Descargar - Coordinación de Estudios de Posgrado

IX COLOQUIO DE ALUMNOS DEL POSGRADO EN
MÚSICA
PROGRAMA
MIERCOLES 4 DE JUNIO
Maestría
Audiovisuales
Mesa 1, 10:00 – 12:20
10:00 – 10:35
Alviar Cerón, Maria José (Etnomusicología, 2° semestre)
Mtra. Lizette Alegre González (Tutora Principal)
Dr. Gonzalo Camacho (Comentarista)
Reflexiones sobre las dinámicas en torno a los músicos de bandas pelayeras en San Pelayo,
Córdoba, Colombia.
La práctica de las bandas pelayeras se constituye en un subsistema musical del Caribe colombiano
en el que convergen diversas expresiones alrededor de un elemento nuclear: El porro. Sin
embargo, los músicos, las ocasiones performativas y los géneros musicales se desarrollan en un
permanente diálogo, dando lugar a una evidente complejidad en su ejercicio.
A pesar de ello, la postura de algunas instituciones -con la influencia de ciertos personajes- ha
creado un imaginario en torno a lo tradicional que se mantiene vigente en la comunidad de San
Pelayo, Córdoba, como una manera de calificar y juzgar el desempeño de los músicos y sus
agrupaciones. Además, este imaginario suele ser selectivo y generalmente excluye la diversidad
de prácticas que existe en el mencionado entorno musical.
La primera inmersión en campo ha permitido explorar las dinámicas que tienen lugar en este
municipio en torno a los músicos y sus expresiones musicales, incluyendo tensiones, distinciones,
emociones y juicios de valor. Estas dinámicas sin duda van más allá de la preocupación por la
música misma y comprenden situaciones que son posibles de observar tanto en las
representaciones que se encarnan en el discurso como en las propias prácticas de los agentes.
Así, ciertos elementos que son parte de un sustrato material, son a su vez generadores de las
ideas que constituyen los imaginarios, entrando en una relación de construcción mutua entre los
hechos y sus representaciones.
La ponencia se propone dar cuenta de un avance de la investigación en el que se analiza la
relación entre cuatro elementos centrales que ponen de manifiesto las dinámicas referidas en los
músicos: a) el nivel de profesionalismo, b) el linaje, c) la pertenencia a ciertas bandas o a ciertos
grupos de músicos y, d) el contacto con otros géneros musicales y el ejercicio en los mismos.
10:35 – 11:05
Ávila Corona, Rubén (Educación musical, 2° semestre)
Mtra. Martha Gómez Gama (Tutora principal)
Mtra. Alejandra Contreras Dávalos (Comentarista)
“El aprendizaje musical informal de estudiantes de nivel medio superior del Instituto de
Educación Media Superior del Distrito Federal. Un estudio de caso”
El propósito de la presente investigación es generar información sobre los aprendizajes musicales
no formales mediante la participación en comunidades de práctica auténticas (Barriga, 2006) de
algunos jóvenes ex-alumnos del plantel “Felipe Carrillo Puerto” del IEMS (Instituto de Educación
Media Superior del Distrito Federal), tomando como referencia el Informal Learning Model acuñado
por la investigadora londinense Lucy Green, para describir, analizar y reflexionar sobre su
experiencia musical.
Actualmente el IEMS depende de la Secretaría de Educación del Distrito Federal y cuenta con 20
planteles. Dentro del marco de formación integral que pretende el IEMS se incluyen asignaturas
obligatorias de Música y Artes Plásticas. Una de las situaciones que observo como profesor de
esta institución, es la ausencia de una formación musical formal en sus estudiantes, previa a que
cursen la asignatura de música. Sin embargo, algunos de ellos muestran tener una experiencia
musical en lo que Hargreaves (1986) llama “el tercer entorno” de aprendizaje, distinto al contexto
familiar o al escolar formal. Este ámbito de aprendizaje lo componen lo que él llama organizaciones
comunitarias, (ya sean en el mundo físico o en el virtual) no formales, autogestivas, independientes
y libres. En el caso de un estudiante del IEMS, éstas pueden ser el grupo de amigos con los que
toca rock, el grupo de música versátil integrado por su familia, la banda de viento con la que se
amenizan las fiestas patronales de su pueblo o barrio, el colectivo de hip-hop al que pertenece o la
comunidad de internet donde entre pares intercambian mashups y remixes. Ante este panorama
surge la pregunta: ¿cómo aprenden música de manera informal algunos estudiantes del IEMS del
plantel “Felipe Carrillo Puerto” en comunidades de práctica auténtica, inmersas en un tercer
entorno de aprendizaje?
11:05 – 11:40
Ávila Elizalde, Fabián (Tecnología musical, 2°semestre)
Dr. Manuel Rocha Iturbide (Tutor principal)
Mtro. Jorge David García (Comentarista)
“Paisaje sonoro electroacústico, estética del error e intervención del espacio público”
En esta ponencia se expondrán las definiciones de paisaje sonoro electroacústico, estética del
error, espacio público e instalación sonora, con la finalidad de vincularlos para la futura creación de
una obra que entreteja dichas propuestas estéticas, pues en México no hay hasta la fecha un
trabajo similar. En nuestro país, posturas sonoras emergentes y tradicionales están alejadas, lo
cual provoca empobrecimiento creativo y rezago en lo referente a búsquedas estéticas e
investigación académica, de aquí que mi propuesta sirva como intento de acercar a ambas
visiones sonoras.
Para establecer el espacio de reflexión y discusión, se emplearán las ideas sobre paisaje sonoro
electroacústico escritas por Truax y Rocha Iturbide, mientras que la estética del error se tratará a
partir de lo propuesto por Cascone y Márquez. Por otra parte, la idea de espacio público será
tomada de Moles, mientras que las ideas sobre instalación sonora serán las de Rocha Iturbide,
Bandt y Deweppe. La vinculación de todas estas posturas estéticas es compleja y se inclina a lo
polémico dadas las diferencias en cuanto a ideas político-filosóficas que les subyacen, a las
fuentes y tratamientos sonoros que emplean, y a los mensajes que transmiten a través de sus
composiciones. No obstante, esta misma complejidad hace que la discusión y reflexión sea
necesaria y pertinente para enriquecer la propuesta aquí descrita.
11:40 – 12:20
Abondano Flórez, Ivonne Michelle (Composición musical, 2° semestre)
Mtro. Jorge Torres Sáenz (Tutor Principal)
Dr. Roberto Morales (Comentarista)
“Sonido y movimiento: Una experiencia creativa de estimulación recíproca”
Proyecto de investigación teórico-práctico que propone la creación de un ciclo de piezas que
involucren música, danza y procesamiento electrónico en tiempo real, así como la elaboración de
una Tesina en la que se presenten las reflexiones teóricas derivadas del proceso creativo. Las
obras se abordan desde las perspectivas de la improvisación y la creación colectiva como espacios
de exploración que permitan la expansión de las posibilidades técnicas y expresivas de los medios.
Todo el proceso se plantea bajo una consigna de experimentación tímbrica en la que se propone la
creación de un timbre global y su transformación en el tiempo y el espacio. Por esta razón, la
experiencia de la percepción auditiva representa un papel de gran importancia en el proyecto, sin
embargo, también se busca reconocer la influencia y afectación del movimiento en el sonido.
Finalmente, es una propuesta creativa de experimentación y análisis de las posibles interacciones
dadas entre sonido y movimiento de manera recíproca.
Puntos a desarrollar:
 La intermedialidad transmedial como marco teórico del proyecto.
 El timbre. Definición y reflexión de la experiencia creativa.
 Muestra de los avances prácticos. Fragmento de la obra: “La complejidad de lo esencial”
para piano preparado, bailarina con set de objetos y electrónica en tiempo real.
 Conclusiones preliminares y expectativas.
Mesa 2, 12:40 – 15:00
12:40 – 13:15
Pacheco Chávez, Claudia (Interpretación musical, 2° semestre)
Dr. José Antonio Guzmán (Tutor principal)
Dra. Eunice Padilla (Comentarista)
“Fundamentación de una propuesta de ejecución históricamente informada de las dos
Sonatas para piano y violoncello (n.º 1, en mi menor, op. 38, y nº 2, en fa mayor, op. 99) de
Johannes Brahms, con base en fuentes documentales”
Este trabajo de investigación busca sustentar musicalmente decisiones históricamente informadas
para la ejecución de las dos sonatas para piano y violoncello de Johannes Brahms.
Aunque existen textos que abordan el estudio de las dos sonatas, aún es escasa la bibliografía que
ofrece una visión de aspectos técnicos e interpretativos con intenciones históricas. Se ha
encontrado que algunas interpretaciones contemporáneas de música decimonónica muestran
aspectos estéticos y estilísticos ajenos a las prácticas interpretativas del siglo XIX en el ámbito
alemán. De igual forma, se ha podido fundamentar cómo algunos recursos estilísticos “propios” del
periodo romántico, han experimentado importantes cambios de significado (el uso del vibrato como
elemento permanente en la emisión del sonido), mientras que, por el desuso, otros han sido
desechados (el uso recurrente del portamento como recurso expresivo). La toma de decisiones
técnicas e interpretativas informadas, a partir del análisis crítico de estudios, biografías, tratados,
manuscritos, cartas y grabaciones históricas posibilitarán una ejecución musical más cercana a las
intenciones y contexto del autor y brindará resultados que trasciendan la mera copia irreflexiva de
una ejecución en algunos casos impuesta por las imperantes tradiciones interpretativas.
Durante esta ponencia, se tratarán específicamente dos puntos concernientes al capítulo tres de la
tesis: La elección del instrumento (uso de la espiga y el piano de Brahms) y ornamentación (uso
del vibrato y portamento).
13:15 – 13:50
Miranda Astudillo, Luis Daniel (Cognición musical, 2° semestre)
Mtra. Gabriela Pérez Acosta, Mtra. María Concepción Morán Martínez (Tutoras)
Dr. Enrique Octavio Flores Gutiérrez (Comentarista)
“Evaluación cognitiva del Desarrollo Integral de estudiantes de la ENM”
La Escuela Nacional de Música (ENM) de la UNAM continuamente se ha preocupado por
renovarse y mejorar la calidad de la educación que imparte. Teniendo en cuenta la visión de
formación integral que caracteriza a la institución, es pertinente, desde una perspectiva psicológica,
realizar evaluaciones que, aunadas a otras de tipo académico, generen reflexiones y propuestas
que beneficien la formación y desarrollo de los estudiantes.
En este contexto, el objetivo de este trabajo es evaluar el desarrollo cognitivo de los músicos
durante su formación en la ENM. Por lo que se plantea una evaluación de capacidades cognitivas
que permita representar y, en su caso, constatar el desarrollo integral de los estudiantes de la
institución.
Dicha evaluación está basada en un modelo multidimensional que integra diferentes capacidades
cognitivas: inteligencias, desde la teoría de inteligencias múltiples de Gardner (1983, 1999);
creatividad, desde el modelo de actividad creativa de Huidobro (2002); experiencia óptima, desde
la teoría del estado de flujo de Csikszentmihalyi (1998); y sentido de agencia, desde la perspectiva
del bienestar de Sen (1985), Winne y Nesbit (2010), y el enfoque de aprendizaje complejo de
Castañeda, Peñalosa y Austria (2012).
Desde una perspectiva de sistemas complejos, se plantea un análisis de datos a partir de la
construcción de modelos de ecuaciones estructurales, lo que también se conoce como modelado
causal o modelos de ecuaciones simultáneas (Ullman y Bentler, 2001).
Se espera que los resultados sustenten la generación de los apoyos necesarios (cambios en el
currículo, implementación de talleres o actividades extracurriculares, servicios de tutorías, etc.)
para estimular, promover o mantener, según sea el caso, las dimensiones del desarrollo reflejadas
en las evaluaciones.
13:50 – 14:25
Arteaga Portillo, Gabriel (Tecnología musical, 2°semestre)
Mtra. María Haydeé García Bravo (Tutora principal)
Dr. Juan Carlos Barrón Pastor (Comentarista)
“Estrategias didácticas de orientación en el manejo interdisciplinario de herramientas
tecnológicas, para la creación de obras escénicas multimediales”
Una de mis experiencias obtenidas en la conducción de cursos "Multimedia interactiva para artes
escénicas”, se refiere a la dificultad de los participantes para construir planteamientos y desarrollos
de ideas o temáticas que pudieran trabajarse en un equipo compuesto de especialistas. Este
obstáculo se debe al limitado conocimiento de cómo realizar un trabajo interdisciplinario; por lo que
el objetivo de esta ponencia es la propuesta de cinco estrategias didácticas que apoyen a grupos
en la creación y desarrollo interdisciplinario de obras escénicas multimediales.
El contenido de esta ponencia consta de 5 capítulos, que serían las temáticas que se
desarrollarían en un curso hacia el objetivo arriba mencionado. En cada uno se puntualizan los
conceptos teóricos y su utilidad para la didáctica. Así, el primer capítulo contendría una
introducción a la obra escénica vista como un sistema complejo, a partir de la propuesta de
Rolando García, donde se relacionan los elementos en el escenario. El segundo estaría dirigido a
cambiar la perspectiva unilateral de los participantes en la creación de la obra a partir de la
concepción de "situaciones caóticas " propuesta por Antonio Baldassarre, el tercero tendría por
objetivo que el grupo multidisciplinario analizara la forma en que se desarrolla una propuesta
escénica a partir del concepción intermedial propuesta por Klaus Kluver, así como los símbolos y
significados a través de la semiótica Pierciana; el cuarto trataría sobre la forma de crear la idea,
problema y objeto de estudio de una obra a través de una serie de dinámicas grupales. El quinto
trataría sobre el desarrollo de dinámicas donde cada participante o disciplina aporta al desarrollo
de la idea preconcebida.
14:25 – 15:00
Galván Celis, Valeria (Cognición musical, 2° semestre)
Comentarista: Mtra. Gabriela Pérez Acosta (Tutora Principal)
Asesor: Dra. Alma Gabriela Dzib Aguilar (Comentarista)
“La relación entre los procesos de lecto-escritura del lenguaje natural y el lenguaje musical
desde la perspectiva neurocognitiva-cultural”
La relación entre la música y el lenguaje ha sido ampliamente estudiada desde diversas
perspectivas, entre ellas la psicológica, neurocientífica, social, evolutiva y cultural; de manera
general se atribuyen efectos de la música sobre los procesos cognitivos, encontrado relaciones
específicas con aspectos centrales del lenguaje como la prosodia, la memoria y la percepción
tonal, se considera que éstos últimos están presentes en ambos procesos por compartir
características fonético-fonológicas y visuales que se encuentran alojados en estructuras
cerebrales compartidas.
La presente ponencia, permite analizar las relaciones neuro-anatómicas, fonológicas y visuales del
procesamiento del lenguaje que intervienen también en la música, buscando conocer si existen
vías cerebrales compartidas como parte de un proceso evolutivo que expliquen el desarrollo de la
lecto-escritura como una necesidad comunicativa y su relación con características similares en la
música para con ello reconocer los efectos cognitivos musicales sobre los procesos lingüísticos con
una base neurocognitiva. En primer lugar se resalta que la relación entre la música y el lenguaje
tienen un antecedente acústico que llega hasta a la representación visual, pasos que son
necesarios para el proceso de la lecto-escritura de cualquier idioma.
El objetivo es apoyar a niños con dificultades en la adquisición del proceso de la lecto-escritura del
lenguaje materno y de la lecto-escritura musical, tomando en cuenta el desarrollo de dicho proceso
para ambos lenguajes y así emplear procesos musicales que faciliten la adquisición del mismo.
El procesamiento acústico del ambiente dio paso tanto al lenguaje como a la música, generando
estructuras complejas; pero debido a la necesidad de representación gráfica y con fines prácticos,
se desarrollaron alfabetos distintos, bajo los mismos principios, orden y representación, de esta
forma se permite comprender por qué las vías neuronales se comparten tanto en los procesos
lingüísticos como en la música encontrando relaciones estrechas en su desarrollo.
Mesa 3, 17:00 – 19:25
17:00 – 17:35
Hernández Sánchez Alejandra (Musicología)
John Lazos (Tutor principal)
Dra. Margarita Muñoz (Comentarista)
“La música de orquesta en la Catedral de México durante la estancia de José Ignacio
Triujeque entre los años de 1838 y de 1850”
En 1837, después de tres siglos de actividades ininterrumpidas, la capilla de música de la Catedral
de México se desintegró por causas económicas; sin embargo, esto no significó el fin de la práctica
musical en las ceremonias catedralicias. Para mantener su continuidad, se realizó un convenio con
José Ignacio Triujeque (ca. 1786-1850) para presentar una orquesta en las funciones más
importantes de la iglesia. Dentro de este contexto, planteo que la estancia de Triujeque
corresponde a una etapa de reestructuración de la música en las ceremonias catedralicias, que
mientras, mantiene las funciones de una capilla de música, rompe con las formas de organización
novohispanas. Propongo reconstruir la situación de la práctica musical en la Catedral Metropolitana
a partir del método de sincronía y diacronía propuesto por F. de Saussurre. A partir de la sincronía
se abordan las características que definieron este periodo de tiempo; y de la diacronía, los cambios
en relación con las prácticas anteriores. Me interesa analizar cuatro factores principales: 1)
describirla participación de la orquesta de Triujeque en la Catedral; 2) estudiarla colección de 73
obras pertenecientes a Triujeque; 3) explicar el contexto en el que se desarrolló este periodo; y 4)
entender los factores que justifican nuevas formas de participación y organización de los músicos
dentro de la iglesia. Para ello, este proyecto toma como base fuentes archivísticas, documentos
administrativos, ceremoniales y musicales, así como referencias bibliográficas y hemerográficas.
17:35 – 18:05
Ibarra Velázquez, Mario Ernesto Vladimir (Interpretación musical, 4° semestre)
Dr. Alejandro Sánchez Escuer (Tutor principal)
Mtro. Pablo Garibay López (Comentarista)
“Recursos idiomáticos de la guitarra de diez cuerdas explorados enSi le jour paraît... de
Maurice Ohana”
Entre 1963 y 1964, el compositor Maurice Ohana (1913-1992) diseñó la guitarra de diez cuerdas
en afinación de resonancia en colaboración con el guitarrista Narciso Yepes (1927–1997) y el lutier
José Ramírez III (1922–1995). A partir de esta innovación, Ohana contribuyó significativamente al
repertorio para guitarra del siglo XX al escribir su suite Si le jour paraît...(1963–64) y, casi veinte
años después, su segunda suite: Cadran lunaire(1981–82).Pese a esta contribución, las obras para
guitarra de Ohana son relativamente desconocidas y aún menos interpretadas por los guitarristas
de generaciones recientes, lo cual ha derivado en que los alcances y recursos de este tipo de
instrumento sean poco explorados por los intérpretes y compositores. A partir del estudio e
interpretación de Si le jour paraît...propongo cinco categorías de los recursos idiomáticos que
Ohana exploró en esta obra y que sólo son realizables en este tipo de guitarra. Hasta el momento,
me he aproximado a los antecedentes organológicos de esta guitarra, las posturas y búsquedas de
sus inventores, propongo una categorización de sus recursos idiomáticos y he elaborado una lista
de obras que se han escrito para esta guitarra de 1963 a 2014. Con este trabajo, pretendo dar a
conocer a la guitarra de diez cuerdas como un instrumento vigente, actual, con alcances
musicales únicos en la escritura para guitarra, además de propiciar que los intérpretes amplíen sus
posibilidades instrumentales y de repertorio y que los compositores dispongan de una guía de
recursos que puedan explorar en la composición de nueva música para guitarra.
18:05 – 18:40
Romero Anaya, Alejandro (Composición musical, 2° semestre)
Mtro. Jorge Torres Sáenz (Tutor principal)
Dr. Roberto Kolb (Comentarista)
“Una aproximación a Profesor bad trip de Fausto Romitelli desde la intermedialidad”
La obra Professor bad trip (1998-2000) del compositor italiano Fausto Romitelli, que principalmente
se caracteriza por la construcción de objetos musicales híbridos y una estrecha relación con la
música rock y las técnicas de composición espectral, tiene una fuerte relación con el tríptico de
Francis Bacon, Three Studies for Self-Portrait de 1972 y los textos de Henri Michaux L’infini
turbulent, Connaissances pour les gouffres y Misérable miracle. La influencia de ambos artistas en
este compositor permitieron, por una parte, la construcción de un sonido peculiar que parece
derivarse de la relación entre lo visual (la plástica de Bacon), lo verbal (la poesía de Michaux) y lo
musical, planteándose ésta, como una transposición medial que genera una serie de sentidos a
partir de los flujos entre los diferentes media que subyacen en el interior de esta obra. Por otra
parte, la influencia del poeta despierta en Romitelli un sentido crítico ante la música
contemporánea ‘erudita’ posicionando a esta obra como un parangón de la música contemporánea
y como un referente a la subcultura musical anglosajona; es decir, a ciertas formas del rock. Las
relaciones intertextuales que se generan en el interior de Professor bad trip como referencias a
diferentes culturas musicales, la construcción de un sonido híbrido en donde la distorsión, lo
saturado y lo artificial se mezclan en una plasticidad rica en sonoridades, las relaciones que
guardan el tríptico de Bacon y los textos de Michaux con esta obra, hacen de Professor bad trip
una obra en la que conviven diferentes sistemas de signos y diferentes relaciones mediales. El
principal objetivo de este artículo es entender cómo a partir de un proceso intermedial se genera
una postura crítica al discurso de la música contemporánea erudita.
18:40 – 19:25
Campos Arcaraz, María Teresa (Tecnología musical, 2° semestre).
Dr. Pablo Padilla Longoria (Tutor principal)
Dra. Alicia Ortega Aguilar (Comentarista)
“Propuesta de una alternativa a la musicografía Braille basada en el Sistema Abreu de 8
puntos para la escritura musical para ciegos”
En esta ponencia se presentará el planteamiento del problema que dio lugar a la investigación, así
como los objetivos, el procedimiento a seguir y el estado actual del proyecto.
En primer lugar se presenta la musicografía Braille como una herramienta para el estudio de la
música para los ciegos. Se describe y se enumeran las principales fallas, dando lugar al
planteamiento del problema. A continuación se explican los objetivos de la investigación. Entre
estos se encuentran el desarrollar un conjunto de símbolos que sean la base de un sistema
fundamentado en el Sistema Abreu de ocho puntos para la música, que tenga mayor eficiencia que
la musicografía Braille actual y que reduzca la dificultad que tiene ésta con respecto a la notación
convencional. También se creará una versión de un software computacional que permita escribir a
los ciegos en sistema Braille y de ocho puntos, e imprimir lo que se escriba.
La revisión de la literatura realizada permite identificar los problemas generales y específicos de la
musicografía Braille actual, lo que permite trazar una pauta para resolverlos en la nueva propuesta.
Se deben desarrollar métodos para evaluar la nueva propuesta, como aplicar cuestionarios y
realizar entrevistas a las personas que hayan aprendido el nuevo sistema. Se diseñará una regleta
de 8 puntos por casilla que se fabricará con una impresora 3D para poder enseñar y evaluar la
musicografía propuesta.
Sala Huehuecóyotl
Mesa 4, 10:00 – 12:20
10:00 – 10:35
Cardozo García, Alejandro (Musicología, 4° semestre)
Dr. Antonio Ezquerro Esteban (Tutor principal)
Dr. Antonio Corona Alcalde (Comentarista)
“Referencias sobre ministriles en los tratados musicales de Pedro Cerone (1613), Andrés
Lorente (1672) y Pablo Nassarre (1723-1724)”
Sobre la presencia de ministriles (cornetas, chirimías, sacabuches, bajones y bajoncillos) en las
capillas musicales hispánicas de los siglos XVI y XVII, existen numerosos testimonios: los
documentos conservados en iglesias y catedrales. Pero estos documentos aportan poca
información sobre el modo en que se utilizaban dichos instrumentos. Entre las principales fuentes
que brindan elementos sobre su uso, se encuentran en primer término los tratados musicales de la
época, que aportan información acerca de la manera de construir los instrumentos, el modo de
ejecutarlos, los momentos en que se usaban dentro de la liturgia, sus características
organológicas, aspectos de interpretación y orquestación, así como sobre las cualidades técnicas
que debía reunir el músico y su instrumento las cuales deberían evaluarse en el momento de su
contratación. Tres de los más relevantes tratados musicales del siglo XVII, tanto por su gran
difusión como por la influencia que tuvieron en sus contemporáneos y en los compositores
posteriores, son: El Melopeo y Maestro de Pedro Cerone publicado en 1612, El porqué de la
música de Andrés Lorente publicado en 1672 y Escuela Música de Pablo Nassarre que aunque se
publicó ya en el siglo XVIII (1723-1724), se sabe que se compuso muchos años atrás por lo que
supone un reflejo directo de la tradición musical española de la segunda mitad del siglo XVII.
Esta ponencia forma parte de una investigación acerca de la utilización de los instrumentos de
viento en la Catedral Metropolitana de México hacia 1700, para obtener el título de Maestría en
Musicología.
10:35 – 11:05
Bañuelos Hinojosa, Cristian Manuel (Tecnología musical, 2° semestre)
Dr. Felipe Orduña Bustamante (Tutor principal)
Dra. Eunice Padilla León (Comentarista)
“Desarrollo de una aplicación de cómputo para el análisis musical armónico por medio de
representaciones geométricas, basadas en la teoría matemática de la Música”
En este proyecto se utilizan conceptos de la teoría matemática de la Música (TMM), en la que los
acordes y flujo melódico de una obra musical son representados como elementos matemáticos
abstractos que permiten obtener información armónica y estructural de la obra. En particular, es
posible representar gráficamente las regiones tonales por las que modula la pieza, en estructuras
geométricas como la banda de Moebius, el Tonnetz, el grupo algebraico PLR y el grafo armónico.
Se desarrolla una aplicación de cómputo que realiza la visualización de estas estructuras
geométricas, y que sirve como guía de exploración para el usuario, de modo que pueda navegar la
pieza y descubrir patrones implícitos en el discurso armónico de la obra. Se expondrá la forma en
que se traducen los conceptos matemáticos y musicales a un código de programación y el
desarrollo de una aplicación computacional que toma por entrada un archivo MIDI, y obtiene como
resultado información útil para representar la estructura armónica y tonal de una pieza. Se eligió el
lenguaje de programación Java, debido a que es orientado a objetos, es compatible entre
diferentes sistemas operativos, y por su conveniencia para manejar formatos de audio digital, el
protocolo MIDI y el diseño de imágenes. Al término de este proyecto se espera contar con un
programa de cómputo que sirva para la aplicación práctica de conceptos de la TMM en la
investigación y enseñanza del análisis musical armónico.
11:05 – 11:40
Báez Ávila, José Carlos Federico (Cognición musical, 4° semestre)
Mtra. Gabriela Pérez Acosta (Tutora Principal)
Dr. Eduardo Castro Sierra (Comentarista)
“Procesamiento Pasivo de Patrones Rítmicos Irregulares en Músicos”
Los músicos profesionales han aprendido a percibir y analizar la música utilizando diferentes
estrategias. Una de ellas es el agrupamiento rítmico, referido comúnmente como percepción
rítmica. El músico analiza la información disponible y la categoriza por medio de reglas que le
permiten encontrar una estabilidad y comprensión de la estructura métrica (Jackendoff & Lerdahl,
1983). Debido a este pensamiento lógico, han desarrollado una lateralización al hemisferio
izquierdo durante la percepción de la música, en comparación con los que no son músicos (Evers
S, Dannert J, Rötter G, Ringlestein EB. 1999).
La mayoría de los estudios sugieren que la percepción de patrones rítmicos regulares en músicos
favorece una especialización del hemisferio izquierdo, por lo tanto este trabajo plantea la hipótesis
de que el uso de secuencias rítmicas irregulares, favorece una activación de áreas cerebrales
distintas a las observadas en estudios previos. Este estudio se llevó a cabo, utilizando la técnica de
resonancia magnética funcional (fMRI).
11:40 – 12:20
Enríquez Macías, León David (Musicología, 2° semestre)
Mtra. Rossana Lara Velázquez (Tutora principal)
Dra. Marina Alonso Bolaños (Comentarista)
“Los bocineros: una performance musical”
Esta investigación se dirige a conocer las identidades de los actores que participan en el fenómeno
de los bocineros, con el fin de comprender los procesos sociales que le dan permanencia, desde
una óptica social, antropológica y musicológica que conozca su ritual como una instancia de
transmisión, difusión y recepción musical: un tipo de musicar ritual y cotidiano, en el sentido de
Christopher Small.
La investigación se enfrenta con una dificultad casi inmediata para una visión tradicional de la
musicología, puesto que, aunque los bocineros hacen uso efectivo de la música, no desempeñan
su práctica como músicos. Asimismo, no hay música o músicas que estudiar, al menos no en el
sentido tradicional de textos musicales o repertorio de obras musicales. Sin embargo los bocineros
si hacen una selección, la cual hace sonar con alto volumen; es decir, que no solo hacen uso de la
música, sino que su uso se vincula con una esfera tradicionalmente relevante para la musicología:
la recepción. Los bocineros representan una actividad que responde a los gustos musicales en la
Ciudad de México, y colabora con su construcción.
En la ponencia intentare abrir una discusión en torno al lugar y pertinencia de la investigación en
los estudios musicales, concepto que intenta englobar perspectivas de la musicología y la
etnomusicología. De algún modo, el cuestionamiento implícito de la propuesta de investigación es
¿desde qué perspectivas musicales es posible indagar sobre el ritual de los bocineros como una
performance musical?
Mesa 5, 12:40 – 15:00
12:40 – 13:15
Flores Barragán, Arturo Alfonso (Composición musical, 4° semestre)
Dra. María Granillo González (Tutora principal)
Dr. Antonio Corona (Comentarista)
“La dimensión temporal en la sonata y el bambuco: Un breve análisis acerca de las formas
del tiempo en la sonata y el bambuco desde la perspectiva del pensamiento de Kant y
Leibniz y de los momentos de la forma sonata desde una óptica hegeliana”
La llamada forma Sonata, propia del formalismo clásico de la música occidental, y el bambuco,
ritmo característico de la música tradicional yucateca representan dos maneras distintas de
concebir y organizar la música desde su origen. Describir y analizar de qué manera las distintas
concepciones del tiempo que fueron propuestas por los pensadores Kant y Leibniz pueden verse
reflejadas en estas dos formas de expresión musical es uno de los objetivos del presente trabajo.
Ante una manera de concebir el tiempo como la expuesta por Kant, resulta pertinente indagar
acerca de la relación que se establece entre sus ideas y las formas propias del clasicismo europeo,
sobre todo en la sonata. En este sentido, resultará ilustrador describir de qué manera se apropia un
compositor contemporáneo como Leo Brouwer de la sonata clásica- en su sonata para guitarra- y
cómo puede leerse esta apropiación desde una perspectiva kantiana. En relación a Hegel, cabe
preguntarse acerca de los vínculos que pueden establecerse entre los conceptos de tesis y
antítesis, planteados por este pensador, con los distintos momentos que caracterizan a esta
forma. Por otra parte, dado que en Leibniz, contrario a Kant, el tiempo es concebido como pura
interioridad, habría que preguntarse en qué medida su pensamiento guarda vínculos con una
concepción del tiempo derivada de los ciclos naturales y del ritual. Y puesto que el bambuco
establece, como muchas otras músicas tradicionales, una condición cíclica, es importante dilucidar
los puntos en común entre la temporalidad en Leibniz y la temporalidad propia del bambuco.
13:15 – 13:50
García Soto, Lizardo (Educación musical, 4to Semestre)
Dra. María Esther Aguirre Lora (Tutora Principal)
Mtra. Luz Marina Morales (Comentarista)
“Jóvenes urbanos expuestos a la violencia. Expresión de la perspectiva de su entorno a
través de la fotografía sonora”
La presente investigación es desarrollada en el contexto de una ciudad que presenta condiciones
hostiles de seguridad social, en la cual se presentan los resultados diagnosticados de los efectos
que la violencia genera en los jóvenes, enfocándose en las secuelas que dicha situación genera en
un grupo de alumnos de nivel secundaria al nororiente de la ciudad, así como el impacto que tiene
el uso del sonido y la fotografía como un arte creativo, específicamente audiovisual.
La propuesta presentada a continuación es llamada “fotografía sonora”, la cual consiste en la
captura de los paisajes sonoros de la ciudad, enriquecidos con la fotografía digital. Dicha propuesta
pretende motivar e impulsar la búsqueda de aspectos cotidianos de un espacio específico o de la
visión personal que los mismos adolescentes, mediante un trabajo creativo, lo consideren digno de
compartir al mundo. Durante la presentación serán compartidas algunas fotografías sonoras de los
jóvenes participantes, así como sus opiniones e inquietudes.
13:50 – 14:25
GómezGarcía, Jesús (Tecnología musical, 2° semestre)
Dr. Enrique O. Flores Gutiérrez, Mtro. Pablo Silva Treviño (Tutores)
Dr. Antonio del Rivero (Comentarista)
“Creación en tiempo real de objetos sonoros por señal electroencefalográfica: uso de las
bandas alfa, beta y theta como señales moduladoras en síntesis FM”
Los instrumentos musicales digitales se han convertido en parte fundamental del proceso de
creación musical en la música contemporánea. Sin embargo, el control y la expresividad con estas
herramientas sigue siendo un reto para el compositor de música electrónica y/o electroacústica. En
las últimas décadas se ha buscado utilizar la señal electroencefalográfica para controlar
sintetizadores con resultados diversos. Los avances tecnológicos en los últimos años han hecho
posible que estas herramientas estén disponibles al público general no-especializado. Este
proyecto busca plantear un método para recodificar la señal electroencefalográfica en datos que
puedan controlar expresivamente instrumentos digitales en software, todo esto empleando
herramientas de código abierto y tecnología disponible en el mercado de consumo. Se pretende
crear una herramienta para la composición e interpretación de música electroacústica que utilice la
tecnología de neurofeedback como señal de control en síntesis FM y resíntesis subtractiva, para la
creación de objetos sonoros en tiempo real. De igual manera se hará un registro detallado de las
técnicas y programación utilizadas con el objetivo de brindar una guía para músicos y tecnólogos
interesados en el uso del neurofeedback en la síntesis digital.
Objetivos: 1. Realizar una revisión bibliográfica de los métodos de creación musical existentes que
utilizan tecnología de neurofeedback, 2. Valorar diferentes interfaces cerebro-computadora
comerciales para aplicaciones de síntesis digital, 3. Elaborar una guía teórico - práctica para la
recodificación de la señal electroencefalográfica para la composición tímbrica de objetos sonoros
en música electrónica y electroacústica. 4. Creación de un instrumento digital cuyo timbre responda
expresivamente a determinados procesos cognitivos del compositor.
Los avances actuales del proyecto de investigación incluyen la revisión de diversas interfaces
cerebro-computadora disponible en el mercado, el uso de la niveles de las bandas alfa, beta y
theta del EEG como señales moduladoras en síntesis FM así como en modulación de amplitud en
síntesis aditiva.
14:25 – 15:00
Hernández Arellano, Claudia Paola (Interpretación musical, 4° semestre)
Dra. María de los Ángeles Chapa Bezanilla (Tutora Principal)
Dra. Yael Bitrán Goren (Comentarista)
“Ecos musicales de los Contemporáneos en el Lied mexicano de los años 1932 a 1952: Dos
obras de Carlos Jiménez Mabarak”
Poema del Río y Estancias Nocturnas obras para voz y piano de Carlos Jiménez Mabarak con
textos de Elías Nandino y Xavier Villaurrutia respectivamente, son un ejemplo del repertorio para
voz y piano escrito entre los años 1932 a 1952 por compositores mexicanos con textos de poetas
pertenecientes al grupo denominado Contemporáneos. En estos años México se encontró inmerso
en un proceso de profunda redefinición de valores. Una preocupación inundó los ambientes
culturales y académicos, logrando inmiscuirse en la mayoría de las expresiones culturales: un
empeño particular por encontrar aquello que se consideraba propiamente mexicano. Al mismo
tiempo las generaciones más jóvenes, que habían viajado y habían asimilado corrientes como el
simbolismo, el neoclasicismo de Stravinsky, el anti romanticismo del Grupo de los seis o el
expresionismo de los vieneses, pugnaban por la instauración de nuevos lenguajes que
trascendieran el romanticismo que había dominado la escena musical durante el siglo XIX y las
primeras décadas del siglo XX. Dos fueron los paradigmas esenciales en esta polémica:
nacionalismo y modernidad. Carlos Jiménez Mabarak casi un extraño en esté medio musical, con
una biografía de poco arraigo en la nación, llega a México ya como un compositor totalmente
formado, cuyo oficio lo coloca inmediatamente como un compositor de avanzada que transitó por
los caminos de la modernidad, al mismo tiempo que busco siempre poner de manifiesto en su
trabajo su condición de músico mexicano que desea comunicarse, en forma primordial, con su
propia gente. Sus Lieder, treinta y seis en total, son una clara muestra del amplio oficio del que era
poseedor.
Mesa 6, 17:00 – 18:40
17:00 – 17:35
Morales Rodríguez, Abraham (Interpretación musical, 2° semestre)
Dra. Yael Bitrán Goren (Tutora principal)
Emilio Casco (Comentarista)
“Danzas, Fantasías y Paráfrasis: La música para piano en las tertulias porfirianas”
Durante el siglo XIX uno de los proyectos centrales de México fue la construcción de una identidad
nacional, ya no como colonia española, sino como un país independiente en el contexto de un
marco internacional. La creación de varias sociedades filarmónicas, de temporadas de conciertos
y de ópera, el surgimiento e institucionalización del Conservatorio Nacional de Música, el auge de
la industria editorial de partituras y el surgimiento de una gran cantidad de profesores de música
privados son indicativos de la importancia de la práctica musical en la conformación de la identidad
de las clases acomodadas mexicanas, para quienes el piano fue, el instrumento preponderante.
Buena parte de esta actividad se desarrolló en el espacio doméstico, en reuniones donde, como
señala Yael Bitrán, "además de practicar música y danza,…se jugaba y se intercambiaban puntos
de vista sobre política, negocios, moda y chismes. Eran también una forma de conocer nuevas
personas o reencontrarse con viejos conocidos y una ocasión para celebrar cualquiera que fuera el
motivo".
Estas reuniones sociales, denominadas tertulias, pueden entenderse como una forma de ritual
social en las que se articulan relaciones, se construyen y reafirman identidades.
El proyecto del cual forma parte esta ponencia pretende conocer cuál era el repertorio ejecutado
(qué tipo de repertorio, qué compositores), quienes lo ejecutaban, cómo era el ritual social en el
que este repertorio era ejecutado y finalmente que discursos se reflejaban en estas puestas en
escena (performance) que conformaban las tertulias.
Para esto, la ponencia tendrá como objetivo principal exponer los planteamientos teóricos de
Cristopher Small y Richard Leppert en relación a cómo la actividad musical forma parte de un ritual
social y de sus significado.
17:35 – 18:05
Serrano Viveros, Carmen Itze (Educación musical, 2° semestre)
Mtro. Carlos Ruiz Rodríguez (Tutor principal)
Mtro. Roberto Campos Velázquez (Comentarista)
“El salterio y el tratado de Pablo Minguet”
El salterio, es un instrumento musical que llegó a México en el siglo XVI proveniente de España. A
partir de entonces fue integrándose a la vida musical de la sociedad mexicana hasta llegar a ser
enseñado de manera escolarizada alrededor de 1893 en el Conservatorio Nacional de Música. Mi
proyecto de investigación tiene como objetivo principal brindar un panorama que permita conocer
los métodos de enseñanza formales y no formales del salterio desde su llegada a nuestro país.
Esta ponencia aborda algunos aspectos históricos del salterio con el fin de ofrecer un acercamiento
general del instrumento y establecer las diferencias que existen entre el salterio y el dulcimer con el
que suele confundírsele principalmente por tener la misma forma (trapezoidal), pero que en la
ejecución son totalmente diferentes. A partir de la investigación y análisis de documentos
bibliográficos e históricos, se ha localizado un tratado de 1754 realizado por Pablo Minguet titulado
Reglas, y advertencias generales que enseñan el modo de tañer todos los instrumentos mejores, y
mas usuales…, del cual se hablará en esta ponencia, ya que es posible que este tratado haya sido
utilizado para la enseñanza del salterio en México.
18:05 – 18:40
Solís Gamboa, Erick Yvan (Etnomusicología, 2° semestre)
Mtra. Berenice Guadalupe Caro Cocotle (Tutora principal)
Dra. Marina Alonso Bolaños (Comentarista)
“La cantante pop Alejandra Guzmán como generadora de deseos y fantasías de poder”
El objetivo de esta ponencia es mostrar y dar cuenta del marco teórico en el cual se fundamenta
mi proyecto de investigación; además de presentar algunos de los primeros datos surgidos de las
aproximaciones iniciales al fenómeno.
Mis primeras exploraciones me han permitido observar, que la cantante mexicana pop Alejandra
Guzmán, convoca a un público heterogéneo en cuanto a edades y género se refiere, en su
mayoría mujeres y personas pertenecientes a la comunidad Lésbico Gay Bisexual Transexual e
Intersexual [LGBTI]. Asimismo, interpela de una manera particular a sus seguidores: construye una
imagen pública ambigua adoptando estilos queer e interactúa entre el ámbito privado de su vida
[la persona] con el ámbito de lo público [el personaje]. Con estas estrategias según nuestra
perspectiva, de manera hipotética, genera entre los fans, la idea de que su discografía y
videografía son una especie de autobiografía sonora, mediante la cual la cantante y sus fanáticos
se han ido narrativizando y dramatizando a lo largo de los años. Con ello se han construido
puentes empáticos de emotividad y vivencialidad; razón por la cual sus seguidores pueden ver en
la entretenedora una especie de “héroe cultural” que los representa socialmente. En Alejandra
Guzmán, ellos pueden proyectar y ver encarnados deseos y anhelos, activándose fantasías de
poder; es decir, la cantante se convierte en un vehículo de satisfacción momentánea para los
sujetos.
El análisis de esto requiere aproximarse al fenómeno desde una perspectiva de género: por una
parte, a lo propuesto por Tania Modleski en relación al deseo y las fantasías de poder que se
pueden generar en los espectadores de TV; y por otro lado, a los aportes teóricos de Frances
Negrón, quien aborda en sus estudios la conceptualización de estilos queer.
JUEVES 5 DE JUNIO
Maestría
Audiovisuales
Mesa 7, 10:00 – 12:20
10:00 – 10:35
Álamo Alvarado, Daniel Horacio (Interpretación musical, 2° semestre)
Dr. Gabriel Pareyón Morales (Tutor principal)
Dr. Gustavo Delgado Parra (Comentarista)
“Estudio sistemático de la suite sinfónica La ofrenda: La leyenda de El Peñón (1937), ‘ballet
azteca’ de José F. Vásquez (1896–1961)”
Este proyecto consiste en la revisión del manuscrito, la investigación musicológica (histórica,
analítica y comparativa) y edición de la misma, para su consulta e interpretación. Uno de los
objetivos finales es, asimismo, realizar la grabación de esta obra con orquesta sinfónica.
Para enfrentar esta tarea, se considera el contexto histórico y social de la obra, así como el
contexto musical “modernista” del México de la posrevolución, en que fue compuesta esta partitura.
Consecuentemente, se propone analizarla en conjunto con otras obras de la época, tanto del
mismo autor como de otros de los cuales se reconoce influencia directa o indirecta.
En este trabajo pretendo ofrecer al intérprete herramientas que le permitan hacerse de una idea
clara de la obra, sin necesidad de recurrir a otras fuentes secundarias, para lo cual las metas
principales son:
 Documentación del manuscrito original (incluida su digitalización).
 Fidelidad al texto original.
 Claridad en la distinción de las aportaciones del editor.
 Concisión y pertinencia en la información del aparato crítico.
 Precisión, orden y pertinencia en la presentación de la información musicológica.
 Limpieza y adecuación del formato de impresión, para facilitar el uso.
Durante la ponencia presentaré y justificaré las características que hasta ahora tiene el proceso de
investigación y edición, para con ello abrir la discusión sobre la importancia y necesidad de
recuperar esta obra con atributos de patrimonio musical. Se buscará responder las preguntas
siguientes: ¿Cuáles son las características estilísticas, formales, expresivas, estructurales,
idiosincráticas e históricas que hacen valiosa a esta partitura? ¿Qué sitio ocupa La ofrenda en el
modernismo y el Nacionalismo musical mexicano? ¿Cómo ocupa tal sitio? ¿Qué conexiones y qué
disociaciones presenta con otro repertorio “modernista”? ¿Cuáles son los retos interpretativos que
presenta la partitura?
10:35 – 11:05
Guzmán Nieves, Uldrika Yazmin (Cognición musical, 4° semestre)
Dra. María Gpe. Rocío Leyva Cárdenas (Tutora principal)
Mtra. Sigrid María Guadalupe Broda (Comentarista)
“El entrenamiento musical como alternativa terapéutica al trastorno específico del lenguaje
expresivo”
La corteza cerebral tiene la marcada capacidad para reorganizarse según sus necesidades.
Prueba de ello es la reorganización cortical que se aprecia en las personas invidentes con
habilidades auditivas más desarrolladas: la privación de una de las áreas sensoriales como la
visión puede incrementar las habilidades en otras modalidades (Weeks et al, 2000). Los
cambios que se producen en ella después de una lesión, gracias al entrenamiento pertinente,
constante y programado, son sorprendentes. Diversos estudios han mostrado cómo el aprendizaje
y adquisición de una nueva destreza produce cambios en la representación cortical; como ejemplo
se puede citar el estudio realizado por Pascual-Leone et al (1995), quienes asociaron que
aprender una secuencia de cinco dedos durante cinco días para ser ejecutada en el piano,
implicaba una cierta reorganización de la corteza motora. No resulta descabellado, pues, pensar
que el hecho de que practicar música diariamente – por ejemplo - durante algunos años, tendrá
repercusiones cerebrales ya que, como sabemos, el cerebro se adapta a nuestras necesidades,
tanto funcional como estructuralmente.
La presente exposición ofrecerá un breve resumen de lo expuesto en el coloquio anterior y
mostrará los avances en torno a la búsqueda, el análisis y la clasificación de la información más
recientemente recabada acerca de la influencia y la utilidad terapéutica que brinda el
entrenamiento musical en la recuperación de pacientes con TEL - E (Trastorno Específico del
Lenguaje Expresivo), con base en los hallazgos que se le han realizado sobre el tema y a las
valiosas aportaciones por parte de profesores, investigadores y tutor de la investigación.
11:05 – 11:40
Victoria Martínez, César (Etnomusicología, 2° semestre)
Dra. Georgina Flores Mercado (Tutora principal)
Dr. Carlos Ruiz Rodríguez (Comentarista)
“‘Con regocijo y contento a este fandango he llegado’… Ritualidad, cosmovisión e identidad
entorno a la práctica del fandango de parabienes en San Carlos Yautepec, Oaxaca”
En esta investigación se comprenderá y analizará el fandango de parabienes en relación con el
ritual matrimonial en la comunidad de San Carlos Yautepec, municipio ubicado en la sierra sur del
estado de Oaxaca. Se pondrá énfasis específicamente en sus significados y procesos de
producción y reproducción lírica y musical dentro del contexto cultural en que se desarrolla.
Esta ocasión festiva permea en el imaginario colectivo la idea de identidad y pertenencia a este
grupo sociocultural, donde los individuos atribuyen significados y funciones a cada uno de los
elementos que intervienen en su desarrollo.
El fandango y jarabe carleño son imprescindibles para el desarrollo de este acto ritual, pues
representan un conjunto de símbolos, prácticas, relaciones sociales, costumbres, cosmovisión e
ideología con que la gente de la comunidad se identifica.
El fandango, es pues, un espacio de socialización y reciprocidad donde participa la comunidad
activamente, se crean vínculos afectivos, se fortalecen las relaciones sociales, se reafirman y
recrean las costumbres y tradiciones que han formado parte del imaginario colectivo con que los
habitantes se identifican.
Sin embargo, el estado actual de la expresión lírica y musical del fandango de parabienes en San
Carlos Yautepec atraviesa por un momento difícil al no transmitirse los conocimientos a nuevas
generaciones, además influyen otros factores en el debilitamiento de esta práctica comunitaria
como el desplazamiento por los movimientos modernizantes y mercantilizados, la influencia de
medios masivos de comunicación, entre otros.
Mesa 8, 12:40 – 15:00
12:40 – 13:15
Loaiza Bueno, Danué(Musicología, 4° semestre)
Mtro. Aurelio Tello Malpartida (Tutor principal)
Mtra. Lénica Reyes Zúñiga (Comentarista)
“Teatro musical ¿compartido? entre España y México a finales del s. XVIII y principios del s.
XIX”
El objetivo de esta investigación se centra en el acontecer musical dentro del denominado “teatro
breve” novohispano y posteriormente del México independiente, el periodo en el que se pretende
abordar este tema es de finales del siglo XVIII a principios del siglo XIX, es decir, comprenderá la
etapa de finales del Virreinato pasando por el proceso de independencia hasta la consolidación de
República Independiente. Una de las característica comunes en la mayoría de los considerados
“géneros breves”, es la presencia de la música y el baile, elementos casi imprescindibles en dichas
prácticas. Tanto en España como en Nueva España existía un “teatro musical breve” el cual se
componía de sainetes, tonadillas, seguidillas, bailes, etc. En un inicio existió una importación
significativa de piezas españolas a territorio novohispano, no obstante, posteriormente existió una
producción local considerable. Si bien existió un teatro musical compartido entre España y México,
hubo matices y diferencias entre uno y otro lugar, dichas diferencias y particularidades estuvieron
permeadas por cambios y procesos socio-políticos, aunado a una pugna de ideologías e intereses
entre ciertos sectores de la población, esto último repercutió en la conformación y en el devenir de
dichas prácticas musicales.
13:15 – 13:50
Martínez Pardo, Sandra Isabel (Interpretación musical, 4° semestre)
Mtra. Gabriela Villa Walls (Tutora principal)
Dr. Felipe Orduña Bustamante (Comentarista)
“Las fantasías para instrumento de tecla de Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788): una
interpretación históricamente informada”
C. Ph. E. Bach es considerado por muchos historiadores como el compositor más importante del
Empfindsamer Stil, sus fantasías más que cualquier otro género, marcan la relación del compositor
con este estilo desarrollado en Alemania durante el siglo XVIII. La presente ponencia tendrá como
objetivo proponer una interpretación musical de la fantasía en Mi bemol mayor, sobre aspectos de
articulación, tempo, dinámica y agógica, usando como guía el análisis musical y los tratados
teóricos de la época, principalmente Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (1753 y
1762) de C. Ph. E. Bach.
13:50 – 14:25
Mendoza Chávez, Adriana (Musicología, 2° semestre)
Mtro. Jorge Torres Sáenz (Tutor principal)
Mtra. Eliza Mizrahi(Comentarista)
“Aproximaciones hacia un discurso sobre el proceso creativo musical”
Diversidad de obras artísticas, previo a éstas se encuentra el acto creativo que las ha arrojado.
¿Sobre qué se apoya dicho acto? ¿De qué surge? ¿Cómo surge? Preguntas fundamentales para
pensar un inicio del proceso creativo.
¿Cuáles son las ideas iniciales de aquél que se embarca en el proceso de crear? ¿Sobre qué
confecciona su quehacer?
De entrada, apuntamos hacia unas ideas iniciales que conforman un pensamiento, pero ese éste
cómo es; ¿habremos de hablar de un pensamiento conformado por palabras y/o, por otro lado, de
un pensamiento conformado por sonidos: ¿un pensamiento verbal y/o un pensamiento sonoro?
Aquí cabría pensar cómo el pensamiento ideal deviene sonoridad o cómo la sonoridad sobreviene
idea verbal.
En cualquier caso, ese pensamiento va encaminado hacia la elaboración de una estética, hacia la
construcción de un estilo y una temática reflejados en la obra de un compositor.
Atendiendo en un primer momento al pensamiento sonoro diremos que, de acuerdo con Gisèle
Brelet, éste trae consigo “sensaciones auditivas” que se van captando y que habrán de situarse en
una forma específica. Para Brelet una sensación no vale más que por sus posibilidades formales
porque sólo ellas nos permiten tomar posesión de la sensación: construirla.
Preguntamos aquí, ¿qué entender por forma y por hecho sonoro en un contexto actual?
Apuntando hacia una lectura nietzscheana, los planteamientos realizados pretenden transitar
paralelamente a una concepción del artista trágico que plantea Nietzsche.
El artista trágico vincula vida y arte, desborda en creaciones el cúmulo de energía vital; hace que lo
apolíneo y lo dionisíaco se enlacen, que figura y embriaguez se abracen. El punto es saber cómo
aterriza lo dionisíaco en lo apolíneo.
14:25 – 15:00
Muciño Guerra, Helena (Educación musical, 4° semestre)
Dra. Patricia A. González Moreno (Tutora principal)
Mtro. Leonardo Da Silveira Borne (Comentarista)
“Intervenciones musicales orientadas hacia el desarrollo de las habilidades de atención
conjunta en personas con autismo”
El autismo está considerado como un trastorno del desarrollo severo al afectar habilidades como la
interacción social, influyendo en la forma en la que personas autistas se relacionan con el medio
que las rodea. Esto se debe a la incapacidad de atribuir estados mentales ya sean propios o de
otras personas como por ejemplo creencias e intenciones, acción que tiene la finalidad de entender
y/o predecir el comportamiento, como lo indica la Teoría de la mente (Williams, 2010). Las
personas autistas poseen habilidades de socialización distintas mostrando evidencias de una
conducta atípica (Kafetsios & Nezlek, 2011), falta de reciprocidad social o emocional (Nuernberger
& Smith, 2012), dificultad con las habilidades de comunicación (Krebs, McDaniel, & Neeley, 2010),
inhabilidad para mantener el contacto visual o compartir un foco de atención –llamada atención
conjunta (Mundy & Newell, 2007), entre otros impedimentos generados a partir de este trastorno.
La ausencia de estas habilidades, necesarias para la integración a escenarios sociales, genera una
inadaptación para una inclusión social adecuada. El interés de esta investigación se dirige hacia la
atención conjunta, ya que tiene una función social, al reflejar la motivación para interactuar con
otros, así como la comprensión del mundo que nos rodea (Jones & Carr, 2004). Es necesario
indicar que no existe una cura para este trastorno, sin embargo se han utilizado distintos tipos de
terapias para desarrollar en personas autistas habilidades sociales necesarias para la vida diaria.
Algunos de estos tratamientos terapéuticos incluyen el uso de la música como herramienta para el
desarrollo de la atención conjunta. Con un enfoque cualitativo, el propósito de este trabajo de
investigación es el de profundizar sobre la música como herramienta para el desarrollo de las
habilidades de atención conjunta, cuya metodología se basa en la observación de la conducta de
una persona autista asistente a un taller de musicoterapia. La música ha demostrado ser una
herramienta efectiva para incentivar las conductas de atención conjunta, por lo que se espera
observar una mejora en las habilidades de atención conjunta en este estudio de caso.
Sala Huehuecóyotl
Mesa 9, 10:00 – 12:20
10:00 – 10:35
Muñoz Hénonin, Maby (Musicología, 2° semestre)
Olga Picún (Tutora principal)
Luis Antonio Rojas Roldán (Comentarista)
“José Pomar. Avances de investigación”
José Pomar fue un músico marginal en su época. A pesar de eso logró crear una propuesta
musical original y mantener una interesante interacción con músicos importantes de su tiempo y
con el medio cultural del interior del país y de la capital. Más tarde, en el relato histórico, ha sido
una presencia tenue que ha tenido algunos resurgimientos pero que casi siempre ha terminado
regresando al sótano de la historia de la música mexicana.
A pesar de este abandono casi sistemático de su figura y de su música, en tiempos recientes se
ha vuelto la mirada a nuestro compositor en buena medida gracias al estudio de su archivo
(resguardado por la UNAM). Por estos empeños empieza a ser un músico más conocido, sobre
todo por su militancia política y su relación con Silvestre Revueltas o sus actividades
prosindicalistas, pero su música se ha dejado un poco de lado.
La producción de José Pomar es mayoritariamente música para piano, solo o con otros
instrumentos, y éste está presente a lo largo de toda su historia creativa, de modo que revisando
esta música se busca rastrear tanto sus ideas estéticas como sus planteamientos no musicales
reflejados en la música. Así, lo que se plantea en este trabajo de investigación es hacer una
revisión general de su obra, teniendo como eje la música para piano, para indagar sobre la
aportación de nuestro compositor a la música mexicana, y encontrar los vínculos con otros
compositores contemporáneos y su obra, a fin de plantear un análisis no sólo de los contenidos
musicales sino del medio musical en el que vivió.
10:35 – 11:05
Ruiz Velasco Bazán, Esteban (Composición musical, 2° semestre)
Dra. Gabriela Ortiz Torres (Tutora principal)
Mtra. Camilla Uboldi (Comentarista)
“Distintos tipos de interactividad musical en la música de videojuegos”
La interactividad musical entendida como la retroalimentación simultánea y continua que se puede
dar entre los distintos actores del ciclo compositor-intérprete-audiencia es relativamente escasa en
la música académica tradicional y de hecho también en la música en general. Las piezas suelen
tener una forma definida y finita.
El presente proyecto tiene como finalidad crear una pieza musical interactiva en un formato similar
a un videojuego -es decir un audiojuego- tomando como punto de partida algunas técnicas
compositivas de la música de este medio (modularidad, estratificación, intercompatibilidad, etc.),
que es una de las formas actuales más difundidas de hacer música que pueda ser alterada en
tiempo real por el escucha, y más aún por un escucha que no necesita ningún entrenamiento
musical como tal. La capacidad de generar contenidos (en este caso musicales) por parte del
jugador le da una “autoridad parcial” que como sugiere Karen Collins resulta un atractivo añadido,
que a su vez se puede aprovechar como parte de la planeación de una obra musical.
La presente ponencia consiste en presentar distintos tipos de interacción musical dentro de los
videojuegos enfocados desde un punto de vista intermedial, mencionando también algunos
ejemplos históricos de interactividad musical.
11:05 – 11:40
Salas Cassy, Erika (Etnomusicología, 4° semestre)
Dr. Antonio García de León (Tutor principal)
Mtro. Omar Morales Abril (Comentarista)
“Edición crítica del zarambeque. Avance de trabajo de titulación de la maestría en
etnomusicología”
El zarambeque, definido por el Diccionario de Autoridades como: «tañido y danza mui alegre y
bulliciosa, la cual es mui frecuente entre los negros», tuvo tal popularidad España y Portugal que
existen numerosas referencias de su práctica en distintos ámbitos de la vida cultural de estos
países y una resonancia en sus colonias americanas. La música de este baile se encuentra
contenida en varios códices musicales de la segunda mitad del siglo XVII y primera del XVIII y es
objeto de estudio de esta investigación presentada.
Se pretende mostrar los avances de mi tesis “Edición crítica del zarambeque”. Basada en los
principios de una edición crítica musical planteada por James Grier y situada dentro de los estudios
diacrónicos de la etnomusicología histórica sustentada por Richard Widdess.
11:40 – 12:20
Madrigal León, Martha María (Cognición musical, 4° semestre)
Dr. Eduardo Castro-Sierra (Tutor principal)
Mtro. Ricardo Vázquez Salinas (Comentarista)
“Efecto de la estimulación vibro-táctil en la producción de sonidos afinados en el violín”
La investigación sobre el papel de la información háptica en la adquisición de habilidades motoras
en la práctica del violín se plantea desde la perspectiva del aprendizaje perceptual, la cual señala
que la forma en que se recolecta la información que interviene en la realización de una tarea es
determinante para los resultados que se obtienen (Kellman & Garrigan, 2009). Ya que en la
práctica del violín el estudio sobre el papel de la audición ha sido privilegiado por sobre el de las
sensaciones hápticas, este trabajo pretende exponer las posibles implicaciones que tiene atender a
los estímulos vibro-táctiles durante la ejecución de una escala de Re mayor en el violín, siempre
dentro del marco auditivo en el que naturalmente ocurre la práctica musical. Por tanto, se
expondrán los resultados preliminares de una prueba realizada con niños estudiantes de violín a
quienes se les entrenó, durante 4 días, en una tarea que exige focalizar su atención en un estímulo
vibro-táctil para después tocar la escala de Re mayor. La tarea consistió en la exploración e
identificación de una figura en relieve texturizado, empleando la mano izquierda (blanco de
estimulación) de los sujetos de estudio y siguiendo un pulso dictado por una secuencia de tonos de
violín que se escuchaba mediante audífonos. Para valorar la importancia de la percepción vibrotáctil, se observó el rendimiento de individuos control que sólo recibieron estimulación auditiva pero
no vibro-táctil con el de los sujetos de estudio. El supuesto es que “las señales vibro-táctiles y
auditivas podrían aportar información en conjunto que proporcionara parámetros específicos
favorecedores de la conducta motora en la ejecución del violín, lo que puede jugar un papel de
mayor importancia de la que se ha considerado hasta ahora” (tesis no publicada de la
investigadora).
Mesa 10, 12:40 – 15:00
12:40 – 13:15
Velarde Tovar, Marco Antonio (Cognición musical, 4° semestre)
Mtra. Gabriela Pérez Acosta y Mtra. Gabriela Villa Walls (Tutoras)
Dra. Concepción Morán (Comentarista)
“Emociones sentidas y percibidas en la audición musical de la sonata 2 en sol mayor del
Der Brauchbare Virtuoso de Johann Mattheson”
En 1739 Johann Mattheson presentó Der Volkommene Capellmeister, una obra literaria donde
sintetizó la teoría musical que era utilizada en aquellos años. Esta obra examinaba, entre otros
temas, la Doctrina de los Afectos, teoría estética que sugiere que los elementos utilizados en la
composición musical como son melodía, armonía, ritmo, intervalos, tonalidad, etc., pueden influir
en el afecto de las personas. El estudio de la emoción, afectos y estados de ánimo incentivados y/o
relacionados con la música tiene antecedentes en los escritos de Pitágoras, Platón, Aristóteles,
Hipócrates, Galeno, Boecio, Casiodoro, Capella, etc. solo por mencionar a los más antiguos. Es
decir, el origen y descubrimiento de que la música y la emoción están asociadas tiene una historia
de más de 2000 años. A pesar de su antigüedad, esta línea de investigación continúa despertando
interés entre los investigadores de la psicología aplicada a la música. Los objetos de estudio para
este fin son diversos, desde la ubicación de las regiones cerebrales involucradas en la emoción
musical, pasando por el análisis de los elementos de la música que tienen mayor relevancia en el
juicio emocional hasta la afinación de los diseños experimentales, tratando de dar al participante
las condiciones propicias que le permitan reportar sin inhibiciones las emociones sentidas y
percibidas por la música. Este último concepto tiene relevancia en las investigaciones de emoción
y música desde que, en 2002, Gabrielsson presentó un influyente trabajo al respecto. Con todos
estos antecedentes, y utilizando como estímulo musical la sonata 2 para violín y continuo del Der
Brauchbare Virtuoso de Johann Mattheson, se hará una encuesta cuyos datos correlacionarán
estadísticamente las emociones sentidas y percibidas por los oyentes y los resultados se
compararán con los elementos musicales que conforman dicha obra.
13:15 – 13:50
Vargas Hernández, Laura Cristina (Tecnología musical, 2° semestre)
M. en I. Antonio Pérez López (Tutor principal)
Mtra. Janet Paulus Uchida (Comentarista)
"Una posibilidad de ejecución para el arpa eléctrica"
El arpa de concierto ó arpa de pedales, es un instrumento de cuerda pulsada, cuenta con 47
cuerdas colocadas en orden diatónico, una caja de resonancia con 3 bocas u orificios y 7 pedales,
mismos que tienen como función variar la altura del sonido de cada uno de éstos con 3 niveles,
bemol, natural y sostenido. A pesar de ser un instrumento de dimensiones relativamente grandes,
su gran limitación es su estrecho rango dinámico, esto debido a la orientación de sus orificios de
salida en la caja acústica.
A lo largo del siglo XX los compositores como; Berio, Salzedo, Cage, Britten, Ginastera, P.Boulez,
Stockhausen etc., añadieron el arpa en algunas de sus obras, incorporando nuevos recursos para
su ejecución, tales como; percusión sobre las cuerdas y la caja, o utilizando solo los pedales
(glissandi).
Para principios del siglo XXI el arpa fue transformada, se prescindió de la caja de resonancia y se
le añadieron micrófonos de contacto, lo cual permitió extender su rango dinámico. A este
instrumento se le conoce como arpa eléctrica.
Explorando la posibilidad que ofrece la incorporación de la tecnología de procesamiento del sonido
del instrumento, se dará la posibilidad de cambiar el lugar de donde proviene el sonido emitido por
el instrumento en su interpretación, esto es; incorporar a la ejecución musical la espacialidad
sonora. Así como el músico puede controlar el volumen, la intención, el ataque, tempo, articulación,
también podrá dar una sensación de movimiento al sonido.
13:50 – 14:25
Jiménez Casillas, Bernardo (Interpretación musical, 2° semestre)
Dra. Evguenia Roubina Milner (Tutora Principal)
Mtro. Paolo Mello Grand Picco (Comentarista)
“Arnulfo Miramontes (1881-1960): formación musical y actividad como pianista”
La exposición en la presente ponencia de los estudios musicales y la actividad concertista del
compositor mexicano Arnulfo Miramontes forma parte de la investigación que actualmente se está
desarrollando como tesis de grado y que aborda la herencia artística de este músico desde la
perspectiva de su obra para piano.
Dado que los estudios realizados en torno a estos dos tópicos son inexistentes, esta presentación
tendrá por finalidad ilustrar los avances de un trabajo de investigación que busca esclarecer ambos
aspectos de la vida y obra de este compositor.
El material de estudio en que se basará la presente ponencia se ha obtenido principalmente del
Archivo Municipal de Aguascalientes, del archivo personal de Héctor Ruiz Esparza Miramontes,
actual heredero del compositor, y de fuentes hemerográficas, predominantemente notas
periodísticas de las primeras décadas del siglo XX realizadas en la Ciudad de México. La
información recopilada se presentará de manera cronológica y se confrontará entre sí
continuamente con el fin de plantear hipótesis y obtener respuestas a los interrogantes generados
en el pasado por la falta de documentación. No obstante que aún quedan cuestionamientos
pendientes de resolución, se demostrará que las fuentes recopiladas ofrecen una idea más clara
sobre la formación musical y la actividad que Miramontes realizaba como intérprete de piano.
Finalmente, se mencionará que la importancia del estudio de los temas que integran esta
presentación radica en que aportan valiosa información sobre las tendencias estéticas y estilísticas
que se han hecho patentes en la obra para piano de este autor.
14:25 – 15:00
Zamora Abril, Alfredo (Musicología, 4° semestre)
Dra. Ma. De los Ángeles Chapa Bezanilla (Tutora principal)
Mtro. Jesús Herrera (Comentarista)
“La práctica musical en la Catedral de Hermosillo, Sonora, tras la publicación de la
instrucción papal sobre la música sagrada de Pío X”
La publicación de la instrucción papal Tra le sollecitudini de Pío X el 22 de noviembre de 1903
pretendía expulsar de la música sacra todo elemento considerado profano, reminiscente de la
música teatral o alejado de los modelos de música sagrada: el canto llano y la polifonía al estilo de
Giovanni Pierluigi da Palestrina. Dicho documento culminó el esfuerzo de varios intentos
suscitados en el siglo XIX que buscaban la restauración de la pureza y sacralidad de la música de
la Iglesia Católica romana. A partir de marzo de 1904, dicho documento se hizo presente en la
ciudad de Hermosillo,Sonora al ser publicadas en el periódico católico de la entidad una traducción
al español, exhortos a los párrocos y acciones del obispo para cumplir con lo establecido por Pío X.
El estudio de algunas reseñas periodísticas de la actividad musical en la catedral de Hermosillo así
como de las obras sagradas del archivo de José María Mendoza (director de coro y organista de la
misma catedral), han mostrado una serie de impedimentos en la aplicación de Tra le sollecitudini
en la vida musical de la catedral. Definido por las realidades y matices de la vida cultural en la
sociedad hermosillense de la primera década del siglo XX, el coro catedralicio distaba de ser el
coro de “hombres de reconocida piedad y buena vida” que exigía el documento papal, y las obras
musicales del archivo Mendoza no suelen acercarse a los modelos por excelencia de música
sagrada propuestos por Pío X.
VIERNES 6 DE JUNIO
Doctorado
Unidad de Posgrado, Aula J-306
Mesa 11, 10:00 – 12:20
10:00 – 10:35
Camacho Jurado, Edmundo Ricardo (Musicología, 4° Semestre)
Dra. Evguenia Roubina Milner (Tutora Principal)
Dr. José Miguel Lorenzo Arriba (Comentarista)
“El arpa en los documentos e iconografía musical novohispana: una aproximación”
Los avances presentados en esta ocasión corresponden a la investigación acerca de El arpa en la
Nueva España: modelos, prácticas de interpretación, enseñanza y repertorio, misma que se ha
desarrollado en los cuatro últimos semestres y tiene como fin la realización de la tesis de grado. La
búsqueda de información referente a la presencia de este instrumento en el ámbito virreinal ha sido
realizada en diversos acervos históricos y archivos eclesiásticos, lo que ha llevado a constituir un
corpus documental que a su vez ha permitido avances significativos en la aproximación al objeto
de estudio.
En esta ponencia se ofrecerá, en primer lugar, un resumen de la información recopilada hasta
ahora en fuentes primarias y fehacientes de diversa naturaleza: música anotada, documentos
relativos a la administración y difusión, iconografía musical y testimonios etnográficos que hablan
de la pervivencia de las prácticas instrumentales novohispanas. En segundo lugar, a partir del
trabajo realizado en el marco del proyecto de investigación PAPIIT IN401011 Iconografía Musical
Novohispana, se hará el análisis de algunas de las obras artísticas novohispanas en las que está
representada el arpa. Dicho análisis se verá enriquecido con la confrontación de los datos que
aportan estas fuentes con el contenido de documentos de diversa índole. Finalmente se expondrán
algunas conclusiones parciales derivadas del análisis del material de estudio referido y se
plantearán los derroteros que seguirá la investigación próximamente.
10:35 – 11:05
Espíndola Mata, Mónica (Musicología, 2° semestre)
Dra. María de los Ángeles Chapa Bezanilla (Tutora Principal)
Dra. Raquel Barragán Aroche (Comentarista)
“La intervención musical en ‘La desdicha de la voz’: Una comedia de enredos de Calderón
de la Barca”
Sobre el papel de la música en el teatro clásico español del siglo XVII, concretamente de los
cantables o “tonos” utilizados en escena, contamos al presente con numerosos trabajos que
examinan sus características y funcionamientos más generales. Uno de los más fundamentales:
Songs of Mortals, Dialogues of the Gods (1993) de Louise Stein constituye sin lugar a dudas un
parteaguas dentro del conocimiento de la música teatral en nuestra actualidad. No obstante, pese
a la consideración de un amplio corpus de obras teatrales y a la profundidad del estudio, creemos
que en lo que toca al teatro calderoniano, particularmente sus comedias, queda aún terreno por
explorar. Consideramos que cada título revela un uso singular de cantables dentro del entramado
dramático y muestra de ello es “La desdicha de la voz”, cuyo argumento tiene como hilo conductor
el canto del personaje de Doña Beatriz y los infortunios que este atributo le causa.
La obra mencionada forma parte de una pequeña selección de comedias en la que se está
trabajando. Su objetivo persigue estudiar los usos exclusivamente teatrales de los cantables que
intervienen en la escena calderoniana. Si bien éstos provienen de una tradición que no
necesariamente está ligada al mundo teatral, en este ámbito cobraron una importancia y una
propagación aún mayor. El tema es relevante, si consideramos que uno de los aspectos que define
a los muy diversos géneros teatrales del ciclo áureo es precisamente el grado de intervención
musical en la escena, del cual tenemos conocimiento, en buena medida, a través del texto
dramático. No debe descartarse, por otra parte, la importancia del teatro calderoniano para el
ámbito novohispano, de vigencia ininterrumpida, en compañías teatrales y el gusto del público,
todavía hacia los albores del siglo XIX.
11:05 – 11:40
Pérez Segura, Eric (Tecnología musical, 4° semestre)
Dr. Raúl Morales Salcedo (Tutor principal)
Dr. Alfonso Meave Ávila (Comentarista)
“Sistemas informáticos de transcripción musical”
En esta ponencia el autor presentará los avances de su investigación doctoral correspondientes al
Posgrado en Música, en el área de Tecnología Musical.
El objetivo de esta investigación doctoral es desarrollar una aplicación informática que permita
hacer una transcripción musical en tiempo real de pasajes musicales polifónicos y poli-tímbricos,
cuyo discurso musical emplee una estructura rítmica con escasa o nula periodicidad y alto grado de
irregularidad, todo ello denominado por el autor como "pasajes musicales con elementos rítmicos
heterogéneos".
Inicialmente, se presentarán aspectos relacionados con el estado del arte de los estudios
filosóficos, musicológicos y científicos del ritmo musical, se hará una retrospectiva del desarrollo de
la notación musical en la música contemporánea de concierto a lo largo del siglo XX, se expondrá
el estado del arte de los procesos de cuantización rítmica y de los sistemas informáticos! de
transcripción musical, y se hará una recuento de las herramientas tecnológicas disponibles en la
actualidad que podrían permitir el diseño de la aplicación informática motivo de esta investigación.
Finalmente, el autor expondrá sus hipótesis de trabajo, y hará una descripción de las actividades a
realizar en los semestres posteriores.
11:40 – 12:20
Castillo Silva, Vilka Elisa (Etnomusicología, 2° semestre)
Dra. Marina Alonso Bolaños (Tutor principal)
Dr. Rafael Ruiz Torres (Comentarista)
“Fuentes documentales del discurso musical y representación social de la Banda Sinfónica
de Marina”
Actualmente, los enfoques académicos que se le han dado a las bandas de viento están
relacionados con distintos géneros como: la música de concierto, popular o tradicional. Sin una
musicología histórica sólida, las bandas han recibido menos atención que las orquestas, es
probable que se deba a que están enfocadas a música funcional y accesible. Como tales, las
bandas participan de desfiles, eventos deportivos, procesiones, fiestas populares, entre otras
ocasiones musicales. Es posible, que esta variedad de categorías musicales incida en el interés
sobre su análisis musicológico o etnomusicológico.
En México, estos ensambles residen en un cruce fértil entre los saberes populares o tradicionales y
los académicos. En muchas agrupaciones, la influencia del ámbito musical militar está marcada
fuertemente y en relación con el ámbito comunitario.
La Banda Sinfónica de la Secretaria de Marina - Armada de México (BSM) se creó el 15 de mayo
de 1941. Desde su fundación, se pueden observar dos ejes importantes que han constituido esta
banda. Por un lado, el uso del discurso musical como interpelador de identidades y a las
representaciones sociales en diversos contextos históricos.
El problema del presente trabajo se limitará a tres momentos, los cuales corresponden a contextos
históricos que destacan por el marcado discurso del Estado mexicano ligado al nacionalismo.
En esta ponencia se expondrán los avances de la consulta de fuentes para dicho trabajo y la
primera fase de análisis de las mismas. Así como la importancia del Seminario Histórico sobre las
Fuerzas Armadas (INAH) en la elaboración de este proyecto de investigación.
Mesa 12, 12:40 – 15:00
12:40 – 13:15
Da Silveira Borne, Leonardo (Educación, 2° semestre)
Dr. Mario Rueda Beltrán (Tutor principal)
Mtra. Gabriela Pérez (Comentarista)
“El Enfoque en la Evaluación Educativa: consideraciones acerca de su aplicabilidad en una
investigación sobre el proceso de enseñanza-aprendizaje de solfeo”
En el presente trabajo, que es parte de la investigación de doctorado "Evaluación del Solfeo en la
práctica educativa en contextos universitarios brasileños" (título provisional), busco debatir el
porqué de enfocarme en la evaluación educativa al investigar algunas prácticas de solfeo
brasileñas. Dicha perspectiva parte de la reflexión hecha a partir de las inquietudes que brotaron al
realizar algunas observaciones experimentales de clases de solfeo en Brasil y México en 20132014. Estas observaciones me hicieron considerar un primer cambio en el proyecto original -que
consideraba investigar la evaluación, las metodologías de enseñanza y el aprendizaje- al proponer
que mi mirada abarcaría a toda la clase y sus elementos constituyentes. Por supuesto, esto
implicaba un trabajo hercúleo, pues al mirar toda la clase yo tendría que dar cuenta de todos los
fenómenos que se llevan a cabo en este locus. Por esta razón, busqué apoyo en la literatura
especializada sobre la evaluación educativa -con o sin el enfoque en la educación musical- para
definir cómo precisar esta cuestión. A través de la reflexión hecha con apoyo en Sanmartí (2007),
Norba y Sanmartí (200?), Santos Guerra (2003), Ahumada (2001), Pujol (1997) y Fautley, (2010),
elegí enfocarme específicamente en la evaluación. Sin embargo, aunque el enfoque sea en la
evaluación esto no quiere decir que será lo único que miraré, sino que esta será el núcleo de la
investigación en donde subyacen análisis de los otros aspectos previamente descritos. Para
terminar, también propongo que no se hable en proceso de enseñanza-aprendizaje nada más, sino
que a él se incorpore la evaluación para que pensemos en un proceso triple con igual valor y peso
de sus partes, a partir del cual mi mirada se concentrará en una de estas partes que,
consecuentemente, refleja a las otras dos.
13:15 – 13:50
Fernández Rueda, Laura Carolina (Etnomusicología, 2° semestre)
Mtro. Gonzalo Camacho Díaz (Tutor principal)
Comentarista PENDIENTE
“’Los olvidados’: el sistema musical campesino de San Vicente de Chucurí”
Los músicos campesinos de San Vicente de Chucurí en medio de los procesos de transformación
que han afectado al país, son el resultado de culturas musicales en contacto. La presente
investigación se enfoca en los usos y desusos de la música campesina chucureña. Y se propone
responder ¿Qué hay detrás del “olvido” por la música campesina en San Vicente de Chucurí?
El “olvido” plantea una problemática profunda entre dos sectores sociales: el subalterno y el
hegemónico. En donde el discurso del “olvido”, en la música campesina, es un reflejo de la realidad
social producto del sistema de organización social.
En este sentido, el “olvido” por la música campesina evidencia relaciones y ocasionales tensiones
entre cultura, política y economía producto de procesos sociales que involucran pugans y
conflictos de poder.
13:50 – 14:25
Herrera Machuca, Mauro (Tecnología musical, 4° semestre)
Dr. Roberto Morales Manzanares (Tutor Principal)
Dr. José Luis Díaz (Comentarista)
“Pródromo para una gramática gestual”
G. Pareyón.
“Analizar a través de la práctica”
Concibiendo el desarrollo de un objeto tecnológico como el proceso creador de una obra y no un
objeto cristalizado en una aplicación, el desarrollador se monta en el papel de artista y emprende la
tarea de la creación. Esta es una situación común en el campo de la tecnología musical, aunque no
sea exclusiva de esta práctica.
Es mi propósito en este trabajo de investigación analizar este proceso de producción aplicando un
acercamiento enactivista, apoyándome en la definición que de este término hace Francisco Varela
en su libro “De Cuerpo Presente: Las ciencias cognitivas y la experiencia humana.”
Para que este acercamiento sea efectivo me he embarcado en el desarrollo de un objeto
tecnológico que pueda traducir el movimiento del cuerpo humano a sonido e imagen.
Me permito utilizar el término traducir para resaltar que el sonido, el movimiento y la imagen son
medios ricos en información y permiten la conformación de lenguajes, lo que implica que en
interacción, estos medios tienen la posibilidad de transmitir información de uno a otro.
Tomando en consideración la frase de McLuhan “El medio es el mensaje” me surge la pregunta ¿Si
la información que se transmite cambia el medio, cómo se ve afectado el mensaje?
Para responder a esto de manera enactiva me propongo hacer un análisis del proceso
comunicativo implicado en una obra interactiva desde la producción misma de la obra,
incluyéndome de esta manera en el objeto de estudio.
Defiendo este acercamiento a mi trabajo de investigación con el argumento de la cibernética de
segundo grado expuesto por Heinz von Foester:
“Cualquier cosa que se diga, es dicha por un observador””
“Cualquier cosa que se diga, se le dice a un observador”
En este sentido me propongo abordar el proceso de decir desde un punto de vista cognitivo, que
me permita comprender mejor cómo es que se va generando sentido en la interactividad como una
experiencia estética.
14:25 – 15:00
García López, Marcela (Etnomusicología, 6° semestre)
Dra. Reyna Carretero Rangel (Tutora principal)
Dra. Luz Dalila Rivas Caicedo (Comentarista)
“El deslizamiento del sentido: de la “música” al sonido: La ontología sonora de la cultura
Ticuna”
Esta investigación busca aproximarnos de un modo específico a la producción sonora indígena
Ticuna y a la reflexión de cómo influye en la constitución del ser la práctica y la escucha consciente
del mundo sonoro. En este sentido la comprensión y la importancia del concepto de “paisaje
sonoro” será esencial para ingresar en los códigos que están presentes en la comunidad indígena
Ticuna en el cual seres humanos y no humanos están relacionándose, están interactuando y están
generando la pervivencia de su propia cultura. Asimismo, este enfoque puede llevar a un aumento
de conciencia de los sonidos naturales que están presentes en nuestro entorno e inclusive a
desarrollar una sensibilidad más profunda con respecto a la escucha de las naturalezas de nuestra
propia sociedad. Todo lo anterior, nos encamina hacia una reflexión de la noción de sonido como
una agencia útil, funcional y vital para aprehender las multinaturalezas de las cuales las
comunidades indígenas del Trapecio Amazónico hacen parte y las cuales se “ven”, se “viven” y se
“escuchan” desde diversos puntos de vista de tal manera que no se constituyen como una unidad
sino una multiplicidad de valores y sentidos.
Asimismo se desarrollará el concepto teórico de la maduración del espíritu por medio de la música
(pora sonoro), planteamiento basado en la filosofía ticuna en el cual el espíritu al igual que el
cuerpo físico, se debe alimentar a través de la práctica consciente de rituales con música buscando
un fortalecimiento y una maduración constante para generar su propia supervivencia.
Mesa 13, 17:00 – 20:00
17:00 – 17:35
Lara Velázquez, Rossana (Musicología, 6° semestre)
Dr. Alejandro Madrid (Tutor Principal)
Dra. Luz María Sánchez Cardoso (Comentarista)
“De prótesis sonoras y plantas-sensores: Ejes de análisis sobre un proyecto de arte
electrónico”
En esta ponencia presento los ejes analíticos de uno de mis estudios de caso, un proyecto de arte
electrónico que explora la forma de traducir en sonido señales eléctricas emitidas presumiblemente
por las plantas como respuesta a los estímulos del entorno. El objetivo de ese proyecto artístico es
desarrollar una suerte de prótesis que permita ampliar nuestra capacidad sensorial para percibir
fenómenos en principio inaprensibles, (re)utilizando la planta como un sensor de información de lo
que ocurre en el entorno. Mientras que el discurso de la artista parte de recoger, a partir de la
planta, cierta información “en bruto” de un supuesto entorno objetivo, así como evidenciar mediante
el sonido resultante la existencia de datos provenientes de la interacción entre planta y entorno, mi
análisis de esta pieza problematiza las nociones de información, traducción, interacción y prótesis,
recuperando su dimensión cultural. De este modo, diversas ideas que acompañan la aproximación
de la artista a la electrónica, la programación, la naturaleza y el sonido, se analizan desde su
filiación a ciertos contextos de producción cultural con los cuales se ha vinculado. La ponencia
considera, por una parte, el contexto de artistas y diseñadores alternativos de Tijuana a principios
del 2000, lugar donde creció e incursionó al arte electrónico, por otra, los marcos discursivos
históricos y recientes del arte interactivo. Ello permite apreciar cómo la necesidad de generar
discursos de objetividad y cientificidad en el arte electrónico, ligados al uso de procedimientos
informáticos, pueden leerse en relación a un entramado cultural más amplio.
17:35 – 18:05
Mejía Serrano, Manuel (Composición musical, 6° semestre)
Dr. Antonio Baldassarre (Tutor principal)
Dr. Gabriel Pareyon (Comentarista)
“Relación tímbrica y diversidad de afinación en composición musical: Espectralismo en
función de la variedad tonal”
El propósito de esta investigación es el desarrollo de un sistema armónico que permita la
composición musical con instrumentos de diversa entonación y timbre por medio del análisis
espectral. El sistema propuesto se constituye de tres procedimientos básicos: La determinación de
las frecuencias de los parciales con mayor amplitud dentro de los espectros sonoros, la conversión
de las frecuencias de los parciales a la escala mel (escala psicoacústica que permite referenciar los
resultados frecuenciales de naturaleza lineal al comportamiento no lineal del sistema auditivo
humano), y la comparación numérica de dichos resultados con el fin de encontrar coincidencias
sobre tal escala. Las coincidencias encontradas son entendidas dentro del sistema como
relaciones armónicas, y utilizadas en la composición de obras musicales.
18:05 – 18:40
Morales Abril, Omar Ali (Musicología, 2° semestre)
Dr. Javier MarínLópez (Tutor principal)
Yael Bitrán Goren (Comentarista)
“Circulación de música y músicos entre las catedrales de Guatemala, Oaxaca, Puebla,
México y Valladolid de Michoacán, siglos XVI-XVIII”
A pesar de que la Audiencia de Guatemala se separó políticamente del virreinato de la Nueva
España desde una fecha tan temprana como 1540 y, salvo un breve período entre 1563 y 1570, no
volvió a integrarse al virreinato a lo largo de su historia, la catedral de Guatemala, sufragánea de la
de México entre 1535 y 1745, conserva una cantidad significativa de obras musicales de
compositores activos en distintas ciudades del virreinato. La reciente localización de más de mil
obras en papeles sueltos nunca antes consignados en publicaciones ni en los instrumentos
descriptivos del Archivo Histórico Arquidiocesano de Guatemala eleva a más de un centenar el
número de obras virreinales que se conservan únicamente en Guatemala.
El estudio de la recepción de música foránea en la época virreinal involucra el análisis de
diversos mecanismos de circulación y abarca una amplia red de centros musicales que conecta
instituciones distantes. Mi proyecto de investigación del Doctorado en Musicología se circunscribe
a la movilidad de música y músicos entre la catedral de Guatemala y las de cuatro ciudades del
virreinato de la Nueva España: México, Puebla, Oaxaca y Valladolid de Michoacán durante los
siglos XVI, XVII y XVIII.
Como primera aproximación al estudio de la recepción de música novohispana en la catedral de
Guatemala, revisaré en esta ponencia algunos de los mecanismos de circulación, intentando
seleccionar los fenómenos más representativos para cada siglo, XVI, XVII y XVIII, desde tres
perspectivas: la movilidad de músicos, copistas y comerciantes de libros y papeles de música en
redes interurbanas, los mecanismos para satisfacer la demanda de nuevas obras en la catedral de
Guatemala, y la actualización litúrgico funcional y renovación estilística de los repertorios.
18:40 – 19:25
Ochoa Colunga, Alma Eréndira (Educación musical, 6° semestre)
Dra. Andrea Girladez (Tutora principal)
Dra. Arely Adriana Castañeda Díaz (Comentarista)
“La práctica educativa en los procesos de adquisición de la lecto – escritura musical, un
estudio descriptivo de la función docente”
En la actualidad, el quehacer del profesor no solo se centra en aquel que trasmite información, la
cual es una idea tradicional de la enseñanza, sino que se enfoca en lograr una auténtica práctica
que motive a una mejor aprehensión de los saberes por parte del alumno. De manera que el reto
de toda labor educativa radica en conocer, desarrollar y fortalecer las habilidades necesarias para
que el estudiante sea capaz de enfrentar y resolver diferentes problemáticas con base en los
conocimientos adquiridos. De acuerdo con Porlán y Martín “… el saber carece de sentido si no está
integrado a lo educativo. De manera que no son los simples conocimientos los que le dan sentido a
la vida, sino su integración a procesos de aprendizaje y relación humanos” (Porlán y Martín,
2004:1)
Lo anterior nos permite contemplar desde otras perspectivas el rol del maestro en el proceso
educativo, para De Lella (1999) la práctica docente se concibe como la acción que el profesor
desarrolla en el aula, lo cual pone en un cuadro el quehacer tanto del profesor como del alumno
en función a determinados objetivos de formación, estos actores se ajustan al conjunto de acciones
que inciden directamente en el aprendizaje.
Estas interrelaciones del maestro en el aula también son conocidas como práctica educativa la cual
engloba aspectos que nos llevan a analizar el trabajo del aula más allá de la mera observación de
la transmisión del conocimiento, la práctica educativa propone un ejercicio que es necesario
analizar desde distintos momentos del trabajo educativo: antes de la clase, (en la planeación de la
sesión) durante la clase (en la intervención del docente con los alumnos) y al final de la sesión (en
la evaluación del trabajo).
Estos momentos se atraviesan por múltiples factores que necesitan revalorarse para generar una
mejora de la enseñanza, en el caso de las humanidades y el arte a diferencia de otras disciplinas
“no solo se puede mostrar el resultado de la experiencia pues es necesario disponer de referentes
teóricos validados en la práctica que puedan no sólo describirla, sino también explicarla y que nos
ayuden a comprender los procesos que en ella se producen”, (Zabala 2010)
La utilidad del análisis de la práctica educativa en los proceso de enseñanza musical se sustenta
revisar las distintas variables que configuran la práctica educativa y que nos podrían abrir el
margen a la reflexión de las tareas que el maestro realiza en el aula, sobre lo que los alumnos
“aprenden” y la funcionalidad y engranaje de los contenidos educativos.
19:25 – 20:00
Tello Malpartida, Aurelio Efraín (Musicología, 6° semestre)
Dr. Alfonso Padilla (Tutor principal)
Mtra. Bárbara Pérez Ruiz (Comentarista)
“Villancicos con textos de sor Juana en archivos catedralicios y monásticos españoles”
Los textos de la Décima Musa fueron conocidos más allá de la Nueva España. Llegaron a la
Península Ibérica, a Filipinas y a las misiones jesuíticas de Moxos, en la actual Bolivia. Uno de los
capítulos centrales de mi tesis tiene que ver con la manera cómo compositores de diversas
latitudes pusieron sus textos en “metro músico”. En este caso quiero abordar un estudio de los
villancicos que se conservan en España, en acervos como las catedrales de Valladolid, Segovia,
Santiago de Compostela, Cuenca, Ávila, Valencia, Orihuela o el Monasterio de San Lorenzo del
Escorial. Un acercamiento a las diferencias en el tratamiento del texto, a la resolución formal de las
piezas, a los estilos en boga entre el siglo XVII (un barroco genuinamente hispano) y los albores
del XIX (cuando la influencia de la escuela de Manheim se había dejado sentir en todas partes),
nos darán una idea de la vigencia que cobraron los villancicos que escribió sor Juana,
especialmente aquellos de los que hizo un contrafactum tomándolos de poetas como Manuel de
León Marchante o aquellos otros que viajaron desde México al viejo mundo para ser publicados en
la Inundación Castálida y que luego fueron empleados por maestros de capilla catedralicios.