La Composicón

I.E.S.Lluis Simarro/ Curso 2010-11/ Historia del arte 2º Bach.
LA PINTURA DEL RENCIMIENTO : EL QUATROCENTO
La pintura del s.XV va a experimentar una enorme evolución, desde el empleo de las
formas aún ligeramente decorativas y el uso de dorados y vistosos colores de Fra
Angélico, en la primera mitad del siglo, hasta la consecución, por ejemplo, de los
magníficos sistemas compositivos empleados por Mantegna van a sucederse toda una
serie de aportaciones pictóricas que depurarán el lenguaje renacentista. Sin embargo,
puede apreciarse en general un interés por la representación volumétrica de las figuras,
la COMPOSICION narrativa de las IMÁGENES
LA PINTURA DEL QUATTROCENTO ITALIANO
Se caracteriza por la representación verista de la naturaleza, las dimensiones y la
profundidad.
Habitualmente se suele establecer una división de la pintura quattrocentista por escuelas
principales, en función de la zona geográfica:
Escuela de Florencia
De la Escuela de Florencia serán principales representantes: Fra Angélico y Masaccio
("creador" de la perspectiva), además de Piero Della Francesca (maestro en el uso de la luz),
Ghirlandaio, Paolo Ucello (para el que será importantísima la profundidad), Andrea del
Castagno o el excelso Botticelli (maravillosas serán sus exquisitas y melancólicas
composiciones de temas mitológicos).
CARACTERISTICAS
- La pintura se independiza de la arquitectura.
- Los artistas empiezan a gozar de mayor libertad creativa (transición del artesano al
artista) y su obra una consideración de carácter no sólo manual sino, también,
intelectual (humanismo).
- Las obras reflejan el amor por el hombre y la naturaleza, inspirándose en la antigüedad
clásica (obras literarias, manifestaciones plásticas). El antropocentrismo se convierte
enel eje de la nueva mirada que estos artistas aportan.
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Técnicas y soportes:
°- Pintura mural: se mantiene la tradición del fresco pero va perdiendo importancia,
poco a poco, aunque se conserva para la decoración de muros y bóvedas.
° Pintura de Caballete: irá ganando importancia; sobre tabla y, en menos ocasiones,
sobre tela; se emplean las técnicas del temple (primera mitad del siglo XV) y del óleo
(a partir de la segunda mitad del siglo XV), como consecuencia de la influencia de la
escuela flamenca.
Los Temas (variedad):
° Religiosos: siguen siendo los más importantes pero dejan de ser exclusivos.
Los temas religiosos tradicionales se interpretan con el nuevo espíritu renacentista, se
humanizan o se proponen lecturas neoplatónicas, en consonancia con el resurgir de la
filosofía platónica.
- La Virgen con el Niño es uno de los más frecuentes, pero tratado con gran dulzura y
delicadeza.
- Surgen nuevos temas como La Sagrada Conversación que representa a la Virgen
entronizada acompañada de Santos.
- A veces se representan anacronismos en ambientes y vestidos, ya que los donantes
aparecen vestidos a la manera del s. XV pero en escenas que, según la tradición, se
desarrollan en Palestina o en el próximo oriente.
° Mitológicos (con un sentido alegórico, la mayoría de las veces)
Son temas específicamente humanistas: los artistas se inspiran en descripciones
literarias (la Metamorfosis, de Ovidio, por ejemplo) y en las obras escultóricas de la
antigüedad clásica. Se quiere exaltar los valores que representan estos temas
mitológicos (belleza, perfección, virtud, etc.). Se da importancia al desnudo (no sólo
como expresión de la belleza física, sino como expresión de la belleza espiritual;
equilibrio, en definitiva, entre la dimensión humana y espiritual del ser humano. Se
mantienen los anacronismos en la vestimenta igual que en los cuadros de tema religioso.
° Retratos.
Alcanzan gran importancia por la influencia del humanismo e individualismo
renacentista. Se representan los rasgos físicos y psicológicos del personaje aunque
existe una cierta tendencia a la idealización.
La figura se representa normalmente de perfil o de tres cuartos (ligeramente vuelta hacia
el espectador); primero se representa sólo el busto pero más tarde será representado el
cuerpo completo.
Las figuras se colocan sobre distintos tipos de fondos: monocromos y neutros, celajes
ambiguos, paisajes que no guardan relación con los personajes.
° Rasgos de Estilo (más o menos comunes a la mayoría de los autores):
Existe entre los artistas un deseo de verdad en la representación de la Naturaleza.
Se concede tanta importancia al tema como a la belleza de las formas y la armonía
compositiva.
Se concede gran importancia al dibujo; predomina la línea sobre el color, por lo que los
contornos y dintornos suelen aparecer muy definidos. El dibujo refleja el carácter del
pintor: sereno en Fra Angélico, nervioso en Botticelli,
Preocupación por la perspectiva: mediante ella pueden conseguir una mejor
representación de la Naturaleza, así como la ilusión de la representación espacial
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(tridimensionalidad). Primero se utiliza una perspectiva central, de tipo lineal, con el
punto de fuga excéntrico e incluso se intenta despertar la ilusión de espacios fingidos. A
fines del siglo XV la perspectiva lineal es sustituida por la aérea.
Otro elemento básico es la luz y su influencia en la composición, en la perspectiva y en
el color. Mediante la luz refuerzan el efecto de las líneas y los volúmenes (intentos ya
realizados por Giotto); aunque se conoce el claroscuro (Piero della Francesca, por
ejem.), se prefieren las luces cenitales y uniformes, que aportan claridad a la
composición.
La figura humana es el centro de la representación: los estudios anatómicos, el
intento de establecer un canon ideal de las medidas del cuerpo humano, la importancia
del desnudo, el afán de dotar a las figuras de volumen y relieve, constituyen los ejes de
la representación pictórica.
El paisaje va ganando importancia aunque lentamente. Se busca el naturalismo, pero el
paisaje sigue apareciendo como un telón de fondo con una total desconexión entre él y
las figuras. Sin embargo, se procura que exista una correcta proporción entre el tamaño
de las figuras y el ambiente. El paisaje sirve para obtener los efectos de profundidad y
para enmarcar las figuras.
Se utilizan composiciones complicadas con varias figuras principales e incluso varias
escenas en el mismo cuadro, manteniendo el sentido narrativo de épocas anteriores. El
tema principal siempre ocupa el centro rodeado de numerosos elementos secundarios.
Se mantiene una disposición simétrica de las diferentes figuras.
FRA ANGELICO (1387-1455)
- Profunda religiosidad: huye de lo trágico.
- Rasgos curvilíneos, finos contornos, actitudes serenas (influencias sienesas)
- Colores vivos, de gran riqueza cromático.
- Goticista: abundante uso del dorado; figuras alargadas y curvilíneas; colorido
preciosista.
- Renacentista: volumen y espacio
obras:
• Anunciación. Museo del Prado.
• Frescos del Convento de San Marcos. Florencia.
• Frescos de la capilla de Nicolás V. Vaticano.
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El cuadro fue pintado entre los años 1430 y 1432
Este lienzo del Museo del Prado es un poema a la dulzura y la gracia. El ángel se arrodilla
delante de la Virgen, que, sumisa y dulce, escucha la buena nueva.
Un bello pórtico acoge la escena y subraya la perspectiva con sus bóvedas y arcos.
En el lado izquierdo, Adán y Eva son expulsados del paraíso. Ya están vestidos y el ángel los
echa de un maravilloso jardín lleno de detalles botánicos; flores y frutos lo decoran.
El cuadro esta lleno de detalles minuciosos en los vestidos de los personajes, llenos de
preciosismo, en la perspectiva y el espacio mediante el punto de fuga que determina la arquitectura
y en la tridimensionalidad de los cuerpos.
Fra-angélico, fraile dominico, toca temas casi exclusivamente religiosos y conserva todavía
resabios goticistas junto con aspectos ya claramente renacentistas. La elegancia decorativa y un
estilo realista refuerzan las expresiones de devoción muy logradas en los personajes.
.
El tema principal de la obra se centra en dos figuras, la del Arcángel San Gabriel y María. El
cuadro representa el anuncio de la maternidad de María como madre del salvador en un primer
plano y en un 2º plano la expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal.
Fra Angélico realizó el cuadro de La Anunciación para la iglesia del convento dominico de
Santo Domenico de Fiesole.
En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz
dorada que viene recto hacia la derecha, en el que vuela la paloma del Espíritu Santo
. El jardín que hay delante del pórtico está lleno de flores y hay algunos árboles entre los cuales
puede verse a dos personajes: Adán y Eva, en este caso vestidos.
Representa en conjunto la escena, el principio y el final del pecado, los primeros padres y la
salvación del hijo de María.
En la parte inferior del cuadro hay un banco o predela en la que se narran escenas de la vida
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de la Virgen. La predela se compone de cinco paneles donde se representan cronológicamente
los episodios: Nacimiento y Desposorios, Visitación, Adoración de los Magos, Presentación en
el Templo y Tránsito.
Parece que ante la llegada del ángel María ha dejado de leer el libro que ahora mantiene sobre
la pierna. Tanto ella como la figura del ángel, son dos personajes rubios, de blanca piel y de
manos finas y alargadas.
La Virgen lleva una túnica de color rosado y un manto azul. El ángel está vestido con un traje
de color rosa con franjas de oro. utiliza colores muy vivos que le dan un toque alegre y a la vez
sencillo, al verle me produce intriga y alegría, y creo que la mayoría de las personas que lo
vean sentirán lo mismo que yo, además es un cuadro religioso
Virgen de las Sombras
Autor:Beato Angélico
Fecha:1450 h.
Museo:Convento de San Marcos de Florencia
Características:
Material:Fresco
Estilo:Renacimiento Italiano
La obra de conjunto más importante que realizó Fra Angelico es la decoración de las
celdas y la planta superior del convento de san Marcos en Florencia, ocupado por la
orden dominica a la que pertenecía el pintor en 1436. Como miembro de la Orden de los
Predicadores que era, Fra Angelico intentó emplear el arte como instrumento
pedagógico, dejando de lado el misticismo de generaciones anteriores. Su faceta de
maestro de transición entre el Gótico Internacional y el Quattrocento le deja siempre en
una posición complicada. Este fresco que contemplamos está situado en el corredor al
que se abren las celdas de los monjes, por lo que sería contemplado por todos sus
compañeros de convento. La figura de la Virgen con el Niño en su rodilla preside la
composición, sentada bajo una hornacina de clara inspiración renacentista; a ambos
lados encontramos diversos santos portando sus atributos, dispuestos en diagonal para
crear la sensación de perspectiva. Los fondos dorados han desaparecido para mostrar
una pared con pilastras romanas, siguiendo la arquitectura de Michelozzo o Alberti,
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empleando pan de oro en las coronas de las figuras celestiales. Quizá la característica
más destacable de Fra Angelico sea el colorido que aplica a sus obras, destacando los
azules, rosas o rojos.
Predicación de San Esteban y La disputa
Autor:Beato Angélico
Fecha:1447-49
Museo:Capilla Niccolina del Vaticano
Características:322 x 412 cm.
Material:Fresco
Estilo:Renacimiento Italiano
Sin duda, Fra Angelico se ayudó de colaboradores para el ciclo decorativo encargado
por el Papa Nicolás V en su capilla privada de San Pedro. Esto rebajó, en cierta medida,
el auténtico valor de su arte, muy alejado aquí del ideal de pureza con el que ha pasado
a la historia de la pintura. La escena está dividida por el frente de una pilar decorado en
toda su faja. A la izquierda de la misma se representa a San Esteban, sobre un pequeño
pedestal, que dirige su sermón a un grupo de mujeres que se sientan en el suelo.
Algunos hombres, por detrás de ellas, permanecen de pie. El efecto de profundidad
viene dado por los edificios, cuyos muros, limpios de ornamentación y de tonalidades
ocres, cierran por los lados y por el fondo la composición. En la zona de la derecha, en
el interior de una arquitectura, se escenifica la explicación de los motivos de San
Esteban ante el tribunal. Si la imagen del sermón se muestra mejor formada, la de la
disputa aparece bastante poco creíble, como un postizo que chirría a los ojos del
espectador. Además, su desconexión es tal que las figuras aparecen desproporcionadas
con respecto a la arquitectura que los cubre. Incluso la gama cromática es mucho más
fuerte en esta parte que en la escena al exterior. El único motivo que parece no
distorsionar la imagen viene dado por la postura del santo,
MASACCIO (1401-1428)
- Prescinde totalmente del goticismo.
- Carácter escultórico de las figuras: formas robustas, monumentales, llenas de
dramatismo. Reencarna la monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor
con el ambiente.
- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los contornos y crea
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efectos de luz y sombra para aumentar la sensación de profundidad.
- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.
obras:
• Santísima Trinidad. Santa María Novella. Florencia.
• Tributo de la moneda. Frescos de la capilla Brancaci, iglesia del Carmine, Florencia.
• Expulsión del paraíso. Iglesia del Carmine. Florencia.
Masaccio: La Trinidad Fresco. Hacia 1427. 667 x 317 cm.
Santa María Novella, Florencia.
Además de iniciar la arquitectura del Renacimiento, Brunelleschi es el "descubridor" de la
perspectiva. Hasta ahora no se habían formulado las leyes matemáticas por las que los
objetos disminuyen de tamaño a medida que retroceden hacia el fondo. Fue
Brunelleschi quien proporcionó a los artistas los medios matemáticos de resolver este
problema. La Trinidad de Masaccio es una de las primeras pinturas hechas de acuerdo con
estas matemáticas.
ICONOGRAFIA
La obra representa la TRINIDAD (Dios Padre, Jesús en la cruz y el Espíritu Santo con
forma de paloma blanca) con la Virgen y san Juan bajo la cruz, y los donantes -un
mercader y su esposa- arrodillados. Nos podemos imaginar la sorpresa de los florentinos
al ver esta pintura mural, como si fuese un agujero en la pared a través del que se
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pudiera ver una nueva capilla en el moderno estilo de Brunelleschi. Pero quizás les
impresionó más la simplicidad y la magnitud de las figuras. En lugar de la delicadeza del
gótico internacional, vemos pesadas y macizas figuras; en lugar de curvas suaves,
sólidas formas angulares; y, en lugar de pequeños detalles como flores y piedras
preciosas, arquitectura majestuosamente austera.. Quizás sí que las figuras eran menos
agradables a la vista que aquellas a las que estaban habituados, pero eran mucho más
sinceras y emotivas.
El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo en la cruz es muy elocuente e
impresionante porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura. Sus
figuras, efectivamente, parecen estatuas, lo que se realza mediante la perspectiva del
marco que las encuadra. Parece que las podamos tocar, y esta sensación es la que hace
de ellas y de su mensaje algo nuevo para nosotros.
La Composicón
¿Por qué Masaccio inscribe este tema religioso en una arquitectura brunelleschiana?.
Por coherencia con el significado conceptual del fresco. Este representa a la trinidad
cuyo símbolo es el triangulo, y la composicion queda rigurosamente inscrita en un
triangulo. Pero si el pintor hubiese querido expresarse por símbolos no se habría
limitado a implicar el triángulo en la disposición de las figuras. El símbolo, al que con
tanta frecuencia recurría la pintura del Trecento, no interesa ya a Masaccio, le interesa la
idea, y ésta no se comunica mediante símbolos sino a través de formas clarísimas.
LA TRINIDAD ES UNA IDEA DOGMA, y no hay dogma sin revelación ni revelación
sin forma. En su eternidad, el dogma es también historia, y por ello las figuras, incluso
la del Padre, son figuras reales e históricas que "ocupan un espacio". Pero el espacio que se
revela y se concreta con el dogma debe ser un espacio verdadero, cierto, absoluto,
histórico (es decir, antiguo y actual) como el dogma mismo: y este espacio es, para
Masaccio, el espacio prospéctico de la arquitectura de Brunelleschi. (Argan, G.C., ob.,
cit., pág. 140)
"Lo más bonito, sin embargo, a parte de las figuras, es la bóveda de medio cañón dibujada en perspectiva y
dividida en compartimentos cuadrados que contienen rosetones escorzados y retrocedidos de manera tan
habilidosa que la superficie parece estar dentada "
(dijo Vasari de esta pintura en el s. XVI).
Los Recursos pictóricos:
La gran cantidad de estudios que tratan sobre La Trinidad de Masaccio no han dado
ninguna importancia a cómo su iluminación y su perspectiva relacionan el mundo pictórico
con el real, y cómo, al situar a los donantes en un escalón inferior, delante de la capilla,
Masaccio pretende indicar que se encuentran en nuestro lado de la pared de la iglesia,
justamente dentro del espacio y la luz de la nave.
La arquitectura está iluminada desde la izquierda, o desde el sudoeste, que es de donde
viene la luz predominante en el conjunto general de la nave. En términos pictóricos, el
único hueco posible que podía permitir el paso de la luz en la capilla de la Trinidad es el
arco a través del cual vemos el fresco, lo que podía crear la impresión de que la
iluminación del interior debería simular su procedencia del exterior (...): lo que
resultaba nuevo en este caso concreto es el concepto de luz pictórica entendido como extensión
de la luz en la iglesia, lo que hace que ésta no pueda llegar libremente a cualquier lugar del
espacio pictórico por estar condicionada por la distancia de éste respecto a la fingida
obertura. Pero la luz que ilumina al donante masculino tiene una consistencia distinta
que la que ilumina la arquitectura. Observemos cómo la nariz y la mejilla de María
aparecen sombreados como si estuvieran iluminados desde el lado derecho, y la parte
inferior a la izquierda de san Juan proyecta una sombra contra el muro. Todo ello
implica que las figuras están iluminadas no por la fuente de luz del interior de santa
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María Novella, sino por una fuente sobrenatural, la que emana del halo de Cristo al
interceptar los rayos dorados que brotan de la cabeza del Espíritu Santo. Además, la
sombra al lado de san Juan sirve para destacar el rosa de su manto y si la cara de María
se iluminase frontalmente perdería su fuerza dramática. En cambio, Cristo y Yahvé
reciben una luz frontal que resulta apropiada y conforme con la presentación de ambos
bajo una perspectiva frontal y no escorzados desde la parte inferior del cuadro. Masaccio
concentra, pues, la luz en las figuras sumiendo el interior de la capilla en una fuerte penumbra que
(el virtuosismo de la bóveda hubiese acaparado la
atención del espectador) y dirige el punto de mira del espectador hacia las figuras
mismas, cuya pálida piel absorbe la luz.
La policromía aparece en las terracotas y en los rosas y azules de los casetones de la
bóveda; al unir estos colores con el rosa, el rojo y el azul oscuro de los vestidos,
Masaccio establece un equilibrio, abstracto en su orden pero enraizado con las cosas
materiales -la ropa, la piedra y la terracota.
domina la perspectiva arquitectónica
El contexto y el estilo revolucionario de Masaccio:
En la época que pintó este fresco Masaccio era un pintor joven y de absoluta actualidad.
Es por ello que una de las más poderosas familias florentinas después de los Médicis le
encargara su realización en un lenguaje que nadie aún había tenido oportunidad de
contemplar. Frente a la imagen plana del Gótico italiano, que bloquea la mirada sobre la
superficie a través del fondo dorado, lo que Masaccio y los pintores de su generación
planteaban era ni más ni menos que abrir una ventana imaginaria sobre una supuesta
realidad pictórica. Habían logrado abstraer la mirada humana para proporcionar un
ordenamiento racional del mundo visible; así, en este cuadro se finge abrir una capilla real, con su
altar y todo, donde tiene lugar ante el fiel el misterio de la Santísima Trinidad. En el
primer término situó el clásico altar que se construía en las capillas laterales de las
catedrales mediterráneas. En él se abre un nicho, con un sepulcro donde la figura de un
esqueleto se rodea de una inscripción que reza: "Fui lo que tú eres y serás lo que yo soy".
Sobre este espacio aparecen los donantes, el gonfaloniero, el más alto cargo cívico, con
traje rojo, y su esposa. Esto supone una ruptura total con el arte precedente, que
adjudica a los donantes un tamaño menor al de las figuras divinas en atención a su
menor jerarquía en la concepción teocrática del mundo. Aquí, sin embargo, se respetan
las recién aplicadas leyes de la perspectiva y la proporción para plantear dos figuras de tamaño
natural, similar al de los personajes divinos, y pintados en escorzo al tener en cuenta la mirada
del fiel, que los contempla desde el suelo. Sin embargo, sí existe una diferencia en el nivel de
la jerarquía de los donantes y los santos, pero se expresa en un lenguaje diferente: tras los
donantes se abre una supuesta capilla real, donde la Virgen y San Juan lloran a los pies
de la cruz, donde Cristo aparece en eje con la paloma del Espíritu Santo y la figura de
Dios Padre. Los puntos de vista para unos y otros son diferentes: punto de vista desde abajo
para los donantes, que fingen pertenecer al espacio real del espectador. Punto de vista
frontal para el misterio cristiano, que adquiere así un espacio sobrenatural. A la intención de
realidad Masaccio suministra recursos tales como el claroscuro, que proporciona sombras
y luces en vez de un fondo plano, y un diestro manejo de las texturas y las gamas
tonales para dar tangibilidad y solidez a los cuerpos.
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SANDRO BOTICELLI
EL NACIMIENTO DE VENUS
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QUATTROCENTO EN FLORENCIA.SANDRO BOTTICELLI
El renacimiento italiano es dividido por los estudiosos en dos periodos : Quattrocento (siglo XV) y
Cinquecento (siglo XVI).
EL QUATTROCENTO es el periodo inicial, un siglo caracterizado por la innovación y el
descubrimiento, la inquietud cultural y el interés por el hombre (antropocentrismo). Los pintores de
esta época indagan en la luz, el color, las anatomías, el paisaje, y, sobre todo, en la perspectiva y la
sensación de realismo.
Autores como Massaccio, Ucello, Bellini, Verrochio, Mantenga, Pollaiuolo y otros, reflejan en su
pintura la corporeidad de los personajes, sus rasgos personales, fondos pictóricos bastante realistas
y creíbles y estudian afanosamente las proporciones, la armonía en la composición y la distribución
de los volúmenes.
La ciudad de Florencia es la capital del arte renacentista del Quattocento, gracias al desarrollo
económico y al apoyo de numerosos mecenas, sobre todo la familia de los Médicis.
Uno de los más interesantes pintores de este periodo es Botticelli (1445-1510), pintor florentino
que además de lo habitual en los pintores de su época, trató con singular maestría la sensualidad
femenina encuadrada en temas mitológicos de la antigüedad clásica. Son muy destacables sus
trazos elegantes y la fuerza expresiva de sus líneas.
Botticelli realizó muchas obras, las más conocidas y apreciadas son el nacimiento de Venus y la
Alegoría de la primavera ,son obras muy celebradas como logros estéticos y mitológicos.
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Obra: La primavera.
Autor: Sandro Botticelli.
Cronología: Segunda mitad del S.XV. Quatrocento (1477-1482).
Estilo artístico: Renacimiento.
Género artístico: Pintura (temple) sobre tabla.
Otras obras: El nacimiento de venus, Palas dominando al centauro, El
hombre del medallón...
ANÁLISIS
Esta es una pintura al temple sobre tabla
Galleria degli Uffizi, Florence.
203 x 314 cm Pintura - Témpera sobre madera 1492 c..
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Personajes que aparecen
Apolo, Venus, Afrodita, gracias, Flora, Céfiro, Cloris, ninfa, ninfas
Descripción
Apolo aparece en la esquina extrema izquierda. En el centro está Venus, a la izquierda
de Venus están las tres Gracias, y a su derecha la diosa Flora. En el lado derecho de la
pintura está el dios Céfiro del viento persiguiéndo a la ninfa Cloris. La respiración del
Céfiro ocasiona que la ninfa brote flores de su boca.
© Galleria degli Uffizi, Florence.
203 x 314 cm Pintura - Témpera sobre madera 1492 c..
CARACTERISTICAS GENERALES:
Esta obra está situada en la pintura del Quattrocento (S.XV) concretamente en
la segunda mitad.
La pintura de esta época de caracteriza:
a) Por su total independencia, ya que no es utilizada para adornar la
arquitectura
b) Por la aparición de nuevos temas, como son las alegorías , los temas
mitológicos, las pinturas totalmente paisajísticas y los estudios de la
anatomía e incluso los desnudos integrales.
c) Da mucha importancia al dibujo la composición y la armonía.
d) Usa diversas técnicas. pintura mural y sobre lienzo (tela) y uso del
temple (clara de huevo) hasta finales de siglo que llega el óleo (aceite de
linasa).
e) El quattrocento se subdivide en dos momentos;
1) La primera mitad del siglo caracterizado por el estudio del volumen, la
perspectiva y la monumentalidad.
2) La segunda mitad del siglo, que es una pintura más delicada, narrativa,
movida y con detalles cotidianos
Al igual que podemos observar dos momentos en el quattrocento también
podemos diferenciar tres tendencias:
1) Continuación del gótico lineal (gran uso de la línea, el dibujo, perspectiva
y dibujo alegre con autores como Fra Angelico).
2)Experimentación normativa (gran avance del volumen y el espacio que se
puede ver en autores como Masaccio y Piedro della Francesca).
3) Gusto por lo complicado y rico (donde abundan los detalles cotidianos y
la dinámica y la narrativa en sus obras. Aquí encontramos autores como
Botticelli) de donde procede el autor de esta obra; Botticelli,que se formó en un
taller de orfebrería, convirtiéndose en el pintor favorito de los Medicis, hace un
arte menos revolucionario y más dulzón, aunque será una de las personalidades
más influyentes y famosas de su época. Botticelli representa el espíritu
neoplatónico con formas delicadas, suaves, bellas y sensibles.Suele hacer
grandes cuadros mitológicos, que son alegorías de carácter didáctico-moral
sobre la educación de los jóvenes. Su pintura es elegante y decorativa, al gusto
refinado de la Florencia de finales de siglo XV. El color no le sirve para modelar
y sus figuras son planas, pero sus pinturas rezuman clasicismo y por ello trabajó
para los Medicis en una atmósfera refinada, clásica, humanista y elitista.
Sus dos mejores obras mitológicas las hace para los Medicis, La primavera, y El
nacimiento de Venus, que simbolizan el amor y la belleza.
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Otras obras de esta etapa con predominio del dibujo y la mitológia son la
Madonna del Magnificat, El hombre del medallón y las Cuatro tablas de la
historia de Nastagio Degli Honesti.
A partir de 1491 su pintura cambia, influido por las predicaciones del monje
Savonarola, ilustra sus sermones y abandona el espíritu profano de su estilo. Sus
últimas obras son muy religiosas, y enlazan una gran espiritualidad gótica,
desaparecen los vestidos de gasa y los tocados complicados; todo el encanto de
la línea caligráfica se torna en nerviosismo dramático, su pintura se hace
nerviosa y pesimista, un ejemplo de este cambio puede ser: La Calumnia de
Apeles ( que es una alegoría de las malas virtudes frente a la desnuda verdad) y
La Piedad de Munich.
COMENTARIO
Esta obra a la primera etapa, en la que trabajó con los Medici y es una
alegoría del reino del amor, divulgada por la filosofía neoplatónica
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COMPOSICION En el centro de la imagen, sirviendo además de eje compositivo
nos encontraríamos con Venus, destacada no tan solo por la posición preminente,
sino porque en torno a su cabeza, se dibuja una especie de aureola con la
vegetación.
Aparece representada con los atributos de una mujer casada, simbolizaría la
fuerza creadora del orden natural. Sobre ella se encuentra Cupido, que lanza una
de sus flechas hacia una de las ninfas que acompañan a Venus. A la derecha del
espectador aparece Céfiro, uno de los vientos, que persigue a la ninfa Cloris que,
en el momento en que éste la toca empieza a expulsar flores por la boca para
transformarse en Flora, diosa de la vegetación y de las flores, que nos mira
sonriente a la vez que parece ir esparciendo las flores que conforman su vestido.
A la izquierda (del espectador) se representan las Tres Gracias, las servidoras de
Venus, muy apreciadas por los neoplatónicos, que les van a atribuir las mismas
virtudes que a la diosa. Aparecen realizando una especie de danza, vestidas con
telas semitransparentes, correspondiéndose la que está más a la izquierda del
cuadro con “Voluptas”, la de la derecha con “Pulchritudo” y la que está de
espaldas, hacia la que apunta la flecha de Cupido, con “Castitas”, que
precisamente se vuelve hacia el dios Mercurio, pintado a la izquierda de la
composición. Mercurio, mensajero de los dioses, sería también el nexo de unión
entre la tierra y el cielo.
Mediante este complejo relato se trataría de crear uno de los círculos
neoplatónicos del Amor. Éste surge en la tierra mediante la pasión (representada
por la actitud de Céfiro) y regresa al cielo como contemplación (la de “Castitas”
hacia Mercurio y la de éste hacia el cielo). Esto para un neoplatónico es lo mismo
que decir que el amor carnal no es el verdadero (así desaparece al tocarlo, igual
que Cloris), sino que debe convertirse para que sea real, en un amor
contemplativo, espiritual e idealizado (platónico).
La rememoración de este tipo de mundo se hace mediante la ausencia de
perspectiva, para construir un escenario que no sea real. El protagonismo, como es
característico del pintor le corresponde a la línea que marca un suave ritmo
ondulante, haciendo parecer a las figuras como bailarines de un mundo ajeno al
real. La composición se estructura a base de triángulos, contribuyendo a dotar aún
más al cuadro de sensación de serenidad.
La luz es homogénea, no crea sombras ni aparece claramente identificada y con
respecto al color, predominan los tonos suaves, destacando los complementarios,
como el rojo y el verde.
Más allá de las interpretaciones simbólicas, la pintura contiene una fuerte
carga de feminidad y de deseo. Toda alusión al amor y a su disfrute, toda
referencia a los placeres de la vida está captada con la elegancia y
refinamiento propios de Botticelli, con la delicadeza del trazo y el esplendor de
los colores y la luminosidad de la obra.
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EL NACIMIENTO DE VENUS
Sandro Bottticelli /Pintura del Quattrocento Italiano/Escuela de Florencia
Boticcelli se formo con Filippo Lippi y trabajó para las grandes familias
Florentinas , sobre todo los Medici
TEMA: Mitologico Representa a VENUSla Diosa del amor y la Belleza llegando a
la costa sobre una concha tras haber nacido de la espuma del mar
Cefiro , el viento del Oeste y la ninfa de las flores, Cloris su esposa vuelan
enzarzados impulsando con su soplo de viento a Venus.
En la Orilla la espera la Primavera con un manto bordaado de flores para
arroparla.
SIMBOLISMO el cuadro esta lleno de simbolos que aluden al amor idealizado del
platonismo , La concha sobre la que va la Diosa simboliza la Fertilidad
Las rosas simbolizan la alegría del amor pero también las amarguras con sus
espinas.
La guirnalda que se ciñe sobre la primavera simboliza el amor eterno.
COMPOSICION La composición es triangular y simétrica , la figura central es la
Diosa muy seren y la tensión y el movimiento lo dan los dos conjuntos de la
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derecha y la izaquierda , Cefiro y Cloris completamente enlazados y flotando y la
primavera envuelta en amplios y vaporosos ropajes movidos por el viento
TECNICA Boticelli no utiliza la perspectiva , el paisaje es convencional e idílico
Prima la línea y el dibujo ,las figuras están dibujadas con una línea negra nítida
que delimita el contorno
Utiliza colores suaves y las figuras femeninas tiene una gran palidez que
contrasta con la piel oscura de Cefiro
Las figuras están idealizadas , son esbeltas y delicadas
LA SENSACION DE IRREALIDAD se acentua con la esquematización del fondo y
el detallismo y minuciosidad en los detalles
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LA ANUNCIACIÓN. FRA ANGÉLICO.(1420).
Este lienzo del Museo del Prado es un poema a la dulzura y la gracia. El ángel se arrodilla
delante de la Virgen, que, sumisa y dulce, escucha la buena nueva.
Un bello pórtico acoge la escena y subraya la perspectiva con sus bóvedas y arcos.
En el lado izquierdo, Adán y Eva son expulsados del paraíso. Ya están vestidos y el ángel los
echa de un maravilloso jardín lleno de detalles botánicos; flores y frutos lo decoran. Puedes
recrearte en los vestidos de los personajes, llenos de preciosismo, en los estudios perspécticos del
espacio y en la tridimensionalidad de los cuerpos.
Fra-angélico, fraile dominico, toca temas casi exclusivamente religiosos y conserva todavía
resabios goticistas junto con aspectos ya claramente renacentistas. La elegancia decorativa y un
estilo realista refuerzan las expresiones de devoción muy logradas en los personajes.
RETRATO DE GIOVANNA TORNABUONI. GHIRLANDAIO.1488.
Doménico di Tommaso, llamado Ghirlandaio es otro de los pintores florentinos del Quattrocento.
Nació en Florencia en 1449 y moriría en la misma capital toscana en 1494. Conoció a Leonardo y a
Rafael y tocó diversas temáticas pero tratadas todas con lujo y refinamiento.
Como retratista es esta su obra más celebrada. En ella vemos a la bella Giovanna, elegante y
sofisticada, retratada de perfil, lo que magnifica su distinción, y ricamente vestida. El cuadro es un
canto a las virtudes de la muchacha: las cuentas de coral simbolizan el amor a Cristo, el libro su
sabiduría y cultura y las joyas su elevada posición social. El perfil recortado sobre fondo neutro
realza la prestancia de la joven Tornabuoni, que, por cierto, la pobre moriría ese mismo año. En la
cartela podemos leer en latín " ¿ podría el arte retratar su carácter? ".
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PAOLLO UCCELLO (1396-1475)
- Preocupación por la, perspectiva.
- Colores planos y violentos escorzos.
obra:
• Batalla de San Romano.
PIERO della FRANCESCA (1416-1492)
- Fue el primer pintor en codificar las reglas de la perspectiva.
- Emplea una luz irreal, artificial, que da al conjunto una sensación de ser algo
sobrenatural.
- Figuras voluminosas sin movimiento, de rostros poco individualizados.
- Paisajes y ambientes de construcción geométrico.
obras:
• El sueño de Constantino.
- Historia de la Santa Cruz, Iglesia de San Francisco de Arezzo.
• Retrato de Federico de Montefeltro.
BENOZZO GOZZOLI (1420-1497)
- orientalismo: predominio de lo anecdótico.
Obra:
• Cabalgata de los reyes. Capilla del palacio Medici. Florencia.
FRA FILIPPO LIPPI (1406-1469)
- Humanización y refinamiento de las figuras.
• Virgen con el Niño.
DOMENICO Ghirlandaio (1449-1494)
- Pintura narrativa y profana.
- Gran retratista.
• Un ayo con su pupilo.
• Frescos de Santa María Novella.
De entre todos, el que mejor encarna los valores de este primer renacimiento es, sin
duda:
SANDRO BOTTICELLI (1444-1510)
- Formación neoplatónica: intenta conjugar la mitología pagana con el cristianismo.
- Composiciones melancólicas e idealistas.
- Gran dibujante: predomina la línea sobre el color. Dibujo nervioso de línea ondulantes
que forman arabescos.
- Prestó especial atención a la figura femenina.
Obras:
• La Primavera
• Nacimiento de Venus.
• Virgen del Magnificat.
• Virgen de la Granada.
• Historia de Nastaglio degli Honesti. Museo del Prado.
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ANDREA MANTEGNA (1431-1506)
De este pintor hay que destacar su pormenorizado tratamiento del espacio a través de la
perspectiva y el modelado casi escultórico de las figuras, tanto en sus actitudes como en
la expresividad de sus rostros y gestos.
Obras:
- El tránsito de la Virgen.
- Cristo muerto (extraordinario ejemplo de cuerpo representado en escorzo)
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