Descargar Programa - Festival de Música Antigua de Sevilla

Jueves, 18 de marzo
Iglesia de San Marcos. 21:30 horas
ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA
L’Italia, i suoi linguaggi (Pergolesi, Vivaldi, Corelli & Sammartini)
I
Arcangelo Corelli (1653-1713)
Concerto grosso en re mayor Op.6 nº1
Largo
Allegro
Largo
Allegro – Largo – Allegro – Allegro
Giovanni Battista Sammartini (c.1700-1775)
Concerto nº3 en sol menor para cuerdas y bajo continuo
Andante sostenuto
Allegro
Sarabanda – Allegro ma non tanto e grazioso
Allegro
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concierto en re mayor para violín, cuerda y bajo continuo RV 208 Il grosso Mogul
Allegro
Grave & Recitativo
Allegro
II
Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)
Stabat Mater dolorosa para soprano, alto, cuerdas y bajo continuo
1. Stabat Mater dolorosa - Grave
2. Cujus animam gementem - Andante amoroso
3. O quam tristis et afflicta - Larghetto
4. Quae moerebat et dolebat - Allegro
5. Quis est homo - Largo
6. Vidit suum dulcem natum - A tempo giusto
7. Eja mater fons amoris - Andantino
8. Fac ut ardeat cor meum - Allegro
9. Sancta mater, istud agas - A tempo giusto
10. Fac ut poretem Christi mortem - Largo
11. Inflammatus et accensus - Allegro
12. Quando corpus morietur - Largo assai – Amen
---------Orquesta Barroca de Sevilla
Enrico Onofri, director y violín solista
Monica Piccinini, soprano
Carlos Mena, alto
Enrico Onofri (concertino), Elena Borderías, Valentín Sánchez y Raúl Orellana, violines I
Jordi Jiménez, Antonio Almela, José Manuel Villarreal y Pablo Prieto, violines II
José Manuel Navarro y Alejandro Garrido, violas
Mercedes Ruiz y Guillermo Martín, violonchelos
Xisco Aguiló, contrabajo
Miguel Rincón, tiorba
Alejandro Casal, clave y órgano
1
Las tres formas esenciales del concierto barroco están presentes en la primera parte de este
recital. En primer lugar, el concerto grosso, una forma que utilizaban de manera habitual los
compositores romanos a mediados del siglo XVII. Aunque no es posible afirmar que fuera su
creador, Alessandro Stradella tuvo gran importancia en su primer desarrollo, pues lo empleaba
incluso en los acompañamientos de sus grandes obras vocales. El concerto grosso consiste en
la oposición entre dos conjuntos instrumentales, uno reducido, conocido como concertino, que
solía estar formado por dos violines y un violonchelo, y otro mayor, que se llamaba ripieno, tutti
o concerto grosso, y que formaba un conjunto de cuerda a 4 partes, aunque de tamaño
variable, en función de los efectivos que pudieran reunirse. Cuando Arcangelo Corelli llega a
Roma en la década de 1670 se imbuyó enseguida de todo el ambiente musical de la capital
pontificia, de modo que cuando Georg Muffat lo visita en 1680 ya habla de sus concerti grossi
(que le inspirarían las obras del Armonico Tributo, homenaje al maestro). Sin duda, Corelli
escribió multitud de concerti grossi a lo largo de toda su vida, por lo que los doce que se
publicaron póstumamente, en 1714, con el número de Op.6 pueden considerarse una selección
que dejó preparada él mismo para la edición antes de morir. Corelli conserva en estas obras la
tradicional división en música da chiesa (las ocho primeras) y da camera. Aunque las distancias
entre un género y el otro habían empezado a recortarse hasta prácticamente anularse, aún es
posible encontrar un tratamiento más contrapuntístico en los primeros de la serie.
En segundo lugar, el concerto ripieno, que aparece en muchas colecciones como concerto a 4
o a 5 y que no es otra cosa que un concierto para cuerdas y continuo, sin que haya
instrumentos con partes solistas destacadas. A partir de los Conciertos Op.5 de Giuseppe
Torelli, publicados en 1692, la forma cobró notable predicamento entre los compositores,
primero siguiendo la forma de la sonata corelliana (lento-rápido-lento-rápido) y luego
acogiéndose a los modelos de sinfonías tripartitas, que usaban en los movimientos iniciales la
forma ritornello (estribillo). El hecho de que la emplee el milanés Giovanni Battista Sammartini,
y además en cuatro tiempos, es muy significativo, pues Sammartini está considerado
habitualmente como el autor de las primeras sinfonías en el sentido clásico del término, ya que
sus primeros movimientos suelen presentar una forma sonata en germen.
Por último, el concierto con solista, cuyo arranque puede fijarse también en la Op.5 de Torelli,
una colección que incluye dos piezas para violín solista, donde se halla ya en germen el
procedimiento del ritornello, que se asentará en colecciones posteriores del músico tanto como
en la obra de Tomaso Albinoni. Corresponde sin embargo a Antonio Vivaldi el mérito de haber
llevado la forma al máximo de su esplendor y de sus posibilidades en época barroca. Vivaldi fija
definitivamente la forma en tres movimientos (rápido-lento-rápido) y los desarrolla
profundizando en el estilo ritornello esbozado por sus antecesores. Básicamente, el ritornello es
un estribillo o refrán que hace las veces de tema principal de la composición. Los ritornelli, que
Vivaldi articula en al menos tres elementos contrastantes, son interpretados por el tutti de la
orquesta y se alternan con los pasajes adjudicados al solista, habitualmente en ritmos más
rápidos y continuos. Su sucesión se ajusta a unas reglas de modulación que no fueron nunca
rígidas. El estilo ritornello se aplica por sistema al primer tiempo de cada concierto, en el que el
tema principal se repite cuatro o cinco veces y es también casi indiscutible en los finales (en los
que el estribillo figura por norma una vez menos que en el arranque), pero aparece muy pocas
veces en el tiempo central, que Vivaldi suele destinar a la expansión lírica del solista,
otorgándoles un desarrollo más lineal. Han sobrevivido más de 230 conciertos para violín de
Vivaldi, de los cuales casi las tres cuartas partes no fueron publicados nunca en vida del
compositor. Es el caso del RV 208 que se escuchará hoy, conocido como Il grosso Mogul y
famoso entre otras cosas porque Bach lo transcribió para el órgano (BWV 594). Obra escrita en
torno a 1712, los movimientos extremos resultan de gran brillantez, con constantes imitaciones
de fanfarrias y cadencias (se han conservado las originales, lo que no es muy habitual) de
extremo virtuosismo. El tiempo central está marcado grave y es de carácter lírico y rapsódico.
La segunda parte del recital está ocupada en su integridad por una de las obras más conocidas
de Giovanni Battista Pergolesi, de quien se conmemora este año el trescientos aniversario de
su nacimiento, el Stabat Mater. Encargada por la Archicofradía de los Caballeros de la Virgen
de los Siete Dolores de Nápoles para sustituir una anterior de Alessandro Scarlatti, la obra
tenía la misma disposición que la de su antecesor: dos voces (soprano y contralto, que
cantarían castrati), cuerda y bajo continuo y estaba animada por el mismo espíritu dramático.
2
Pergolesi, en el último año de su cortísima vida (1736), logró combinar de forma admirable el
pathos característico de una pieza de carácter puramente penitencial con el diáfano lirismo y la
transparencia de la melodía, que lo mismo se presenta desnuda y directa que envuelta en las
galas ornamentales características del estilo operístico del Nápoles la época, lo que termina por
marcar ese sentido de mórbida emoción que tantos oyentes asocian con esta página
incomparable del mejor legado italiano del siglo XVIII. Como ocurría con el concierto de Vivaldi,
también Bach se interesó por la pieza, dejando una versión de ella en alemán.
Pablo J. Vayón
3
Stabat Mater [Jacopone da Tode?]
morte Christi praemuniri,
confoveri gratia.
1. Stabat Mater dolorosa
iuxta crucem lacrimosa
dum pendebat Filius;
12. Quando corpus morietur,
fac ut animae donetur
paradisi gloria.
2. cuius animam gementem,
contristatam et dolentem,
pertransivit gladius.
Amen
3. O quam tristis et afflicta
fuit illa benedicta
Mater Unigeniti!
4. Quae moerebat et dolebat
et tremebat, cum videbat
nati poenas incliti.
5. Quis est homo qui non fleret
Matrem Christi si videret
in tanto supplicio?
Quis non posset contristari
Matrem Christi contemplari
dolentem cum Filio?
Pro peccatis suae gentis
vidit Iesum in tormentis
et flagellis subditum.
6. Vidit suum dulcem natum
moriendo desolatum
cum emisit spiritum.
7. Eia Mater, fons amoris,
me sentire vim doloris
fac ut tecum lugeam.
8. Fac ut ardeat cor meum
in amando Christum Deum
ut sibi complaceam.
9. Sancta Mater, istud agas
crucifixi fige plagas
cordi meo valide.
Tui nati vulnerati,
tam dignati pro me pati,
poenas mecum divide.
Fac me vere tecum flere,
crucifixo condolere
donec ego vixero.
Juxta crucem tecum stare
et me tibi sociare
in planctu desidero.
Virgo virginum praeclara,
mihi iam non sis amara,
fac me tecum plangere.
10. Fac ut portem Christi mortem
passionis fac consortem,
et plagas recolere.
11. Fac me plagis vulnerari,
cruce hac inebriari,
ob amorem Filii.
Inflammatus et accensus
per te, Virgo, fac, defensus
in die iudicii.
Fac me cruce custodiri,
4
La Madre piadosa [Jacopone da Tode?]
de Cristo, cuando en tan fuerte
trance vida y alma estén.
1. La Madre piadosa estaba
junto a la cruz y lloraba
mientras el Hijo pendía.
12. Porque, cuando quede en calma
el cuerpo, vaya mi alma
a su eterna gloria.
2. Cuya alma, triste y llorosa,
traspasada y dolorosa,
fiero cuchillo tenía.
Amén.
3.¡Oh, cuán triste y cuán aflicta
se vio la Madre bendita,
de tantos tormentos llena!
[Traducción de Lope de Vega, 1614]
4. Cuando triste contemplaba
y dolorosa miraba
del Hijo amado la pena.
5. Y ¿cuál hombre no llorara,
si a la Madre contemplara
de Cristo, en tanto dolor?
Y ¿quién no se entristeciera,
Madre piadosa, si os viera
sujeta a tanto rigor?
Por los pecados del mundo,
vio a Jesús en tan profundo
tormento la dulce Madre.
6. Vio morir al Hijo amado,
que rindió desamparado
el espíritu a su Padre.
7. ¡Oh dulce fuente de amor!,
hazme sentir tu dolor
para que llore contigo.
8. Y que, por mi Cristo amado,
mi corazón abrasado
más viva en él que conmigo.
9. Y, porque a amarle me anime,
en mi corazón imprime
las llagas que tuvo en sí.
Y de tu Hijo, Señora,
divide conmigo ahora
las que padeció por mí.
Hazme contigo llorar
y de veras lastimar
de sus penas mientras vivo.
Porque acompañar deseo
en la cruz, donde le veo,
tu corazón compasivo.
¡Virgen de vírgenes santas!,
llore ya con ansias tantas,
que el llanto dulce me sea.
10. Porque su pasión y muerte
tenga en mi alma, de suerte
que siempre sus penas vea.
11. Haz que su cruz me enamore
y que en ella viva y more
de mi fe y amor indicio.
Porque me inflame y encienda,
y contigo me defienda
en el día del juicio.
Haz que me ampare la muerte
5
Currículos
Monica Piccinini, soprano
Tras haber completado los estudios de violín, emprendió estudios de canto, primero con Franca Mattiucci,
y luego con Elena Kriatchko, bajo cuyo consejo se diplomó con las máximas calificaciones. Realizó luego
cursos de perfeccionamiento sobre música barroca con Claudio Cavina y con Rossana Bertini, y de lied y
de la música vocal del ‘900 con Eric Werba y Dorothy Dorow.
Ha profundizado de manera particular la interpretación y el estilo de la música vocal de los siglos XVII y
XVIII, de la cual es actualmente una apreciada intérprete, desde el primer barroco al repertorio de
cantatas, oratorios y también el operístico.
Monica Piccinini es regularmente invitada a cantar con orquestas y ensembles de prestigio en la escena
internacional: Hespèrion XXI y La Capella Reial de Catalunya, Concerto Italiano, Accademia Bizantina,
Europa Galante, La Petite Bande, Ensemble Dolce & Tempesta, Ensemble Aurora, Le Parlement de
Musique, Al Ayre Español, la Bayerische Rundfunk Orchestra, la Orquesta Barroca de Sevilla y la
Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca; colabora también con los ensembles camerísticos
Tripla Concordia, Gli Affetti Musicali, Cappella Artemisia, Accademia Strumentale Italiana, además de
presentarse con su grupo Armonica Lira.
Ha cantado bajo la dirección de J. Savall, R. Alessandrini, O. Dantone, F. Biondi, S. Demichel, E. Gatti, W.
y S. Kuijken, M. Gester, F. M. Bressan, E. Lopez-Banzo, en los teatros y festivales europeos más
prestigiosos, como por ejemplo el Teatro Real de Madrid, Citè de la Musique de París, Concertgebouw de
Amsterdam, Konzerthaus y Musikverein de Viena, Auditorio Nacional de España, Accademia di S. Cecilia,
Teatro Regio di Torino, Festival de Flandes, etc.
Ha grabado para Naïve, Opus 111, Stradivarius, Tactus, Symphonia, Dynamic, Fuga Libera.
Monica Piccinini enseña Canto Barroco en el Conservatorio de Regio Emilia.
Recientemente ha interpretado la ópera La virtu de’ stradali d’Amore de Cavalli bajo la dirección de Fabio
Biondi en el Teatro La Fenice de Venecia.
Carlos Mena, contratenor
Nacido en Vitoria-Gasteiz (1971), se forma en la Schola Cantorum Basiliensis de Basilea, Suiza, con sus
maestros Richard Levitt y René Jacobs.
Su intensa actividad concertística le lleva a las salas más prestigiosas del mundo como Konzerthaus de
Viena, Teatro Colón de Buenos Aires, Alice Tully Hall del MET de Nueva York, Kennedy Center de
Washington, Suntory Hall y Opera City Hall en Tokyo, Osaka Symphony Hall, Sydney Opera House,
Concert Hall de Melbourne...
Ha interpretado la ópera Radamisto de Händel (rol de Radamisto) en la Felsenreitschule de Salzburgo, en
la Dortmund Konzerthaus, en la Musikverein de Viena y en la Concertgebouw de Ámsterdam, en
producción del Festival de Salzburgo, dirigido por M. Haselböck y H. Grazer. Otras interpretaciones suyas
son Orfeo de Monteverdi (Speranza) en la Festwoche de Innsbruck y en la Staatsoper de Berlín bajo la
dirección de R. Jacobs/B. Kosky, Il Trionfo de Händel (rol Disinganno) en la Grosses Festspielhaus de
Salzburgo y Europera 5 de J. Cage en el Festival de Flandes. En el 2005 y 2006 canta Oberon en A
Midsummer Night’s Dream de Britten en el Teatro Real de Madrid dirigido por I. Marin y P. L. Pizzi,
Ascanio de Ascanio in Alba de Mozart en el Barbican Center de Londres y Tamerlano de Bajazet de
Vivaldi en Bilbao ambas con Europa Galante dirigidas por F. Biondi. En el 2007 estrenó Viaje a Simorgh
de Sánchez Verdú en el Teatro Real de Madrid y en el 2008 Apollo en Death in Venice de Britten en el
Liceu de Barcelona.
Sus recitales grabados para Mirare y Harmonia Mundi han logrado diversos premios como Diapasón de
Oro del año 2002, CD Compact al mejor disco de Renacimiento del año 2004, Internet Classical Award
2004, Editor’s Choice de Grammophon, 10 de Repertoire, Choc de Le Monde o Excepcional de Scherzo.
Ha estrenado varias obras de compositores contemporáneos como El Libro del Frío y Libro de las
Estancias de Sánchez Verdú para los Festivales de León y Granada, y Tres Sonetos de Michelangelo de
Erkoreka.
Carlos Mena está interesado en la pedagogía Waldorf y apoya específicamente el centro Geroa EstolaEscuela Libre de Trokoniz.
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Orquesta Barroca de Sevilla
La OBS, creada en 1995 por Ventura Rico y Barry Sargent, se sitúa, incuestionablemente, en el primer
nivel de las agrupaciones españolas que se dedican a la interpretación de la música antigua con criterios
historicistas. De ello da cuenta la respuesta del público y de la crítica especializada a sus prestaciones en
conciertos, representaciones líricas y grabaciones. Entre los directores que se han puesto a su frente,
algunos de talla mítica, podemos destacar a Gustav Leonhardt, Sigiswald Kuijken, Christophe Coin, Jordi
Savall, Christophe Rousset, Rinaldo Alessandrini, Monica Huggett, Harry Christophers, Pierre Cao,
Eduardo López Banzo, Andreas Spering, Diego Fasolis, Juanjo Mena, Josep Pons, Hiro Kurosaki, Pablo
Valetti, Manfredo Kraemer, Alfredo Bernardini, Enrico Onofri y Barry Sargent, éste último como Director
Titular entre 1995 y 2000. Desde 2001 Pedro Gandía Martín desempeña la labor de Director Artístico de la
OBS.
Su versatilidad interpretativa y su interés por la recuperación del patrimonio musical han determinado que
a sus programas, cuidadosamente seleccionados, se incorporen tanto las grandes obras del repertorio
universal como aquéllas que, por su calidad musical intrínseca o por su valor musicológico, son
merecedoras de un conocimiento generalizado por parte de los públicos.
La Orquesta Barroca de Sevilla, además de la intensa actividad que desarrolla en Sevilla y Andalucía –
que a partir de la temporada 2009-2010 se unificará en una temporada estable que se extenderá también
a Barcelona y Madrid– se presenta en importantes festivales y escenarios españoles y europeos
(Alemania, Francia, Italia…) de entre los que podemos reseñar los siguientes: Teatro de la Maestranza
(Sevilla), Sala Gaveau de París, Festival Mozart de La Coruña, Festival de Música y Danza de Granada,
Semana de Música Religiosa de Cuenca, Festival de Música Antigua de Sevilla, Festival Internacional de
Santander, Ciclo Los Siglos de Oro de la Fundación Cajamadrid, Festivales de Vézelay, La Chaise-Dieu y
Pontoise (Francia), Ciclo de Conciertos de Cámara de la Accademia Bizantina en Rávena (Italia),
Kulturwald de Degendorf (Alemania)…
Tras haber grabado para sellos discográficos como Lindoro, Almaviva y Harmonia Mundi, la Orquesta
Barroca de Sevilla ha creado el suyo propio (OBS-Prometeo), a través del que pretende dar un impulso a
su actividad, tanto de difusión como de investigación. La primera referencia de este nuevo sello es Arde el
Furor Intrépido, con obras de Juan Francés de Iribarren y Jayme Torrens, procedentes del Archivo de la
Catedral de Málaga. Sus próximas ediciones contendrán obras de Domenico Scarlatti y Charles Avison –
con el contratenor Carlos Mena y la dirección de Nicolau de Figueiredo–, de Carlos Baguer –con la
dirección de Manfredo Kraemer–, de Juan Francés de Iribarren –con la soprano Marta Almajano y el tenor
Lluis Vilamajó, bajo la dirección de Alfredo Bernardini– y de Franz Josep Haydn –con la dirección de
Christophe Coin…
La OBS es una agrupación que cuenta con el apoyo y la colaboración del Ministerio de Cultura, de la
Junta de Andalucía, del Ayuntamiento de Sevilla y de Cajasol.
Enrico Onofri
Enrico Onofri nació en Rávena; desde muy joven fue invitado por Jordi Savall como concertino de La
Capella Reial de Catalunya, y ha actuado por todo el mundo con ensembles como Concentus Musicus
Wien, Ensemble Mosaiques, Concerto Italiano, etc.
Es concertino y solista de Il Giardino Armonico desde 1987.
Desde 2002 Enrico Onofri se presenta también como director, alcanzando gran éxito y recibiendo la
invitación de orquestas y festivales por toda Europa y por Japón. Desde 2005 es principal director de
Divino Sospiro (orquesta barroca en residencia del Centro Cultural de Belém en Lisboa). Es también
director invitado de la Academia Montis Regalis. En el año 2000 fundó el ensemble Imaginarium. E.
Onofri ha actuado en las más reconocidas salas de concierto de todo el mundo con artistas como N.
Harnoncourt, G. Leonhardt, C. Coin, C. Bartoli, K&M. Labèque. La mayoría de los numerosos CDs
grabados por E. Onofri han sido galardonados con los más prestigiosos premios internacionales.
Desde 2000, Enrico Onofri es profesor de violín barroco y de interpretación de música barroca en el
Conservatorio Bellini de Palermo. Es también invitado con regularidad a ofrecer masterclases por toda
Italia y Europa. http://www.enricoonofri.it
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