Música vocal: Música vocal clásica, romántica y

Música vocal: Música vocal clásica, romántica y
contemporánea
Diapositiva 1
1. El Requiem de Mozart
Fragmento de audio: aria de la reina de la
noche. La flauta mágica. Mozart. Naxos.
Probablemente no dudes en relacionar esta melodía vocal con
Mozart pero si has echado un ojo al cuadro de los contenidos de
esta asignatura, sabrás que la ópera tiene su propia unidad.
En este tema, Mozart aparece con los últimos compases que
escribió. Pertenecen al Lacrimosa de su Requiem en Re menor
(KV 626).
Imagen en Wikimedia Commons de
Dimitrimirsnov |Dominio público
Réquiem es una misa de difuntos. Se le
llama así porque réquiem es la primera
palabra del Introito, el comienzo de esta
misa. Una de las características que la
diferencia de las demás misas es que en
ella se interpretaba (hasta el siglo XX) la
secuencia Dies Irae.
Si recuerdas, en el tema de la música medieval
hablamos de las secuencias, esas obras que surgían
de poner texto a los larguísimos melismas del
Aleluya del canto gregoriano, que se pusieron muy
de moda, se compusieron miles y en el Concilio de
Trento la Iglesia las prohibió. Dejó cuatro, una de
ellas la secuencia con este texto titulado Dies irae
(Día de la Ira).
Así que el Réquiem de Mozart tiene su Dies Irae. Es precioso e inquietante ya que fueron las
últimas notas del compositor antes de morir. Sobre su muerte y esta obra se han dicho
muchas cosas. Por lo visto un hombre enmascarado se la encargó pagando por adelantado y
esto ha dado lugar a múltiples versiones sobre lo que acabó con Wolfram Amadeus Mozart.
El Réquiem, tal y como lo conocemos hoy fue terminado por un discípulo suyo atendiendo a
los apuntes e indicaciones que Mozart había dejado.
ESQUEMA DEL REQUIEM CON SUS PARTES
I.Introitus (Introito):
Réquiem æternam (Dáles el Descanso Eterno, Señor)
II. Kyrie Eleison (Señor, ten Piedad)
III.Sequentia (Secuencia)
Dies iræ (Día de Ira)
Tuba mirum (Magnífico Sonido de Trompeta)
Rex tremendæ maiestatis (Rey de Tremenda Majestad)
Recordare, Iesu pie (Recuerda, Jesús Piadoso)
Confutatis maledictis (Confundidos los Malditos)
Lacrimosa (Día de Lágrimas Aquel)
IV.Offertorium (Ofertorio)
Domine Iesu Christe (Señor Jesucristo)
Hostias et preces (Sacrificios y Preces)
V.Sanctus (Santo, Santo, Santo)
VI.Benedictus (Bendito)
VII.Agnus Dei (Cordero de Dios)
VIII.Communio (Comunión)
Lux æterna (Luz Eterna)
Fragmento de audio: Kyrie. Requiem. Mozart.
Naxos.
Fragmento de audio: Dies irae. Requiem.
Mozart. Naxos.
Desde el punto de vista musical esta obra está influída por
los coros de Haendel. Podemos escuchar las voces
persiguiéndose en el Kyrie (es lo que se llama una Fuga,
veremos esta forma musical más adelante).
Muchos recursos retóricos del Barroco que utilizan la música
para resaltar el texto. Escucha Quantus tremor est futurus
-Cuánto temblor sobrevendrá- y comprueba cómo “tiemblan”
las voces.
Podemos ver también melodías claras, características del
Clasicismo. La melodía de esta época se estructuraba en
frases de 8 compases que racionalizaban el discurso musical.
Mira y escucha la primera frase musical de Lacrimosa.
Pulsa sobre las partituras para verlas más grandes y observa los 8 primeros compases señalados,
lo que tocan los instrumentos y lo que canta el coro. Fíjate que los dos primeros son compases de
silencio para el coro y casi toda la orquesta, solo tocan los violines y las violas. Lo interesante es
que esos dos primeros compases forman parte de la frase musical que consta de 8 compases y le
dan sentido.
Curiosidad
La fama de los grandes compositores del Clasicismo llegaba, ya en el siglo XVIII, a
todos los rincones de Europa. A pesar de que el austriaco Joseph Haydn fue uno de
los últimos músicos contratados por una corte, a partir de 1780 comenzó también a
componer por encargo. Dos nobles gaditanos, pertenecientes a la congregación del
oratorio de la santa Cueva (anejo a la Iglesia del Rosario), le pidieron una
Actividad de rellenar huecos
¿Cómo se llamaba el alumno de Mozart que acabó el Requiem?
De las 8 partes de la obra ¿cuántas tuvo que componer con indicaciones del maestro
o desde cero?
Enviar
¿Pero qué partes del Requiem dejó completamente terminadas Mozart?
2. Lieder
Actividad
Dietrich Fischer-Dieskau ha grabado 10 veces Winterraise de Franz Schubert
¿Puedes imaginar que una misma partitura cantada por una misma persona, suene
diferente en cada uno de esos discos? ¿Qué tiene esa obra musical para que alguien
quiera interpretarla a lo largo de toda su vida de cantante famoso? ¿Y qué tendrá
para que algunos queramos escucharla muchas veces, incluso cantada por el mismo
intérprete?
Winterraise (El viaje de invierno) son 24 canciones desesperadas.
La primera vez que Fisher-Dieskau (1925) las grabó tenía 23 años. La última vez
fue en 1986. Sesenta años aportan una evolución en técnica vocal, pero también
mucha experiencia que llenará de nuevos matices la expresión de los sentimientos
de despedida, añoranza y soledad presentes en estos poemas.
Imagen en Fickr de marshall2024 con licencia CC BY SA
Gute Nacht
Tenor: Ian Bostridge
Piano: Julius Drake
Texto original de Gute Nacht y traducción
Gute Nacht es el primer lied de El viaje de
invierno. Lied significa canción en alemán y es el
término que se utiliza para nombrar este género
musical que te estamos presentando. Franz
Schubert (1797-1828) escribió en su corta vida
más de 700 lieder (canciones). La Bella Molinera o
este Winterraise, son ciclos de lieder compuestos
con una idea de unidad, ambos con textos del
poeta Wilhem Müller.
Aunque durante el Clasicismo fue común la
composición de lied, durante el Romanticismo
representa uno de los pilares del periodo. La
música constituye el arte ideal, el sonido puro es
lo más abstracto, lo que más se puede alejar de la
realidad para expresar auténticos sentimientos. El
lied romántico es el punto donde la poesía
encuentra el sonido que eleva su mensaje al
infinito.
El compositor romántico se enfrenta a la música
como expresión propia, sin la referencia externa
de la composición para un mecenas o una
funcionalidad concreta. Ahora serán los gustos del
público de las grandes salas de conciertos los que
marcarán una gran distancia entre la intimidad de
estos lied y la ampulosidad de algunas obras
instrumentales (Unidad 2) o la ópera (Unidad 3).
El lied es una canción para voz y piano. La
voz sobre un poema romántico. El piano,
también. No es un mero acompañamiento
a la melodía sino que la composición para
el piano “canta” el sentido de las palabras.
Muchos de estos lied son estróficos es
decir, que tienen la misma melodía en
cada estrofa del poema o con alguna
variación.
Escucha en Gute Nacht
las dos primeras estrofas con la
misma melodía.
La tercera estrofa es un poco
distinta, con matices más dramáticos.
La melodía de la última estrofa
tiene además una variación tonal. Los
versos de despedida en la puerta de la
amada están en una tonalidad mayor,
alegre, como conteniendo en esas
notas la felicidad pasada, y volviendo
en el último verso al tono menor, a la
triste realidad de la ruptura.
Conocimiento previo
Dietrich Fischer-Dieskau es un barítono alemán. Esta obra está escrita
originalmente para tenor pero se han hecho versiones para casi todas las tesituras.
La voz de barítono es una de las que más interpreta El viaje de invierno.
Pregunta Verdadero-Falso
Escucha el último lied de Viaje de invierno interpretado por Dietrich FischerDiesKau.
Se trata de un Lied estrófico
Verdadero
Falso
2.1. Canción española de concierto
El lied atravesó todo el siglo XIX y el siglo XX asimilando los estilos y nuevos lenguajes que
modelaban la música con gran rapidez a partir de finales del XIX. Una de las formas que adoptó
tenía que ver con lo que se denomina nacionalismo musical y el uso de material sonoro
popular.
Puede que haya un cierto complejo de inferioridad de la música española desde el siglo XIX,
muchas veces establecido por la poca repercusión en los escenarios internacionales, por la falta
de recursos para que muchos compositores e intérpretes estuvieran en contacto con las
vanguardias, o para que sus avances tuvieran un reflejo en la programación de nuestros
escenarios.
En este apartado, queremos mostraros sin complejos la manera en que la canción evolucionó
desde finales del siglo XIX hasta mediados del XX. De Granados, Turina y Falla hasta Toldrá y
Montsalvage.
Actividad
Escucha esta lista de reproducción
Objetivos
¿Qué importancia le das a la canción de concierto española dentro del
panorama histórico internalcional?
Ésta es la última pregunta de un cuestionario elaborado por el crítico musical
Francisco García-Rosado dirigido a una serie de cantantes y pianistas participantes
en una grabación. Se trata de unos CDs recopilatorios de este tipo de música
publicados por la Fundación Antón Gracía Abril.
Mira lo que respondieron a esta pregunta el pianista Rubén Fernández Aguirre y la
soprano Ainhoa Arteta.
Pregunta de Elección Múltiple
¿Quién compuso la canción Después que te conocí?
Falla
Turina
Toldrá
Granados
3. Pierrot Lunaire
y, sin embargo, esta música le resulte
extraña.
Fragmento de audio:Pierrot Lunaire. Shoenberg. Naxos.
Es probable que cualquier persona de tu entorno que
no esté vinculada al arte asuma con normalidad
esto:
Las dos obras son de 1912 y 1914
respectivamente.
Ambas representan las rupturas de
las vanguardias artísticas del siglo XX.
Cien años después, una reproducción
de un cuadro de Kandinsky adorna la
sala de espera de tu dentista. La obra
de Schoenberg no llenaría el teatro de
tu ciudad.
Esta música de Schoenberg es Atonal.
Una canción de Purcell (tema 3) o cualquier
canción pop están compuestas bajo las
normas de la tonalidad. En la música tonal
lo que suena bien o mal tiene que ver con
que unas notas son más importantes que
otras y se colocan en lugares estratégicos y
que algunas combinaciones de notas se
consideran disonancias y no se usan.
La música a finales del XIX fue rompiendo
estas normas ampliando al límite las
combinaciones de notas que sonaban bien,
colocando notas inusuales en lugares
estratégicos...
Moskow I (W.Kandinsky). Imagen en Wikimedia commons
de EdgarAllanPoe | Dominio público
Pierrot Lunaire Op.21 es
una obra vocal formada
por 21 canciones. Suele
situarse dentro del
movimiento artístico
denominado
Expresionismo y en su
ambientación resuena el
cabaret.
Se interpreta con una
“orquesta” de cinco
instrumentistas que van
Schoenberg dio un paso más: inventa un
sistema en el que cualquier sonido era igual
de importante que otro, la lógica de la
composición habría que buscarla en otro
sitio, no en esas normas tan burguesas de
la tonalidad.
variando según la canción
y una cantante que utiliza
la técnica Sprechgesang
o canto hablado.
Schoenberg escribió varios
párrafos para indicar cómo quería que se interpretase la voz.
Las líneas melódicas de los instrumentos y la voz se mueven de manera contrapuntística,
imitándose y persiguiéndose.
Imagen de partitura de marshall2024 en Flickr con licencia CC BY SA
Objetivos
En esta página hay varias versiones de Pierrot Lunaire. Es interesante para ti
escuchar cómo un intérprete hace suya una obra tan peculiar.
Pregunta de Selección Múltiple
Pierrot Lunaire es una obra para 5 instrumentistas pero no para 5 instrumentos sino
para 8. Son los que aparecen en las opciones de la pregunta.
canción del Pierrot.
Violín
Flauta
Clarinete
Piccolo
Clarinete bajo
Piano
Violonchelo
Viola
Mostrar retroalimentación
4. Lux aeterna
Fragmento de audio: Lux aeterna. Ligeti. Naxos.
Esta masa sonora que se mueve como una duna, aparentemente sin melodía, sin ritmo, es Lux
Aeterna una obra compuesta por György Ligeti (1923-2006) en 1966.
Ligeti, nacido en la región de Transilvania, entonces Hungría, y de origen judío, perdió a su
familia en los campos de concentración durante la segunda Guerra Mundial.
Está escrita para un coro de 16 voces sin acompañamiento instrumental. Son 16 líneas que se
mueven independientes encontrándose en armonías que cuando llegan a nuestros oídos
empiezan a disolverse y se dirigen a otro punto.
La técnica se conoce como micropolifonía.
En esta primera página de la partitura vemos 4 líneas de soprano y otras 4 de contralto (más
adelante aparecerán las 4 líneas de tesitura tenor y las 4 de bajo).
Un tempo Sostenuto, molto calmo.
Una intensidad pp sempre (muy suave siempre).
Una textura contrapuntística, llevada a cabo con una imitación entre las voces que combina
patrones melódicos y rítmicos.
Lux Aeterna es una partitura muy difícil de interpretar. El coro transmite un timbre
relacionado con la música electrónica a la que Ligeti estaba vinculado.
Visto de otra manera, lo que percibimos tiene algo de extraterrestre, un sonido que llega de
otro mundo. O así lo entendió Stanley Kubrick que “tomó prestada” esta música para su
película 2001: una odisea en el espacio.
Conocimiento previo
Stanley Kubrick utilizó música de Ligeti en varias de sus películas (El Resplandor,
Eyes Wide Shut). Pero la primera vez fue en 2001: una Odisea en el espacio y sin
contar con el compositor.
Kubrik despidió al músico que había contratado para la banda sonora y utilizó
fragmentos de Lux aeterna y el Requiem de Ligeti en algunas escenas de la película.
Ligeti demandó a Kubrick por la apropiación de su música sin permiso. Solicitaba un
dólar. Ganó el juicio y la fama mundial.
Pregunta de Elección Múltiple
¿Cuál de estas músicas que aparecen en la película 2001: una odisea en el espacio
crees que es música atonal compuesta por Ligeti?
A
B
C
D
A
B
C
D