22 PMR 2012. 22 Premio Internacional de Gráfica Máximo Ramos

22 PMR 2012. 22 Premio Internacional de Gráfica Máximo Ramos 2012.
Convocado por la Concejalía de Cultura, Concello de Ferrol, Centro Torrente Ballester.
FALLO DEL JURADO
Y ANUNCIO DE LA EXPOSICIÓN, del 27 de julio al 6 de octubre de 2012
Tras la reunión del jurado del 22 Premio Internacional de Gráfica Máximo Ramos 2012,
celebrada el día 4 de julio, se informa de la concesión del único Premio a Pedro Calapez,
con una dotación económica de 7.000 euros. Dado el excelente nivel general se ha
decidido otorgar 5 menciones de honor. El jurado ha seleccionado igualmente a los
participantes en la exposición, 37 artistas provenientes de 12 países.
El jurado presidido por el concejal de Cultura Manuel Reyes García-Hurtado y, formado por tres
vocales: José María de Francisco Guinea (director de la Feria internacional Estampa Arte
Múltiple), la artista brasileña Sandra Cinto y el crítico de arte David Barro, se reunió el pasado 4
de julio. La comisaria del premio, Anne Heyvaert (artista y profesora de gráfica de la
Universidad de Vigo) solicitó al jurado valorar, según las bases del certamen, la pertinencia de
las propuestas desde una perspectiva del arte gráfico actual, en la exploración de la
multiplicidad de técnicas para idear proyectos seriados.
La coordinadora Elsa Armentia destaca el éxito de esta edición, con un incremento de la
participación, tanto en número de solicitantes y de países, como en el aumento del nivel de
calidad de las propuestas, lo que dificultó los procesos de preselección y de selección final. De
los más de 450 dossiers recibidos, provenientes de 49 países, se realizó una primera
preselección de 90 artistas. Tras el envío de las obras de los preseleccionados, el jurado ha
elegido a 37 artistas (12 países) para la exposición, con varias obras cada uno. De entre los
seleccionados,10 son residentes en Galicia. Todas las generaciones están representadas,
desde artistas consagrados en el ámbito del arte gráfico internacional como jóvenes creadores
recién salidos de las facultades de Bellas Artes. Cabe destacar igualmente la participación de
artistas, ya no tan especializados en el universo de la estampa, sino provenientes del
desdibujamiento y la interacción de las disciplinas artísticas, a menudo generadoras de
multiplicidad, en el arte actual en general.
La obra premiada Conversation piece, del artista portugués Pedro Calapez, destaca por la
especial coincidencia de sus características con los objetivos de este certamen, en la idea de
repetición en tanto que motor de creación y transformación, en palabras del autor, como “una
conversación continua e inacabada”. La espectacular composición (260 x 520 cm) está
realizada a partir de una unidad base (un fragmento arquitectónico de una ventana) que se
multiplica por simetrías y repeticiones. El autor estableció una práctica mecánica, en
movimiento perpetuo; el dibujo, que “se materializa en un momento de frágil equilibrio, pone de
manifiesto su inagotable posibilidad”. La producción de la composición está realizada con la
impresión digital de 102 hojas de papel, en el formato estándar A3; clavadas en la pared
solamente por su parte superior aportando a la enorme composición una ligereza casi volátil.
La edición reducida consta de 3 ejemplares. El 22 Premio Máximo Ramos 2012 brinda al
Concello de Ferrol la oportunidad de poseer en sus fondos una obra de este artista portugués,
Pedro Calapez (1953), que consta de una ya dilatada trayectoria artística internacional.
A lo largo de los siglos, la evolución técnica ha servido y ampliado no solamente las
posibilidades multiplicadoras, sino formales, de las imágenes impresas, ofreciendo a menudo a
los artistas plataformas de mayor libertad expresiva. En su 22 edición, este certamen, uno de
los más veteranos de España, demuestra su vitalidad y su dinamismo, con una selección
reflejo del arte gráfico contemporáneo, multidisciplinar e integrador, en un cuestionamiento
entre obra única y múltiple, desde las técnicas más tradicionales (buril, aguafuerte, xilografía,
litografía, serigrafía…) y su posible combinación con procedimientos directos, hasta los
procesos digitales, fotográficos, videográficos, o sonido, ...
El PMR quiere igualmente dar constancia de la preocupación creciente de los creadores por la
puesta en escena de sus obras, facilitada por la aceptación al certamen de varias piezas por
participante, incluso de series enteras e instalaciones, sin límite de tamaño. Esta apertura de
las bases, en el año 2010, sitúa al PMR junto a los grandes certámenes internacionales de
referencia en su ámbito, y el único en España de estas características.
Desde estas premisas, el jurado ha decidido otorgar, dado el excelente nivel general, cinco
menciones de honor a los artistas: Liena Bondare, Charles François Duplain, Manuel Eirís,
Joscelyn Gardner, Álvaro Negro, por su aportación relevante en una idea renovada del arte
gráfico.
La formalización de la obra gráfica y múltiple se amplia al sonido y al video con las obras de los
artistas gallegos Manuel Eirís y Álvaro Negro, con proyectos ligados a conceptos elementales e
históricos del arte del grabado.
Los piezas de Manuel Eirís (Santiago de Compostela, 1977), Bs 50-50 grind y Bs Pivot grind
nacen de la idea de registrar, grabar, “el sonido de dos “grinds” que hizo un skater en un
bordillo de Santiago cierto día del 2012”. El verbo inglés “grind” significa chirriar o rayar, en
terminología skater, se refiere al conjunto de maniobras consistente en el deslizamiento con
uno o los dos ejes del monopatín sobre una superficie, generalmente un borde (curb) o saliente
(ledge). La acción deja unos rastros, huellas, sobre el mobiliario urbano transitado; el artista
graba su sonido -recogido mediante un micrófono atado al tobillo del skater- en unos discos de
vinilo; el sonido será reproducido a su vez por el contacto de la aguja del tocadiscos en los
surcos del disco. Huella, grabación y reproducción son conceptos elementales del arte gráfico.
Los seis videos que conforman el conjunto de proyecciones de Álvaro Negro (Lalín, 1973),
Monteagudo. Natureza! Estás soa?, se refieren a la tradición gráfica en la idea de
desmultiplicación, así como en su vocación de registro y representación, “que alude a su propia
fenomenología, al hecho de mirar como proceso descriptivo que logra transcenderse hasta
llegar a un estado de conciencia esencial a través de lo que acontece”. La expansión y la
fragmentación de la mirada se materializa en seis tomas diferentes de un paisaje, en el que se
encuentran las esculturas de Ulrich Rückriem, analizando su interacción con la naturaleza y la
acción del tiempo.
Las dos artistas, Liena Bondare y Joscelyn Gardner, trabajan desde la vocación de testimonio y
reivindicación de la obra gráfica -recordemos por ejemplo las series grabadas de J. Callot, W.
Hogarth o F. Goya-. Cada una de las artistas aportan elementos muy particulares a la
presentación de sus proyectos.
La joven artista Liena Bondare (Latvia, 1980), presenta una gran instalación denominada
Kunst > everyday nothing (el arte es mayor que la nada de todos los días), una obra en
proceso, interactiva con el público, en la que utiliza la técnica de impresión de la serigrafía,
combinada con dibujos efímeros a tiza, sobre 24 pizarras de varios tamaños: un conjunto
explosionado, con múltiples elementos de referencia, de Leonardo da Vinci, con su reflexión
acerca del instante y el tiempo, hasta los artistas Joseph Beuys, Marcel Duchamp o Yukio
Mishima, en la idea de “arte y vida”. Con el título, la artista, nos remite a una fórmula
matemática, y nos remonta a tiempos del colegio, invitándonos a intervenir con tizas sobre las
pizarras. Nos anima a reflexionar sobre el sentido del arte, su relación con la vida, el mercado y
la historia, además de cuestionar los conceptos de autoría, original y copia.
Cabe destacar las obras “Créoles Portraits” de la artista caribeña-canadiense Joscelyn
Gardner (1961), por su dominio técnico y la excelencia de la formalización, en contrapunto a
sus mensajes desgarradores. Con unas preciosistas litografías, iluminadas con acuarela a
mano, sobre papel mylar translucido, la autora explora la identidad criolla desde una
perspectiva feminista postcolonial. Los delicados trenzados afros están unidos a terribles
collares de hierro, con los que se castigaban a las mujeres esclavas, acusadas de inducir
abortos. La integración de grabados botánicos del s. XIII hace referencia a lo exótico y a la
identidad (su negación), pero también al uso de aquellas plantas para abortar, en acto de
resistencia a la explotación esclavista.
Charles F. Duplain (1967, vive y trabaja entre Suiza, Francia y Bélgica) utiliza el medio de lo
múltiple y lo impreso por sus posibilidades plásticas y metafóricas, ligadas al libro. Trata el tema
del autorretrato desde una postura ambigua y fantasiosa. Con una presentación austera pero
muy cuidada, recoge, en el tradicional formato de la carpeta, siete composiciones tipográficas
hechas con caracteres de plomo, en las que declina las letras de su nombre completo,
tomando varios códigos de deletreado internacionales que permiten confirmar los sonidos de
las letras; repetición y variación textual, sonora y visual.
La gran diversidad de medios utilizados y de imágenes realizadas, desde la experimentación
procesual en esa idea de repetición, variación y fragmentación de la gráfica actual y del arte
contemporáneo en general, permite ofrecer una exposición sorprendente y muy rica, que
tendrá lugar durante todo el verano del 2012, del 27 de julio hasta el 6 de octubre.
Anne Heyvaert, comisaria del 22 PMR 2012 – 667.54.36.90