rte Abstracto Arte Arte que no imita ni representa directamente la realidad exterior, tanto si el artista no se inspira en la realidad como si el tema no puede descifrarse. Se basa en la idea de que el color y la forma tienen su propio valor artístico. Este movimiento artístico está considerado como una de las vanguardias históricas que se comienza a desarrollar durante los primeros años del siglo XX. Behind the sun (1943) Anni Alberts Diseño para una manta Lola Massieu Bodegón (1950-54) Óleo sobre lienzo Ciel Noir Óleo sobre lienzo Jacqueline Lamba (1910-1993) Sonia Delaunay (Ucrania 1885-1979) Estudia dibujo Ucrania y en París en la Académie de la Palette. Colabora en el desarrollo del orfismo realizando un tipo de pintura pura y abstracta donde el color es a la vez forma y tema. Durante la década de los años veinte Sonia trabajó fundamentalmente en tejidos y tapices estampados a mano, y como diseñadora produjo un fuerte impacto en el mundo internacional de la moda. Trabajó como diseñadora de decorados y vestuario para los ballets rusos. Tras una temporada en Madrid, se establece en París, donde se integra en los ambientes surrealistas. Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer que vio en vida sus cuadros expuestos en el Louvre. Su trabajo se caracteriza por una reconstrucción de la forma sólo por el color. Sin título Boceto de diseño de moda In Spite of Everything (Spring 1942) Le Puits Óleo sobre lienzo Ha sido conocida hasta ahora por ser la esposa de André Breton. Independiente de carácter y de elegancia excéntrica en sus atuendos, fue una pintora notable cuya obra está inmersa en el surrealismo primero y en una abstracción lírica más tarde. Su rasgo más personal son las luces: extrañas, metafísicas, como llamas, primero, y como chispazos después, que aparecen en casi todas sus obras. rte optico Arte El arte óptico es, sobre todo, un arte abstracto, basado muchas veces en figuras geométricas, que explora en particular las posibilidades de la luz y el color para producir sensaciones ópticas, visuales, de tipo dinámico. Por encima de lo demás, es un arte ilusionista. Se trata de crear una ilusión visual; por tanto, conceptos como óptico, visual, retinal, sirven para descubrir estas obras. La imagen es casi una, y los colores ondean con una intensidad tan deslumbrante que parecen distorsionar el lienzo. Se usa la repetición de las formas simples. Los colores crean efectos vibrantes, con gran efecto de profundidad. El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve; aunque la ondulación no sea real, el efecto es de total dinamismo. En la retina se perciben oscilaciones, altibajos, formas que emergen y se retraen. Bridget Riley (Inglaterra 1931) Pintora inglesa, sus primeras obras muestran un estilo impresionista, para evolucionar hasta el puntillismo hacia 1958, época en la que pintaba sobre todo paisajes. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro. En su segunda etapa se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento. Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores. Mosaico Arcane Acrílico sobre tela ubismo Cubismo Mirta Cerra (La Habana1904-1986) El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque, Picasso y otros artistas en el periodo de 1907 a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas. El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multiplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan los objetos y figuras en la misma pintura. Su obra se interesa por lo social, refleja personajes de la ciudad o del campo, o el paisaje urbano. En sus paisajes de La Habana rescata una ciudad colonial antes que moderna en cuadros en los que irrumpe a veces el neón; se introduce en ellos el reclamo comercial, pero ello sólo para contrastar y subrayar la belleza del vitral, de los guardavecinos, de la persianería francesa, de los balcones y las tejas. Retrata una urbe romántica, por momentos caótica. El cubismo resulta una fuente de las más preciadas para Mirta. Considerada neocubista, vuelve su mirada al momento inicial del cubismo (fragmentación de las formas en planos). Bodegón con instrumentos La Habana Nadezhda Udaltsova (1885-1961) Cocina (1915) Asimiló los postulados cubistas y asistió a las clases de la Académie de La Pallette en París. A lo largo de su carrera Udaltsova desarrolló el cubismo hasta sus últimas consecuencias como un ejercicio de análisis y «deconstrucción». Para ella la forma, la estructura y la composición eran la esencia de la pintura. Se familiarizó también con el futurismo italiano y la representación de movimientos rápidos a través del espacio. Expuso con el grupo de “La Sota de Diamantes”, defensores de la importancia de Cézanne y Picasso. Realizó algunas composiciones suprematistas en acuarela y aguada pero sobresale por sus magníficos óleos cubistas. Liubov Popova (1889-1924) Nace en Ivanovskoe en una familia de comerciantes culta y acomodada. Estudia arte, viajó por Rusia e Italia y en 1912 trabaja en un estudio en Moscú, donde coincide con Vladimir Tatlin y Alexei Grishchenko entre otros, y se adhiere al cubismo interesándose más tarde por el futurismo. Diseñó trajes y decorados para diferentes obras de teatro y trabajó en diseños textiles. Impartió clases en la Escuela de Arte y Teatro Vkhutemas e ingresó en el Instituto de Cultura Artística Inkhuk, centro de las teorías constructivistas. Popova fue una de los miembros principales de la vanguardia rusa a pesar de su prematura muerte. Prestó gran atención al color y al espacio y le interesaba mucho el valor arquitectónico de un cuadro. Rechaza la cualidad perspectivista del color, lo que apunta a una concepción de la pintura como un arte de superficie alejado del papel tridimensional y por ello ilusionista, al abandonar la perspectiva, el espacio y el volumen más propios del relieve y de la arquitectura. adaísmo Dadaísmo Mujeres y Pintura El dadaísmo tiene su origen durante la Primera Guerra Mundial, cuando coincidieron en Zurich varios exiliados procedentes de distintos países europeos. Expresaron su visión del mundo y del arte a través de una serie de acciones destructivas, y con un sentido del humor imaginativo y crítico, utilizaron las palabras libres y los ruidos-música. Entre las negaciones del dadaísmo se encuentra el arte mismo, que es rechazado como una parte importante del sistema que ha hecho posible la guerra. Son características del dadaísmo la repulsa de la «artesanía», de la intención, de la «seriedad», etc. Esta actitud permite liberar fuerzas creadoras, y aparecen nuevos medios expresivos: el fotomontaje, el colaje, la «pintoescultura matérica», los «objetos encontrados», etc . Hannah Hoch (Alemania 1889-1978) Artista alemana. Miembro del dadá berlinés. Practicó el fotomontaje y el colaje; y a partir de 1916 se dedicó a la pintura abstracta y surrealista y creó objetos dadaístas. Fotomontaje (1919) Fotomontaje (1919-20) Fotomontaje (1923) El expresionismo persigue la expresión de los sentimientos y emociones dejando en segundo término la representación de la realidad. El objetivo es lograr el impacto emocional del espectador a través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc. Se vale de una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia. Para ello cualquier recurso plástico es válido, y la técnica y el empleo de materiales es elegido por la artista. O’Keeffe (1970) xpresionismo Expresionismo O’Keeffe (1908) Georgia O'Keeffe (Estados Unidos 1887-1986) Antonieta Raphael La Pettinatrice Antonieta Raphael Fantasía Antonieta Raphael Desnudo Estudió arte en Chicago y Nueva York, se dedicó a la enseñanza, que abandona en 1917 para dedicarse íntegramente al arte. Sus cuadros son casi abstractos, basados en ampliaciones de plantas y flores. Se trata de obras de gran elegancia y vitalidad, con formas sensuales llenas de sugerencias sexuales, paisajes urbanos en los que la ciudad se transforma en unas imágenes fantásticas con unas composiciones de formas geométricas muy coloristas, y es frecuente que aparezca el paisaje del desierto en sus cuadros. A partir de 1953 comenzó a viajar intensamente visitando Egipto, Grecia, Oriente Medio... y en la década de los sesenta, inspirándose en los vuelos aéreos, introduce en sus telas vistas de la tierra, del cielo y de las nubes contempladas desde un avión. Tenía el don de ver y el interés por pintar las formas abstractas de las cosas visibles sin abandonar del todo la apariencia natural de éstas. Sin título Flores (1925) Serie Desnudos VIII Desnudo XII auvismo Fauvismo El fauvismo es el primer movimiento revolucionario artístico del siglo XX. La denominación deriva de la palabra «fauves» (fieras). Se desarrolla durante los años 1903 a 1907. Se caracteriza por una desmedida pasión por un uso violento y salvaje del color hasta llegar a la exaltación o la violencia, sin mezclas o matices. El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de éste respecto de la naturaleza, cuyo resultado son rostros verdes, árboles azules, mares rojos, rosáceos o violetas, sus tonos preferidos. Además se recurre a la extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y los contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas. Destaca la interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables, en especial paisajes o retratos. La profundidad desaparece. María Blanchard dando clase Natalia Gontcharova Títulos desconocidos María Blanchard (1881-1932) María Gutiérrez-Cueto Blanchard nace en Santander en una familia de la burguesía culta que apoyó siempre su temprana vocación artística. Estudia pintura en Madrid y se traslada a París con una beca, donde su pintura se acerca al fauvismo. Con posterioridad su obra deriva hacia el cubismo. Ejerce de profesora de dibujo en Salamanca y vuelve definitivamente a París en 1916. Su obra fue figurativa académica, de dibujo firme y tonos sobrios con predominio de las escenas costumbristas, pasando por una etapa fauvista y más tarde una etapa cubista, de intensos contrastes cromáticos y construcción monumental en la forma, con unas notas expresionistas muy personales. Al final de su carrera, la figura humana, sobre todo seres enfermos y dolientes situados en ambientes tristes, será el centro de su obra. Son pinturas de color delicado y ritmos angulares que reflejan la infancia, la soledad, el abatimiento, la tristeza, la enfermedad. La echadora de cartas (fragmento) (1925-1926) La convaleciente (1930-1932) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Natalia Gontcharova (1881-1962) Nace cerca de Tula en el seno de la alta burguesía rural rusa. Se dedica en principio a la escultura hasta que el pintor Michail Larionov la orienta hacia la pintura, al observar su predisposición al color. Sus primeras obras tienen influencias impresionistas, simbolistas, fauvistas o cubistas a las que se unen la tradición rusa (los iconos), el arte popular (los lubki) y las escenas de la vida campesina. Formó parte, al lado de Larionov, de diferentes grupos dentro de la vanguardia rusa y definen juntos un nuevo estilo pictórico: el rayonismo. La creatividad de la pintora no se limita a un solo movimiento sino que recoge aspectos de los diversos lenguajes vanguardistas. Trabajó para los decorados y el vestuario de algunos de sus ballets rusos. En los años veinte Natalia conoce a Matisse, Derain, Picasso, Delaunay, Léger y Cocteau entre otros. Proclama el rechazo del pasado y el advenimiento de una estética nueva, apropiada al mundo de la velocidad y de las máquinas, y a la ciudad moderna. Boccioni, Carrà, Russolo, Severini y Balla redactan el Manifiesto de los Pintores futuristas (1910) e insisten en la velocidad y el dinamismo como expresión de modernidad. Movimiento iniciado en la literatura, se extiende a todos los campos del arte con connotaciones políticas muy fuertes y contradictorias. Utilizan técnicas puntillistas y colores neoimpresionistas, y las temáticas de todos ellos son similares, basadas en el dinamismo y el movimiento, la metrópolis caótica y el trabajo. Buscan una audiencia masiva, tratan de difundirse con técnicas publicitarias. Olga Rozanova (Rusia 1886-1918) Empezó ilustrando libros y posando para otras grandes pintoras del momento. Vinculada al futurismo italiano, sus pinturas, dibujos y diseños poseen una gran fuerza. Evolucionó desde la exploración del color al novedoso desplazamiento rítmico del futurismo para llegar a sus obras suprematistas. Rozanova consideraba el color como la esencia y justificación de la pintura abstracta. Ella misma denominaba su sistema pictórico como «Pintura de color», insistiendo en que el arte no debía imitar sino simplemente tomar los objetos como referencia. Hombre en la calle Vuelo de un avión mpresionismo Impresionismo Considerado la última versión del realismo, se desarrolla entre el final del s. XIX y principios del XX. El nombre se deriva de una obra de Monet titulada «Impresión». A partir de aquí, se produce la mayor revolución estética de la historia del arte abandonando la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura. Paseo en barca (1893-94) National Gallery of Art, Washington D. C. Mary Cassatt Lilla Cabot Perry Lilla Cabot Perry Lilla Cabot Perry Tocando con el corazón Bailando Óleo Óleo Eva Gonzalés (1844-1926) El palco (1882) National Gallery of Art, Washington (1849-1883) Hija del escritor francés, Enmanuel Gonzalés, la joven burguesa empezó sus enseñanzas en el estudio de Chaplin en 1865 y más tarde en el taller de Edouard Manet para convertirse en modelo y alumna. La influencia de Manet en su pintura es muy significativa hasta 1872, en que empieza un estilo más personal, especializándose en obras al pastel y tonalidades claras. Marie Bracquemond (1840-1916) Expuso en diversas muestras impresionistas, hasta que abandonó la pintura en 1890 mortificada por la severa crítica y comentarios adversos de su marido. Aquellas mujeres que se aventuraban a hacer carrera como pintoras tuvieron que sufrir los numerosos prejuicios sociales, que consideraban este tipo de actividades como esencialmente «masculinas» y, por tanto, impropias de una mujer. Destacar como profesionales era considerado como subversivo e, incluso, peligroso. Dibujo a lápiz Retrato de la artista (1878) Metropolitan Museum of Art, Nueva York Desde muy pequeña desea convertirse en artista y, en contra de la opinión de su padre, se inscribe en la Pennsylvania Academy of Fine Arts. Pintora norteamericana establecida en París a partir de 1875, fue la única artista de esta nacionalidad que presentó regularmente sus obras en las exposiciones del grupo de los impresionistas. La singular aportación de Cassatt al arte se concreta en su exploración artística de la relación entre aquello que convertía en moderna a la pintura y en «nuevas» a las mujeres. En reconocimiento a su importancia como principal mujer de la modernidad y principal pintora feminista, se le pidió que realizara un gran mural para el Edificio de la Mujer de la Exposición Colombina Universal, (Chicago, 1893). Berthe Morisoth (1841-) Comienza su educación, primero en la música y después con lecciones de dibujo y pintura. Alumna del famoso pintor paisajista Camille Corot, conoce al grupo de pintores impresionistas: Degas, Renoir, Sisley... Expone con ellos en la muestra que tiene lugar en el estudio de Félix Nadar en el Boulevard des Capucines en 1874. Pintora impresionista de lo cotidiano y de lo minucioso, compone delicadas escenas familiares en interiores cuyos protagonistas son su madre, su hermana o su hija. Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas direcciones, propia del impresionismo, dio a sus obras unas calidades transparentes, iridiscentes y tornasoladas. La cuna (1872) Musée d'Orsay, París En el balcón (1871-72) Colección privada Edouard Manet Berthe Morisot con un ramillete de violetas (1872) Musée d'Orsay, París inimal Art Minimal La simplicidad, la abstracción total, el orden y el perfeccionamiento son las características claves del «minimal art» o minimalismo. El fundamento básico de este movimiento radica en la práctica del «reduccionismo». Sus obras son sencillas, frescas y con poco contenido. Los minimalistas emplean formas elementales: cubos, pirámides, esferas repetidas en series con algunas variaciones. La escultura fue una de las expresiones artísticas más utilizadas por los minimalistas. Busca formas simples, reducidas a lo esencial, y las trata con gran rigor intelectual. Es un arte agresivo y duro. Reclama una concepción normativa del arte y la adopción de unas pautas estrictas, por lo que recurre a elementos geométricos. Harbor number 1 Agnes Maklin Martin La Ola (Estados Unidos 1912-2004) Comienza a interesarse por el arte hacia 1940; mientras, estudia en la Universidad de Columbia; combina esta residencia con la de Nuevo México, llegando a impartir clases de pintura. Su obra en principio se caracteriza por la figuración, que da paso a la abstracción. Regresa a Nueva York y conoce a Ellsworth Kelly y a James Rosenquist, entre otros. Opta entonces por la abstracción geométrica de gran simplicidad, quedando su obra ligada tanto al expresionismo abstracto americano como al minimalismo y al Hard Edge: lienzos estructurados por una rígida trama lineal de trazo fino en los que se observan sutiles variaciones cromáticas. Sin título M i n i m a l A r t Conocido como art nouveau en Francia, jugendstil en Alemania y modernismo en España, es el nombre que se da al movimiento artístico con el que se culminó el siglo XIX y comenzó el XX. El Modernismo significa libertad, la posibilidad de desarrollar cualquier forma, color o idea, y la pintura no fue una excepción, con una gran variedad y riqueza de temas. Tamara de Lempicka odernismo Modernismo Etienne Dinet La Femme Repudiée (1898-1980) Nace en Varsovia, su infancia transcurre entre San Petersburgo, Karlsbad, Marienbad, Montecarlo e Italia, donde visita los museos de Florencia, Roma y Venecia. Se integró en la rica sociedad de San Petersburgo y allí conoció a Tadeusz Lempicki. Huye a París y comienza a dedicarse a la pintura, desarrollando un estilo enigmático y personal adscrito al art decó, y en los años veinte se convierte en retratista de moda de la aristocracia, deslumbrando con la deliberada sensualidad de su arte. Hermosa y elegante, mundana y sofisticada, se convirtió en el fascinante símbolo de toda una época. Autorretrato en el Bugatti Verde (1925) Colección privada Etienne Dinet A street in Laghaut Algeria Las jóvenes (1927) Retrato del Marqués de Sommi (1925) Óleo sobre madera. Colección privada Óleo sobre lienzo. Colección privada Kizette (1927) Musée National d' Art Moderne, París Primavera (1928) Óleo sobre madera Primavera (1929) Óleo sobre madera Las chicas (1928) Óleo sobre lienzo. Colección privada Mujer durmiendo (1935) Óleo sobre lienzo. Colección privada ueva figuración Nueva Durante la primera mitad de siglo el arte oscila entre dos corrientes artísticas: la figuración y la abstracción. Este fenómeno abre camino a una nueva corriente llamada nueva figuración, que tiene una amplia difusión en Europa y América Latina y sigue dando resultados plásticos en la producción artística de la actualidad. El artista refleja en sus obras la realidad que lo rodea tal como es y por más cruda que resulte. Otorga vida a las figuras estáticas y las ubica en contextos desgarradores y dramáticos. La libertad es una característica propia de estos artistas, quienes confieren a la figura humana un sentido de vitalidad al sacarla de sus propios límites. Mariona Brines (Valencia 1962) Lola Massieu Serie manzana podrida Técnica mixta sobre lienzo Mariona Brines La casa del mago Amelia Peláez (1896-1968) Estudió arte en La Habana y perfeccionó sus conocimientos artísticos en varios países de Europa, donde ha expuesto con frecuencia, así como en Cuba y los Estados Unidos. Su obra es abundante no solo en pintura, sino también en piezas cerámicas, grabados y murales. En sus naturalezas muertas los elementos aparecen enmarcados en gruesas líneas negras que provienen de la admiración que la pintora siente por determinadas tallas en madera de puertas y mamparas o del embe-llotado de los vitrales de La Habana. Gracias al grosor de tales líneas Amelia Peláez consigue que sus pinturas presenten composiciones con una contundencia similar a la de la arquitectura. Mujeres (1958) Jugadores de cartas Estudió diseño de moda en Hamburgo, trabajó como diseñadora de moda en Alemania, y como maquetadora y directora artística en diferentes agencias publicitarias en los ámbitos de la moda y la fotografía. Se la relaciona con la pintura, la fotografía, el land-art, la fabricación de papel, el grabado y la xilografía. Su acercamiento no académico a la pintura puso en movimiento reflexiones sobre el proceso pictórico en sí, sobre la importancia de la propia percepción y su plasmación, sobre el saber ver y, en definitiva, sobre cómo encontrar y crear nuevos mundos pictóricos. En 1999 la artista se trasladó nuevamente a Valencia, donde trabaja como pintora en la actualidad. Aprendiendo a volar (2005) Acrílico, U.P.V. Elca. Acrílico Criptograma (2005) Acrílico, U.P.V. Mujeres aÍ f Na y Pintura El término naíf se aplica a la corriente artística caracterizada por la búsqueda de la candidez y la ingenuidad, la espontaneidad, el autodidactismo de las artistas y los artistas, los colores brillantes y antinaturalistas, y una perspectiva acientífica. Otros rasgos son los siguientes: Contornos definidos con mucha precisión. Falta de perspectiva. Extraordinario color. Gamas cromáticas muy refinadas. Pintura muy detallista y meticulosa. Gran potencia expresiva. La sensación volumétrica se consigue por medio del color. El dibujo puede ser incorrecto. Las firmas suelen ser de gran tamaño. NaÍf Ángeles Violán (España) Nace en Los Realejos,Tenerife. En su juventud recibió clases de Manuela Miranda, Felipe Mesa y Armenia Acosta, artistas de Tenerife, hasta que descubrió el naíf, un estilo ingenuo, libre y personal. A partir de los años 80 presenta su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales. El Ayuntamiento de Puerto de la Cruz y El Cabildo Insular de Tenerife cuentan con algunos de sus cuadros. Últimamente ha pintado por encargo, mientras hacía realidad la Guía naíf de costumbres canarias. El chorro Mujeres calando Alfombras de flores Movimiento artístico de los años sesenta, que ha evolucionado hasta nuestros días, y que utiliza en sus composiciones productos habituales de consumo y procedentes de la publicidad. La inclusión de estos productos tan banales en las imágenes artísticas nos provoca sorpresa y los convierte en objetos de arte. rte pop Arte Esperanza Casa Aquí hay tomate Carmen Roig Consiga por fin lo que la naturaleza no le pudo dar EQUIPO LÍMITE (España) Está compuesto por Esperanza Casa Guillén (Cuqui) y Carmen Roig Castillo (Cari), dos artistas valencianas que se conocieron primero en el Instituto San Vicente Ferrer y coincidieron después en la Universidad de Valencia. Una de las características de sus obras neo-pop es la de mezclar en su iconografía elementos homogéneos, procedentes de la baja cultura, haciendo casi nula referencia a ningún icono del arte, reciclando imágenes que apelan a la trivialidad de un discurso, de modo deliberado y antifeísta, antimoderno, anticrítico y superkitsch. En sus comienzos hay un uso constante del método colaje que con posterioridad va cediendo paso a un montaje pictórico que le ha dado a los títulos de sus obras un trascendental protagonismo provocador, revelando un valor añadido en el lenguaje. Carmen y Esperanza Cuando rugen los leones Carmen y Esperanza Atadas Carmen y Esperanza Cariño, dale de comer al pajarito El siglo XIX supone para Europa la consolidación de la burguesía en el poder. En el terreno artístico se produce una reacción contra los valores idealistas y metafísicos que inspiraron al neoclasicismo y al romanticismo. Algunos autores consideran función de la pintura reproducir la realidad tal como es, libre de todo prejuicio filosófico, moral, político o religioso. La función del artista consiste en reproducir la realidad con toda su problemática, sin ideas prefijadas. Muestra la vida cotidiana de la clase obrera, presentando la situación social en toda su crudeza y de forma combativa, lo que no le impide conseguir efectos de gran belleza incluso cuando se representan los temas más escabrosos. ealismo del siglo XIX Realismo Cecilia Beaux Sita and Sarita Ovejas junto al mar (1869) National Museum of Women in the Arts, Washington D. C. Retrato de la artista Rosa Bonheur (ca. 1871) Andrè Adolphe Eugëne Disdèri (fotógrafo) La feria de caballos (1853-55) Fine Arts Museums of San Francisco Metropolitan Museum of Art, Nueva York Rosa Bonheur Cecilia Beaux Mrs. Richard Lox Cecilia Beaux Mother and Son Sophie Anderson (Francia 1823-1903) Francesa, de soltera Sophie Gengembre. Fue una pintora de género, conocida por sus sentimentales retratos de niños victorianos. De formación autodidacta, estudió la técnica del retrato con el Baron Charles von Steuben en París. En 1848, con la Revolución, viajó con su familia a America, residiendo en Cincinnati y Pittsburgh. Allí se convirtió en una retratista famosa y se casó con el artista británico Walter Anderson. Regresó más tarde a Inglaterra. Su obra más conocida es «No Walk Today». (Francia 1822-1899) Recibió su formación artística de su padre y se especializó en pintar animales salvajes, llegando hasta la perfección. Su obra obtuvo gran éxito mercantil y de crítica. En 1865 Bonheur fué la primera mujer que recibió la Gran Cruz de la Legión de Honor. Le gusta representar escenas campestres con animales. Para poder pasar inadvertida, solicita un permiso especial a la policía para vestir ropa de hombre en público. Seguía también los usos masculinos al montar a caballo, fumaba en público y llevaba el cabello corto. Su pintura, dentro de las tendencias realistas, parte de la más estricta observación de la naturaleza. Cuestionó las opciones personales y profesionales que tenían las mujeres en el siglo XIX y ayudó a comenzar a poner fin a las verdades profundamente arraigadas en su tiempo. Se identificaba a si misma como «contra sexual», perteneciente al «tercer sexo», una «mujer masculinizada». Peek a Boo No walk today omanticismo Romanticismo El vals (1895-1905) Colección particular El abandono (1888) Colección privada El Romanticismo es el responsable de la gran revolución que se produce en el arte pictórico y escultórico del siglo XIX. La importancia que el romanticismo concede a la representación de la naturaleza provoca un gran desarrollo de la pintura del paisaje, en el que el artista proyecta su interior, con la intención de comunicar una emoción o un sentimiento al espectador. Algunas de las características que definen el Romanticismo son: el protagonismo del individuo, la búsqueda entusiasta de los vestigios del pasado, el amor a la naturaleza, la preeminencia de la pasión y la sensibilidad por encima de la razón. Retrato de Camille Claudel (ca. 1884) fotografía de César Musée Rodin, París Camille Claudel (1864-1943) Mientras su padre comprende la inclinación de Camille hacia el arte, su madre se opone duramente a lo que considera una desviación radical de las reglas que rigen la vida burguesa en la sociedad del momento. Cursa estudios artísticos en la Académie Colarossi, conoce al escultor Auguste Rodin, su amante y maestro. Camille posa para él y colabora en la realización de las figuras. La obra de la escultora, muy cercana a la de su maestro, no es nunca una copia. Se produce entre ambos un clima de colaboración y enfrentamiento que enriquece la labor mutua, mientras, sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia artículos sobre ella en las revistas de arte. Más conocida por su atormentada existencia que por la calidad de su producción y la extraordinaria modernidad de sus obras, Camille posee una gran habilidad técnica para la escultura dominando a la perfección la talla del mármol, llegó incluso a permitir que Rodin firmara alguna de sus obras. Mujeres iglo XVII Siglo y Pintura Rosalva Carriera (Italia 1675-1757) Nace en Venecia. Conocemos muy poco de su biografía, aunque se conservan muchas obras firmadas por la pintora por toda Europa. Retratista de miembros de la nobleza y de las clases adineradas, realizó miniaturas sobre marfil, una de las cuales le abre las puertas de la Accademia di San Luca en Roma. Es admitida en la Accademia di Bologna y también en la Académie Royale de Peinture et Sculpture de París. Mujeres y Pintura iglo XVIII Siglo Angélica Kauffmann (Suiza1741-1807) Se inició en la pintura siendo aún muy pequeña y se forma junto a su padre, pintor suizo, en Florencia y Roma. Artista respetada por sus contemporáneos, a los 23 años forma parte de la Accademia di San Luca de Roma. Desarrolla una parte importante de su carrera profesional en Inglaterra, ingresando en la Royal Academy de Londres como una de sus miembros fundadores, junto a otra mujer, Mary Moser, pero con las restricciones que las Academias imponían a las mujeres (por ejemplo, la prohibición de asistir a las clases de desnudo). Retratista, también se dedicó a la pintura de temas religiosos, históricos o mitológicos, despertando el interés de cortes y coleccionistas de toda Europa. Retrato de mujer como una vestal Anna von Escher van Muralt Autorretrato Elisabeth Louise Vigée-Lebrun (1755-1842) Empieza a pintar desde muy pequeña en París. Con quince años ya puede sustentar a su madre y su hermano pequeño con la venta de sus retratos. Casada con el pintor, coleccionista y marchante de arte Jean Baptiste Pierre Lebrun, puede ampliar sus conocimientos en pintura observando los cuadros de los grandes maestros de su colección privada. Comienza una carrera de éxito que la llevará a ingresar en 1783 en la Académie Royale, lo que le abrirá las puertas de la corte de Francia. Realizó un retrato de María Antonieta que la convirtió en pintora oficial de la reina. Se dedicó principalmente al retrato, género para el que demostró una gran habilidad, siempre en la línea de la moda y el gusto de la época y con una gran capacidad para adaptarse a los deseos de sus modelos. Es espléndido el del pintor Hubert Robert realizado en 1788 (Musée du Louvre). Consciente de su belleza, que contribuyó en alguna medida a su éxito, dejó numerosos autorretratos, destacando el Autorretrato con la hija de 1789 (Musée du Louvre). Dejó escritas unas Memorias y también unos Consejos para la práctica pictórica. Condesa A. S. Stroganova y su hijo Autorretrato Retrato de la reina María Antonieta Autorretrato Retrato de Hubert Robert Este movimiento artístico se desarrolló entre las dos Guerras Mundiales y gozó de gran repercusión internacional. Los surrealistas expresaron sus ideas en poesía, pinturas, ensayos, o en su manera de vivir. Rechazaban la religión, la lógica, el sentido común, la fe, la ley, la burocracia, la obediencia a la autoridad, y el militarismo. Se expresan de diversas maneras: figuración de gran realismo o de carácter onírico, abstracción, cubismo... Mujeres en el movimiento surrealista: ninguna mujer fue considerada como surrealista por los miembros de este movimiento. Los surrealistas pensaban en la mujer como una mediadora entre la naturaleza y el subconsciente, una «femme-enfant», una musa, y un objeto de los deseos de los hombres. El concepto de la mujer objetivado por las necesidades de los hombres estaba en conflicto directamente con la necesidad (subjetiva) de las mujeres individuales a expresarse libremente. urrealismo Surrealismo Amelia Peláez El mantel blanco Óleo sobre tela Remedios Varo (España 1908-1963) Frida Kahlo (Méjico 1907-1954) Obra y personalidad son consecuencia de dos factores fundamentales: su desmedido amor y obsesión por la figura de su marido, el muralista mejicano Diego Rivera, y su quebradiza salud, fruto de todos los procesos quirúrgicos que sufrió a lo largo de su vida. Destaca la forma tan cruda y desgarrada de expresar sus sentimientos y anhelos más profundos, a través de sus numerosos autorretratos. Diego en el pensamiento (1929) Figura de primer orden del surrealismo. En sus obras vemos identificaciones de la mujer con poderes misteriosos y regenerativos conectados a la naturaleza. Ella rechazaba las representaciones de la mujer impuestas por los hombres del movimiento surrealista, como Dalí y Bellmer, porque representaban a la mujer como un objeto de deseo de los hombres; ella pintaba a la mujer en la perspectiva de su propia experiencia. Ilustradora de investigación científica, crea un espacio para lo racional en el mundo de la fantasía. Frecuentemente los caracteres de sus dibujos tienen ojos como almendras, similares a sus propios ojos, para demostrar el parecido de su experiencia con los temas de sus obras. Dolor reumático Aguada sobre cartulina Las dos Fridas (1939) El venado herido (1949) Banqueros en acción Óleo sobre mansonite Emigrantes (1962) Mixta sobre cartulina