmente impresos en las barajas de naipes elaboradas en tallas en
madera con imágenes y texto en el mismo bloque o lamina. Estas impresiones de bloque también estaban
dadas por imágenes religiosas, acompañadas de poco texto, las cuales se utilizaban para hacer referencia de
la religión y fuera comprendido también por quienes no sabían leer.
Luego surgieron impresiones caracterizadas por ser de comunicación visual, en las que principalmente se
quería comunicar mensajes de alerta encaminados posteriormente a el manejo de temas de la muerte, y la
preparación para esta por cada persona, mensajes como el del Ars Morendi. Otros escritos eran de carácter
artístico e implementaban al igual que en los manuscritos iluminados materiales que adornaban las hojas con
brillos, y piedras decorativas, además de comenzar a utilizar una especie de sellos, que se grababa en las
hojas pero que la verdad no servían mucho, pues hacìa que no se pudiera imprimir por ambas caras, lo que
provocaba un desperdicio de papel y mas trabajo para unir caras de papel que no estaban impresas.
Luego llega Gutenberg con lo tipos móviles, con los cuales elabora la biblia
de 42 líneas, con un tipo de letra compacta y cuadrada que era comúnmente
utilizada en aquella época, elaborados cada uno de forma independiente en
trozos de madera, que luego se organizaban para formar las palabras, frases y
luego ser impresas en el papel.
Gutenberg tuvo que evolucionar sus tipos móviles dado a la gran demanda
de producción de escritos, hasta conseguir una fórmula para elaborarlos en
una aleación de metal, más resistentes y duraderos para los procesos de
impresión, las tintas también tuvieron que ser avanzadas, pues las tintas
utilizadas en la impresión con tipos de madera no tenían el mismo acabado
sobre los tipos metálicos, entonces Gutenberg comienza a utilizar tintas hechas a base de aceite de linaza y
hollín más eficaz en el proceso de impresión con tipos móviles metálicos.
LECTURA: EL LIBRO ALEMAN ILUSTRADO
Después de la invención de la imprenta por Gutenberg, esta había sido expandida por un vasto territorio
llegando a gran parte de Europa, produciéndose alrededor de 9 millones de libros. La tipografía tomó un
papel importantísimo en el desarrollo de producción de libros, en la cultura y en la sociedad, pues con ella se
comenzó a ver que había un ordenamiento de información dentro del espacio en el que se estaba trabajando,
se dieron cuenta así que esta era secuencial y repetible, con lo que se comenzaron a categorizar los diferentes
tipos de mensajes que se querían mostrar, y todo esto se convierte en la base para la investigación científica.
En el año 1460, aparece en Alemania el primer libro ilustrado, con texto e imágenes de grabados con madera
el cual fue impreso por Albrecht Pfister, y que se llamo Der ackerman aits bohmen. (El agricultor de
bohmen). Hacia el año 1471, ya había conformado un grupo o gremio de grabadores con madera, el cual
restringía la utilización de de grabados en madera para ilustrar a menos que estos fueran encargados, para
que los hiciera uno de sus miembros. Así Gunther Zainer luego de haberse enfrentado a este gremio produce
su primer libro ilustrado, empleando tipos góticos, redondeados en donde las imágenes y el texto estaban
puestos dentro de una misma columna, con áreas texturizadas y con trazos o zonas de un negro intenso lo
que comenzaba a verse más agradable estructuralmente.
LECTURA: LA TIPOGRAFÌA PARA UNA ÈPOCA INDUSTRIAL
En la revolución industrial las funciones del artista y el artesano se comienzan a ver transformadas por la
aparición de maquinas y nuevos materiales, al mismo tiempo que mundo experimenta grandes cambios
políticos, económicos, sociales, tecnológicos y culturales, debido a la introducción gradual de procesos
mecanicos de producción, reduciendo el tiempo y el costo de la producción. Este fue un periodo en el que se
genera una gran demanda por los medios impresos y se da inicio a la era de las comunicaciones. La
inversión de capital en máquinas para la fabricación masiva, llegó a ser la base del cambio industrial y del
desarrollo. La demanda de una población urbana que crecía rápidamente y poseía gran poder de compra,
estimuló las mejoras tecnológicas.
La revolución industrial produce un mejoramiento en la
educación pública y, por tanto, la posibilidad de leer y
escribir, creciendo asi la demanda en la venta de libros.
Este periodo inestable con continuos cambios se
caracterizó por una mayor trascendencia y disponibilidad
de la comunicación gráfica. En el siglo XIX la industria
gráfica se dividió en dos, una que era la que tenía que ver
con creación y diseño de piezas graficas y la otra que era
más industrial en lo relacionado con la producción de
estas piezas y la elaboración de estos diseños para
hacerlos físicos.
A principios del año 1765 inició la tendencia a fundir, en moldes de arena, letras negritas. A principios del
año 1800 la innovación tipográfica más importante era el tipo sans−serif, cuya característica más obvia fue la
ausencia de patines. Se parecía mucho a la letra egipcia, pero sin patines. Darius Wells, en el año de 1827,
inventó un delineador lateral que permitió la fabricación masiva y económica de caracteres para impresos de
presentación.
LECTURA: FOTOGRAFÌA, UNA NUEVA HERRAMIENTA DE LA COMUNICACIÒN
La fotografía surge por la necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma
de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística manual, como había
sido hasta la fecha.
La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés
Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas. Cuando Niepce comenzó sus investigaciones
necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre
hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo, que
resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de
exposición.
Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros
métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata
que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que
podía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.
El daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, que empezaron a
divulgarse entre la clase media burguesa de la Revolución industrial por ser mucho más baratos que los
pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica. También fue muy importante el fotograbado, en
las nuevas herramientas de comunicación, puesto que este proceso se llevaba a cabo para producir placas de
impresión por medio de métodos fotográficos, a partir de placas metálicas de betún judío que era un material
sensible a la luz.
Joseph Niépce hace la primera fotografía de la historia, sobre una lamina de peltre recubierta con betún de
Judea y aceite de espliego, estas sustancias hacían que la luz incidiera y grabara sobre la placa,
posteriormente para ver la imagen que había sido expuesta se lavaba la placa con agua y donde la luz no
había hecho acción con la sustancia fotosensible, quedaba la lamina expuesta.
La fotografía a América el Sr. Mathew Brady se convierte en uno de los fotógrafos más importantes de la
época, destacándose en su visión, y exposición de fotografías de paisajes y fotografías de exploración. Hacia
1844 comienza a hacer retratos de personajes en América latina, donde buscaba reflejar la personalidad de
cada ser retratado, esto para la época lo hacía interesante y único en su estilo.