Historia del arte universal

Historia del arte universal
TEMA 1 PREHISTORIA Y ANTIGÜEDAD
Tema 1
Prehistoria y Antigüedad
1. El Arte de la prehistoria
2. Las culturas preurbanas
3. La revolución urbana
4. Mesopotamia
5. Egipto
6. Creta y Mecenas
7. Grecia
8 Roma
1. EL ARTE DE LA PREHISTORIA
Una de las características del arte prehistórico es que tiene unas
localizaciones geográficas muy concretas, con grandes áreas donde no hay ningún
vestigio y otras donde se concentran las producciones.
El arte del paleolítico
El arte empieza con el homo sapiens sapiens, y por eso podemos fechar las
primeras manifestaciones artísticas al inicio del paleolítico superior, hace unos
40.000 años. Se suelen clasificar las piezas conservadas en dos grupos:
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El arte mobiliar: Conjunto de pequeños objetos de uso variado hechos de
hueso, cuerno, piedra o marfil y decorados con relieves grabados o plumas.
El arte parietal o rupestre: Conjunto de relieves grabados y, sobre todo,
pinturas sobre las rocas de las paredes y de los techos de las cuevas, o en
fragmentos de roca al aire libre.
Repetidamente se ha dicho que el arte rupestre son representaciones de
carácter mágico que tenían como objetivo asegurar el abastecimiento de animales y
facilitar la caza, invocando la presencia de los animales por mediación de un
pretendido culto a la fecundidad, lo que se relacionaba con las figurillas femeninas
del arte mobiliar –las Venus paleolíticas.
El arte del neolítico
Con la revolución neolítica, la humanidad abandonó un sistema basado en
la caza-recolección, propia del paleolítico y adoptó una economía de producción en
torno a la agricultura y la ganadería, que permitía tener excedentes que había de
administrar y almacenar.
El arte de los metales
Se desarrolla durante el tercer y el segundo milenio y se suele dividir en tres
períodos: el calcolítico (uso del cobre), la edad del bronce (aleación de cobre y
estaño) y la edad de hierro.
2. LAS CULTURAS PREURBANAS
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Las viviendas efímeras: La primitiva forma de vida de los cazadoresrecolectores nómadas reafirma la idea de que el ser humano es un animal
social. El trabajar en equipo, la cooperación social y el hecho de compartir la
comida son estrategias fundamentales para sobrevivir con éxito, sobre todo en
unos entornos como el desierto o la selva tropical, donde no existen grandes
variaciones estacionales. Tienen sin embargo, dos problemas básicos: Deben
mantener el control sobre el crecimiento de la población para poder vivir en
equilibrio ecológico y necesitan grandes espacios para subsistir (se calcula que
una persona puede necesitar entre 2.000 y 150.000 hectáreas para obtener
alimentos). Este sistema de vida hace que las viviendas sean simples refugios
de pequeño tamaño, construidos en un par de horas por las mujeres y habitado
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durante una o dos noches; parece que la vivienda en forma de cúpula es
específica e instintiva del ser humano.
Las viviendas transitorias: Son las construidas por grupos nómadas de
cazadores o recolectores que viven en entornos bastantes ricos en recursos,
cosa que les permite quedarse en un mismo sitio durante semanas. Por ello las
viviendas son más grandes y tienen más cantidad de objetos personales (ropas,
utensilios, armas) .
Las viviendas periódicas: Derivado del nomadismo pastoril, presenta una
organización social jerárquica nacida para resolver los conflictos entre los
grupos de vecinos, coordinar el uso de los pastos y mantener el equilibrio
ecológico. La existencia de esta cierta organización política y la centralización
del poder en un jefe nos permite hablar ya de tribus. Su dedicación al rebaño
conlleva que pasen la mayor parte del tiempo fuera del refugio; por eso, su
hábitat consiste en tiendas resistentes al agua.
Las viviendas estacionales: Son viviendas que se ocupan en función de las
estaciones y, por tanto, la permanencia en ellas puede durar algunos meses.
Responden a un estilo de vida seminómada de quienes practican la agricultura
a intervalos entre las diferentes migraciones derivadas de la ganadería o de la
caza. Utilizan distintos tipos de vivienda: para el período sedentario tienen una
más elaborada, cuyo tamaño y complejidad dependen del número de
componentes de la familia; suelen rodear las diferentes viviendas del grupo con
una especia de valla, constituyéndose así en poblados. Para el período
migratorio tienen una estructura temporal, de tamaño pequeño y distribuido en
forma dispersa. La dedicación al cultivo obliga a construir algún tipo de
almacén o granero.
Las viviendas semipermanentes: Son las viviendas de las comunidades
basadas en el cultivo de tubérculos y raíces, que trabajan la tierra con
herramientas bastante sencillas, como el arado rudimentario. El tipo de cultivo
que practican incide en el tipo de vivienda en la cual pueden llegar a vivir hasta
15 años. Hacen su aparición un cierto sentido de la propiedad (hasta ahora
todo era de todos), la necesidad de poca cantidad de suelo para sobrevivir (ya
que la agricultura permite alimentar a más gente en menos territorio), la
aparición de clases sociales, formas estatales e instituciones religiosas. Eso sí,
el campesino depende totalmente de la tierra cultivada (hasta ahora el uso de
la agricultura era complementario o incluso parcial), por lo que en la vivienda
se construyen almacenes, establos, corrales, etc.
3. LA REVOLUCIÓN URBANA
Si durante unos dos millones de años el grupo de primates del género
“homo” habían practicado con éxito el sistema de caza-recolección, al cabo de ese
tiempo tuvieron que adoptar un sistema basado en la agricultura por el fuerte
crecimiento demográfico: la naturaleza no puede mantener a más de 10 millones
de personas con un sistema de caza-recolección, y a finales de la era glacial ya se
habían superado los cinco millones.
Cuando la humanidad empezó a tener un cierto control sobre la producción
de alimentos con el cultivo de algunas especies de plantas y con la domesticación
de animales, el hábitat se convirtió en más estable, y las viviendas preurbanas
evolucionaron hacia la formación de poblados y ciudades. Las primeras
civilizaciones aparecieron en las comunidades agrícolas de los valles de los ríos más
fértiles: Mesopotamia (rios Tigres y Éufrates), India y Pakistán (Indo), Egipto (Nilo)
y China (Huang He y Nang Tsé).
La producción de excedente permite que no todo el mundo tenga que
dedicarse a la agricultura. El hecho de poder dedicarse a otras tareas provoca la
aparición de la división del trabajo y la especialización en tareas no agrarias como
la artesanía, comercio, construcción, incluso aparecen élites cultas.
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4. MESOPOTAMIA
Mesopotamia (país entre ríos) abarca una extensa región situada en una
zona de paso de pueblos y culturas, y caracterizada por la diversidad étnica y
cultural. A diferencia de Egipto (una sola etnia, una historia continuada y un arte
unitario) aquí tenemos que hablar de culturas mesopotámicas: sumeria, acadia,
babilonia y asiria.
La fertilidad de la tierra estaba asegurada por las inundaciones periódicas
de los ríos (Tigris y Éufrates), ambos navegables que actuaban como vías de
comunicación. La producción de excedente de alimentos se dio en las llanuras
aluviales de ambos ríos, culminando con la aparición de las ciudades-estado,
caracterizadas por millares de habitantes, complejas religiones, estructuras de
clases política y militar, tecnología avanzada y amplios contactos comerciales. Hacia
el 2500 a.c., la baja Mesopotamia estaba dividida en una veintena de ciudades,
cada una de las cuales controlaba un territorio de 50 a 500 hectáreas.
En la cúspide de la administración mesopotámica encontramos primero una
autoridad religiosa y, después, una autoridad secular. Recibe el primero el nombre
de en, ensi o lugal; entre sus obligaciones está la de dirigir el ejército, administrar
justicia y coordinar las obras públicas: canales de irrigación, templos, etc. Su poder
viene dado por el origen divino de su función: se desarrolla de esta manera, un
sistema político basado en la religión.
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Sumerios y Acadios: La revolución urbana en las tierras del Oriente Próximo
culmina entre el cuarto y tercer milenio a.c.; el arte será la expresión de las
necesidades religiosas y políticas, como muestra la proliferación de templos,
palacios, obras de fortificación, tumbas, relieves ornamentales e históricos.
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El período babilonio: Babilonia se consolidó como ciudad-estado hegemónica
al principio del siglo XVIII a.c. con Hammurabi, que creó un imperio, cuya obra
legislativa se concreta en su famoso código. Las estatuas, a pesar de recoger el
legado sumerio y acadio, aporta como principal novedad las figuraciones de las
diosas. Cabe subrayar la importancia de la estela de diorita negra llamada
Código de Hammurabi, ya que, además de tener inscritas las leyes
promulgadas en 1753 a.c. presenta unas nuevas formas de esculpir las figuras
y unos primeros intentos de perspectiva. Del período babilónico destaca la
propia ciudad de Babilonia y su urbanismo. Dividida en espacios regulares
delimitados por avenidas, está llena de tempos, como el ziggurat llamado
Etemenanki, la torre de Babel de la Biblia.
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Asiria, el arte del poder: La región situada en el valle medio del Tigris, con
capital en Azur, tiene una larga y compleja historia que se suele dividir en tres
períodos, el imperio antiguo, el medio y el nuevo. Es difícil encontrar elementos
comunes que caractericen su legado artístico, si dejamos de lado la función
central de la monarquía, vinculada al dios Azur, y la exaltación de los valores
militares.
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Los hititas: Sus testimonios artísticos son numerosos en el Asia Menor y en la
Siria septentrional, particularmente en la capital, Hattusa y en Karkamis. EN los
emplazamientos excavados se han encontrado restos de ciudades amuralladas,
levantados sobre bases ciclópeas, santuarios y palacios; éstos disponen de un
pórtico abierto, con un número impar de columnas que soportan el techo de
una sala rectangular (sala del trono), con la dimensión más larga paralela a la
fachada.
La piedra es un elemento básico de construcción, sobre todo en los cimientos y,
a menudo es decorada por bajorrelieves como los que se encuentran en las puertas
de las ciudades y en los santuarios.
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5. EGIPTO
Se trata de una civilización situada en la encrucijada de 4 mundos: el África
del Nilo, el Sahara, el Próximo Oriente y el Mediterráneo. Fue pues, el resultado de
un complejo juego de influencias, entre las cuales la componente africana es
fundamental.
El aislamiento y la falta de grandes conflictos bélicos hacían innecesarias las
murallas, y por lo tanto, no existe tan claramente la delimitación del territorio: la
estructura de la ciudad no era compacta y los diferentes barrios no estaban fijados
por un terreno delimitado. No se tenía que ocupar continuamente el mismo lugar
con el fin de aprovechar la gran inversión de capital que representaba la muralla
defensiva. La movilidad urbana hacía que los faraones pudieran preparar la tumba
en un lugar diferente al de sus predecesores. La práctica totalidad de los recursos
de la construcción y de los materiales duraderos se pusieron a disposición de la
edificación de templos y tumbar.
Su arquitectura grandiosa y monumental nos hace pensar que disponían de
la tecnología adecuada para construir grandes ciudades, pero dedicaron más
esfuerzos a la construcción de tumbas para los muertos que refugios para los vivos.
Egipto es una de las primeras civilizaciones conocidas en el sentido de
poseer un estado para garantizar la ley y el orden, de la que se tiene un
conocimiento bastante amplio. Egipto poseía unos sistemas de obtención y
distribución de excedentes, un sistema de poder político, un sistema religioso y
unos sacerdotes con dedicación plena.
Dos son quizá los aspectos más llamativos del arte egipcio que se
desarrolló a lo largo de 3000 años. Por una parte el anonimato de sus creadores y
por otra el estilo dependiente. El artista egipcio no está reconocido, es la figura del
rey la que ha llegado hasta nosotros y quien encargaba los trabajos, mientras que
el ejecutor de las obras permanece casi siempre en el anonimato. Por otra parte, el
arte egipcio nunca se vio influenciado ni por los acontecimientos históricos, ni por
tendencias extranjeras, más bien todo lo contrario, fueron los invasores quienes se
vieron influenciados por las expresiones egipcias.
El arte egipcio está influenciado profundamente por la religión y por el
centralismo político que trata de exaltar el poder absoluto de los reyes y la
grandeza de su reino.
Arte monumental
En el arte monumental, la figura es el doble que asegura una verdadera
presencia. Eso es básico para un arte que quiere garantizar una vida más allá de la
muerte; sin embargo, para que le efecto mágico sea posible y tenga toda su fuerza,
hace falta que la representación sea total y que mantenga la integridad, si no, el
difunto sufriría la misma mutilación que el doble. Para ello se adoptó una serie de
convencionalismos, como la estatua bloque, que evitaba cualquier saliente que
pudiera romperse con facilidad.
Arquitectura
Egipto tiene buenas pedreras, pero le falta madera. Eso permitió la
construcción de grandes monumentos a la vez que la dificultad de encontrar
madera para las vigas del techo obligaba, al no utilizar la bóveda, a multiplicar los
soportes, básicamente la columna.
Las figuras más representativas de la arquitectura son el templo y la tumba
(pirámide). EL templo consiste en una larga avenida flanqueada por animales
sagrados que conducía a la entrada, formada por dos grandes pílonos dispuestos
en talud y precedidos por obeliscos. Durante el imperio medio (2060-1580 a.c.) los
faraones se hicieron construir la tumba, donde reposarían sus momias y tesoros, y,
en otro lugar, un templo, donde se les rendiría culto y veneración. La estructura del
templo consistía en dos terrazas sobrepuestas, encima de las cuales se levantaba
una gran forma piramidal.
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Los templos más conocidos se levantaron durante el imperio nuevo (1580651 a.c.) erigidos sobre todo, en el Valle de los Reyes, con la siguiente planta
típica:
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Una avenida de esfinges: es un largo paseo (dromos) que tiene a cada lado
esculturas de cuerpo felino y cabeza humana (representación del faraón), o
cabeza de cordero (símbolo de Amón), o de halcón coronado (alusión a Horus).
Simboliza la protección que los dioses dispensan en el templo, al cual impedirán
entrar cualquier principio maléfico.
La explanada de los obeliscos: se trata de una gran plaza en cuyo centro se
levantan uno o dos obeliscos que llevan grabados, en escritura jeroglífica,
alabanzas a los dioses y al faraón.
El pílono o fachada principal del templo, construcción maciza y ataludada que
sirve de pórtico.
Sala hipetra (sin techo): es un patio porticado al cual tenía acceso la mayoría
de la población durante las grandes solemnidades.
Sala hipóstila (con techo plano soportado por columnas): era el lugar de los
iniciados durante la celebración de los grandes rituales.
Santuario o naos: pequeña habitación donde se ubicaba la estatua objeto de
culto y adonde sólo podía entrar el faraón o el gran sacerdote.
Las pirámides nos hablan de un país tan perfectamente organizado, que fue
posible amontonar estas gigantescas montañas de piedra en el transcurso de la
vida de un solo rey, y nos hablan de reyes tan ricos y poderosos que pudieron
obligar a miles de obreros y esclavos a trabajar para ellos año tras año y a extraer
enormes bloques de las canteras.
Escultura
Tienen un papel funerario, constituye el doble en que se tenía que encarnar
el difunto, por eso utilizan piedras duras, formas compactas, la idealización del
individuo en su plenitud, pensemos que una denominación egipcia del escultor era
precisamente “el que mantiene vida”.
Desde los primeros retrasos, encontramos una simplicidad y solemnidad
que no se olvidan fácilmente: el escultor sólo se fija en las cosas esenciales.
Pintura y relieve
Sus temas son variados, dado que representaban todas las actividades y
objetos destinados a satisfacer las necesidades del difunto en la otra vida. Nos
proporcionan un reflejo extraordinariamente animado de cómo se vivía en el
antiguo Egipto. La belleza no era lo importante, sino la perfección. La misión del
artista era representarlo todo tan claramente y permanentemente como le fuera
posible. Dibujaban de memoria y según unas reglas estrictas que aseguraban la
perfecta claridad de todos los elementos de la obra; así nos muestran el cuerpo
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humano con la cabeza de perfil, los ojos frontales, los hombros y el tórax frontales,
el vientre de perfil al igual que los brazos y las piernas, los pies perfilados con el
dedo grande en primer término (como si tuvieran dos pies izquierdos). Los artistas
se limitaban a seguir este canon que permitía insertar en la forma humana todo
aquello que consideraban importante.
El artista egipcio comenzaba su obra dibujando una retícula de líneas rectas
y distribuía con mucho cuidado las figuras. Sin embargo, este sentido geométrico
del orden no le privó de observar los detalles de la naturaleza con sorprendente
exactitud: cada pájaro, pez o mariposa está dibujado con tanta fidelidad que los
zoólogos pueden incluso reconocer la especie.
El arte egipcio fue un conjunto de leyes estrictas que cada artista tuvo que
aprender. Las estatuas sedentes, con las manos apoyadas en las rodillas; los
hombres más oscuros que las mujeres, cada dios con su animal, etc. El artista tenía
que aprender también el arte de escribir bellamente. Una vez en posesión de estas
reglas, su aprendizaje había acabado. Nadie le pedía una cosa diferente, nadie le
pedía que fuera “original”. Por eso el arte egipcio varió tan poco.
6. CRETA Y MICENAS
La cultura minoica
Nos situamos en la Isla de Creta, famosa en la antigüedad por sus prados,
olivos y viñas, pero pobre en recursos minerales. Entre el año 2.000 y el 1600 a.C.
desarrolló su peculiar revolución urbana: se construyeron complejos palacios
decorados con pinturas al fresco; sus vasijas, tinajas y joyas de luna ligereza y de
un delicado sentido del movimiento, alcanzaron un alto nivel técnico. Apareció un
sistema propio de escritura: primero, uno pictográfico, hacia el 2000 a.C. el lineal A
todavía no descifrado; una derivación de éste dio el lineal B, utilizado por los
primeros habitantes de habla griega para escribir griego.
La escritura nació por las necesidades de una administración centralizada,
dado que la sociedad estaba dirigida desde el palacio, éste administraba la
economía interna, distribuía los recursos materiales y humanos, materias primas y
productos acabados, y todo se hacía sin el uso de la moneda, se obtenía cobre,
oro, marfil y otros productos intercambiándolos por lana.
La cultura minoica nos presenta un nuevo concepto de arte: ya no es
monumental ni está vinculado a la región, sino que está dotado de una observación
naturalista, sentido decorativo, gusto por el color, viveza de invención y virtuosismo
técnico.
La cultura micénica
Hacia el año 1600 a.C. Micenas se convirtió en un centro de riqueza y
poder, en una civilización guerrera; se puede observar en las tumbas, dispuestas en
forma de círculo y caracterizadas por los numerosos objetos depositados en ellas.
La vida social y económica está centrada en torno al palacio; éste juega un
papel político, económico, administrativo, militar y religioso. El rey concentra y
unifica todo el poder, y controla y reglamenta, con los escribas, todos los sectores
de la vida económico, incluso el comercio exterior para obtener el abastecimiento
de metales y objetos de lujo está en manos del rey.
Hacia el año 1200 a.C. se produjo bruscamente el fin de las civilizaciones
de la era de bronce. Fortalezas y palacios fueron aniquilados y, los cementerios,
abandonados; fue la invasión de los pueblos del mar que, provenientes de los
Cárpatos y del Danubio emigraron hacia el sur.
Los que sobrevivieron continuaron cultivando la tierra y paciendo el
ganado, haciendo cerámica y fabricando utensilios –ahora ya de hierro-, adorando
a los dioses y celebrando los rituales de siempre. Este periodo histórico, del que se
saben pocas cosas, se llama en la historia de Grecia la época oscura.
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7. GRECIA
Solemos considerar Grecia y Roma como unos de los fundamentos de la
cultura occidental, como nuestro referente clásico. Con la palabra clásico, en
historia, nos referimos a las épocas de la Antigüedad griega, especialmente al
periodo comprendido entre los siglos V y IV a.C., desde la derrota de los persas en
el año 480 hasta la muerte de Alejandro Magno el 323 a.C.; por su parte, la
Antigüedad romana, comprendería sobre todo desde el siglo I a.C. hasta la muerte
de Augusto, en el año 14 de nuestra era.
La polis griega
Nuestro punto de partida es la desaparición de la monarquía micénica, que
inauguró una nueva época: el hierro desplazó al bronce, la incineración sustituyó la
inhumación, la cerámica dejó la decoración vegetal y animal por la geométrica, y el
vocabulario de los títulos, funciones militares y derechos de posesión de la tierra,
desaparecieron. Sin rey, ¿cómo podían convivir todos los habitantes en el seno de
la misma ciudad? Precisamente el modelo de organización sociopolítica al que se
llegó en Grecia (la polis) define uno de los fundamentos de la llamada cultura
occidental.
La polis no es una ciudad, es un grupo de ciudadanos que viven en un
territorio y que tienen un centro común en el núcleo urbano; por lo tanto, la
aglomeración urbana no es el lugar donde viven todos los ciudadanos de la polis:
una gran parte reside en el territorio circundante, en pequeñas aldeas o pueblos
pequeños. Sin embargo, todos, tanto los que viven en el núcleo urbano, como los
que viven en el campo, tienen los mismos derechos.
La polis es soberana, no reconoce ninguna estructura superior que limite su
libertad de acción; su finalidad es asegurar al individuo la libertad y la justicia, por
eso la autoridad, el poder de la polis, no tiene ninguna otra razón de ser que la
protección del ciudadano contra
la opresión interna y externa. Por
este motivo, la polis impone al
ciudadano algunas obligaciones,
como son los servicios necesarios
para
la
defensa
de
su
independencia exterior. La polis
es una república (no hay rey,
pues los griegos consideraban la
monarquía como una señal de
barbarie); el basileus, término
parecido al de rey, sólo tiene una
función religiosa y judicial de
poca importancia y además se
designa este cargo por sorteo.
No existe una verdadera
polis sin los siguientes órganos
políticos:
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 La asamblea: La mejor
manera de evitar los excesos de
poder personal (tiranía) es poniendo al gobierno bajo la dependencia de
órganos colectivos, de los cuales el más importante es la asamblea. En la
asamblea de ciudadanos cada reunión era irrepetible en su composición y
completa, es decir, se exponía una propuesta, se debatía y se aprobaba o
rehusaba en una única y continuada sesión.
El consejo: Su función era vigilar la actividad de los magistrados, cuidar de la
administración y de la ejecución de las decisiones de la asamblea y preparar las
reuniones. Era renovado anualmente.
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
Los magistrados: Eran los ejecutores de las directrices de la asamblea. Su
cargo duraba un año, excepto el de los jefes militares que no eran, sin
embargo, reelegibles.
Esta democratización se hace posible por la escritura alfabética
que permite aprender a leer y escribir. Entre las características más
significativas de la ciudad griega, caben mencionarse:
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Unidad: La ciudad es un todo único, no está dividida en recintos
principales y secundarios, ni tiene lugares reservados a
determinadas clases o grupos sociales.
Articulación: Las áreas privadas (viviendas), las sagradas
(templos) y las públicas (mercado, teatro) configuran las tres
zonas del espacio de una ciudad.
Equilibrio con la naturaleza: La ciudad respeta al paisaje
natural y se integra con una arquitectura hecha a escala
humana. En el centro, la regularidad de los templos; a su
acreedor, la irregularidad de las viviendas; finalmente el
desorden del paisaje natural.
Control de la población: Cuando la ciudad alcanza un
determinado nivel de crecimiento, no se modifica la ciudad, sino
que se crea otra. Es el caso de aquellas ciudades en las que
junto a un núcleo antiguo (paleopolis), encontramos un núcleo
moderno (neapolis) o bien el caso de la fundación de colonias
donde se envía el excedente de población.
El arte griego: El periodo orientalizante
El arte que se desarrolla en Grecia asimila las corrientes artísticas egipcia,
la del Oriente Próximo y el Egeo; se caracteriza por un exquisito sentido del
equilibrio, producto de una nueva concepción estética que se manifiesta en la
armonía de proporciones arquitectónicas y, en la escultura, en la moderación de las
actitudes, en la clara definición del contorno y en una cierta tendencia a la
idealización, aunque equilibrada con la observación naturalista. En este equilibrio
reside el gran mérito de la escultura griega.
Inherente a la cultura griega es también la exaltación de los valores
formales del hombre, como la expresión de sus valores vitales y de su dignidad
humana, todo ello reflejo de su concepción político-social (democracia) y de su
concepto de la individualidad de la persona humana; por eso en arquitectura no
hay grandes monumentos funerarios como en Egipto, ni palacios lujosos como en
Mesopotamia, y por esta razón la figura humana es el motivo principal en la
escultura y pintura: lo que es animal y vegetal está sólo en función de la
representación humana; incluso los dioses se representan con forma antropológica.
A partir del siglo VIII a.C. la historia de Grecia vive una serie de procesos
que irán configurando su realidad geográfica, económica, social y cultural. Nos
referimos al proceso de formación de la polis, a los conflictos sociales que
protagonizan sobre todo los campesinos sin tierra y que desembocarán en la
constitución de las primeras tiranías. Estos tiranos promovieron una política de
grandes obras públicas que, al mismo tiempo, cohesionaban la polis y servían de
elemento propagandístico.
El arte griego: época arcaica
La realidad artística en esta época no es la del mundo físico ambiental, sino
una realidad ideal situada en el futuro. Esta realidad ideal es siempre como una
corrección de la realidad física. Las figuras están quietas, parecen no tocar de pies
en el suelo, son personalidades más que personas y, como los animales, las plantas
o los objetos, son más símbolos que cosas. Las formas son disciplinadas,
geometrizadas, están sometidas a ritmos: atléticas, rígidas, juveniles, viriles, incluso
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cuando son imágenes femeninas, que aparecen poco sexuadas, tal como
corresponde a una humanidad en lucha.
En cerámica y escultura destacan:
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Cerámica de estilo geométrico: Constituida básicamente por las vasijas
dipilyanas (provenientes del cementerio de Dipylón), utilizadas para guardar las
cenizas del muerto, según costumbre de los dorios (figura izquierda).
Xoana: Son estatuillas de un dios hechas con madera o piedra, cortadas en
madera dura de olivo o encina, y representan generalmente a diosas (segunda
imagen).
Kouroi: Representan jóvenes atletas ganadores en los juegos; antes se les
había considerado Apolos. Se nos presentan totalmente desnudos, con los
puños cerrados apretándolos contra el muslo, y la pierna izquierda como si
quisiera avanzar, los labios arqueados y los ojos engrosados. Son verdaderos
retratos sólo en el cado de vencer tres veces; entonces se convierten en
estatuas icónicas y pueden recibir culto.
Korai: Representan doncellas al servicio del templo. Vestidas con túnica y
manto dórico corto o jónico, más largo, dan en los primeros momentos la
sensación de bloque o columna cilíndrica; posteriormente evolucionan hacia
formas más naturales.
En arquitectura existen unas reglas objetivas, similares a las leyes de la
naturaleza, a las que hay que adecuarse, estas reglas son llamadas órdenes: orden
jónico, dórico y corintio. Los diseñadores fueron seleccionando la multiplicidad de
soluciones arcaicas y cada vez que encontraban una solución convincente, la
consideraban como una norma adquirida, lo cual permite que todas las obras
tengan un alto grado de dignidad, aunque su diseñador no sea de primera fila, es
decir, garantiza un alto nivel medio de la producción general.
El templo griego empieza, de hecho, en el siglo VIII a.C:, se caracteriza por
una cámara rectangular (naos o celda) que contenía la imagen del Dios, dos
pórticos en los extremos (pronaos y opistodomo) formados por las prolongaciones
de las paredes laterales de la celda, y con columnas interiores para soportar la
cubierta, una columnata perimetral, una plataforma de tres gradas, un altar situado
al frente y un gran espacio circundante con locales anexos. El conjunto constituía el
recinto sagrado. Por el hecho de estar destinado exclusivamente a alojar a la
representación antropomórfica de la divinidad, no es un lugar destinado a los fieles
y, por lo tanto, es de reducidas proporciones.
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El orden dórico se caracteriza por las
columnas, sin base y con el fuste estriado con arista
viva (de 16 a 24 estrías y 20 en la época clásica)
que descansan sobre un estereóbato de tres
peldaños (el superior se llama estilóbato) y tienen a
un tercio del suelo el máximo diámetro (éntasis).
Están coronadas por un capitel sencillo que consta
de un collarín acanalado y separado del fuste por un
pequeño corte. Las columnas sostienen el arquitrabe
(un bloque de piedra lisa) al cual se sobrepone un
friso, sobre éste se pone la cornisa saliente para
desviar la caída del agua. Las columnas se
adelgazan, la proporción entre altura y diámetro
pasa de 4 a 5,5; la altura del arquitrabe, el friso y la
cornisa disminuye, pasando de casi la mitad de la
altura de la columna a un tercio.
El jónico es más esbelto, pero menos riguroso;
las diferencias más notables respecto del dórico
consisten en el tratamiento de la columna: tienen
base (elemento intermedio entre el fuste y el
estilóbato), el fuste es más delgado y monolítico y
estriado sin arista viva, con estrías semicirculares en
lugar de elípticas y no unidas entre sí, sino
separadas por una estrecha franja lisa.
El orden corintio es sólo una variante del
jónico, con un capitel nuevo de dos tipos: con ocho
hojas de acanto y hojas acuáticas, coronadas por un
ábaco cuadrado delgado, o con dos franjas de hojas
de acanto superpuestas y volutas a cada ángulo. El
orden compuesto, creado en el siglo I a.C. es una
mezcla de elementos jónicos y corintios.
El arte griego: época clásica
La irrupción de los persas en el Asia menor a finales del siglo VI a.C.
conllevó una emigración general y condicionó la evolución artística. La unión de las
ciudades griegas bajo el liderazgo de Atenas las lleva a la victoria y abre el periodo
clásico.
En escultura el artista era considerado como un individuo de clase inferior.
Los artistas trabajaban con sus manos y, por lo tanto, no eran considerados como
miembros de la sociedad griega. Con todo, estos obreros despreciados por la
aristocracia, tenían una noble participación en los asuntos del gobierno.
Mirón fue discípulo de Agelades de Argos y sobresalió sobre todo como
broncista, aunque habiéndose perdido toda su obra, sólo es posible conocerla por
medio de copias romanas en mármol. Para Mirón lo interesante de la vida es el
movimiento y del hombre, la sensibilidad física. Movimiento y sensación son
también las grandes preocupaciones de los filósofos de la escuela Elea. El Discóbolo
es su obra maestra, es la captación del movimiento en un instante fugaz, la
anatomía de sobriedad perfecta y una cierta calma inexpresiva en el rostro.
Notamos la insistencia en evitar la simetría: el lado derecho es una curva casi
continua, es liso y cerrado; el izquierdo, un zigzag discontinuo, angular y abierto.
Fidias es el máximo exponente de la escultura ática del siglo V a.C., el
ápice del clasicismo griego y la representación más pura de sus características:
belleza serena, euritmia compositiva, majestad de la expresión y del gesto,
grandiosidad llena de olímpica serenidad, perfección técnica, sinuosa composición
que se inserta en un esquema triangular riguroso, equilibrio entre naturalismo e
idealismo.
Historia del arte universal · 11
El arte griego: época helenística
El período que abarca los siglos 323-31 a.C. contempla el desarrollo
paralelo de dos realidades históricas diferentes: por una parte, los reinos
helenísticos nacidos de la fragmentación del imperio de Alejandro Magno; por la
otra, la consolidación del poder de Roma y el cenit de su República. Tendremos que
hablar, pues, de dos realidades artísticas: el arte helenístico, con respecto al mundo
griego, y la continuidad del arte etrusco con respecto al mundo romano.
El centro artístico se desplaza de Grecia a las nuevas capitales del
helenismo, el espíritu griego se impregna del mundo orientas, de aquí la tendencia
a lo colosal y al lujo ornamental. La escultura se caracteriza por su naturalismo y se
tiende cada vez más al realismo, al movimiento, a lo que es sensual, trivial e
incluso anormal o contrahecho. El interés por la anatomía llega a delimitar cada uno
de los músculos, produciendo enérgicos efectos de claroscuro.
Nace la organización científica del trabajo intelectual y se forman
instituciones adecuadas para favorecer las investigaciones y los intercambios
culturales: academias, museos, bibliotecas. La política cultural realizada por los
estados helénicos (Alejandría por ejemplo) favorece la colaboración y la división del
trabajo, relegando a un segundo plano los valores individuales, estimulando en
arquitectura y escultura la técnica abstracta.
En arquitectura se formulan con precisión las reglas clásicas, nace la teoría
de la arquitectura y se escriben los primeros tratados apareciendo los primeros
teóricos de la profesión.
En escultura se distinguen tres nuevas tendencias: el naturalismo (hace
que los seres humanos se caractericen no sólo por la edad y personalidad, sino
también por el estado emocional), la especialización en temas y sentimientos, y la
aparición de nuevos conceptos representados mediante personificaciones
(representación de conceptos en forma humana).
Entre la nueva temática destacan las afroditas o venus: al principio con
dignidad, como la Venus de Milo (figura al margen), después se presentan
surgiendo de las aguas, o lavándose en cuclillas, en actitudes más humanas, del día
a día.
8. ROMA
La historia y la arqueología nos precisan que en el lugar donde se fundó
Roma, el río es fácilmente navegable y puede atravesarse: los etruscos habitaban
su orilla derecha y necesitaban un paso fácil para ir a sus posesiones del sur. Es en
este lugar donde se constituyó una feria y un mercado, y en las colinas próximas se
edificaron los primeros poblados fortificados que dominaban el paso del río.
Con respecto a las calles de la ciudad, encontramos unas destinadas sólo a
uso peatonal (itinera), otras que permitían pasar un solo carro (actus) y las más
anchas de 5 a 6 metros, que permitían pasar dos carros (viae). Las calles eran
estrechas y tortuosas. César prohibió la circulación de carros de transporte dentro
de la ciudad durante el día, exceptuando los carros de los constructores y los
coches oficiales; por la noche el ruido de los carros, los gritos por los
embotellamientos y los conflictos en los cruces no dejaban dormir ni al propio
emperador. No había servicio de limpieza ni de iluminación nocturna
Dos eran los tipos básicos de vivienda en la antigua Roma:

La domus romana es una mezcla de la casa-atrio etrusca y casa-peristilo
griega. Su planta es una secuencia de habitaciones que daban a un patio
central. La típica del último período romano tiene dos patios rectangulares: el
más pequeño o atrio es el área pública de la casa, el mayor o peristilo está
reservado al área familiar y privada. Daba la espalda a la calle con sus paredes
sin ventanas y así sus ocupantes tenían cierto grado de intimidad; es una casa
unifamiliar para ricos (ver imagen en la página siguiente).
12 · Historia del arte universal

La insula es un bloque de viviendas de 300 a 400 m2, dividido en dos pisos o
cenacula, que se abren al exterior con ventanas y balcones; aparecen en el
siglo IV a.C. y llegaron a tener una altura de 7 pisos. No tenían calefacción ni
chimeneas, las ventanas no tenían cristales, sólo cortinas o persianas de
madera. Eran construidas por empresarios privados que especulaban con el
terreno y la construcción.
En la época de César, el alquiler
de una domus subía unos 30.000
sextercios al año y el de una
cenacula unos 2.000 (cantidad con
la que era posible comprar una finca
en provincias. A mediados del siglo
IV, Roma tenía 1797 domus y
46.600 insulae de cinco viviendas
por término medio, ocupadas por
cinco o seis personas cada una.
El arte etrusco
Los vestigios más antiguos
de civilización urbana en la
península italiana no son los de la
magna Grecia, sino los de la
Toscaza, donde un pueblo, cuyo origen no conocemos exactamente, el etrusco, dio
vida a una civilización bastante evolucionada que seguramente ejerció una
influencia notable sobre las poblaciones circundantes y, principalmente, sobre
Roma.
Cultivaron esmeradamente las tierras, construyeron acueductos y canales
de irrigación. Fueron hábiles artesanos y refinados, trabajaban con cuidado y buen
gusto los objetos de bronce, hierro y plata. También fueron marineros y
mercaderes por el mar Tirreno, a lo largo de la ruta del ámbar. Su organización
política tenía por base las ciudades. Cada una, con un territorio limitado a su
acreedor, constituía un pequeño estado gobernado por un rey electivo.
El templo etrusco es el edificio religioso por excelencia, se levantaba
sobre planta rectangular, encima de un alto basamento llamado también podio; la
celda interna estaba flanqueada por dos habitaciones más pequeñas y precedida
por un pronaos tetrástilo. El templo tenía una sola fachada, ya que la parte
posterior era cerrada. La anchura era igual a 5/6 de su longitud; la columna tenía el
fuste liso (columna toscaza).
Las pinturas que traducen mejor que la escultura su interés por el
movimiento tienen una finalidad religiosa y un carácter eminentemente sensual. Los
temas se basan en la vida cotidiana: las competiciones atléticas, comensales en un
banquete, escenas de caza y pesca, etc.
El arte romano
El arte romano surge de una doble corriente: por una parte de un fermento
autóctono y de la asimilación del helenismo por la tradición etrusca y centro-itálica
y, por la otra, de la influencia de los focos artísticos de Asia Menor, el neoclasicismo
de los talleres atenienses y la experiencia directa de los obras maestras del arte
griego llevadas a Roma como botín.
Cuando en el año 509 a.C. se proclama la república de Roma, el mundo
griego había alcanzado su apogeo cultura; sin embargo, el pueblo romano todavía
no tenía definida su identidad. En el 272 a.C. la victoria sobre Tarento hará llegar a
Roma innumerables objetos de arte. Algo semejante ocurre después de la
conquista de Sicilia en el 241 a.C. Cuando empieza a penetrar la civilización y el
arte helenístico, en el siglo II a.C. gracias a las conquistas en Oriente, Roma es una
Historia del arte universal · 13
ciudad provinciana y ofrece un aspecto relativamente modesto. El saqueo de
Siracusa en el año 212 a.C. marca el inicio de la admiración y la posterior imitación
de Grecia.
El refinamiento, el lujo, la pasión por el arte y el coleccionismo se
convirtieron en notas características de la sociedad romana de finales del siglo III
a.C. La magnitud del fenómeno coleccionista fue tal, que pronto el saqueo
sistemático de las ciudades griegas fue insuficiente para la demanda romana y,
para satisfacerla, surgió una industria de copias y falsificaciones de las obras
griegas más famosas, desarrollándose la moda del pasticcio: combinar en una sola
escultura elementos procedentes de diferentes estilos.
Como ejes fundamentales de la arquitectura romana
podemos destacar el empleo sistemático del arco y la bóveda en
las estructuras, pero no sustituyendo a las formas griegas, sino
por lo general asociándolas.
Entre las principales construcciones romanas destacan el
templo, la basílica, el teatro, el anfiteatro, el circo, acueductos y
puentes, arco del triunfo, termas y la columna monumental
(destaca la columna de trajano en la imagen lateral).
Las obras expuestas actualmente en los museos nos dan
una visión muy parcial de lo que era la escultura romana. Se
conservan principalmente estatuas de mármol y de piedra. Sin
embargo existían también esculturas de madera, yeso,
terracota, bronce, oro, plata y marfil. En las esculturas
generalmente se pintaban el cabello, barba, labios, cejas,
pestañas, iris de los ojos y también el vestido. El desarrollo de la
plástica estaba sujeto a modas y cambios, según se diera
preferencia aun neoclasicismo procedente de Grecia o a un
realismo crudo y popular más arraigado en el mundo romano. La
estatuaria romana nos ofrece no sólo la semblanza física del
retratado, sino también la psicológica. El retrato realista,
fisonómico e individualizado es una de las manifestaciones más
características del arte romano.
14 · Historia del arte universal
TEMA 2 LA MEDIEVALIDAD
1. EL ARTE ISLÁMICO
Una primera impresión que puede dar el arte islámico, con respeto a
técnicas y formas, es que no aporta nada nuevo, a pesar de la gran cantidad de
monumentos que se han conservado de los tres primeros siglos de historia islámica.
Prácticamente cada motivo decorativo, considerado aisladamente, cada unidad de
planificación, cada detalle de construcción, tiene u prototipo directo en las
tradiciones artísticas anteriores del Oriente Próximo y del Mediterráneo.
En el arte islámico, la finalidad y utilización no eran establecidas por los
monumentos, sino por las actividades que en los edificios tenían lugar. Esta
primacía de la vida humana y las necesidades sociales explica también por qué casi
todos los grupos de monumentos islámicos, desde la mezquita a los estucos o la
ornamentación, eran flexibles y adaptables a distintas finalidades. Se caracteriza
también por el rechazo deliberado de los símbolos. El contraste con el desarrollo
cristiano medieval es, pues, realmente notable.
Cronológicamente el arte musulmán se va a desarrollar entre los Pirineos
e India debido a la amplia expansión conseguida por el Islam tras la muerte de
Mahoma. Esta amplitud geográfica explica las numerosas influencias procedentes
de diferentes lugares (Bizancio, Grecia, Mesopotamia, Occidente) y el desarrollo de
escuelas locales que manifiestan ciertas características específicas.
En el año 610 Mahoma empezó a predicar el abandono (Islam) al dios
único, en una pequeña ciudad politeísta de Arabia Central, la Meca. En el 622, tubo
que huir a Medina donde funda la primera comunidad religiosa, convirtiéndose
pronto en el jefe político de la ciudad y conquistando la Meca y los territorios
vecinos.
Durante la dinastía Omeya (con la que comienza el arte islámico),
aparece la mezquita, el arco de herradura y el minarete. En la decoración se
difunde el uso del mosaico, las celosías hechas con yeserías y los motivos
ornamentales de la viña. De sus características principales destacaremos el uso de
la cúpula, la despreocupación por la belleza de los materiales, el uso del ladrillo, la
ornamentación íntegra de las superficies, la pérdida del culto a la figura humana, la
progresiva desaparición de la escultura, las celosías de yeserías, los alicatados
cerámicos y el gusto por la opulencia.
En decoración se usa el mosaico formado por pequeños cubos de pasta de
vidrio coloreados con fragmentos de nácar. Los elementos vegetales ocupan un
lugar importante; el uso del estuvo, la división de los plafones en rombos y la
estilización y factura de los elementos vegetales, anuncian ya el nacimiento del
estilo islámico.
En la dinastía abasí (750-1258) se cambia el califato de Siria a
Mesopotamia, de Damasco a Bagdad, se sustituye a los árabes por los persas, se
cambia una autoridad todavía semipatriarcal por una monarquía teocrática. Los
monumentos de los abasíes serán obras de artistas de Irak o Persia; llevan la huella
de las tradiciones iranianas y se parecen a los palacios de los reyes sasánidas. Se
sustituye la piedra tallada por los ladrillos, el cual constituye no sólo las paredes,
sino los soportes aislados, las columnas sustituidas por pilares. Su ligereza y
cohesión con el mortero le convierten en particularmente adecuado para el
asentamiento de las bóvedas. La falta de madera generalizó el uso de la bóveda
por placas.
La figura humana y los animales ocupan el lugar más importante en la
decoración, testimoniando la libertad de pensamiento de los maestros del país
respecto de las prohibiciones que después impusieron. Colores ricos, brillantes,
planos, desprovistos de modelado y rodeados por vigorosos trazos negros, nos
hablan de una concepción propiamente asiática de la decoración.
Tema 2
La Medievalidad
1. El arte islámico
2. El arte prerrománico
3. El arte románico
4. El arte gótico
Historia del arte universal · 15
Las dinastías selyúcidas y de los mamelucos son una tercera
generación en esta cronología islámica. Los turcos selyúcidas (1038-1194 en Irán y
desde 1195 en Anatolia) establecen un contacto más amplio con el arte de la
estepa. Son típicos la gran variedad de caligrafía ornamental y el uso de la
cerámica para el revestimiento arquitectónico.
Otra dinastía truca fue la de los mamelucos, que tomaron el poder en
Egipto (1252-1517) expresando una dirección artística propia, en la que se funden,
sobre todo, elementos selyúcidas y fatimitas.
Los mongoles en Persia y la dinastía safávida constituyen otros grupos
islamistas que es necesario nombrar.
Características generales del arte musulmán
La falta de desarrollo de pintura y escultura se debe a la concepción
musulmana de la naturaleza, que considera efímeras, y por lo tanto inútiles de
reproducir todas sus manifestaciones. Hay que añadir la prohibición –no explícita en
el Corán- de producir imágenes que se podrían convertir en objetos de culto
idolátrico. Por eso, nos tendremos que centrar en la arquitectura y decoración.
La característica fundamental de la arquitectura es su horizontalidad
(menos en el minarete). Evita la sensación de sólido y lleno; por eso las superficies
arquitectónicas son movidas y caladas, estando embellecidas con decoraciones.
Consideran la construcción como inscrita en una plaza circundante, acentúan el
jardín respecto del edificio y se prefiere, más que el gran palacio, el conjunto de
pequeños pabellones dentro de un jardín de planta rigurosamente estudiada, pero
nunca nada que supere la dimensión humana.
La arquitectura religiosa se expresó en el Islam en cinco edificios
principales: la mezquita, el alminar, la madraza, los conventos fortificados y el
mausoleo funerario, con los siguientes elementos:
El arco se dispone en una gran variedad de tipos y formas. Se usó el arco
de medio punto sobre columna, según la tipología bizantina, pero pronto se elaboró
el arco apuntado, presente en la arquitectura sasánida. A veces, diferentes formas
se acoplaron una encima de la otra, o se sobrepusieron arcos de diferente traza.
Así tenemos una larga lista de tipos, con esquemas a menudo inspirados por
exigencias no de estética sino puramente decorativas: el arco de herradura,
lanceolado, trilobado, polilobado, peraltado, con mocárabes, etc.
La cúpula se desarrolla inicialmente en Egipto, donde ganó esbeltez al
apoyarlas sobre un alto tambor, unido a la planta cuadrada inferior redondeando
los ángulos de ésta. Después se adoptó todo tipo de uniones (trompas, pechinas,
nichos, mocárabes) para cúpulas de diferentes formas (bulbosas, nervadas).
El iwan es la arquitectura de los países sasánidas (Irán e Irak), era una
sala cubierta por una bóveda de cañón, totalmente abierta por uno de sus lados, en
la que el emperador recibía a los dignatarios y administraba justicia.
El mocárabe es un elemento decorativo obtenido mediante la combinación
geométrica de prismas acoplados y truncados por el extremo inferior en forma de
superficie cóncava. Se coloca en hileras superponiéndose o elevándose en
progresión. Se utilizó para decorar frisos, capiteles y cubiertas simulando cúpulas.
La decoración constituye el verdadero leitmotiv del arte islámico, de
manera que la palabra arabesco se utiliza hoy para designar todo un género de
ornamentos de tipo geométrico y vegetal, aunque no sean de origen árabe. La
primera forma de arabesco con uvas hojas y mimbres, la tomaron de las
ornamentaciones clásicas de Grecia y Roma, en particular por mediación del arte
bizantino. Se dice que, por el hecho de ser nómadas, tenían tendencias hacia la
decoración exuberante, abstracta y despreciaban la escultura de la figura. Un
segundo tipo de arabesco es que el que utiliza diferentes formas elegantes de
escritura para decorar los edificios sagrados con versículos del Corán. La
composición de elementos geométricos es la tercera forma de arabesco.
16 · Historia del arte universal
El arte musulmán en España ocupa un espacio tanto cronológico como
territorial con un principio y un fin muy concretos, ocho siglos, del VIII al XV de
tiempo absoluto, limitados por dos hechos históricos o políticos: el año 710 el de la
primera invasión árabe de la Península, y el 1492 momento en que el último
reducto árabe, Granada, es entregado a los reyes católicos. Dividido en diferentes
etapas: emirato, califato, reinos de taifas, almorávides y almohades y reino nazarí,
todos ellos imprimieron al territorio andalusí, a nivel artístico, unos matices propios,
unos caracteres particulares, que harían del arte árabe un conjunto de
heterogeneidades dentro de su homogeneidad, modificando radicalmente el
carácter de la península ibérica.
La ciudad musulmana otorga, al igual que la religión islámica, mucha
importancia a la vida privada, hecho que se traduce en la importancia dada al
hogar familiar en la vida urbana: las casas no se agrupan alrededor de un plano
impuesto por una autoridad superior; la ciudad es la aglomeración de las casas
individuales de la familia o etnia; su reducida actividad social no plantea la
necesidad de edificios públicos (como el ágora, estadios…) ni lugares públicos de
reunión.
Aunque no hay autoridad urbana que imponga un planteamiento
urbanístico, las ciudades tienen una cierta estructura:





El núcleo es la medina amurallada, donde se encuentra la mezquita del viernes,
el mercado central y el complejo comercial.
La puerta principal de acceso a la medina (el bab) tenía una importancia
primordial como lugar de encuentro.
El palacio del gobernador estaba ubicado dentro de la medina o, si la topografía
lo permitía, se situaba encima de una colina, y de esta manera, se
transformaba en una ciudad fortificada (alcazaba).
Las grandes ciudades tenían sistema de alcantarillas para las aguas residuales,
fuentes públicas y muchos baños (Córdoba llegó a tener 800 fuentes y 600
baños públicos). Las abluciones religiosas regulares, impuestas por la ley
islámica, hace que las casas de baño se extiendan por toda la ciudad.
El confuso laberinto de callejuelas sin salida, las casas con patio y sin ventanas,
permitía alcanzar niveles de seguridad e intimidad impensables de otra manera.
2. EL ARTE PRERROMÁNICO
Detengámonos un momento en el concepto de Edad Media, un concepto
difícil de definir, ya que en su misma y clara etimología nos dice que se inventó
para encontrar alojamiento a una decena de siglos que nadie conseguía colocar,
dado que se encontraban a medio camino entre dos épocas excelentes (del Imperio
Romano al Renacimiento). Entre las muchísimas imputaciones que se le dirigían a
esta época sin identidad estaba precisamente la de no haber tenido sensibilidad
estética.
La cultura medieval, al haber elegido o haberse visto obligada a elegir el
latín como lengua franca, el texto bíblico como texto fundamental y la traducción
patrística como único testimonio de la cultura clásica, trabaja comentando
comentarios y citando fórmulas autoritativas, con el aire del que nunca dice nada
nuevo. No es verdad, la cultura medieval tiene el sentido de la innovación, pero se
las ingenia para esconderlo bajo el disfraz de la repetición, al contrario que la
cultura moderna, que finge innovar incluso cuando se repite.
Durante la transición del sistema esclavista al sistema feudal, en Europa el
legado artístico y cultural de mundo mediterráneo entró en contacto con las
tradiciones culturales de los pueblos germánicos. Los pueblos invasores,
romanizados, desarrollaron su peculiar concepción estética a lo largo de los siglos V
al VIII, alcanzando un nivel de calidad que los sitúa, como ocurre con los
ostrogodos, en una clara línea de continuidad con el mundo imperial romano.
Historia del arte universal · 17
En el mundo visigótico, sólo la orfebrería yl as artes del metal tuvieron
un notable desarrollo. Estas producciones tienen un origen común en las obras
pónticas y escitas, y se caracterizan por la predilección por materias ricas en color y
por la tendencia a la geometría y estilización de formas.
La arquitectura y las artes plásticas experimentaron una fuerte regresión.
La escultura y el relieve fueron sustituidos por un relieve muy plano, y la figura
humana presente sólo en el ámbito religioso, abandona el naturalismo clásico y
queda sometida a las mismas tendencias de estilización y abstracción.
El arte carolingio se inició en la noche de Navidad del año 800, cuando el
papa León III coronó a Carlomagno, restableciendo el imperio carolingio como
continuación del Imperio romano de occidente. De hecho, la idea de restaurar el
imperio se encuentra ya en el otorgamiento del título de patricio de Roma por parte
del papa Anastasio II a Clodoveo. Se caracteriza este período por el retorno a las
formas clásicas, por la persistencia de temas merovingios, la adaptación de temas
irlandeses y la asimilación de ideas provenientes de Bizancio y del Oriente por el
norte de Italia.
El arte prerrománico asturiano está vinculado a la situación de la
monarquía: el fuerte poder real no tiene contrapartida en la existencia de una
nobleza ni de una iglesia poderosas. La escultura es escasa y la pintura presenta
raíces muy antiguas de tipo aúlico, que empiezan en las pinturas de tema
arquitectónico pompeyanas, sin apartarse de los mismos modelos de tiempos
bizantinos.
El arte mozárabe corresponde al de los cristianos que viven bajo la
dominación musulmana y a los que, al emigrar hacia el norte, continúan
practicando su arte muy islamizado. El siglo X es el período de sus máximas
realizaciones. Al fenómeno migratorio y de repoblación se debe la dispersión de los
monumentos mozárabes y su falta de unidad artística. La ubicación de los
principales centros mozárabes en las zonas de repoblación es importante porque
será zona de paso de la peregrinación románica.
3. EL ARTE ROMÁNICO
Definimos en arte románico como el conjunto de manifestaciones artísticas
que se realizan en el Occidente europeo entre los siglos X y XIII, con notables
diferencias cronológicas y estilísticas entre las diferentes regiones. A menudo, para
definirlo, se contraponen sus arcos de medio punto y las bóvedas de calón a los
arcos apuntados y la bóveda de crucería del gótico, con lo que se otorga el
protagonismo de la expresividad artística a la arquitectura.
El arte románico se nos presenta como el lenguaje estético de la sociedad
feudal: es un arte monástico y aristocrático. La clericalización de la cultura y el
predominio de la fe sobre la razón daban a la iglesia el derecho de establecer, de
manera autoritaria e incuestionable, los principios orientadores y los límites de la
cultura.
El arte románico coincide con el feudalismo, con el tiempo de la reforma
unificadora de la iglesia con Gregorio VII (reforma gregoriana) y la hegemonía de la
iglesia católica, con el predominio del monasterio sobre la sede episcopal, con una
etapa de crecimiento económico y demográfico con un fuerte desarrollo de las
ciudades, un enriquecimiento comercial, con la primera fase de acumulación de
capital vertebrada en torno a las cruzadas y las peregrinaciones y con el final de las
grandes invasiones.
El arte románico recogió los elementos formales de los estilos medievales
anteriores (visigodo, carolingio, mozárabe) y del arte romano provincial, y compuso
todos los elementos artísticos de estos estilos según un orden que respondía al
sistema feudal, sistema socioeconómico que determinó, sobre todo, la composición
de los elementos formales que integran el arte románico.
18 · Historia del arte universal
Cronológicamente encontramos cierta evolución:
El Primer románico se inició a finales del siglo X en Lombardía, donde se
llegó a una construcción sencilla y barata, de raíces clásicas. Utiliza bloques de
piedra escuadrados, sin pulir, dispuestos en hiladas y sin preocuparse por la
regularidad, dejando juntas anchas con mucha argamasa.
La gran demanda demanda de obras hacen que se trasladen por los
pueblos y esto nos permite hablar de picapedreros itinerantes. La desnudez de
ornamentación escultórica es compensada con bandas y arquerías lombardas, frisos
en dientes de sierra y ventanas ciegas. Pocas y pequeñas ventanas casi siempre de
doble derrame, una en el ábside y la otra en la fachada refuerzan con rayos de luz
el eje levante-poniente. Por lo tanto, este primer románico meridional o lombardo
se caracteriza por una construcción rápida, que no requiere de buenos tallistas ni
de piedras de buena calidad, y no plantea problemas de estructura.
Los siglos XI y XII en Italia son durante la Edad Media, una zona de
contacto casi constante con el mundo bizantino y además es donde el sustrato
clásico se manifiesta de manera más evidente (es en torno a Venecia donde se da
esta mayor contacto). La región de Toscaza es una de las zonas más marcadas por
el clasicismo, y el mármol es el elemento de revestimiento que la caracteriza. Pero
el conjunto más significativo es el de Pisa, con la catedral, la torre y el baptisterio.
Especialmente la iglesia catedral iniciada en 1063, es una síntesis de elementos
clasicistas, bizantinos, lombardos y también islámicos.
El románico en el siglo XII parte de Cluny y la reforma gregoriana; el
edificio románico no presenta novedades importantes: sillares grandes y regulares,
bien trabajados, dispuestos en hiladas regulares que respetan las líneas
horizontales y las juntas muy finas, y valoración plástica del ábside y fachadas.
Es una arquitectura hermética, obsesionada en la definición de un espacio
interior. El ábside, de forma semicircular, tiene una gran
capacidad de concentrar las miradas de los fieles. Las naves
están concebidas como un camino que hay que recorrer para
llegar al fin, el altar, centro funcional y simbólico de la liturgia.
La pintura se concibe como un complemento del
simbolismo arquitectónico y se concentra en el ábside que,
dividido en tres niveles, ordena el programa iconográfico: en la
parte superior, la visión teofánica de la Maiestas Domini (llamado
pantócrator por influencia bizantina) o la Maiestas Marieae; en la
intermedia, los apóstoles y el santo patrón, y en la inferior
representaciones ornamentales como cortinajes o motivos
florales. El Maiestas Domini a menudo de dimensiones
sobrehumanas, surge amenazador de la concavidad del ábside;
con plena frontalidad, aparece figuradamente sentado en un
trono o en un arco de círculo y rebasa los límites de la mandarla.
Sus gestos son grandilocuentes, autoritarios, su mano derecha
levantada majestuosamente, más que bendecir, amenaza y hace
evidente la fuerza y la autoridad divinas; su mano izquierda
sostiene el libro de la Vida, el libro de los Siete Sellos que anuncia
el principio del fin. Tiene sus pies desnudos apoyados sobre una
almohada o sobre una semiesfera, a menudo decorada con
motivos vegetales o geométricos que simbolizan la tierra.
La Arquitectura románica tiene un denominador común en el
predominio de la arquitectura religiosa, y en particular, en su edificio emblemático,
la iglesia; el uso de la bóveda de piedra para cubrir los espacios, la búsqueda de la
articulación de los diferentes espacios y volúmenes, sobre todo de la nave con el
ábside, y el carácter director de la arquitectura respecto de la pintura ye escultura,
son sus características principales.
Historia del arte universal · 19
Los constructores de los edificios de culto erigían, al
mismo tiempo, el castillo próximo. El mismo aparato, las
mimas hiladas de sillares, idéntica bóveda, se encuentran en
las torres de defensa, en los recintos amurallados, en los
baños públicos, en los restos de los palacios y casa nobles.
Cabe destacar la estructura de aquellos pueblos construidos al
abrigo de la iglesia aprovechando el espacio de la Sagrera: un
radio de 30 pasos alrededor de la iglesia donde estaba
prohibida toda violencia.
La típica bóveda románica es la de arista (deriva de la
intersección de dos bóvedas de cañón). Al conjunto formado
por una bóveda de arista y sus soportes (4 columnas o
pilares) se llama tramo, que es el módulo de la construcción
románica: la combinación de tramos es la que articula todo el
edificio. Pronto se sobrepuso un nervio a los arcos que
separaban cada tramo de la bóveda y se prolongó hasta
tierra, dando origen a los pilares cruciformes. También se
añadió un nervio a los arcos diagonales de la bóveda y se
originaron los pilares polistilos. Cuando estos nervios se
incrustaron a la bóveda dieron paso a la bóveda de crucería.
La arquitectura románica es una arquitectura
hermética, obsesionada en la definición de un espacio
interior, caracterizada por el deseo de articular la nave (espacio de los fieles) con el
ábside (espacio del culto). Adopta para el ábside la forma semicircular, que tiene
una gran capacidad de concentrar las miradas de los fieles.
El monasterio: monje deriva del griego monachós, que quiere decir, solo,
solitario. El monje era el hombre –y la monja, la mujer- que se había aislado del
mundo para consagrarse al servicio de dios (hasta el siglo XIII la mayoría no eran
sacerdotes). EL aislamiento podía vivirse individualmente (eremitismo) o en
comunidad (cenobitismo).
Los monasterios nacían gracias a las donaciones (campos, casas,
privilegios, etc.) provenientes de los monarcas o de nobles. Motivos de orden
político (organizar un territorio, repoblarlo para cobrar impuestos), de orden
familiar (poner como abad a un hijo o hermano), de orden ideológico (legitimar el
poder teocrático del rey) explican su expansión.
La iglesia suele estar orientada hacia Oriente (de allí viene la luz y está el
sepulcro de cristo). Con su planta de cruz latina, es el símbolo del camino de las
tinieblas (nártex, oscuro) a la luz (ábside, luminoso). La iglesia era el lugar más
adecuado para poner en evidencia la infinidad de peligros que amenazan la
naturaleza humana; y para comunicarlo había un solo camino, el de las imágenes
que, a manera de recordatorio, mostraban a los hombres medievales lo
despreciable que es este mundo y lo sublime que es el más allá. La lucha entre el
bien y el mal era una constante visual. Con una función claramente docente y
didáctica, las imágenes servían para ilustrar la única ideología dominante del
período: el cristianismo.
La escultura estaba supeditada a la arquitectura y por eso encontramos
espacios reservados a la decoración plástica, sobre todo ubicados en las portadas,
los capiteles, ménsulas y cornisas, y en los púlpitos desde donde se hacían las
homilías y las prédicas. Dos leyes la caracterizan: la adaptación al marco
arquitectónico y el horror vacui: es decir, las figuras adoptan la forma y las
proporciones del elemento escultórico donde se insertan y toda la superficie queda
llena por los elementos esculpidos.
La pintura suele ser al fresco, que consiste en pintar encima de una
preparación compuesta por un rebozado de cal y arena en proporción de dos a
uno, con colores de origen mineral aptos para resistir el ataque de la cal. La última
capa de rebozado se tenía que aplicar de manera que pudiera ser pintada en una
20 · Historia del arte universal
sola jornada, dado que una vez que se había secado, ya no era apta para retener el
color.
La pintura románica es de colores planos, los cuales herían cromáticamente
los ojos del hombre medieval con el fin de captar su atención. Su viveza e
intensidad pueden obedecer a necesidades visuales de orden práctico: la poca
iluminación de su emplazamiento.
La primera preocupación del artista era la de ordenar los temas a fin de
que pudieran ser leídos fácilmente por los fieles. La simplicidad en la composición,
la simetría y la ordenación jerárquica de ls escenas y de los personajes, configuran
el espacio pictórico. No interesan los detalles, ni la copia de la naturaleza, ni la
plasmación de modelos bellos y armoniosos, ni la perspectiva, ni la verosimilitud
cromática: se pinta de manera tal que todo pueda ser directamente comprensible.
Podemos decir que las imágenes del románico no pueden ser entendidas
independientemente de su simbolismo: las imágenes del románico son siempre
imágenes-símbolo. En ellas además, el cuerpo humano como forma en la cual se
encarnan tanto Dios como el Diablo, el santo como el sayón, es un elemento
iconográfico y plástico básico de los murales y las tablas. El tratamiento de las
figuras debió ser, pues, del máximo interés para el pintor románico.
Las figuras se nos presentan normalmente de tres cuartos y más raramente
de perfil absoluto o pura vista frontal; en general, aparecen vestidas con túnicas y
mantos y existe más preocupación para obtener una composición armoniosa por
medio de la contraposición de colores y un elaborado sistema de pliegues, que por
la fidelidad a la anatomía.
Inexpresividad, monotonía, incomunicabilidad, inmutabilidad, estatismo,
son a menudo términos aplicados a los cuerpos, gestos y actitudes de los
personajes de la pintura románica (en contraposición al estilo gótico). Pero en
conjunto no es del todo cierto; los hombres y mujeres que aparecen en el románico
son seres ensimismados, atormentados, sádicos, vengativos, suplicantes. La
expresividad e intensidad peculiar de las figuras se deben, sobre todo, al hieratismo
de los rostros graves, impenetrables, que reflejan indiferencia, tristeza, admiración,
crueldad, angustia; a duras penas, en alguno de ellos está visible un deje de
sonrisa. Además de los rostros y la mirada (los ojos), los elementos más expresivos
de las figuras son, sin duda, las manos.
Hay que subrayar la propensión de la pintura románica a reducir el paisaje
ambiental, los edificios o los accesorios a su más mínima expresión y a concentrar
la atención sobre las figuras de la historia representada. La ambientación aparece
meramente sugerida simbólicamente por un árbol pequeño o un fragmento de
edificio que forman el marco referencial de la escena.
La pintura románica es, fundamentalmente, un código de actuación; indica
aquello que hay que hacer y aquello que no se debe hacer y, en último extremo, el
resultado de las dos opciones: el premio y el castigo. Y dado que este código tiene
que presentar los modelos, los paradigmas a seguir, no hay duda que éstos son los
santos y las santas. La inclusión de santos en la pintura tiene, por lo tanto, como
finalidad hacer recordar y meditar sobre las acciones y las virtudes de estos
personajes y, a la vez, privar al hombre medieval de pensamientos inconvenientes
y nocivos.
4. EL ARTE GÓTICO
Por arte gótico se suele entender el conjunto de manifestaciones artísticas
del mundo occidental comprendidas, aproximadamente entre mediados del siglo XII
y principios del siglo XVI.
La palabra gótico empezó significando, despectivamente, bárbaro,
monstruoso, arte de los godos; más tarde en positivismo del siglo XIX, interesado
en la técnica de la construcción y el tratamiento de los materiales, lo verá como el
triunfo del arco ojival y de la bóveda de crucería.
Historia del arte universal · 21
Ante la gran diversidad espacial (abarca toda Europa) y temporal (cuatro
siglos fundamentales para la configuración del mundo moderno), tendremos que
concluir que el gótico no es ni un fenómeno ni un estilo unívoco y homogéneo, ni
se deja reducir a una enumeración de elementos formales. Su evolución queda
resumida en la siguiente tabla cronológica:
Siglos
Arquitectura
Francia
Arquitectura
Inglaterra
Pintura
XII
XIII
XIV
XV-XVI
Primer arte gótico
Clásico
Radiante
Flamígero
Early english
Decorated
Lineal
Italo-gótica
Perpendicular
Internacional
Flamenca
El desarrollo de las ciudades favoreció a su vez el desarrollo del arte gótico.
Ya desde el siglo X se habrían establecido nuevos mercaderes en puntos
estratégicos de las rutas comerciales (mercado rural, monasterio, castillo) donde
encontraban protección; con el tiempo, el lugar se convirtió en centro de
transacciones comerciales y polo de atracción del campesinado, que iba a adquirir
artículos manufacturados y vender productos del campo. El establecimiento
permanente de estos mercaderes constituyó el embrión de una nueva ciudad a la
cual afluían los campesinos que, dejando las tareas agrícolas, se convirtieron en
manufactureros. Al final, una muralla se alzó para defender el conjunto, de manera
que el barrio de mercaderes se convirtió en un nuevo burgo, diferente del núcleo
integrador inicial.
Los motores del resurgimiento fueron pues el excedente agrario (generado
en parte gracias a la rotación trienal, la sustitución del buey por el caballo, el uso
del arado de vertedera en vez del arado común y la proliferación de molinos de
agua) lo que permitió la emigración a los núcleos urbanos existentes con la
consiguiente conversión de los campesinos en artesanos. Sumando, por lo tanto, el
excedente agrario, la especialización en el trabajo, el crecimiento de la población
europea y la actividad de los mercaderes, da como resultado el renacimiento de las
ciudades medievales. En ellas encontramos edificios paradigmáticos del gótico,
como la catedral y el palacio, el monasterio cisterciense y el castillo; básicamente
financiados por una nobleza, laica o eclesiástica, que extrae su riqueza de las
rentas agrarias.
Todo ello, convierte al gótico en un arte eminentemente urbano, que se
expresa en edificios tan dispares como los palacios que se hacen construir los
reyes, nobles, o burgueses enriquecidos, los astilleros, los hospitales, los baños, los
conventos franciscanos y dominicos, los castillos, las catedrales, las plazas y calles
porticadas, las lonjas, los puentes, etc.
En la arquitectura, destaca sobre todo la catedral: El arco apuntado y la
bóveda de crucería definen la arquitectura gótica desde un punto de vista de la
técnica constructiva; se suelen remarcar las soluciones que
ofrece –arcos botarales, contrafuertes, pináculos, pilares
fasciculados, agujas, rosetones. En el interior de la catedral
gótica los tramos no pueden aislarse: la relación o
comparación se tiene que hacer entre altura, longitud y
anchura totales, y por eso las tres dimensiones tienen que
ser mensurables y no demasiado diferentes entre ellas. La
altura, pues, tiene que estar en proporción con todo el
edificios, y no sólo con un tramo. Por eso las iglesias
góticas son tan altas: se quiere equilibrar con la altura las
dimensiones planimétricas.
La concentración y distribución de las cargas
gracias a las soluciones arquitectónicas, permiten a los
muros dejar de ser elementos de sustentación y abrir
amplios ventanales: aparecen pues, las vidrieras, que
tamizan la luz, espiritualizan la atmósfera y dan
corporeidad al edificio. Prevalece, pues, el vacío sobre el
macizo.
22 · Historia del arte universal
En general, la escultura gótica sustituye al irrealismo románico, propio
de una cultura monástica, por una reconciliación con la realidad, propia de una
cultura urbana. La búsqueda de la naturaleza se tradujo en la humanización de las
figuras: desaparece la rigidez románica y se dulcifican las caras y se encorvan los
cuerpos en un intento de naturalidad y belleza.
En cuanto a la pintura destacan dos aspectos distintos: la pintura del
Trecento y los primitivos flamencos.
En Italia, con sus repúblicas independientes, se gestará una nueva
concepción del arte, la pintura del Trecento, exponente del gusto de una nueva
clase social, la burguesía que, en el caso de Florencia, ya había obtenido la
igualdad de derechos con la aristocracia en 1266; instalada la burguesía en el
poder, adoptará formas de vida aristocráticas, reprimirá las revueltas populares, e
instaurará la dictadura de las casas de banca, para desembocar en el gobierno de
los tiranos (ya en el Quatrocento), paradigma de los cuales fue la casa de Medici,
en Florencia.
Aunque este arte es predominantemente religioso (la mayoría de los
pedidos estaban destinados todavía a decorar iglesias), el sentimiento religioso ha
perdido el elemento emocional, y ahora se manifiesta sobrio, sereno, moderado; ya
no tiene el carácter simbólico, dogmático y didáctico del románico: ahora tiene una
nueva finalidad, humanizar lo que es divino, y por eso ha de ser un arte
equilibrado, tranquilo y fiel a la naturaleza. La nueva clase social quería un arte que
tuviera como cualidad principal acercar Dios al hombre, y de ahí el predominio de
los motivos narrativos –que fácilmente se podían humanizar- sobre los alegóricos.
La simetría, la frontalidad y el hieratismo anteriores, dan paso a nuevas
composiciones que buscan la animación y el aumento del poder emocional de la
escena; se agrupan las figuras para dar sensación de multitud; la observación del
paisaje dota a la escena de gran realismo en el detalle. Enumeramos a continuación
algunos elementos de la nueva iconografía:







La Anunciación: con un significado de resignación.
La Natividad: con detalles realistas y costumbristas.
La Adoración de los magos: la escena más mundana de la vida de Cristo.
El ciclo de la Pasión: donde Cristo aparece como inocente sacrificado, como ser
humano que sufre.
El Juicio Final: acentúa los tormentos del infierno y es la oportunidad para
pintar figuras desnudas.
La Virgen María: ahora como encantadora y amable madre de un niño.
Escenas de la vida de los santos y su martirio: tratadas con gran detallismo y
marcos paisajísticos.
Los primitivos flamencos es el nombre por elque se conoce el arte originario
de Flandes del siglo XV, cuyos máximos representantes serían los pintores Jan van
Eyck, Roger van der Wyden, Hugo van der Goes, Petos Christus y Hans Memling.
Se trata de una pintura que incorpora la técnica del óleo, la perspectiva como
medio de investigación naturalista, el análisis detallista no exento de un simbolismo
oculto, y una temática religiosa empapada de realismo intimista.
Dos de sus principales producciones son El matrimonio Arnolfini (Jan van Eyck)
y el Jardín de las Delicias (Hyeronimus Bosck). En la primera de ellas observamos
un retrato de Arnolfini, un comerciante de Lucca, establecido en Brujas y su
esposa; ambos personajes están de pie cogidos de la mano, situados en una
habitación que se abre al exterior por una ventana. Iconográficamente, el cuadro
es algo más que un retrato, la mano derecha de Arnolfini parece sugerir que esté a
punto de pronunciar un juramento de fidelidad, mientras que ella, dándole la mano
le corresponde de la misma manera.
Historia del arte universal · 23
Cabe destacar la precisión miniaturística con la que toda la obra ha sido
ejecutada: se observan las suaves facciones del comerciante modeladas por la luz
que entra por la ventana, contrastando con la textura de los pliegues de la piel y el
terciopelo de la capa.
Otra figura sobresaliente del arte flamenco del siglo XV es la Jeroen
Anthoniszoon van Aeken, más conocido como Hyeronimus Boch (1450-1526), que
vivió alejado de los grandes centros artísticos de la época y a quién se le atribuyen
con certeza una treintena de pinturas (los pecados capitales, la nva de los locos, la
alegoría del carro de heno, la tentación de San Antonio), donde adoptó nuevos
métodos de pintura que permitían representar la realidad de manera más verosímil,
con el fin de reflejar las cosas que nadie había visto nunca: así dio forma concreta y
tangible a los miedos que obsesionaron al hombre medieval.
24 · Historia del arte universal
TEMA 3 LA MODERNIDAD
1. RENACIMIENTO Y RENACIMIENTOS
La modernidad se ha definido en oposición a su época precedente: la
Antigüedad. En 1933 se define Renacimiento en el Diccionario de Oxford como la
gran renovación de las artes y las ciencias que, bajo la influencia de los modelos
clásicos se inició en la Italia del siglo XIV para proseguir durante los siglos XV y
XVI.
Esta definición es, sin embargo, demasiado inconcreta; no especifica ni su
carácter esencial, ni sus límites cronológicos, temas que además en la actualidad,
todavía son objeto de discusión.
La importancia del Renacimiento radica en el hecho de que expresa la
primera fisura social y culturas que se produce en el tránsito de la Edad Media a la
Edad Moderna. Se lucha por afianzar una democracia que no era otra que la
oposición a los privilegios de los poderes tradicionales del clero y la nobleza, y en
consecuencia, la negación de los valores en los cuales estas dos clases sociales
fundamentan su posición privilegiada.
Un elemento que influyó en la elaboración del nuevo código visual fue el
fenómeno del coleccionismo: los humanistas manifestaron su veneración por la
Antigüedad coleccionando objetos del pasado que se proponen como obras de arte
y como modelos a imitar; de esta práctica surgirán los museos.
Los componentes básicos del Renacimiento son:








Conciencia de renovación: La conciencia de estar elaborando un lenguaje
nuevo hace que se teorice sobre la actividad artística.
Restauración de los temas y las formas de la antigüedad.
Convivencia de temas cristianos con temas mitológicos.
Retorno a la medida humana: el hombre como microcosmos referencial.
Antropocentrismo: Se crea un nuevo lenguaje más adecuado para expresar
la realidad, el hombre está en el centro de la naturaleza y es la obra más
perfecta, el estudio de las proporciones del cuerpo y la expresión de sus
movimientos da lugar a una auténtica antropología que presenta tres facetas
básicas: el canon (establece las proporciones que tienen que regir la
representación del cuerpo humano), la fisonomía (no se busca la reproducción
verista de los modelos, sino el carácter y la actitud ante la vida) y el
movimiento (el alma es la fuente del movimiento y el movimiento del cuerpo es
el lenguaje del alma).
Importancia del paisaje: se interesan por descubrir las leyes naturales del
mundo vegetal y su representación gráfica.
Descubrimiento de la perspectiva.
El arte como ciencia liberal: la práctica artística se intelectualiza y el artista se
convierte en trabajador intelectual libre.
La arquitectura del Renacimiento
Los arquitectos renacentistas se consideraban herederos del arte clásico,
del cual querían hacer renacer las formas, o, como mínimo, el espíritu. Podemos
afirmar que la arquitectura renacentista nace en Florencia, hacia los años veinte del
quattrocento, por obra de Brunelleschi (proyecto de construcción de la cúpula de la
catedral de Florencia en la imagen lateral).
El lenguaje arquitectónico se fundamente en las formas arquitectónicas de
la antigüedad: sobre todo las romanas, más conocidas y monumentales y que
parecían más evolucionadas que las griegas. Se basa este lenguaje en formas
canónicas, ya no se obedecía sólo a principios religiosos: ante todo el edificio tenía
que ser el resultado de unos cálculos matemáticos, tenía que estar basado en leyes
científicas de proporción y armonía, cuyo paradigma es la proporción áurea (1 de
Tema 3
La Modernidad
1. Renacimiento y Renacimientos
2. El Trecento
3. El Quattrocento
4. El Cinquecento
5. El Manierismo
6. El Barroco
7. El Rococó
8. El Neoclásico
9. El Romanticismo
10. El realismo
11. El impresionismo
Historia del arte universal · 25
alto por 1,7 de ancho); ya no era necesario establecer cada vez la forma de cada
uno de los soportes, de su capitel, de las diferentes partes decorativas: sólo se
debía escoger cuál de los cinco órdenes se utilizaría (jónico, dórico, corintio,
toscano –variante simplificada del dórico- o compuesto –variante enriquecida del
corintio-) y fijar sus proporciones. Después, la única opción era determinar la forma
y las dimensiones del edificio.
Por otro lado, el nuevo movimiento arquitectónico no tenía ningún interés
por la estructura del edificio: sólo importaba su aspecto final. Eso provocó dos
cosas: un carácter de arquitectura dibujada más que construida, y el abandono de
toda investigación. El resultado de estos planteamientos fue la concepción según la
cual cada edificio se componía de dos partes: una caja de paredes que constituía el
armazón y una decoración sobrepuesta.
Las estructuras también se simplifican: para las bóvedas se prefieren las de
cañón en lugar de las de crucería, más complicadas visualmente y más
comprometidas estáticamente. A menudo se sustituirá la bóveda por cubiertas de
madera que permiten muros de soporte mucho más ligeros, económicos y fáciles
de realizar.
La arquitectura renacentista nace de exigencias racionalistas, a las cuales
todo se subordina. Consecuencia de eso es que el edificio ideal es simétrico en
todos sus ejes: tanto horizontalmente como verticalmente.
El tema principal de la arquitectura medieval era la iglesia. El Renacimiento
además añade el palacio. En la primera edificación la iglesia cristiana tenía una
planta en forma de cruz, era un esquema litúrgico y estructuralmente válido, pero
poco compatible con las tendencias generales del Renacimiento, donde no existía
ninguna regla general que uniera entre sí las dimensiones de los diferentes brazos
de la cruz.
2. EL TRECENTO
El Trecento es la gran bisagra que relaciona el particular gótico italiano
iniciado en el Duocento, con los albores renacentistas del Quattrocento. Es un siglo
privilegiado que contó con los primeros nombres reconocidos como genios de la
cultura: Dante, Tetrarca, Giotto, Ducio son algunos de ellos.
En el Trecento se producen obras de arte no sólo para el pueblo, sino por
el pueblo, en las que destaca un sobrio racionalismo como consecuencia del
incipiente capitalismo: el mundo puede ser expresado en cifras y controlado por la
inteligencia. Sigue siendo un arte religioso, pero ni simbólico, ni didáctico, ni
dogmático, sino un arte en el que predomina la humanización de lo que es
divino. Es un arte devoto, pero tranquilo, sereno, equilibrado y fiel a la
naturaleza. Su función: acercar Dios al hombre, intelectual y emocionalmente.
En resumen, humanización, realismo, observación del paisaje y naturalismo
sobrio y concentrado.
El contexto social de la época se nueve en una burguesía florentina
que había desplazado a la nobleza con el apoyo de sus recursos financieros y
que también había alcanzado la hegemonía económica y política sobre la
pequeña burguesía y los trabajadores, apoyada al mismo tiempo por la
Iglesia, debido a la alianza que tenía con ella, y por las grandes órdenes
mendicantes, fue la promotora de un tipo de racionalismo, consecuencia
natural del propio capitalismo y de la economía monetaria, de una forma de
pensar por la cual el mundo podría ser expresado en cifras y controlado por la
inteligencia.
Este primitivo racionalismo capitalista se encuentra mezclado con
elementos irracionales, feudales y aristocráticos; estos dos componentes de la
actitud hacia la vida, el racional y el irracional, están en continuo proceso de
ajuste y en constante conflicto y no puede trazarse entre ellos ninguna línea
26 · Historia del arte universal
de separación. Entre la alta burguesía, sin embargo, el factor racional se convirtió
en el más fuerte y absorbió el irracional.
Dado que el pensamiento de la burguesía se centraba en torno a la religión,
su arte tenía que ser predominantemente religioso, Pero este arte religioso ya no
tenía el mismo carácter simbólico, dogmático y didáctico que adoptaba cuando era
producido en los monasterios, la finalidad del arte tendía a gravitar hacia la
humanización de lo que es divino.
Durante el siglo XIV los principales cuadros estaban destinados todavía a la
decoración de las iglesias (sobre todo, retablos para la decoración de capillas). Los
pedidos provenían de familias ricas que consideraban estas capillas como de su
propiedad, o bien de las órdenes religiosas propietarias de la iglesia con destino en
el altar mayor. Las obras de arte se iban acumulando, pues, en las iglesias de las
órdenes mendicantes, santuarios típicos de la burguesía urbana. En conjunto, la
mayoría de los pedidos estaban determinados por el gusto y la opinión de la alta
burguesía, tanto si era un pedido particular como si era de uno de los gremios
mayores en beneficio de la ciudad o en el del propio gremio, o para una de las
hermandades. Los cambios que tuvieron lugar en el tratamiento de estas
manifestaciones pictóricas durante los siglos XIII y XIV, pueden clasificarse en tres
grupos:



Humanización de las antiguas imágenes consagradas al culto. Las imágenes de
Cristo y la Virgen se hicieron más personales, realistas y más accesibles a la
devoción personal.
Las narraciones religiosas adquirieron un nuevo significado: perdieron su
carácter dogmático y puramente ideal dentro de un programa teológico y
didáctico sólidamente establecido y se transformaron en historias reales.
Aparición de imágenes de mera devoción: escenas líricas relacionadas con la
Pasión y prácticamente exentas de acción, cosa que creaba una gran relación
emocional con el espectador.
Los principales aspectos de la nueva iconografía son:











La infancia de Cristo y la juventud de María: representan los aspectos más
tiernos y domésticos de la vida de una familia de clase media y de sus
relaciones afectuosas.
El nacimiento de María: permite mostrar cómo era la alcoba de una mujer de la
burguesía media y las medidas adoptadas por el parto.
La Anunciación: tiene un profundo significado de resignación ante el deseo del
Señor.
La Natividad: permite toques de intimidad y, al mismo tiempo, detalles realistas
y de género (el establo, la vaca, el asno, José durmiendo, los ángeles en torno
al grupo).
La Adoración de los magos: es una de las escenas mundanas de la vida de
Cristo y permitía retratar a los poderosos en su magnificencia y lujo.
La huida a Egipto: típica escena de género.
La degollación de los inocentes: permite describir matanzas en masa mientras
las madres, desesperadas, intentan protegerlos.
La última cena: se pinta con creciente emoción el detalle de Juan recostado
sobre el pecho de Cristo.
El ciclo de la Pasión: se utilizaba para ilustrar el martirio de Cristo de forma
emotiva y detallada, haciendo resaltar siempre su carácter de inocente
sacrificado por la redención de la humanidad.
El Juicio final: pierde su carácter dogmático, Combinado con una
representación detallada del cielo y del infierno, se convierte en un sermón
de penitencia en el que se acentúan especialmente los tormentos del
infierno.
Cristo en la cruz: hasta ahora había sido pintado como una imagen de
culto, vivo y vestido, ahora se representa casi desnudo, como un cadáver
colgado en la cruz (Crucifixión de Giotto en la imagen lateral).
Historia del arte universal · 27



La Virgen: bajo la influencia del nuevo culto a la Virgen, María ya no es la reina
de los cielos, sino que se convierte en la encantadora y amable madre de Dios,
el hijo pierde toda actitud ceremoniosa y se convierte en u Niño, la madre cuida
de él, lo acaricia, juega con él y le da flores.
La vida de los santos: es un motivo típico de la burguesía del siglo XIV en su
gradual diferenciación social. Surgieron muchos santos y patrones y a cada uno
de ellos se le dotaba de un retablo, encargado por un gremio, una hermandad
o un ciudadano rico, que así se consideraban protegidos y patrocinados por el
santo en cuestión.
Indigentes y mendigos: su presencia satisfacía los sentimientos caritativos de
os ricos, promovidos por el deseo de salvar el alma.
La historia de la pintura europea entre 1320 y 1420 se puede escribir en
términos de influencia italiana. Los dos grandes innovadores son Giotto di Bondone
y Duccio di Buoninsegna. La diferencia entre Siena y Florencia se agudiza en Duccio
y Giotto hasta constituir una clara dicotomía. El arte de Duccio puede ser
considerado de lírico, el de Giotto de épico o dramático; a pesar de sus diferencias,
intentan resolver un mismo problema con métodos diferentes: el de crear un
“espacio pictórico”, es decir, un ámbito aparentemente tridimensional, formado de
cuerpos e intersticios, que parece extenderse infinitamente, por detrás de la
superficie pintada, objetivamente bidimensional.
Los marcos arquitectónicos y paisajísticos de Duccio y Giotto dan una impresión
de coherencia y estabilidad como nunca hasta entonces se había dado. Sin
embargo, no era más que un primer paso, sus seguidores intensificaron la
tendencia de los maestros para conquistar la tercera dimensión.
3. EL QUATTROCENTO
La división entre Quattrocento y Cinquecento puede resultar a veces
arbitraria, puesto que es imposible marcar una fecha concreta para el arranque de
lo que hoy llamamos Renacimiento. Las ideas y los pintores están presentes en
ambos siglos, aunque sí puede hablarse de dos generaciones diferentes de artistas,
así como de dos núcleos predominantes, cada uno en un período. El núcleo de
podes destacado durante el Quattrocento es sin duda alguna la Florencia de los
Médicis, así como en el Cinquecento habremos de mencionar la Roma papal. Los
precedentes pictóricos del Trecento son los que determinaron el avance cualitativo
del Quattrocento.
La transformación del pensamiento y de la función del arte se llevó a cabo
en Florencia: con Brunelleschi, Masaccio, Donatello y Alberti, el arte se convirtió en
una actividad autónoma, intelectual, individualista y liberal.
La sociedad burguesa interesada en conocer objetivamente la realidad, la
historia y el hombre, declaró, por mediación del arte, su protagonismo y si
concepción de la vida, la belleza, la religión y la razón. Por lo tanto, el Quattrocento
se caracteriza por un apogeo de la ideología y del arte de la alta burguesía, un
racionalismo y sobriedad puritana, el interés pos la Antigüedad, claro síntoma del
nacionalismo burgúes y la búsqueda de una comprensión causal de la naturaleza; a
ello se añade una tendencia también hacia lo que es cortesano y aristocrático
(imitación de las condiciones de vida feudal). Se da pues, una mezcla de
Antigüedad, neofeudalismo, naturaleza, emotividad y racionalismo.
En el contexto social y económico de la época, destacaremos que a
principios del siglo XV, la oligarquía de la alta burguesía, integrada por unas pocas
familias adineradas de los gremios mayores, estaban en el cenit del poder; sin
embargo, hacia 1434, esta supremacía fue rota por Cosimo de Medici, el primero en
utilizar el apoyo de los popolani y de los gremios menores. Las pocas décadas
durante las cuales el prestigio político de Florencia alcanza el grado más alto –a
pesar de su incipiente decadencia económica- presenciaron también el apogeo de
la ideología y del arte de la alta burguesía. En la búsqueda de su comprensión
causal de la naturaleza, la alta burguesía cada vez utilizó más las ciencias no
28 · Historia del arte universal
religiosas, sobre todo las matemáticas. Antigüedad, naturaleza, neofeudalismo,
emotividad y racionalismo son los elementos que se combinaron en la configuración
del arte del Quattrocento.
Un factor nuevo que aparece en este período fue el retrato. Las figuras de
los donantes en los retablos van adoptando, progresivamente, la escala de las
figuras sagradas, intensificándose así la tendencia secularizadora del arte religioso.
Sin embargo, los retratos son escasos, y el aumento de obras de arte profanas en
posesión privada fue debido a la costumbre de las familias adineradas de tener
cassoni pintados (arcas con los escudos de la familia que se regalaban en las
bodas).
La mejor pintura del siglo XV fue realizada sobre la base de un encargo, en
la que el cliente solicitaba una manufactura hecha de acuerdo con sus
especificaciones. El cliente y el artista a menudo llegaban a un acuerdo legal en el
que el segundo se comprometía a dar aquello que el primero había especificado
con más o menos detalle. Y el cliente pagaba por el trabajo, pero pagaba a la
manera del siglo XV. Un cliente como el duque de Ferrara, que pagaba las pinturas
por pies cuadrados, conseguía una clase de pintura diferente de la que un hombre
más refinado como el comerciante florentino Giovanni di Bardi, que pagaba al
pintor por los materiales y el tiempo utilizado.
Existe en pintura una curiosa dicotomía entre el estilo clásico del escenario
y el estilo no clásico de las figuras. Y esta dicotomía se mantuvo en la pintura del
Quattrocento durante algunos decenios. A partir del tercer cuarto del siglo XV
muchos pintores italianos se plantearon como problema la reconciliación de esta
diferencia. Pero este proceso no se producirá en Florencia, ni en Roma, sino en el
norte de Italia, donde se dieron los primeros pasos hacia una integración de
ambiente clásico y figuras clásicas.
Por otro lado, el problema artístico del periodo Albizzi (1382-1434) puede
ser simplificado en los siguientes términos: existen dos corrientes que se tenían que
Reconciliar de una manera u otra; una de ellas, la gótica, que penetró hacia el año
1400 cuyo origen estaba en el gusto de la pequeña burguesía y el de la
aristocracia, respectivamente representados por Lorenzo Monaco y Gentile da
Fabriano; la segunda corriente, la clasicista, que surge como consecuencia de las
consecuciones de un naturalismo radical, sobre todo de los años veinte, y que tiene
su origen en la actitud racionalista de la burguesía más progresista.
La segunda mitad del Quattrocento se caracteriza por una generalización
de formas más complicadas y ricas, que prefiere el dinamismo a la monumentalidad, lo complejo y narrativo a lo solemne, con una vivacidad e interés por los
Leyenda de la cruz
Piero Della Francesca (1416-1492),
Es considerada como una obra
primordial del Quattrocento.
Historia del arte universal · 29
aspectos concretos de la vida. La dicotomía que se había planteado entre ambiente
arquitectónico clásico y figuras no clásicas, se intentará superar dando lugar a dos
investigaciones paralelas: la corriente más arqueológica y monumental, y la
corriente que tenderá hacia una superintensificación del movimiento lineal y a una
supercomplicación de los esquemas compositivos.
En el Quattrocento, el tema mitológico pierde su condición clásica para
convertirse en el asunto que establece una serie de alegorías y mitos relacionados
con el presente. El tema mitológico asume una significación que, a menudo, se
encuentra al margen de la historia y del sentido literal del relato; es el exponente
de una nueva ética y el espejo doctrinal de una nueva moral.
Durante el siglo XIV y hasta mediados del siglo XIV se mantuvo en todo el
Véneto la tradición bizantina o maniera greca que se había desarrollado y
enriquecido con nuevas aportaciones desde la alta Edad Media. La influencia,
primero, de la escuela florentina por mediación de la obra que Giotto ejecutó en
Papua y la aceptación después, del estilo gótico internacional, introducido en
Venecia por Gentile da Fabriano, determinaron el cambio de dirección de los
artistas venecianos hacia las formas renacentistas. A mediados del siglo XV, los
contactos entre Andrea Mantenga y la escuela veneciana señalaron una renovación
radical de ésta y el inicio del período propiamente renacentista.
En Venecia, a diferencia de la industrial Florencia, el contacto comercial
continuo con Oriente, la riqueza comercial de la ciudad, centro de intercambios a
nivel europeo, y las especiales características de su emplazamiento, con unas
condiciones de luz muy determinadas, dan un singular carácter a su pintura, donde
el paisaje jugará un papel importante. Primacía del color sobre la línea, importancia
de los temas secundarias (pintura anecdótica y detallista), exaltación de la riqueza
(ambientes cortesanos, palacios, ropajes ricos) y un cierto romanticismo en la
contemplación del paisaje, son algunas notas características de esta escuela.
4. EL CINQUECENTO
El Renacimiento iniciado durante el Quattrocento se desarrolló en un siglo
de madurez inigualable, el siglo XVI o Cinquecento. Dentro de este largo período
convivieron dos tendencias fundamentales: la clasicista y la manierista. Al mismo
tiempo, Venecia reaprovechó los logros quattrocentistas y los mezcló con su
particular tradición e influencias, con lo cual constituía una escuela, si no aparte del
resto de Italia, sí claramente diferenciada en su estilo. El siglo XVI fue además el
siglo de la renovación romana, culminante con la Contrarreforma. Durante el siglo
XVI nacieron las prédicas de Lucero, el humanismo de Erasmo de Rotterdan y el
principio de la disidencia en el seno del catolicismo.
El Renacimiento había sido un hito que, apenas alcanzado, era superado
por los grandes maestros activos a comienzo del Cinquecento. Así pues, en los
últimos años del siglo XV y primeros del XVI (hasta 1527 en que Roma fue
saqueada por las tropas imperiales) se desarrolla lo que, con frecuencia, se
considera el modelo de clasicismo por su equilibrio, claridad de la composición y
sentido monumental de las formas, placidez impasible y serena sencillez. Es un
mundo de belleza, equilibrio, grandiosidad y orden; al detallismo del Quattrocento
se opone la búsqueda de formas severas y monumentales, y una sensación de
rigor, plenitud y unidad lo llena todo. Pero un análisis más profundo hace patente
que las citadas características no se dan en las grandes figuras, que sólo de manera
convencional podemos llamar clásicas.
En las ciudades, ya no son los gremios y la alta burguesía quienes realizan
los encargos, sino núcleos mucho más cerrados de la aristocracia. El arte se
ensimisma y se hace caprichoso, imaginativo y extraño; pierde la claridad
renacentista y se hace tortuoso y difícil de entender por su carga intelectualizada,
que traduce a menudo un evidente pesimismo. Todo desembocará en el
manierismo. Sólo Venecia, que mantiene su predominio económico, continúa con
un arte apoyado en la realidad visible y en la fruición de los sentidos, que por su
30 · Historia del arte universal
carga de inmediata sensualidad será de gran importancia, cuando con el
naturalismo barroco, se pretenda volver a la conformidad con la realidad.
Desde el punto de vista teórico, la culminación de la tendencia a la unión
entre teoría y práctica, se produce en Leonardo: en él, confluyen tanto el
racionalismo de Piero Della Francesca, como el neoplatonismo de Boticelli. Este
equilibrio entre idea y práctica, entre pensamiento y realización, es la base del
Renacimiento clásico.
La nobleza y grandiosidad del clasicismo era un lenguaje idóneo para la
configuración de su imagen. El retraso se convierte, ahora, en autónomo, desligado
de la imagen religiosa; a la visión simple del personaje, se añade un tono de
majestad, serenidad y sublimación respecto de la realidad. Por otra parte, la
concepción del arte como instrumento de prestigio social hace que esta aristocracia
empiece a preocuparse por formar una colección de objetos artísticos. Se inicia,
pues, el coleccionismo, tema todavía no suficientemente estudiado.
Lo que se produce a principios del siglo XVI es un nuevo concepto de
mecenas principesco; los encargos ya no tienen un carácter municipal o gremial:
los principales mecenas serán ya los príncipes, preocupados por su imagen exterior.
Mencionaremos a dos muy importantes: Ludovico Sforza en Milán, y el papa Julio II
en Roma. Éste último no sólo quiere ser el sucesor de San Pedro (como acredita el
proyecto de su tumba encima de la del santo), sino el sucesor de los mismos
emperadores romanos, es decir, ser un nuevo césar cristiano y un papa emperador.
Con él, el clasicismo se convierte en la cultura oficial del papado y Roma la sede de
esta etapa del Renacimiento.
Leonardo da Vinci (1452-1519) era hijo ilegítimo de un notario y una
campesina. Entró Florencia, en el taller de Verrochio en 1460, donde pronto
sobresalió. Desde 1478 trabajó en importantes encargos, donde Leonardo plasmó
sus estudios sobre los efectos de luz y manifestó una tendencia hacia las fantasías
nórdicas mediante una invención suya: el sfumato o fusión de la luz y la sombra en
tonos de color muy difusos. En 1480, se trasladó a Milán y se puso al servicio de
Luis I. Allí hizo proyectos para el cimborio de la catedral y estudios para introducir
modificaciones en la catedral de Pavia. La producción más importante de la etapa
milanesa es La virgen de las Rocas (última figura de la imagen lateral) y la Santa
Cena para el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie.
Como matemático se interesó especialmente por los problemas que podría
resolver con métodos geométricos, descubiertos casi siempre por caminos
empíricos. Como astrónomo aficionado, su concepción cosmológica anunciaba la de
Copérnico, pero no aceptaba totalmente el heliocentrismo. Escribió mucho sobre
mecánica y no pura teoría, aceptando las nociones fundamentales de la estática. Su
interés básico por la anatomía humana le indujo a practicar muchas disecciones y
con los croquis obtenidos quería ilustrar un monumental tratado de anatomía
humana, que también quedo incompleto e inédito.
La imagen que se ha difundido de un Leonardo perfecto conocedor de los
autores clásicos y medievales, compendio viviente de toda ciencia conocida de su
tiempo, no parece en absoluto del todo correcta. Tenía un gran talento pero, en
definitiva, era lo que entonces se llamaba un “uomo senza lettere”.
La sistemática observación de los fenómenos físicos lleva a Leonardo a
degradar los colores para mercar la lejanía progresiva del paisaje y a suavizar el
dibujo difuminando los perfiles como efecto de la atmósfera que envuelve figura y
naturaleza, de manera que ambas quedan armónicamente unidas.
Rafaello Sanzio (1483-1520) fue un artista precoz que recibió su primera
formación en el ambiente de la corte de Urbino: se inició con su padre, Giovanni
Santi, y recibe las influencias de un tal Timoteo Viti, que había sido discípulo de
Leonardo. Hacia el 1500 fue a Perusa, donde aprendió la técnica y colaboró con Il
Perusino. Entre los años 1504 y 1508 permaneció en Florencia, a excepción de
esporádicas estancias en Perusa. Aquí asimiló diferentes particularidades del
lenguaje formal leonardesco, como las composiciones piramidales, el estudio
científico del cuerpo humano y la manera de retratar. Pero alejado del empirismo
(la experiencia como base del conocimiento humano) de Leonardo y fiel
Historia del arte universal · 31
neoplatónico, Rafael clarifica y hace inteligibles las ambigüedades y hermetismos de
su inspirador hasta llegar a menudo a la falta de contenido, quedando sus pinturas
en meros ejercicios académicos que, como mucho, permiten admirar su virtuosismo
formal.
Por recomendación de Bramante, en 1508 se fue a Roma, donde residió
hasta su muerte a los 37 años. Antes de ello, fue nombrado conservador de
antigüedades romanas, ejecutó cartones para tapices y pintó una serie innumerable
de telas.
La Escuela de Atenas
Virgen
La Sagrada familia
Estudio para una crucifixión
Uno de los elementos formales del clasicismo es la simetría como
correspondencia de partes. En Rafael es constante la relación entre arquitectura y
pintura, lo que más le interesa en la ordenación expresiva, la relación entre
movimientos divergentes, la simplicidad decorativa y la claridad absoluta.
Michelangelo Buonaroti (1475-1564) es un genio máximo de la
escultura, arte que consideraba el suyo propio, aunque se dedicó también a la
arquitectura y a la pintura; por eso, su pintura concede primordial importancia al
dibujo anatómico y al volumen, despreciando el paisaje y el colorido, y atendiendo
sobre todo a construir figuras poderosas en actitud a menudo difícil, que le
permitían grandes ostentaciones de escorzos y de movimientos. Su calidad
excepcional, su amplitud de concepción, casi gigantesca, y su extraordinaria
sabiduría de las formas del cuerpo y las complejidades del espíritu, hacen de Miguel
Ángel el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier
concepto, idea o propósito.
A los 13 años, Miguel Ángel entró en el taller de Ghirlandaio y desarrolló su
actitud principal dentro del campo de la escultura. Estudió a los clásicos y recibió en
la Escuela de San Marco, una amplia formación humanística y las enseñanzas de
Bertoldo, discípulo de Donatello. Mientras Florencia, desde la caída de los Medicis,
era golpeada por desórdenes y convulsionada por las prédicas de Savonarola, fue a
Roma donde ejecutó la célebre Piedad (1498-1499, en la imagen lateral) dentro de
la influencia del formalismo y la técnica delicadísima de la escultura quattrocentista,
de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y
cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado.
A partir de 1501, su estilo evolucionó hacia un nítido clasicismo y concilió,
según las ideas neoplatónicas, la belleza clásica con el espiritualismo cristiano. De
esta época es el David (figura lateral inferior) símbolo del poder de las familias
poderosas florentinas y de la ciudad-estado. Utilizó un bloque de mármol que había
en el patio de obras de la catedral, y su forma alargada le obligó a hacer una obra
casi plana, a concebirla como la figura de un relieve, concentrando toda la tensión
dinámica. David es un paradigma del hombre renacentista, de la belleza de la
anatomía humana y de los sentimientos de pasión y piedad que se esconden bajo
un gesto terrible.
Se considera el conjunto pictórico de la Capilla Sixtina como la culminación
de su ideal universalista, donde todos los elementos figurativos son integrados en
una síntesis de las tres artes mayores y representados, desde la Creación de la
humanidad hasta la visión del Juicio final, según la más pura concepción de la
técnica florentina y del monumentalismo romano.
A partir de 1546, Miguel Ángel consagró su actividad principal a la
arquitectura: Cúpula del Vaticano, cornisa del palacio Farnese, capilla Sforza, etc.
32 · Historia del arte universal
La escuela veneciana tuvo su período culminante en el siglo XVI, en un
contexto político y social distinto del resto de los estados italianos, donde su
producción artística alcanzó una síntesis vibrante entre la ilustración y la
experiencia sensible, sobre todo por medio de la luz y el color. Ante las
construcciones intelectuales de los florentinos, Venecia emprendió el camino de la
sensibilidad, la fuerza serena, equilibrada sensualidad y fruición inmediata de la
realidad; y sus artistas basaron su concepción en lo pictórico (exaltación de los
valores cromáticos y luminosos) y no en lo plástico (exaltación del volumen), en el
cromatismo y no en la línea como determinante de las formas y el espacio.
Giorgione, Palma el Viejo y, sobre todo, Tiziano, son los principales
exponentes de la fuerza creativa veneciana, ante el formalismo académico de los
manieristas de Roma y Florencia.
5. EL MANIERISMO
El manierismo es la tendencia pictórica del arte occidental que se delimita
en Europa, desde 1520 hasta 1600, aproximadamente, que consideró el arte como
una creación mental sin inspiración en la naturaleza.
Este término fue utilizado por Vasari al manifestar que los discípulos de
Miguel Ángel pintaban a la maniera del maestro. La historiografía de los últimos
decenios ha fijado las características más destacables del manierismo: al tratarse
de un momento de pugna entre el anticlasicismo y el clasicismo, la forma se
desintegra partiendo de la figura serpentinata, se da por lo tanto, un desequilibrio
formal y un afán de preciosismo, hay una gran predisposición a la excentricidad y al
desbaratamiento; los elementos arquitectónicos en pintura no delimitan un espacio,
sino que lo esconden, y provocan la curiosidad de verlo; las formas artísticas son
tratadas con una extremada libertad que roza el arbitrio; la realidad, que se ve
confusa y desagradable, no será ya copiada en su apariencia real, sino que será
deformada a capricho; el espacio será sometido a distorsión; las proporciones
anatómicas se alterarán, se estiran los cuerpos como si fueran de materia elástica;
la luz será tratada de manera irreal, buscando efectos absurdos de luz coloreada,
unas veces fría, otras con extraños efectos cálidos; las formas, los modelos y los
tipos de los grandes artistas “divinos” como Rafael o Miguel Ángel, serán utilizados
como un elemento más de las composiciones.
La nueva situación creada por la aparición del estado absolutista y el
Imperio de Carlos V hace que se evolucione desde un incipiente clasicismo, hacia
las formas del marienismo, que se convierte en el arte europeo del siglo XVI. El
resto de las grandes monarquías refuerzan su poder en dirección a una idea
absolutista. Los sucesores de Francisco I en Francia, y el imperialismo inglés
centrado en la fuerte personalidad de la reina Isabel, no pueden verse reflejados en
el arte equilibrado del clasicismo, sino en el lenguaje más potente y directo del
manierismo.
Con el manierismo se acaba la ingenuidad que todavía sustentaba la
pintura: el supuesto de que se trataba de obtener una “copia”, un retrato de la
realidad vista. Ahora la pintura es un problema: la relación con el mundo exterior
es tan difícil como pronto empezará a serlo para la filosofía con Descartes. La
decadencia de la pintura italiana a partir de Rafael se debe a que los artistas habían
abandonado el estudio de la naturaleza y habían viciado el arte con la maniera,
apoyada en la mera práctica y no en la imitación.
Quizás Corregio puede considerarse como un precedente de todo ello; pero
ya lo son Pontormo, Bronzino y Parmigianino, en Francia, la escuela de
Fontainableau, en España, Morales y el Greco.
Historia del arte universal · 33
6. EL BARROCO
Llamamos Barroco al estilo artístico que se desarrolló en Europa y en las
tierras de colonización europea, durante el período comprendido entre el
Renacimiento y el neoclásico (entre el manierismo y el rococó), desde finales del
siglo XVI hasta principios del XVIII.
El momento central de la cronología del Barroco (1620-1680) coincide con
una vasta crisis económica y política, pero se hacen más difíciles de delimitar sus
inicios y su final, incluso se habla de Miguel Ángel y el último Rafael como figuras
representativas de esta época.
La palabra Barroco tiene, en principio, un sentido despectivo y peyorativo,
como le pasó a la palabra gótico. Podría derivar de barrueco (perla irregular que se
encuentra en algunas rocas) y de aquí a berrocal (lugar lleno de peñascos
graníticos). Esta etimología acentúa el carácter pétreo y gigantesco de algunas
manifestaciones barrocas.
Rousseau, Diderot y en general, la literatura francesa e italiana del XVIII
utilizaron la palabra para calificar todo aquello que es recargado, excesivamente
afectado, adornado, grotesco e incluso ridículo. Fue el término aplicado
peyorativamente a las obras de arte que se oponían a las normas del clasicismo
francés.
Entrando ya en el contexto histórico, el Barroco se inició en un momento
de crisis económica, política, social, religiosa y cultural. Europa perdió el ímpetu, la
vitalidad, y la confianza que caracterizaron al Renacimiento. Las guerras de religión
habían degradado el clima de convivencia; las quiebras de las monarquías hispánica
y francesa habían trastornado la naciente burguesía financiera; la práctica del
mercantilismo desembocaría en la guerra económica de todos contra todos.
Los principales centros de producción del Barroco son:




Roma: La Iglesia católica, ante la acometida de la Reforma, dictó una serie de
normas y cánones que fijaron la temática y la iconografía religiosa, de cara a
difundir la fe con un lenguaje deslumbrante que llegara al pueblo. Las
composiciones triunfalistas (gloria de santos, grandes columnatas, molduras
retorcidas) y el arte rico y lujoso que financió, tenían como objetivo básico
impresionar a las masas.
Versalles: Si Roma era la capital de la cristiandad, Francia se convirtió en la
potencia dominante en el terreno político y cultural en Europa. La corte dictaba
los cánones, los gustos; el arte era un instrumento del Estado para extender el
prestigio del monarca.
Flandes: A pesar del predominio de los Habsburgo, la aristocracia había
perdido su poder y la Iglesia tubo que aceptar la realidad histórica del
momento, pero ni la monarquía tenía bastante fuerza para financiar el arte, ni
la Iglesia podía mantener unos cánones demasiado estrictos. Por ello, en
Flandes, a pesar de un cierta tendencia católica general, el arte será más
espontáneo que el arte francés y más naturas y alegre que el de Roma.
Holanda: Su peculiar situación económica y social producirá un arte
naturalista, original, independiente y sin temática religiosa, protagonizado por
una burguesía amante de la libertad y de la prosperidad económica.
Aparecerá en el Barroco una nueva iconografía y una nueva ortodoxia
representativa de los temas sacros. Se impondrá la codificación del arte y aparecerá
la figura del observador del Santo Oficio, que velará por la adecuación de las
imágenes a la norma impuesta. La vida de santos y mártires, especialmente los
canonizados durante ese siglo, aparecerá con frecuencia.
La imagen del rey será mitificada, y, a menudo, se le representa con imágenes
mitológicas que quieren ser representaciones de las virtudes del monarca. El retrato
enfatizador, los programas artísticos de la monarquía, el binomio Hércules-rey, los
34 · Historia del arte universal
monumentos ecuestres ubicados en el centro de las plazas, son algunos ejemplos
de esta práctica de alabanza que se extendió también a personajes de la nobleza.
Las distintas tendencias artísticas se pueden clasificar en función de quien hace
el encargo:




El
El
El
El
naturalismo sirve a la idea contrarreformista.
Barroco sirve al poder absoluto.
realismo sirve a la burguesía.
clasicismo sirve a la intelectualidad.
Se puede hace run esquema comparativo entre la plástica renacentista y la
barroca, subrayando los principales aspectos formales:
Renacimiento
Composición
Ritmo
Dibujo
Simetría, ejes claros y equilibrados. Diagonal
ordenada y a menudo delicada
Equilibrio masa-movimiento, que se suele compensar
con puntos de fuga de la perspectiva
Equilibrado, delicado, sereno, nunca violento.
Consigue mímicas elegantes, dispuestas de manera
aparentemente natural
Color
En proporción a la línea, matizado. Desde el sfumato
leonardesco a la tonalidad de Correggio.
Personajes
Nobles, con expresión serena o introvertida.
Nobles y burgueses siempre elegantes y bellos.
Barroco
Se rompen los ejes claros y equilibrados, se
retuercen. Las diagonales suelen tender a entrar
dentro del espacio ocupado por el espectador
Desequilibrado en uno de los dos extremos, o exceso
de masa o de movimiento
Se puede catalogar de magistral. Dominan a la
perfección las profundidades, los escorzos, las
posiciones más violentas
Violento, fuerte, contraído, juegos mágicos de
contraluz que desembocará en el tenebrismo.
Trabajan la luz hasta representar el aire
(perspectiva aérea)
Apasionados y en movimiento. Clases populares como
sujetos de estética, pero sublimados temáticamente;
lo más feo, lo horripilante, puede ser sujeto de
estética
Respecto al arte arquitectónico decir que los edificios típicos de la época
barroca son la Iglesia, el palacio y las construcciones urbanísticas, es decir, el
ordenamiento según esquemas preestablecidos de la red ciudadana y la creación
de grandes jardines. El edificio es algo parecido a una gran escultura: se descartan
los esquemas simples, analíticos y elementales (Renacimiento) y se adoptan
planteamientos complejos, ricos y movidos. Las plantas del Renacimiento eran el
cuadrado, círculo y cruz griega; en cambio, ahora se prefiere la elíptica y la planta
ovalada e incluso esquemas mucho más complejos geométricamente. Esta
búsqueda de complejidad lleva al abandono de las líneas rectas y de las superficies
planas, así como a la sustitución por líneas y superficies onduladas. Otra ilusión
arquitectónica es el deseo de hacer espacios falsos en la cubierta del edificio, como
una necesidad de que el cielo invada el interior del templo. Las pinturas en las
bóvedas serán habituales, siempre con la intención de crear espacios imaginarios
mucho más altos.
Dos temas característicos del Barroco son las grandes escaleras,
imponentes, complicadas y muy representativas, y la galería (originariamente un
amplio pasadizo ricamente decorado) que se convirtió en sala de recepción y lugar
de exposición de las obras de arte más importantes de la casa  de aquí el
significado actual de “galería” de arte.
Algunos temas del Barroco:

Imagen de la Iglesia: Se exige a todos los artistas contratados por la Iglesia
(la mayoría de los existentes, tanto de renombre como de segunda fila) que se
alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los misterios teológicos, para llevar
a cano un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier fiel que se aproxime
auna iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de ser
cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos, para aparecer
casi como pordioseros a gran tamaño, con rostros vulgares. El arte se
colecciona como los objetos científicos o exóticos, la secularización de esta
Historia del arte universal · 35




época propició que se revalorizaran géneros profanos como el bodegón o el
paisaje, que empieza a cobrar una autonomía inusitada.
Imagen del rey: Es fácil comprender la importancia que la propaganda por la
palabra y la imagen podían tener al servicio de la exaltación del rey. Por eso, se
consideró como uno de los objetivos fundamentales la formulación de un arte
de Estado, controlado y dirigido por el propio poder. La legitimación del poder
por medio de la cultura, exaltación y gloria de la persona real es necesaria por
distintos conceptos: para inspirar respeto, porque encarna en su propia
persona al Estado, y porque de las grandes obras públicas se derivará un
beneficio inmediato para la colectividad. En este sentido, la ostentación , en
una cultura basada en la apariencia, adquiere un valor intrínseco que
contribuye a configurar las mentalidades y a establecer una verdadera liturgia
en torno a la persona del soberano. La exacta representación de la belleza y el
noble en el retrato se convierte en un asunto de Estado, por esta razón, el rey
tiene que rodearse de buenos retratistas: donde no llega directamente la
presencia física del rey, su notoriedad dimana de su presencia figurada en el
retrato; como novedad, la ruptura con la tradicional imagen de perfil del retrato
ecuestre y la elección del punto de vista frontal, de mayor dinamismo.
Imagen de la burguesía: El ámbito donde la burguesía desplegará su
imagen es, naturalmente, la ciudad. A finales del siglo XVI y a lo largo del XVII
se desarrolla en Holanda un urbanismo, cuyo carácter práctico y
antimonumental no tiene paralelo en Europa. La transformación urbana no se
concibe en términos de dignificación exterior, sino como una inversión
productiva; desde este punto de vista, hay que hacer notar la poca importancia
del monumento. Ayuntamiento y lonjas serán los tipos preferidos de la
arquitectura civil.
Visión del paisaje: La experiencia romana del paisaje constituye una de las
aportaciones clave para comprender un tema tan específicamente humanista
como es el de la relación entre el hombre y la naturaleza. Y es en Roma donde
los pintores europeos del Barroco realizan las mejores obras paisajísticas:
Velásquez, Poussin, Lorrain…
Sentido barroco de la muerte: En el siglo XVII, las tibias, calaveras y
esqueletos y una nueva preocupación por la muerte, vuelven a aparecer en el
arte europeo. Macabro y triunfal son los dos polos que enmarcarán el problema
del sentido barroco de la muerte. Desde los inicios del siglo XVII se produce, en
toda Europa, una profunda renovación de la iconografía fúnebre. Un aspecto
esencial de lo macabro será el auge de la imaginería de santos entierros y
cristos yacentes, con un carácter directo e inmediato.
El Barroco español destaca por la temática religiosa, que es la dominante,
exceptuando algunos encargos y programas de exaltación real y los géneros del
retrato y el bodegón.
Las características más relevantes de las imágenes religiosas con la
verosimilitud y el respeto en relación con los hechos (se tienen que respetar los
condicionamientos de lugar y tiempo), también destaca el estilo teatral, que se
consigue con la exageración de las actitudes y la acumulación de los personajes.
La Iglesia es omnipresente: la única clientela es la eclesiástica, dado que los
Grandes ocupan los cargos de virreyes fuera de España. La aristocracia desprecia la
pintura que se hace aquí, y la burguesía no existe. La pintura profana es una
excepción: sólo Velásquez y porque trabaje en la corte. La gran limitación del
Barroco español es el hecho de estar al servicio de la Iglesia.
7. EL ROCOCÓ
Originario de Francia, aparece en el ambiente refinado y frívolo de la
regencia del duque de Orleáns, durante la minoría de edad de Luis XV. No se trata
de un arte regio como el Barroco, sino un arte de la aristocracia y de la alta clase
media: se encuentra entre el Barroco cortesano y el prerromanticismo burgués.
36 · Historia del arte universal
son:



Los principales elementos diferenciadores del rococó respecto del Barroco
Al sentido mayestático de la época de Luis XIV sucede una fragilidad, ligereza y
gracia cortesana, llena de espíritu femenino.
Los espacios arquitectónicos solemnes (castillos y palacios) son sustituidos por
pequeños salones, gabinetes, boudoirs, hotels y petites maisons.
El ambiente es galante, refinado, picaresco, sensual, preciosista, atractivo,
intimista y caprichoso.
El rococó es un arte erótico, destinado a epicúreos ricos; es un medio para
elevar la capacidad de goce, incluso hasta donde la naturaleza ha puesto un límite
al placer. Es un arte predominantemente decorativo donde las formas ovaladas y
recargadas, la asimetría total de los contornos y el cromatismo llegan a ser
asfixiantes.
8. EL NEOCLÁSICO
El neoclasicismo, término que por cierto, nunca se usó en la época, vino a
denominar una nueva moral cultural, influyente en todas las artes, que proponía la
contención y armonía clásicas frente al florido y frívolo rococó. El regreso del
neoclasicismo a la antigüedad tiene más de visión romántica que de copia exacta
de sus modelos, de ahí los problemas estilísticos que a veces encontramos.
Abarca desde el 1720 hasta el año 1800, y algunos rasgos del neoclásico ya
existen en el rococó; la tendencia hacia lo monumental, solemne, ceremonial y
patético, desaparece ya en el primer rococó y da lugar a la tendencia hacia lo
jocoso e íntimo. Aunque lo que más identifica a esta etapa es la ruptura con la
tradición cortesana, de tal forma que al acabar el siglo, solo hay arte burgués,
consumándose la transferencia de la dirección cultural de una clase social a otra: la
burguesía ha desplazado a la aristocracia. Este proceso de desplazamiento alcanza
su culminación política con la Revolución Francesa y su culminación artística con el
Romanticismo. La burguesía se apoderó paulatinamente de todos los medios de
cultura: escribía los libros y los compraba, pintaba los cuadros y los adquiría;
constituye la clase culta por excelencia y se convierte en el auténtico mantenedor
de la cultura.
Si tuviéramos que sintetizar el nuevo espíritu burgués, tendríamos que
hablar, en términos genéricos, de lo siguiente: falta de interés por los autores
griegos; sobrio clasicismo; renuncia a la solución de los grandes problemas
metafísicos y desconfianza hacia todo aquel que los explica; espíritu agudo,
agresivo, urbano; religiosidad anticlerical negadora de todo misticismo; repulsa
contra todo lo que es opaco, inexplorado, inexplicable; confianza en sí mismo;
convicción de que todo se puede resolver, comprender, decidir con la razón;
escepticismo discreto; pragmatismo y conformidad con lo que es accesible;
subjetividad y sentimentalismo.
El arte cambia de concepto y de función: se convierte en más humano, más
accesible, con menos pretensiones; ya no es para semidioses, sino para criaturas
mortales, débiles, sensuales y sibaritas; ya no expresa la grandeza y el poder, sino
la belleza y la gracia de la vida; ya no quiere imponer respeto y subyugar, sino
gustar. El artista cambia de estilo según el cliente.
Por tanto, podemos definir el neoclasicismo como un movimiento estético
de base intelectual, expresión de la ideología en imágenes de la burguesía
ascendente que critica los excesos y el virtuosismo del arte inmediatamente
precedente, y que se quiere comprometer a fondo con los problemas de su tiempo.
Historia del arte universal · 37
9. EL ROMANTICISMO
Son muchos los intentos que se han hecho para definir el romanticismo, e
innumerables las ocasiones en las que se ha manifestado la imposibilidad de
circunscribir el término a una serie de manifestaciones de una época concreta.
Toda tentativa de definirlo en pocas palabras estaba destinada al fracaso, pues el
concepto era utilizado de maneras y significados muy distintos.
De hecho, cuando se cita la palabra “romanticismo” se piensa en una
época, sobre todo en la literatura, situada en torno a la primera mitad del siglo XIX,
o en muchos tópicos o en determinados autores, cuyas biografías se asocian con
determinados héroes creados por ellos, a los que se identifica con la melancolía, el
amor trágico, la rebeldía, la aventura.
Las dificultades para definirlo provienen, sobre todo, de la diversidad de
manifestaciones llamadas románticas, de la amplitud geográfica en la que se
producen y del diferente momento en que surgen. Observando la evolución del
pensamiento occidental, comprobamos que el romanticismo supuso una ruptura
con una tradición, con un orden anterior y con una jerarquía de valores culturales y
sociales que se extienden por toda Europa. Estas manifestaciones se producirán en
todos los campos: literatura, pintura, escultura, arquitectura, música, etc.
Con el Romanticismo, la naturaleza del hombre y de la sociedad es
evolucionista y dinámica, la cultura es un eterno fluir, nuestra vida espiritual es un
proceso. La naturaleza del espíritu humano, las instituciones políticas, el derecho, el
lenguaje, la religión, las artes, etc., son comprensibles sólo desde su historia; ahora
nada es estático, nada tiene un valor intemporal, nada es unilateralmente activo: la
totalidad de los factores materiales y espirituales están ligados en una indisoluble
interdependencia.
La muerte de Sardanápalo
Eugène Delacroix (1827)
Reúne la mayor parte de las
características del romanticismo
pictórico.
En la pintura romántica, se rompe con las reglas clásicas que dominaban
el arte del siglo XVIII y se concibe la creación no como “imitación” sino como
proyección del artista en la obra.
La gran revolución que experimenta la pintura se produce,
fundamentalmente, en el paisaje; el cambio supone, en primer lugar, pintar la
naturaleza por sí misma, y en segundo lugar, anteponer el color al dibujo,
identificando como el elemento racional que los
neoclásicos consideraban esencial en la pintura.
Las
principales
romanticismo pictórico son:
características
del
 Pesimismo e incertidumbre.
 Obsesión por la muerte.
 Individualismo y subjetivismo.
 Tendencia a lo imaginativo.
 Exacerbación pasional
 Preferencia por temas mórbidos, trágicos y
desesperados.
 Expresividad.
 Libertad del artista (deseo de originalidad), de
los pueblos (exaltación del nacionalismo) y de los
sentimientos (intimidad).
10. EL REALISMO
Tras la explosión emocional que supone el romanticismo, los artistas y
escritores sienten la sacudida de las oleadas revolucionarias de 1830 y 1848, esta
última en especial, debido a las brutales represiones que provocaron los
gobernantes: Luis Felipe, el emperador francés, anuló la libertad de prensa,
reunión, expresión y ordenó matanzas indiscriminadas en las barricadas parisinas.
38 · Historia del arte universal
El problema de la relación entre las técnicas artísticas y las nuevas técnicas
industriales se concreta especialmente para la pintura, en el problema del diferente
significado y valor de las imágenes producidas por el arte y las producidas por la
fotografía. Su invención en 1839, el rápido progreso técnico que reduce el tiempo
de exposición y permite alcanzar la máxima precisión, los intentos de fotografía
artística, las primeras aplicaciones a la plasmación del movimiento (fotografía
estroboscópica, cine) y, sobre todo, la producción industrial de máquinas de
fotografiar y los grandes cambios que el uso generalizado de la fotografía
determinan en la psicología de la visión, han tenido, en la segunda mitad del siglo
XIX, una gran influencia sobre la orientación de la pintura y sobre el desarrollo de
las corrientes artísticas relacionadas con el impresionismo.
Con la difusión de la fotografía, muchas prestaciones sociales pasan del
pintor al fotógrafo (retratos, paisajes de campo o ciudad, reportajes, ilustraciones).
La crisis afecta, principalmente a los pintores de oficio, a los retratistas
convencionales y desplaza la pintura como arte propio de una elite. Si la obra de
arte se convierte en un producto excepcional, puede interesar sólo a un público
restringido y tener un alcance social muy limitado.
A partir de 1830, aproximadamente, se forma y desarrolla en Francia la
escuela paisajista llamada de Barbizon (imagen lateral) por el nombre de un pueblo
próximo al bosque de Fontainebleau donde, algunos pintores, encabezados por
Rousseau, se habían retirado con el propósito re renovar la pintura paisajista
abandonando todos los convencionalismos y reglas, viviendo en el campo y
estudiando los mutables aspectos de la naturaleza.
Lo que los pintores de Barbizon rehusan, con un gesto indudablemente
romántico, es el artificioso ambiente de la ciudad. Ahora lo que se quiere vivir en la
pintura es la emoción que se siente en la naturaleza, a una hora y en una
determinada condición de luz; pero si la obra pintada da y comunica esta emoción
instantánea, da y comunica al mismo tiempo el estado de ánimo que la hace
posible, la experiencia de una larga e íntima identificación con la naturaleza. Los
pintores se dedican a la observación de la naturaleza, no idealizándola, sino
embelleciéndola, recreándola, reproduciéndola, no tanto en su realidad, como a
partir de la impresión causada en el ánimo del artista que quiere captarla y fijarla
en la tela.
11. EL IMPRESIONISMO
En el último cuarto del siglo XIX, el impresionismo culmina la tendencia de
unir visión y luz, inherente a toda la pintura occidental desde el Renacimiento, y
afronta el problema de representar el paisaje con sus elementos fluctuantes y sus
circunstancias atmosféricas. Se inicia esta corriente estética en Francia y realmente
es la última etapa del naturalismo, nombre que en principio fue a menudo utilizado
para designarlo, porque agudizó la búsqueda de una realidad más auténticamente
reflejada que en la pintura anterior.
Centrándose en temas tan prosaicos y cotidianos como los del realismo, los
impresionistas los pintaban in situ, como en una instancia fotográfica y, muy a
menudo, en una sola y rápida sesión, y conseguían visiones fugaces que, al
exponerse, rompieron la diferenciación convencional entre boceto y obra definitiva.
Esta etapa impresionista tiene lugar en Francia y, sobre todo en París,
cuando Europa veía a finales del siglo XIX, asombrada, la aparición y proclamación
de tendencia revolucionarias que hacían tambalear al conjunto de estamentos y de
ideas inamovibles e indiscutibles. Podemos enmarcar este movimiento artístico
dentro de la superestructura del liberalismo económico –teorizado por Adam Smithy en un momento en que la técnica se sucede muy rápidamente (nuevas máquinas,
nuevas funciones, nuevos objetos), el comercio desarrolla nuevos transportes y
medios de comunicación (llenándolo todo con una sensación de velocidad y
cambio), y la industria crea nuevos productos para suplantar a los viejos (dando
lugar a la sociedad de consumo). Los estilos también se suceden muy rápidamente:
nadie puede estar seguro de lo que es bello o no lo es; los viejos valores que el
intelectual podía ofrecer están ya desprestigiados. Todo queda superado antes de
Catedral de Mantes
Camille Corot (1830)
Historia del arte universal · 39
ser asimilado, la cultura se centra en la ciudad y ese sentimiento de velocidad y
cambio es el que encuentra expresión en el impresionismo.
El impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica;
por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La
burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos
afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de
ocio: las excursiones campestres. Es el mundo retratado por Monet y Rendir. La
ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social:
aparecen los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en
los bulevares y jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus
habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los
cafés y sus tertulias  se han terminado los temas grandiosos del pasado,
cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color es susceptible de ser
representado artísticamente. El cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes,
las regatas, las reuniones domingueras, etc.
Impression soleil levant
Claude Monet (1872)
Dado que la finalidad básica consiste en el estudio y la observación de la
naturaleza en todas sus manifestaciones, el impresionismo convierte el paisaje en
tema fundamental, todos los pintores se proponen dar de la forma más inmediata y
con una técnica rápida y sin retoques, la impresión luminosa y la transparencia de
la atmósfera y del agua con puras notas cromáticas,
independientemente de toda gradación de
claroscuro. Al ocuparse exclusivamente de la
sensación visual, evitan la poetización del motivo y
la emoción y conmoción románticas.
La luz y sus efectos cambiantes son los
temas del cuadro; se descompone la luz en colores,
el pintor recompone estos colores en sensaciones
lumínicas. No estudian los objetos, sino el color
como una modalidad de luz, y la pintura como un
entretejido de tonalidades luminosas. La luz
cambiante, rica, variada, es un elemento dinámico
por excelencia, relativizador, objetivo porque
pertenece al entorno natural y subjetivo porque
permite expresar los más diferentes estados de
ánimo.
Se recurre al uso de comas de color, de
puntos, para reproducir la atmósfera vibrante, el movimiento del agua. Cubren de
color la tela sin una sola línea precisa, utilizan golpes de pincel como medio gráfico,
consiguen la variación de grandes superficies mediante la presencia de matices y
tonos.
En resumidas cuentas, se puede afirmar que el impresionismo se
caracteriza temáticamente por la preferencia por el paisaje, la utilización de la luz
natural o artificial, las actitudes corrientes, los argumentos intrascendentes, todo lo
que varía en función del tiempo (agua, nubes, humo); estilísticamente prefieren la
pintura suelta, el abandono del dibujo a favor del color, el menosprecio por el color
negro, la búsqueda de reflejos a base de no mezclar los colores, que sea el
espectador el que los una en su mente.
40 · Historia del arte universal
TEMA 4 VANGUARDIAS Y POSTMODERNIDAD
1. EL POSTIMPRESIONISMO
Desde un punto de vista artístico, el nuevo movimiento postimpresionista,
propugana la síntesis en vez del análisis del color, la perfección en vez de la
sensación óptica, la expresión del tema por encima de cualquier otro efecto, un
alejamiento de la objetividad con el fin de dar al autor y al espectador una mayor
participación en el análisis psicológico y emocional de los acontecimientos. Son sus
representantes Paul Gauguin, Van Gogh, Paul Cezanne y Toulouse-Lautrec.
Paul Cezanne era un pintor provenzal, descendiente de un comerciante
piamontés que vivió siempre holgadamente, una vida sin nada que remarcar hace
más comprensible su pintura, lo bastante rico como para vivir de su patrimonio, se
aísla, con el fin de poder trabajar sin interferencias. Insistió en su pintura en temas
clásicos: la montaña, los bañistas, los autorretratos, las flores, las naturalezas
muertas, hasta conseguir la estructuración arquitectónica del espacio en las
relaciones cromáticas de tonos superpuestos y veladuras.
El hecho de encontrar en la naturaleza los elementos constructivos y
estructurales necesarios fue el deseo más evidente de su obra, se le considera el
creador del arte moderno.
Toulouse-Lautrec fue un pintor y litógrafo languedociano, descendientes
de los condes de Tolosa, dos accidentes en la adolescencia le dejaron mutilado y
enano. En 1885 se instaló en Montmartre, donde llevó una vida bohemia, aunque
nunca con necesidades económicas, a causa de su fortuna personal.
Touluse representó en sus obras el mundo de la bohemia parisina, sus
escenarios de café-concierto y cabaret, los clientes y los artistas. En toda su obra,
se hace patente el interés por captar directamente los gestos, las actitudes y los
movimientos, y esa multitud que poblaba la noche de Montmartre. Lo podemos
definir como el pintor de la vida bohemia, artificiosa y brillante. Con Mouling
Rouge, en la imagen de la derecha, se inaugura la moderna publicidad mural (el
póster) que traslada el arte a la calle: el arte pasa, así, a formar parte de la vida de
la ciudad, mezclándose con el hombre anónimo.
Paul Gauguin es un pintor francés, hijo de un periodista revolucionario
que residió en Perú en sus primeros años de vida. Dedicado a la bolsa, pintaba por
gusto, hasta que en 1883 la crisis bursátil le obliga a vivir del arte. Vivió en la
indigencia, separado de su mujer durante muchos años.
Hay en la pintura de Gauguin algo que le hace perfectamente inteligible a
los ojos infantiles, y es aquí donde hay que encontrar la razón de la autenticidad de
su obra pictórica, pues intenta liberarse de todas las falsedades impuestas por la
civilización, volviendo hacia un sistema de valores de sinceridad. La total
despreocupación por la forma y el color produce una visión totalmente libre de la
naturaleza, con fuertes contrastes cromáticos que recuerdan las técnicas del
esmalte y la estructura de los vitrales medievales.
Vicent van Gogh era un pintor y dibujante holandés, hijo de un pastor
protestante, que trabajó en galerías de arte, preparó estudios de teología en
Amsterdan debido a una frustración amorosa, llegando a ser misionero en el sur de
Bélgica. Con Van Gogh empieza el drama del artista que se siente excluido de la
sociedad, que se siente inadaptado, siendo candidato a la locura y al suicidio.
Pictóricamente, en una primera época en Holanda, ataca de frente el
problema social, inspirándose en tonos oscuros para retratar la miseria y la
desesperación de los campesinos, tratando los paisajes y escenas rurales con un
toque denso de tonalidades terrosas. Obsesionado por la luz meridional, quiere
captarla incluso en plena noche y más tarde abandona los temas sociales y pasa de
la monocromía a un cromatismo violento.
Tema 4
Vanguardias y postmodernidad
1. El postimpresionismo
2. El modernismo
3. El fauvismo
4. El expresionismo
5. El futurismo
6. El dadaísmo
7. El surrealismo
8. El neoplasticismo
9. El Informalismo
10. El expresionismo abstracto
11. La nueva figuración
12. El pop art
13. Hiperrealismo
14. Shocker pop
15. Neoconcretismo
16. Minimal art
17. Op art
18. Arte cinético
19. Los ambientes
(environments)
20 Arte povera y land art
21. La postmodernidad
Moulin Rouge
Toulouse-Lautrec
Historia del arte universal · 41
2. EL MODERNISMO
Bajo el término genérico de modernismo (1890-1910) se designan las
corrientes artísticas que, en el último decenio del siglo XIX y primeros años del XX,
se proponen interpretar, afirmar y secundar el esfuerzo progresivo, económicotecnológico de la civilización industrial.
Son comunes a la tendencia modernista:





Casa Tassel
Victor Horta (1893)
La falta de referencias a modelos antiguos, ya sea en temática o en estilo.
El deseo de acortar la distancia existente entre las artes mayores y las aplicadas.
La búsqueda de una funcionalidad decorativa.
La aspiración a un estilo o lenguaje internacional o europeo.
El deseo de interpretar la espiritualidad que había inspirado y redimido al
industrialismo.
Expresión típica del espíritu modernista es la moda o estila que toma en nombre
del Art Noveuau. Este es un fenómeno típicamente urbano que nace en las
capitales y se difunde por las provincias. Abarca los más variados aspectos: el
urbanismo de barrios enteros, la decoración urbana y doméstica, el arte figurativo y
decorativo, el mobiliario, los vestidos, el espectáculo, etc.
El crisol del modernismo se encuentra, como era de esperar, en Inglaterra, el país
puntero en la Revolución Industrial, confluyen aquí el descubrimiento del arte
japonés, el prerrafaelismo de Rosetti y el movimiento encabezado por William
Morris, llamadol Arts and Crafts (Arte y artesanías).
Fue sin embargo en Bruselas, donde el movimiento cristalizó y tomó la dimensión
arquitectónica que faltaba a los ingleses. Entre 1880 y 1890, Bruselas fue uno de
los centros de la vanguardia artística y, a menudo, se da la fecha de 1893 como la
del nacimiento del modernismo: el año de la construcción de la casa Tassel de
Victor Horta (fragmento del interior en la figura lateral).
En Estados Unidos, el modernismo se muestra en los objetos de cristal de Charles
Lewis Tiffany, y, sobre todo, en el nuevo tipo de arquitectura que se estaba
iniciando: el rascacielos. La especulación del suelo, la técnica de las estructuras
metálicas ligeras y resistentes, el ascensor, el teléfono y el correo neumático,
confluyeron en la reconstrucción de un Chicago devastado por un incendio (1871).
3. EL FAUVISMO
A raíz del impresionismo que supone una ruptura sustancial con la pintura
academicista, nuevos movimientos pictóricos, algunos de corta duración, surgieron
en el panorama artístico. A pesar de su corta vigencia, constituyen los pilares de
una línea evolutiva coherente, éste es el caso del fauvismo, movimiento de menos
de diez años de vida, pero que sus investigaciones estéticas y técnicas supusieron
una etapa esencial para la pintura contemporánea.
La invención de la fotografía determinó en los jóvenes pintores la inquietud
por la búsqueda de nuevas fronteras en el arte y, sobre todo, de una mayor
subjetivización. Con objetivos parecidos y con la misma concepción subjetiva de la
pintura, nacen, aproximadamente en las mismas fechas, los dos movimientos
pioneros del siglo XX, el fauvismo y el expresionismo, por medio de una
exageración de la experiencia, para hacerla más fácilmente comprensible y
comunicativa y utilizando los mismos métodos (la síntesis, la falta de detalles
accidentales y la discontinuidad); ambas tendencias artísticas pretenden iguales
fines: el efecto, la expresión.
Sin embargo hay aspectos que separan los dos movimiento. Los fauces no
se preocupan por el sentido metafísico y los problemas sociales, además disfrutan
más con la investigación plástica: la pasión por el color será su manifestación más
ostensible. Esta despreocupación por el sentido metafísico y profundo de la
existencia les induce a crear una estética violenta pero armoniosa, lejana a todo
pesimismo.
42 · Historia del arte universal
El arte de Van Gogh está considerado como una de las fuentes del
fauvismo y el expresionismo, escogen una temática casi exclusivamente paisajística
siguiendo con la línea impresionista de la pintura al aire libre y elaboran una obra
en contacto directo con la naturaleza.
4. EL EXPRESIONISMO
El expresionismo constituye un intento vigoroso de reflejar la inquietud
psíquica del hombre contemporáneo. La transmisión del sentimiento es el propósito
esencial de todos los artistas de esta tendencia. Aunque el expresionismo francés,
por razones de tradición cultural, pone más acento en la forma plástica, los
representantes nórdicos y eslavos de la tendencia subrayan con énfasis la fuerza
psíquica, el espíritu de sus creadores es fundamentalmente romántico, libertario e
individualista.
El expresionismo devuelve su importancia al rostro humano. Esta actitud se
explica si tenemos en cuenta la sobreabundancia de paisajistas en la generación
anterior.
Se da la fecha de 1905 como inicio del expresionismo, principalmente
representado por 3 grupos artísticos:
 El puente: Creado en 1905, reúne a Bleyl, Kirchner, Heckel, Nolde y Pechstein.
Hacen frente común contra el impresionismo, Obsesionados por preocupaciones
religiosas, sexuales, políticas y morales, sugerían el hecho de abandonar el
realismo que imita para alcanzar el realismo que crea la realidad. Para crear la
realidad el arte tiene que prescindir de todo lo que es anterior al acto del artista:
hay que volver a empezar de cero.
 El jinete azul: Creado en 1911, reúne a Kandinski, Paul
Klee, Munter y Schiele. Se considera a este grupo como
una setunda oleada expresionista y, al mismo tiempo,
como una reacción contra el cubismo al que se oponían
por su fondo racionalista y realista. Este grupo se
orientaba hacia una pintura de contenido espiritualista que
tendía a la abstracción: las formas míticas dependen
exclusivamente de los impulsos interiores del sujeto. No es
un grupo organizado como el puente, y no tienen un
programa común ni ningún deseo de reformadores
sociales o políticos.
 Nueva objetividad: Se caracterizan por un realismo
cruel que tiende a la más implacable crítica social.
5. EL FUTURISMO
Los ideales del futurismo quedan reflejados en los conceptos de velocidad,
progreso, dinamismo, potencia, que son palabras sagradas de este movimiento
surgido en el umbral de un siglo predestinado a llegar a la luna (un automóvil de
carreras es más bello que la victoria de Samotracia).
Toda la pintura futurista se basa en una sensación óptica, en las telas se
representa el movimiento por superposición de imágenes, de la misma manera que
lo hace el cine. Las características del futurismo son:
 Todas las formas de imitación deben ser despreciadas y todas las formas de
originalidad, glorificadas.
 Debemos rebelarnos contra la tiranía de las palabras armonía y buen gusto.
 Las críticas del arte son inútiles y perjudiciales.
 Debe hacerse una limpieza general de temas rancios y raídos con objeto de
expresar la vorágine de la vida moderna, una vida de acero, fiebre, orgullo y
temeraria velocidad.
Sin Título
Wassily Kandinsky
Historia del arte universal · 43
Giacomo Balla
Dinamismo de un perro con
cadena
 La acusación de locos que ha sido utilizada para amordazar a los innovadores
debe ser considerada un noble y honroso título.
 El complementarismo en pintura es una necesidad absoluta, como el verso libre
en poesía y la polifonía en música.
 El dinamismo universal debe ser vertido en pintura como una sensación dinámica.
 La sinceridad y la virginidad son necesarias, en mayor medida que otras
cualidades cualesquiera, para la interpretación de la naturaleza.
 El movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpos.
Falta, quizás, un último punto para declarar que todos estos axiomas no eran
necesarios que fuesen respetados en absoluto.
6. EL DADAÍSMO
En un período de frenética imaginación creativa (los primeros 20 años del
siglo XX) nace concretamente entre 1915 y 1917, el movimiento dadaísta. Tanto el
futurismo como el expresionismo, el surrealismo y las otras tendencias de nuestro
siglo, representan, más que una actitud deliberada, la expresión de una forma
particular de ser, de reaccionar ante la experiencia vital. Entre ellos, es el dadaísmo
el que reacciona de forma más violenta y extremista, cuestionando todos los
valores estéticos y éticos tradicionales que, según el criterio de sus militantes,
habían llevado a la civilización occidental a la barbarie y a la masacre de la primera
guerra mundial.
Los dadaístas consideraban el arte como el sostén de una sociedad
burguesa condenada al fracaso y le daban la culpa de no haberla llevado a mejor
fin. Para el dadaísmo, el artista era un hombre sin ningún tipo de aptitudes
especiales y había que considerarlo como tal. Se esfuerzan en elevar a la dignidad
del arte objetos simples y cotidianos, los famosos ready-made (objetos
manufacturados), como prueba que el arte era, sobre todo, una actitud mental que
residía en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una
sala de exposiciones, apreciaba las cualidades estéticas y no las utilitarias que
normalmente sugerían.
7. EL SURREALISMO
El surrealismo pretende llegar a la superación de los contrarios y, por eso
recurre sin miedo a la representación de elementos contradictorios. Para este fin
utiliza incluso la ironía o el humor, aprovechando así los equívocos y los múltiples
significados de la realidad. Otras veces, recurre al subconsciente o al sueño para
resolver la lucha de los contrarios en una atmósfera mágica o alucinante.
Uno de los motivos por los que el surrealismo supone un giro en la historia
del arte moderno se manifiesta en el más típico de sus procedimientos: imágenes
absolutamente verosímiles se asocian y se combinan en un contexto
escandalosamente inexplicable y absurdo. No se modifican las imágenes, sino las
relaciones imposibles y antifuncionales (una plancha con clavos, una taza de té
forrada de piel, etc.).
8. EL NEOPLASTICISMO
Es un movimiento artístico holandés, también llamado De Stijl, que,
partiendo de la razón y de modelos teórico-prácticos concretos, propone una nueva
ordenación geométrica del mundo en contraposición a la irracionalidad destructora
de la primera guerra mundial.
Se desarrolló entre 1917 y 1924 y publicó la revista De Stijl, que fue su
órgano de difusión. Tiende siempre a la máxima reducción de los elementos
integrantes de la obra artística y hace de las líneas verticales y horizontales, así
44 · Historia del arte universal
como de los tres colores elementales (amarillo, azul y rojo), la base de toda su
gramática formal. La finalidad social que da a su producción hace de la arquitectura
el modelo que integra todas las otras artes, dirigida hacia la ordenación funcional
del espacio habilitado.
9. EL INFORMALISMO
Después de la primera guerra mundial, la relación arte-sociedad había
suscitado una apasionada dialéctica entre las diferentes tendencias. Después de la
segunda guerra mundial se llega a considerar como inevitable la “muerte” del arte.
En el origen de esta idea hay una revolución moral: en una sociedad que
acepta el genocidio, los campos de exterminación y la bomba atómica, no se
pueden producir actos de creación. La guerra es el aspecto culminante de la
destrucción sistemática y organizada, del hacer para destruir de una sociedad que
se autodefine como de consumo. Un arte que se consume al disfrutarlo, como un
alimento que se come, puede ser arte o no, pero en cualquier caso será totalmente
diferente de todo el arte del pasado.
La naturaleza ya no sirve de modelo de armonía para el hombre, lo que no
significa que no podamos basarnos en la naturaleza para llevar a cabo nuestras
investigaciones pictóricas. Hay una nueva finalidad del arte como símbolo del
individuo que alcanza la libertad y se vuelca plenamente en su obra.
Hay también una conciencia de lo personal y espontáneo en la obra, lo que
estimula a su autor a concebir, transformar y expresar formas que confieran al
máximo el aspecto de lo que está hecho libremente. De aquí la gran importancia
que tienen la mancha, el trazo, la pincelada, la gota, la calidad de la sustancia de la
pintura y la textura.
Desde una perspectiva semiótica, el informalismo reflejaba de una manera
indeterminada la relación del hombre con su naturaleza biológica y social. Pero, a
finales de la década de los cincuenta, el informalismo entró en crisis. Todos sus
planteamientos se convirtieron, a principios de los sesenta, en una receta adecuada
para un gesto elegante de belleza o una exploración esteticista de la propia
materia. Y así, el artista se fue alejando del mundo y de sus intereses.
10. EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Después de la segunda guerra mundial, el centro de la cultura artística y,
por lo tanto, del mercado, se desplaza de París a Nueva Cork. El auge explosivo de
un arte estadounidense constituye el fenómeno más importante en la historia del
arte a mediados del siglo XX. La cultura norteamericana empieza a formarse a
finales del XIX y principios del XX: Los magnates de la industria y de las finanzas
compran grandes colecciones de arte que se convierten, después en fundaciones y
galerías. Quieren dirigir la cultura de la misma manera que dirigen la economía.
El Action painting es una forma del expresionismo abstracto practicada
después de 1945 por la Escuela estadounidense de Nueva York. Como reacción
contra el esteticismo de París y en contacto con inmigrantes europeos, algunos
pintores expresan el dinamismo de la vida primaria pintando a partir de
salpicaduras y goteos. El presupuesto básico es que el inconsciente se apodera del
artista y produce la obra de arte. La action painting estadounidense no representa
ni expresa ninguna realidad, ni subjetiva ni objetiva: descarga una tensión que se
ha acumulado en el artista. Es una acción no proyectada en una sociedad en la que
todo está proyectado; es una reacción violenta del artista-intelectual contra el
artista-técnico, es decir, el diseñador industrial, que se ha integrado al sistema y se
dedica a hacer más bellos los productos de consumo. Dicho brevemente, el arte
norteamericano es la expresión del malestar en una sociedad del bienestar.
The Moon woman Cuts the
Circle (1943)
Jackson Pollock
Historia del arte universal · 45
11. LA NUEVA FIGURACIÓN
A finales de la década de los 50, el informalismo entró en crisis. En la
década de los 60, la nueva figuración supuso una nueva relación con la forma de
los objetos, es decir, con la representación icónica en el sentido de la imagen. Por
eso hablar de nueva figuración es hablar de todos aquellos movimientos que, desde
1960, han reintroducido la representación icónica.
La neofiguración tiene que considerarse como el paso de transición entre el
polo informalista de la década de los cincuenta y la nueva representación posterior,
una representación interesada cada vez más por las realidades representadas y
deseosa de liberarse de las indeterminaciones lingüísticas y significativas.
12. EL POP ART
El pop art es uno de los fenómenos artísticos y sociológicos que mejor
refleja en sus lenguajes e ideología la situación del capitalismo tardío. Hollywood a
través de sus películas producía la mejor cultura popular que era aceptada como un
hecho y consumida con entusiasmo. El término no posee, pues, un sentido crítico,
ya que no se relaciona con la defensa de los intereses de las clases sociales
inferiores. Tampoco nos remite a la concepción romántica e idealista, es decir, al
arte del pueblo, a los objetos producidos por el pueblo anónimo sin autoconciencia
ni intención estética. La imagen popular de los distintos mass-media.
La cultura de masas es un fenómeno histórico concreto de nuestra época
determinado por los siguientes factores:
 Producción en masa propia de los modos productivos industriales.
 Público-masa
 Relaciones de producción con una necesidad competitiva de estimular el
consumo.
Repetición seriada
Andy Warhol
A fin de cuentas, el pop art es la introducción de elementos populares en el
mundo elitista del arte. Desde una perspectiva técnica se caracteriza por:
 Utilizar diversos soportes en función de los diferentes medios de reproductibilidad
(cartel, serigrafía).
 El color se vale igual de nuevas sustancias y procedimientos, del recurso a colores
planos impuestos por el cartel, al uso de un estilo claro del dibujo como
configurador de la forma.
 Las dimensiones obedecen a la táctica consumista de ofrecer grandeza al
espectador, característica que comparte con la nueva abstracción y el
minimalismo.
Entre las técnicas que asume el pop art se encuentra la fotografía (sobre todo en
forma de collage, fotomontaje y procesos mecánicos de reproducción), el cómic y el
cartel publicitario (es el que más ha influido en el pop art y reune el inventario más
sistemático de técnicas visuales).
13. HIPERREALISMO
Podría parecer que el hiperrealismo, sucesor del pop art, está en directa
contradicción con el reemplazo del objeto arte por el objeto idea. Nos encontramos
aquí ante un regreso hacia el tipo más conservador de pintura y escultura
representacional. Más que el pop art, la reputación del hiperrealismo es el resultado
de una alianza entre marchantes y coleccionistas, frente a una respuesta hostil de
la crítica. El pintor no se acerca directamente a la realidad, sino que trata de
reproducir lo que vería una cámara fotográfica (fotorealismo) o las percepciones
ópticas alteradas por las experiencias psicodélicas.
46 · Historia del arte universal
El arte psicodélico en sentido estricto, se relaciona con las obras
realizadas bajo experiencias psicodélicas, generadoreas de efectos producidos por
las drogas químicas. Intenta reproducir, transmitir y estimular la naturaleza y
esencia de las experiencias psicodélicas.
Las formas psicodélicas no son inicialmente una tendencia de la alta cultura
artística; afloran como corriente underground, que deriva de las diferentes
subculturas populares, en especial de los hippies. Por eso, no se han organizado
exposiciones exhaustivas y se conocen pocos nombres de sus representantes. Igual
que el pop es una manifestación típica estadounidense que sale a la luz a mediados
de la década de los sesenta en el seno del movimiento hippie.
De entre las distintas tendencias neofigurativas esteticistas de la era
postpop, destaca el hiperrealismo, corriente pictórica que inaugura ya la década
de los setenta. El nombre (nuevo realismo, hiperrealismo, realistas radicales, fotorealistas, ultra-rrealistas, nuevos realistas) alude a la representación verista y
exacta se define en dos direcciones: el realismo fotográfico derivado del pop y la
restauración de la pintura académica.
La intensidad de la representación hace que la realidad reproducida de la
fotografía dé origen a una realidad objetual del cuadro; éste se afirma, como hecho
visual, como presencia, como también ocurre en las obras del minimalismo.
14. SHOCKER POP
Una de las tendencias derivadas del pop art y que, a menudo, no se ha
tenido en cuenta, es el movimiento shocker pop caracterizado por su oposición al
optimismo del pop art y por su temática violentamente satírica y crítica. En
California recibe el nombre de funk y traba con materiales frágiles y a menudo la
obra es destruida después de la exposición: hay pues, un deseo de dejar de lado la
permanencia. La actitud funk se relaciona con la vulgaridad de los objetos creados,
de bajo coste, con materiales bastos de naturaleza efímera; todo lo vincula con la
estética del despilfarro.
La obra funki está repleta de elementos humorísticos que ridiculizan el
sexo, la religión, el patriotismo, el arte y la política. No es casual que la obra más
paradigmática sea el portable war memorial de Kienholz y que la exposición más
relevante, de 1970 llevase por título Pure Terror.
15. NEOCONCRETISMO
Se desarrolla en Europa paralelamente con la abstracción sígnico-lçirica del
informalismo y se puede considerar como el precedente del op-art. Se caracteriza
por una abstracción geométrica del tipo hard edge, la exaltación de la simplicidad y
la armonía, un rechazo de lo orgánico, la búsqueda de un arte puro basado en la
racionalidad y el orden, una máxima economía de medios, la expresión formal de
carácter lineal basada en el color y la estructuración de la obra a base de esquemas
matemáticos de ordenación compositiva formando series, grupos y variaciones
lógicas de color.
En pleno auge del pop estadounidense, aparece una corriente artística
abstracto-geométrica, cuyos precedentes se remontan a las formas más
radicales de abstracción de las primeras vanguardias. Se caracteriza por:
 Una concepción estrictamente formalista, desligada de cualquier presupuesto
ideológico o espiritual.
 Una marcada frialdad, que pone de relieve su carácter impersonal.
 Un deseo de que el arte sea inexpresivo y de que la forma o la estructura sean el
único vehículo de significación.
 El uso del concepto interesante, para referirse a estas obras, para eliminar
cualquier juicio de valor.
 Rechazo de todo lo anecdótico, para obtener la máxima pureza de lenguaje.
Portable war memorial
Kienholz
Historia del arte universal · 47
 Tendencia al reduccionismo cromático (pocos colores en cada obra).
 Geometría estricta y uso de colores planos: bidimensionalidad.
La instauración de modelos de orden sintáctico arranca, con respecto a la Europa
de la posguerra, con la aparición de tendencias constructivistas. Estos movimientos
neoconcretos reivindican la reducción cromática al blanco-negro y el predominio
de la línea, el recurso a la máxima economía de medios.
Durante la década de los sesenta, se intentó aglutinar el conjunto de
manifestaciones no informales en exposiciones que llevaban por título “Hacia una
nueva abstracción”, y por ella se suelen entender dos cosas: las tendencias no
representativas posteriores al informalismo que tienen como base la primacía del
color y la visualidad pura; y una manifestación estadounidense que desarrolla
ciertas premisas de la pintura contemplativa.
16. MINIMAL ART
Untitled, 1969
Donald Judd
El término minimal lo puso de moda en 1965 R. Wollheim y se caracteriza
esta tendencia por la reducción de las formas a estados mínimos de orden y
complejidad, tanto por lo que se refiere a su morfología como a su significado y
percepción. Alcanzó el momento culminante entre 1965 y 1968. Donald Judo, uno
de los escultores más significativos del minimalismo, afirma que el objeto específico
tiene la capacidad de no decir nada, y por lo tanto, de ser insignificante.
Se dice que el arte mínimo ejerce crítica social y quiere transformar el
medio ambiente para reinterpretarlo. Para otros, su relación con el ambiente
implica un compromiso social.
La obra no es un sistema cerrado de relaciones internas, sino un elemento
en un sistema exterior relacional: obra-medio ambiente-espectador. De esta
manera, la actividad del espectador desemboca en los umbrales del arte
conceptual. El artista minimalista pierde, progresivamente, el interés por el aspecto
físico de la obra. Se produce una desmaterialización del arte como objeto a favor
de las fases de su constitución.
17. OP ART
Bruno Munari
El término op (optical, óptico) fue utilizado por primera vez en 1964, en
una crítica de la revista Time. De hecho, op es un pleonasmo, ya que todas las
artes plásticas son visuales; sin embargo, se justifica por la acentuación deliberada
de ciertos fenómenos perceptivos visuales, especialmente de ciertos efectos
ópticos. Es pues, una tendencia que exacerba la tradición perceptiva del arte
contemporáneo.
Es una tendencia preferentemente Europea que, en su reacción
antiinformalista, va paralela a la nueva abstracción estadounidense, con apogeo
entre 1965 y 1968.
Las obras ópticas suelen ser estructuras de repetición como supersignos.
Son obras que reflejan un orden estructural en el sentido estricto. Suelen ser
sistemas seriales, apoyados en la repetición o en las reincidencias de los mismos
elementos y microsignos lineales o cromáticos. La complejidad aumenta, pero se ve
compensada por un incremento proporcional del orden dentro de un sistema. Estos
microelementos jugarán un importante papel en las relaciones de la obra con el
espectador y en la producción de efectos ópticos: son cuadrados, cubos, puntos,
líneas, etc. El color y la forma tienden a identificarse.
48 · Historia del arte universal
18. ARTE CINÉTICO
Muchos artistas ópticos evolucionaron hacia modalidades cinético-lumínicas,
en las que la selección del repertorio remite al movimiento real. Al mismo tiempo,
muchas obras cinéticas pueden considerarse ópticas, dado que sus movimientos
reales producen numerosos efectos ópticos. El término cinético en sentido estricto
se refiere a la introducción del movimiento real como elemento plástico
determinante y no se puede desvincular de las sociedades tecnológicas más
avanzadas.
Presenta dos modalidades: el cinetismo, centrado en el movimiento
espacial, y el luminismo, centrado en el movimiento lumínico. Si la primera nos
remite a una modificación perceptible del espacio, la segunda alude a un cambio
perceptible del color, de la trama y de la luminosidad.
19. LOS AMBIENTES (ENVIRONMENTS)
El término ambiente (environment) puede utilizarse como mera referencia a
la inclusión y apropiación creativa de las dimensiones físicas reales del espacio
circundante, adquirir un clima psicológico o limitarse a un sentido arquitectónico
rígido y una extensión hacia el exterior. En cualquier caso, implica un espacio que
rodea al espectador y por medio del cual éste puede trasladarse y desarrollarse.
El elemento fundamental es la extensión y expansión transitable de la obra
en el espacio real. No se trata de una reproducción, sino de la instauración de una
realidad en una situación espacial. El espectador se ve envuelto en un movimiento
de participación e impulsado a un comportamiento exploratorio del espacio que lo
rodea y de los objetos que han en él.
Actualmente los environment aparecen en un contexto neodadaísta y pop,
y se ramifican por medio de otras tendencias.
El ambiente pues es una forma artística que ocupa un espacio determinado
y envuelve al espectador, el cual ya no está delante de, sino en la obra. La obra se
compone de todos los materiales posibles: visuales, táctiles, manipulativos,
auditivos, etc.
Por mediación de la simultaneidad y la confrontación de fragmentos de la
realidad diferentes e incluso contradictorios socialmente, el espectador descubre
analogías y relaciones que lo hacen reflexionar estéticamente sobre la realidad
histórica. En la década de los setenta, los ambientes suelen oscilar entre las
alternativas realista, crítica, hiperrealista y de mitologías individuales, y el lado de la
nueva abstracción.
20. ARTE POVERA Y LAND ART
Después del apogeo minimalista, pop y objectual, encontramos desde 1967
y sobre todo desde 1971, una serie de manifestaciones conocidas con los
nombres de arte povera, land art, arte ecológico, arte procesual, earthwork,
antiforma, arte imposible, arte de situación, arte conceptual, etc. El arte
povera –pobre- viene dado por el uso de materiales humildes y pobres,
generalmente no industriales, o por las escasas informaciones que estas
obras ofrecen. Ha querido restablecer las relaciones arte-vida mediante un
proceso de desculturización de la imagen, de reinstaurar la unidad del
hombre más allá del sistema de consumo y tecnológico.
Morris nos ofrece un ejemplo ilustrativo en la galería Castelli en
1969: el aluminio, el asfalto, el cobre, el fieltro, el cristal y otras materias
químicas y orgánicas en estado de transformación, se cambiaban cada
mañana y eran presentadas al público de una manera diferente cada tarde, se
hacía una fotografía de cada cambio realizado.
El land art o earthworks es un corolario del arte povera y el arte ecológico.
Es su culminación y abre el paso decisivo hacia el futuro conceptual. Recoge el
Mario Merz
Historia del arte universal · 49
conjunto de obras que abandonan el marco del estudio, de la galería y del museo,
y están hechas en su contexto natural: la montaña, el mar, el desierto, el campo o
a veces la ciudad.
El land art es, en general, la réplica anglosaona del arte povera. Tiene su
punto de partida en los propios minimalistas, tanto en sus obras como en sus
reflexiones.
Plantea una peculiar relación arte-naturaleza:
 Los espacios del paisaje natural se convierten en objetos artísticos, a menudo con
alguna intervención sobre su estado natural.
 Con el pop, se redescubrió el paisaje, civilizado en la representación ilusionista;
ahora se trata del paisaje no contaminado por la civilización técnica.
 Se puede hablar de un retorno a la naturaleza, en una acción transformadora
sobre la misma, instaurando nuevas relaciones con ella.
 Utiliza, sin embargo, la naturaleza de una manera metafórica: cambio, evolución,
crecimiento, espacio virgen y religioso.
21. LA POSTMODERNIDAD
La postmodernidad es un concepto que se refiere a los diferentes cambios
sociales y culturales que se produjeron a finales del siglo XX en muchas sociedades
avanzadas, como por ejemplo el rápido cambio tecnológico, con las posibilidades
que ofrecen las telecomunicaciones y los ordenadores, o los nuevos intereses
políticos y el auge de los movimientos sociales, especialmente los relacionados con
los problemas raciales, étnicos, ecológicos y de género.
La cuestión es ¿Se está desintegrando la modernidad como entidad
sociocultural, con toda la carga acumulada durante la época de la Ilustración? ¿Está
emergiendo un nuevo tipo de sociedad, quizás estructurada en torno a los
consumidores y del consumo, en lugar de en torno a los trabajadores y la
producción?
El mundo de la postmodernidad se enfrenta a complejos dilemas que se
complican por la magnitud de los problemas: el entorno global, el futuro del cuerpo
humano, la disminución paralela de los recursos éticos. Además, la angustia de la
opción ética recae más que nunca sobre individuos aislados ¿Son la decadencia y la
muerte la condición terminal postmoderna?
Ahora bien, el término postmoderno es confuso, no indica que es la época
que viene después de la moderna, sino más bien una mera diversa de compararse
con lo moderno que no es de oposición (en el sentido antimoderno) ni de
superación (en el sentido de ultramoderno).
Aunque no sea el signo del final de lo moderno, lo postmoderno está ligado
a la experiencia de una ruptura o de una crisis, en particular a los discursos
apocalípticos, que eran frecuentes en los años sesenta, sobre el fin del arte, de la
filosofía, de la historia, de la política, etc. La dificultad de definir lo postmoderno
viene dada por la dificultad de definir lo moderno. Ni siquiera sus límites
cronológicos están claros: se hace iniciar la modernidad con la emergencia de la
burguesía del siglo XV, con la reforma protestante, con la ciencia de Galileo y
Newton, con la Ilustración o con la segunda Revolución Industrial de finales del
siglo XIX.
Texto elaborado a partir de:
Historia del arte universal
Joan Campàs Montaner
Febrero 2007