Presentación - Comunidad de Madrid
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ELLAS. CREADORAS DE LOS SIGLOS XX Y XXI Hojas didácticas Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI ÍNDICE Presentación Contenido de la exposición En cuerpo y alma Interior/Exterior Propuesta de actividades Visita guiada Talleres -1- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI Presentación La RedITINER es una plataforma de colaboración entre los municipios y la Comunidad de Madrid que se materializa anualmente en exposiciones itinerantes. Y que buscan promocionar la creación artística en Madrid y dar a conocer aspectos relacionados con la cultura y el patrimonio, como son las conmemoraciones culturales, las artes escénicas, el arte contemporáneo, la música, la literatura, la historia, el arte o el patrimonio. En esta ocasión les presentamos la exposición temporal Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI, una muestra que recoge la producción creativa de mujeres de esta época. Se exhiben veintitrés artistas de épocas, lenguajes y técnicas diferentes, que nos permiten conocer la versatilidad del arte contemporáneo a través de la subjetividad de la mirada femenina. Les ofrecemos la posibilidad de usar este material didáctico, adaptado a los distintos niveles de enseñanza, y que está compuesto por un material teórico (Contenido de la exposición) donde podrá encontrar las claves principales para trabajar sobre la figura de estas artistas y su obra expuesta; y un material práctico (Propuestas de actividades) para que el monitor/guía oriente la visita guiada y los diversos talleres que le proponemos. Esperamos que este material sea de su utilidad. Subdirección General de Museos COMUNIDAD DE MADRID -2- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI Contenido de la exposición 1 Esta exposición, que consta de veinticuatro obras, está estructurada en dos secciones temáticas. En la primera, titulada En cuerpo y alma, se incluyen creaciones de Frida Kahlo, Gisèle Freund, Marina Abramovic, Cindy Sherman, Paloma Navares, Concha García, Susy Gómez, Marina Núñez, Adriana Duque, Amparo Sard, Naia del Castillo, Victoria Diehl, Carmen Calvo y Concha Jerez. El punto en común entre las piezas se centra en la reflexión sobre la dicotomía existente entre el cuerpo y el alma. Son piezas que enfrentan la intimidad y profundidad del alma, como el Diario de Frida Kahlo, con otras obras que muestran la desnudez sin censuras y en su máximo esplendor, como ocurre en la impactante fotografía de Victoria Diehl. La segunda parte lleva por título Interior/Exterior, y en ella se incluyen obras de Amalia Avia, Esther Ferrer, Isabel Quintanilla, Marisa González, Ouka Leele, Darya Von Berner, Montserrat Soto, Berta Jayo y Diana Larrea. Con sus obras nos invitan a acercarnos a dos conceptos simbólicos, el interior y el exterior. Las diferentes posiciones que asumen las artistas ante esta tensión se traducen en algunos casos en la representación de la belleza de la naturaleza de una forma bucólica, pero sin dejar de lado la capacidad crítica, como en las fotografías de Marisa Gónzalez o Montserrat Soto. Además, algunas de ellas nos muestran las consecuencias terribles de las agresiones realizadas por el ser humano en nuestros paisajes. Paralelamente nos adentraremos en obras intimistas que nos sitúan ante interiores u objetos que representan la vida cotidiana y que contemplamos como si fuéramos voyeurs. Frente a creaciones como las de Isabel Quintanilla o Carmen Calvo sentimos cómo interrumpimos en la esfera privada de las personas, al igual que hemos invadido las almas en la primera parte de la exposición, y ante la obra de Esther Ferrer nos podemos aproximar a una reflexión sobre los límites del espacio. 1 Debido a limitaciones del espacio, es posible que en las salas no estén presentes todas las obras que forman parte de la exposición o que se muestren en un orden diferente al que se detalla en este documento. Los textos incluidos en este documento son los que aparecen en la exposición, realizados por Marisa Oropesa, comisaria de la exposición. También hemos contado con la colaboración de Marlene García, Coordinadora de Voluntarios Culturales de la Red Itiner. -3- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI En cuerpo y Alma 1 Frida Kahlo Diario, 1944-1954 Proyección en DVD + Libro ejemplar facsímil 24 x 16,5 x 3 cm Hija del fotógrafo judío-alemán Guillermo Kahlo, Frida nace en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México, en 1907. A los dieciséis años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resulta gravemente herida en un accidente de autobús y comienza a pintar durante su recuperación. Este accidente le dejará importantes secuelas en sus piernas, que con el paso del tiempo la llevarán a la invalidez total. Tres años más tarde llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. Se casaron en 1929. Conoce a León Trotsky, con motivo de su destierro, al que acoge en su casa en 1937 y 1938. Organiza las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta y ensayista surrealista francés André Breton. En 1954 fallece con tan sólo cuarenta y siete años de edad. La artista mexicana escribió durante una década en su Diario sus pensamientos más íntimos al igual que sus miedos, sus frustraciones y por supuesto sus sueños. Es un valiosísimo testimonio de la intimidad de una artista que siempre luchó por la libertad de las mujeres. Los autorretratos que contienen estas páginas son el espejo de su alma, la mujer vista por ella misma y plasmada a través de sus pinceles. 2 Gisèle Freund Frida Kahlo en su casa de Coyoacán (México), c. 1942 Fotografía 24 x 19 cm Hija de una familia de la alta burguesía judía alemana, estudia sociología en el Instituto de Investigación Social de Frankfurt, con Adorno y Manheim, y allí frecuenta grupos de estudiantes de izquierdas. Se implica políticamente contra el nacionalsocialismo, hecho que la obliga a huir de Alemania y refugiarse en París. En 1931 estudia Historia del Arte en la University of Freiburg de Breisgau y en 1936 presenta su tesis doctoral en la Sorbona, titulada “La Photographie en France au XIXème siècle”. Al año siguiente se casa con Pierre Blum, del que se separa posteriormente, divorciándose oficialmente en 1948. Con la ocupación progresiva de Francia por parte de las tropas nazis, en 1942 Freund se exilia a Buenos Aires. Al acabar la guerra, se instala definitivamente en la capital francesa, donde continúa ejerciendo como fotógrafa independiente y consigue el reconocimiento internacional. Fallece a los noventa y un años de edad en París en el año 2000. Durante su estancia en México de 1947 a 1952, Gisèle Freund entró en contacto con Diego Rivera y Frida Kahlo, a la que realizó algunos de los mejores retratos fotográficos que se conservan de la artista mexicana. -4- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 3 Cindy Sherman Sin título, 1983 (la artista en su estudio) Fotografía 39,4 x 25,4 cm La formación de esta artista estadounidense comienza en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, donde estudia arte y dedica una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 únicamente realiza autorretratos fotográficos con los que intenta enfocar de una manera diferente el tema de la mujer estereotipada. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violencia, el erotismo o la crítica política. Su primera exposición individual tuvo lugar en Nueva York en 1980.Su obra ha sido mostrada en museos como el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el MOMA de Nueva York, el Jeu de Paume de París, el Stedelijk Museum de Ámsterdam... Actualmente está preparando una gran exposición que incluirá más de 170 de sus fotografías que se presentarán en 2012 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y en el Walker Art Center de Minneapolis. 4 Paloma Navares Mujer del Samurai, 2008 Fotografía 125 x 125 cm Creadora de un lenguaje plástico propio caracterizado por el uso de nuevas tecnologías, la utilización del espacio, la luz y la integración de diversas técnicas, su lenguaje plástico está construido desde la idea de hibridez y sustentado, desde sus inicios, en la práctica interdisciplinar, el ensamblaje de técnicas y soportes, y la utilización de materiales industriales. Sus primeros trabajos audiovisuales están ligados a la performance y la danza. En 1985-1986 realiza los proyectos: Seravan, Canto a un árbol caído, Origen y Noches de luna, que se presentan principalmente en centros de arte y museos. En 1986 presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el ciclo de vídeo e instalaciones Cultura y nuevas tecnologías, Procesos. Desde sus inicios en 1979 hasta el momento actual ha realizado más de un centenar de exposiciones en todo el mundo, estando presente en Ferias y Bienales. Junto a su actividad artística desarrolla una labor de formación, de 1999 a 2002 imparte el curso Sculpture, object, installation, en la Salzburg International Summer Academy of Fine Arts, Austria. Su obra se encuentra en museos, instituciones y colecciones públicas y privadas. En las obras que forman parte de esta serie se muestran fragmentos de orquídeas con figuras de mujeres de samurai dedicadas al cuidado del hombre, lo que supone una denuncia del papel anónimo de la mujer, condenada a limitar sus experiencias a la esfera de lo privado. -5- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 5 Concha García Mirada perdida, 2007 Acuarela sobre papel manipulado 76 x 112 cm Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en 1984 obtuvo la Beca de Roma en la Academia Española de Bellas Artes. Entre 1981 y 2009 recibe algunos premios, entre ellos el Primer Premio de la Bienal Internacional Julio Prieto Nespereira de Grabado, el Primer Premio de Grabado Madrid 1992. En 1994 obtuvo la Beca de Creación en Artes Plásticas, en el Colegio de España de París. Su obra se encuentra en varios museos y colecciones públicas y privadas, tales como el Museo Nacional Reina Sofía o el Centro de Arte Patio Herreriano de Valladolid. La obra de la artista, involucrada con la renovación del lenguaje escultórico, se muestra cercana a la experiencia del sujeto en su relación con los materiales o bien de extrema fragilidad o bien tan próximos como cotidianos y domésticos. 6 Susy Gómez Sigo mi destino, 2011 Resultado de la acción de fundir un vestido. Aluminio fundido a la cera perdida 160 x 80 x 80 cm, aprox. Artista multidisciplinar, Susy Gómez i Fuster estudió en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi, de Barcelona y se dio a a conocer en el Espai 13 de la Fundaciò Mirò de Barcelona en 1993. Poco después era considerada uno de los nombres claves de los 90, estando presente a partir de ese momento en prestigiosas ferias y muestras colectivas a nivel tanto nacional como internacional. Sus trabajos reflejan una potencia visual y emocional, utiliza medios muy diversos, como son la fotografía, video, pintura, dibujo, escultura, instalación... En 1999 recibe la Beca Endesa y expone Maldito Corazón, en el Musee d´Art Contemporaine de Nice. Un año después realiza la exposición "Algunas Cosas Que Llamaba Mías", en el IVAM de Valencia, y en 2001 "No sé cuantas veces", ésta en el Museo de Pollença. Entre lo frágil y lo rotundo, la artista plantea en sus obras trabajos situados en escenarios de gran plasticidad visual en los que nunca faltan las metáforas como dispositivos que revelan su interés por profundizar en temas de identidad. La versatilidad de la artista mallorquina es una de sus características principales, sus obras pueden ser tanto pinturas como videos, fotografías, esculturas o instalaciones. En esta ocasión estamos ante una escultura de un vestido que pertenece a una serie de obras que son resultado de la acción de fundir a la cera perdida un vestido original del guardarropa de una mujer de su familia o de su red personal. El título se entiende como un discurso paralelo que más que definir la obra, la acompaña conceptualmente, que nombra estados o situaciones a modo de crear un feed back, en definitiva entablar un dialogo con el espectador. -6- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 7 Marina Núñez Visión (2), 2007 Vídeo monocanal, sonido 1’ 24’’ Se forma en la Universidad de Salamanca, donde se licencia en Bellas Artes. Más adelante se convierte en Doctora por la Universidad de Castilla-La Mancha, y es Profesora Titular de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo. Participa desde muy joven en exposiciones colectivas como la “Muestra de Arte Joven de 1989”, organizada por el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, o “Germinations 5”, en la Bienal Europea de Jóvenes Artistas celebrada en Lyon (ELAC). Sus primeras exposiciones individuales tienen lugar en 1993, en la Sala José María Fernández, de Málaga, y en la madrileña Galería Buades. Su obra ha podido verse tanto en importantes muestras en nuestro país como la realizada en el MUSAC de León o en exposiciones internacionales. Su obra figura en colecciones de varias instituciones, entre las que podemos nombrar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Artium de Vitoria, la Fundación “La Caixa”, el MUSAC de León o la Corcoran Gallery of Art, Washington, DC. Esta obra se relaciona con el mito de la caverna, según el cual el hombre no puede llegar al verdadero conocimiento a través de la información que le llega a través de los sentidos, y alude a la consideración del cuerpo como una cárcel. 8 Marina Abramovic Skeleton, 2002 Video 15’ 45’’ Entre 1965 y 1970 estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado. Completó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Zagreb (Croacia) en 1972 y entre 1973 y en 1975 dio clases en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance en solitario. Ya en 1976 la artista deja Yugoslavia y se marcha a Ámsterdam. Sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra de Tito. Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales encaminadas a liberarla de su pasado. Sus obras exploran los parámetros del poder y la dependencia dentro de la relación triangular entre ambos y los espectadores, y son el resultado de una serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el control sobre su cuerpo. Ha recorrido el mundo con sus obras y sus performances, la última la realizó en el MOMA de Nueva York que le dedicó una importante exposición retrospectiva. Ha creado la Fundación Marina Abramovic con el fin de preservar el arte de la performance (Marina Abramovic Foundation for the Preservation of Performance Art). La obra Skeleton nos muestra una de las influencias en la obra de Abramovic: el budismo tibetano. En el video se evoca un ejercicio tradicional de los monjes, que se acuestan junto a muertos en diferentes estados de descomposición para entender mejor el proceso de la muerte. Según la artista, estar cerca del esqueleto (símbolo del propio esqueleto) es una forma de confrontar el miedo a la propia mortalidad. Esta performance nos recuerda el peso de nuestros huesos, de nuestro cuerpo, de nuestra estructura, de nuestro estado de ánimo; el peso de la historia del comportamiento humano. La fusión entre performance-multimedia-arte concluye con un resultado de gran calidad, lleno de energía y de desolación, junto al toque de la muerte que nos recuerda que estamos vivos. -7- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 9 Adriana Duque Yoshua. Serie Infantes, 2009 Impresión fotográfica Ed. 5 + 3 p.a. 171 x 143 cm Cursa sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de Caldas. Tras recibir una beca, completa su formación en el Instituto Grisart de Barcelona, especializándose en fotografía digital. Después viaja a París, donde se empapa de las distintas colecciones de fotografías y amplia así sus conocimientos. Desde 2001 su trabajo se ha centrado en la fotografía y sus temas rompen cualquier arquetipo. En sus obras parece mezclar estereotipos colombianos que comparten protagonismo con fantasías fantasiosas y personajes irreales. Ha realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas como Sobre el Territorio, Arte Contemporáneo en Colombia en el Museo Diego Ribera (México), Cinco Miradas Colombianas en Japón y ha participado en ferias como la Toronto International Art Fair. Ha recibido numerosos premios en su país así como distinciones. Actualmente reside y trabaja en la ciudad de Bogotá. “El rol mediador de la figura infantil como un concepto sensible, como una idea abstracta, como una inconformidad del campo visual es llevado al límite por Duque en series como Infantes; estos niños escogidos disciplinada y obsesivamente como modelos por parte de la artista comparten rasgos comunes: blancos caucásicos con ojos profundamente claros y una extraña expresión en la mirada que deja al espectador intimidado por la subliminalidad de la imagen y su escala, así como por su capacidad de penetrar en la intimidad inconsciente del espectador. Estas imágenes se construyen como tipologías de retrato que recuerdan a la majestad de las figuras infantiles en las pinturas de la nobleza europea donde a pesar de la corta edad de los modelos representados, estos eran investidos por sus autores de un aire de superioridad y adultez intrínseca a su condición que complejizaba toda la representación. La frialdad de estas imágenes es el concepto: el antagonismo entre animado e inanimado, entre mirada objetiva y subjetiva”. Del texto “Delusiones de un lugar común” de Carlos E. Betancourt 10 Amparo Sard Sin título. Serie Dudando del momento perfecto, 2006 Papel perforado 32,5 x 46 cm Sus proyectos más recientes son la exposición colectiva en el INMA (Irish Museum of Moderm Art) Order, desire, Light y su participación en el 2009 en la exposición colectiva en homenaje a Martin Luther King donde compartió espacio con Louise Bourgeois, Kiki Smith, Jasper Johns, Tony Oursle, Bruce Nawman, Susan Rothenberg o Sudo Reiko. Ha realizado exposiciones en Galería Terreno Baldío, México, DF.Galería Bravin Post Lee, Nueva York, Galería Hardcore. También ha estado presente en ferias de arte tanto nacionales como internacionales: ARCO o Scope (Nueva York), por ejemplo. A lo largo de su carrera ha sido premiada con numerosos galardones como el Primer Premio al Premio Ciutat de Palma (Casal Solleric, Palma de Mallorca) o el Primer Premio Internacional Deutsche Bank (Berlín). Cuenta con obra en importantes colecciones como en el Museo Guggenheim de Nueva York, el MOMA, la West Collection (Museo de Arte Contemporáneo de Chelsea) o en el Taylers Museum (Holanda). -8- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 11 Naia del Castillo En tránsito, 2009 Fotografía color 150 x 100 cm Se especializó en escultura en la Universidad de Bellas Artes del País Vasco en 1998. En el año 2000 realizó un Master en Bellas Artes en el Chelsea College of Arts de Londres. Del 2000 al 2011 ha residido y trabajado en Bilbao, Rotterdam, Londres, Barcelona, París, Roma, Nueva York y Hong Kong, gracias a la ayuda de diversas becas entre las que destacamos la de la Academia de España en Roma en el año 2008 y en el 2009 el programa ISCP, International Studio and Curatorial Program en Nueva York. En el 2005 fue una de las artistas que representaron a España en Parisphoto 05. Ese mismo año ganó el premio a la mejor exposición en el Festival Off de PhotoEspaña 05. En el 2007 fue seleccionada por la Fundación del Museo del Prado como una de 12 artistas españolas para participar en “12 artistas en el Prado”, donde realizó dos obras que posteriormente se expusieron en el mismo. En el 2010 participó en las exposiciones “Escultura Española 2000-2010” y “Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video Art”. Del Castillo ha expuesto extensamente en Estados Unidos, China, Corea o Japón y su trabajo se encuentra en numerosas colecciones. Según Naia del Castillo, esta fotografía forma parte de una serie donde reflexiona sobre el paso del tiempo. En tránsito en una mujer que se encuentra en un ascensor, volando en medio del espacio. El ascensor es un elemento que sube o baja, que transporta. Ella también se encuentra levitando pero con un nexo de unión al mundo, que es su pelo enganchado a un reloj de arena que se encuentra en el suelo del ascensor. En tránsito, habla sobre el momento, sobre el instante. Ese lugar, espacio o tiempo en el que uno se encuentra como congelado, donde no puede ni subir ni bajar. 12 Victoria Diehl Sin título, 2007 Fotografía digital. Positivado sistema Lambda 125 x 192 cm Es Licenciada en Pintura y tiene el Diploma de Estudios Avanzados en Fotografía por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo. Su trabajo aúna las nuevas técnicas digítales y los más viejos mitos, sus fotografías suelen estar centradas en una revisión de la escultura clásica. Sus obras manifiestan un romanticismo claro, influenciado por el neoclasicismo presente en sus trabajos iniciales. Su obra forma parte de importantes colecciones como la del CGAC, Artium, Colección Norte, Injuve, Caja Madrid, Caixanova, Museo de Pontevedra y Ayuntamiento de Santiago de Compostela. Su obra ha sido exhibida en ferias como Arco (Madrid), D-Foto (San Sebastián), Arte Lisboa, Photo-London (Londres), Hot Art Fair (Basilea) o Diva Art Fair (Nueva York) y ha expuesto de manera individual en Photogalicia (Fundación Caixagalicia, Vigo), o en los Institutos Cervantes de Viena, Milán y Roma. Ha recibido a lo largo de su carrera distintos becas y galardones como la Beca de la Academia de España en Roma, el de Generación Caja Madrid, Injuve, BMW, Parlamento de la Rioja o Unión Fenosa. Con esta obra, la artista intenta acercarnos a su visión particular sobre la representación del cuerpo en el arte, que ha objetualizado el cuerpo femenino, sometiéndolo a los cánones de belleza imperantes en cada época. Estas representaciones escultóricas de mujeres bajo el pretexto de representaciones divinas, nos hablan de un cuerpo que a pesar de ser concebido para contemplar y representar la belleza eternamente, con el paso del tiempo ha sufrido agresiones y el desgaste natural de su materia. Expuestas en los museos, las contemplamos admirando su belleza y sin relacionarlas con nuestras propias marcas que el tiempo ha escrito en nuestros cuerpos. -9- Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 13 Carmen Calvo He rechazado siempre que me comprendiesen, 2006 Técnica mixta, collage, fotografía 100 x 74 cm Comienza a estudiar Publicidad para más adelante ingresar en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal, donde se encuentra entre 1965 y 1970, y después en la de Bellas Artes de San Carlos, entre 1969 y 1972. En la década de los setenta se ve atraída por las piezas arqueológicas, y empieza series de obras que incorporan fragmentos, esencialmente cerámicos. Una de estas series sería “Escrituras, Paisajes y Retratos”, en la que se utilizan pequeñas piezas de tierra cocida que aparentan ser pinceladas. A finales de la década de los noventa comienza a introducir fotografías en sus obras, y crea escenografías basándose en instalaciones que reflejan la visión de la artista de la realidad que le rodea. En 1997 representa a España en la Biennale di Venezia, y el IVAM y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le han dedicado exposiciones retrospectivas en 1990 y 2000, respectivamente. Su obra está presente en Museos y colecciones de todo el mundo. La obra presente en esta exposición pertenece a una etapa en la que la artista manipula fotografías anónimas de álbumes familiares para aportar una visión crítica sobre la sociedad de los años de la dictadura: los rostros borrados nos hablan de identidades cercenadas a favor de un comportamiento común oficial. 14 Concha Jerez Restos de música diaria, 1996 Fotomontaje 75 x 100 cm Cursa la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y la Licenciatura en Ciencias Políticas en la Universidad de Madrid. A partir de 1976 centra su trabajo en el desarrollo del concepto de instalación, ampliando a comienzos de los 80 su actividad a la performance. Individualmente su producción es muy fructífera: obras de gran formato para lugares específicos (la mayoría de ellas con carácter InterMedia en las que se incluyen el vídeo y el sonido entre otros medios), exposiciones y performances. Desde 1989 simultanea su obra individual con obras realizadas con el compositor y artista InterMedia José Iges entre las que destacan obras de arte sonoro y radiofónico para emisoras como la RAI, ORF, ABC de Australia, WDR de Colonia y RNE, instalaciones sonoras y visuales -algunas interactivas-, performances y conciertos InterMedia. El Consejo de Ministros le concedió en abril de 2011 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. - 10 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI Interior/Exterior 15 Amalia Avia Estación de Atocha, 1995 Óleo sobre lienzo 73 x 92 cm Su infancia transcurre en Madrid, para formarse en la Academia de Eduardo Peña entre 1953 y 1955 y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 1954 viaja a París con la promoción de alumnos de la Escuela de Bellas Artes que terminan ese año la carrera. Algunos, como Carmen Laffón, Julio Hernández, Lucio Muñoz..., se convertirán en grandes amigos. En la capital francesa también conoce a los pintores Antonio López, Julio López Hernández e Isabel Quintanilla. Fruto de la amistad y de las mismas inquietudes artísticas surge el grupo denominado “Escuela Realista de Madrid”. En 1997 realizó una gran exposición antológica en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y se le concede la Medalla del Mérito Artístico del Ayuntamiento de Madrid. En 2004 publica sus memorias "De puertas adentro", con notable éxito en el mundo del arte. Amalia Avia fallece en Madrid en marzo de 2011 a los ochenta y un años. 16 Esther Ferrer Silla de marcos, c. 1980 99 x 40 x 40 cm A principios de los años sesenta crea, junto al pintor José Antonio Sistiaga, el primer Taller de Libre Expresión. Ha reflejado su obra plástica en fotografías trabajadas, instalaciones o cuadros basados en series de números primos. Además formó parte del grupo ZAJ, surgido como movimiento musical heredero del Dadaísmo en 1964 de la mano de Juan Hidalgo y Ramón Barce. Ha impartido numerosos cursillos en Escuelas de Bellas Artes de Francia, Suiza, Canadá o Italia y es también responsable de obras radiofónicas. En 1999 representó a España, junto a Manolo Valdés, en la Bienal de Venecia, siendo elegidos porque simbolizaban desde opciones muy diferentes, la oposición a la estética academicista franquista y al modernismo institucionalizado a partir de los 60. En 2008 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas por su labor pedagógica sobre las jóvenes generaciones de creadores y su peso internacional. Su trabajo ha sido expuesto en Museos como el Reina Sofía, la Staatsgalerie de Stuttgart, el Koldo Mitxelena de San Sebastián o el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla. - 11 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 17 Isabel Quintanilla Retrato de Anabela, 2005-2006 Óleo sobre lienzo 61 x 70 cm Desde 1949 asiste a las clases de pintura y dibujo de Trinidad de la Torre, y en 1952 a las de Gutiérrez Navas y Maruxia Valero, matriculándose en las clases nocturnas de la Escuela de Artes y Oficios. En 1953, ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, finalizando sus estudios en 1959. Durante sus años en San Fernando conocerá a su futuro marido, el escultor Francisco López, con quien contrae matrimonio en 1960, iniciándose desde entonces una larga y fructífera fase de influencia recíproca. Ese mismo año, obtiene la beca de ayudante de instituto para trabajar en el Beatriz Galindo. En 1963 celebra su primera exposición individual en la Galería Caltanisseta de Sicilia. Siguen después otras muestras en Sevilla, Madrid y Frankfurt, donde, en 1974, comienza su internacionalización. Es galardonada con el Premio de Arte de Darmstadt en 1987, para en 1993 dirigir un curso de diseño en la Internationale Sommerakademie, de Salzburgo. Continúa con su actividad artística en su estudio de Madrid. 18 Marisa González La central de Lemoniz Fotografía 150 x 100 cm En 1967 se traslada a Madrid, para estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Al finalizar la carrera en 1971 se traslada a Estados Unidos para estudiar un programa "Master" en "The School of the Art Institute of Chicago", donde investiga con los nuevos medios tecnológicos. En 1977 se gradúa de nuevo obteniendo un BFA y el Premio Fin de Carrera en la Corcoran School of Art en Washington DC. En este año realiza su primera exposición individual en España. Desde entonces ha desarrollado una extensa carrera. Dirige talleres e imparte conferencias y ponencias sobre Nuevas Tecnologías, de las que es una de las artistas pioneras. Ha participado en gran número de exposiciones y ferias internacionales de arte contemporáneo. Ha realizado más de 50 exposiciones individuales y 200 colectivas. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo ARTIUM de Vitoria… La fotografía presente en la exposición pertenece a un amplio proyecto relativo a la Central Nuclear de Lemoniz, que fue visitada por la artista durante su desmantelamiento en los años 2002 y 2003. El proyecto se centró en los problemas derivados de las instalaciones realizadas por el hombre y las consecuencias culturales, políticas, sociales y ecológicas que tiene su abandono. - 12 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 19 Ouka Leele Herida como la niebla por el sol, 1987 Digigraphie a partir de la fotografía original en blanco y negro pintada con acuarela. 1/15 80 x 100 cm Nacida en Madrid en 1957, Ouka Leele (Bárbara Allende), es una reconocida fotógrafa española, uno de los estandartes del movimiento artístico conocido como “la movida madrileña”. De formación autodidacta, quizás el aspecto más conocido de la obra de Ouka Leele sea la fotografía coloreada, pero aborda también la técnica del grabado. Sus referencias son fácilmente reconocibles, bebiendo de las tradiciones españolas, y combinándolas con un gran colorido, algo muy característico de su obra. En 1979 presenta individualmente en la Galería Spectrum-Cannon de Barcelona sus primeras fotografías en blanco y negro pintadas con acuarela. La artista utiliza el color sobre el blanco y negro, propiciando contrastes pictoricistas de efecto táctil, donde casi siempre está presente la naturaleza en su levedad y armonía. Ha expuesto en numerosas ocasiones a lo largo de los años, y su obra está presente en diferentes museos e instituciones de primer orden como el Museo Reina Sofía de Madrid, o la Fondation Cartier de París. En 2005, le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. 20 Darya Von Berner 03º 40’ w, 40º 07’ – n2 , c. 1985 Laminado permaflex 125 x 177 cm Inicia su trayectoria en la School of Visual Arts de Nueva York con Milton Glaser, para continuar más tarde en Europa con Enzo Cucchi, Wolf Vostell, Janis Kounelis y Tony Cragg. Hacia 1984, comienza el despliegue profesional de la artista, recibiendo diversos premios y becas, que la llevaron a establecerse en París. Se trasladó a continuación a Italia tras serle concedida la beca de la Academia Española de Bellas Artes en Roma. A partir de 1991, inicia un largo periplo internacional con exposiciones en diversas galerías de Europa y América, y una presencia habitual en las sucesivas ediciones de Art Basel, ARCO y Art Cologne. Toda la trayectoria de Darya von Berner habla de una personalidad artística que asume como deseable una evolución constante, desde una pintura realista, en los años ochenta, hasta su presencia con Net Art en el World Wide Video Festival del Stedelijk Museum de Amsterdam. Esta fotografía forma parte de la serie “November Boughs”, el título de unos escritos sobre la política y el hombre en sociedad de Walt Whitmann en los que expresaba su ida de que el crecimiento es parte del crecimiento natural. La imagen retrata la famosa urbanización de El Pocero en Seseña y plantea la reflexión, alejada de las tesis de Whitmann, de que el ser humano también es capaz de producir un crecimiento aberrante como el que muestra la fotografía: una ciudad fantasma que termina convirtiéndose en una herida en el paisaje y que responde sólo al interés de un individuo. - 13 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 21 Montserrat Soto Invasión Sucesión 10, 2009 Fotografía (díptico) 2 fotos de 190 x 75 c/u Estudió pintura en la Escola Massana, de Barcelona. En 1989 comenzó a exponer y a trabajar en fotografía. Entre 1990 y 1991 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Grenoble, convalidando luego sus estudios en París. Su primera muestra individual tuvo lugar en 1990. Ha desarrollado además una estancia de estudio y trabajo en PS1, uno de los centros artísticos de vanguardia de Nueva York de mayor prestigio, perteneciente al MOMA. Su trayectoria de los últimos diez años la ha consolidado como uno de los nombres imprescindibles del arte español actual. Ha mostrado sus obras en el Art Unlimited, Art 33 Basel (Basilea), además de en Art Forum (Berlín), y en las exposiciones Plural. El Arte Español ante el Siglo XXI en el Senado (Madrid), Big Sur en la Hamburger Bahnhof (Berlín) o Los Límites de la Percepción, en la Fundación Joan Miró (Barcelona). 22 Berta Jayo Brand New, 2011 Tela Cursó sus estudios de Bellas Artes en la especialidad de Pintura, en la Universidad del País Vasco (1992-1996). Más tarde, para seguir completando su formación, realizó en el Chelsea College del London Institute un postgrado y un master. Igualmente en Nueva York siguió con su formación en el I.S.C.P.(International Studio and Curational Program). Considerada como una artista conceptual multidisciplinar, en la Feria Internacional de Islington en Londres mostró trabajos de la serie 'making-love' que inició en el año 2005, dando a conocer parte de sus obras en el proyecto del Museo y la Caja 'El puente de la visión'. En la mayor parte de sus trabajos muestra un carácter inconformista, crítico e innovador que se aleja de los estereotipos. Entre sus últimas exposiciones destacan: 'IV New Media Festival', Hardcore Contemporary Space, Miami. 'Regreen Arts', Void +, Tokio. 'Women Alone', Festival Internacional de video, Berlín....así como varias intervenciones públicas realizadas en ferias como Arco, Frieze, Pulse NY, Art Basel o los últimos performances realizados en la Noche Mas Bella del Museo de Arte Contemporáneo de Santander o en la Quinta Avenida en Nueva York. Esta pieza realizada por la artista es una sotana de carácter insólito debido a su tejido floreado: para la artista es una mezcla del componente femenino y masculino y sugiere un escenario paradisiaco o festivo, que contrasta con la indumentaria que suelen llevar los sacerdotes, de color negro. Se aprecia, por tanto, una dislocación de la percepción habitual, y un cambio del sentido de la realidad existente. - 14 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 23 Diana Larrea Retrato. Serie Olimpia en San Francisco, 2005 Fotografía 50 x 50 cm 24 Diana Larrea Cementerio. Serie Olimpìa en San Francisco, 2005 Fotografía 50 x 50 cm Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, sus proyectos artísticos han sido becados y premiados por distintos centros. En el año 2001 la Obra Social Caja Madrid le otorgó la Beca Generaciones, y dos años más tarde la Fundación Telefónica le entregó el Primer Premio Vida 6.0, V Concurso Internacional sobre Arte y Vida Artificial. Otro de sus galardones más destacados es la Beca Fundación Marcelino Botín, concedida en 2005 para desarrollar un proyecto en San Francisco (USA). Al año siguiente consiguió el Primer Premio de Escultura urbana en la IV Bienal Internacional de Artes Plásticas de Alcorcón, y el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid para realizar un proyecto en París. Podemos encontrar su obra presente en colecciones relevantes, como la Fundación Marcelino Botín (Santander), el MACUF Museo de Arte Contemporáneo Unión FENOSA (A Coruña), el Consejo Superior de Deportes (Ministerio de Educación y Ciencia), el Ino-cho Paper Museum (Kochi-ken, Japón), la Colección Blütenweiss Archive de Berlín (Alemania), o la Colección Universiti Sains Malaysia (Penang, Malasia). Esta serie fotográfica gira en torno a “Vértigo”, el célebre film del director Alfred Hitchcock. Todas las fotografías fueron tomadas en la ciudad californiana de San Francisco, donde Diana Larrea visitó algunos entornos urbanos y principales centros monumentales en los que fue rodada esta película. Siguiendo un rito de transfiguración, la misma artista se transformó en una réplica de la inolvidable protagonista femenina de la historia, para situarse ante los mismos escenarios naturales y motivos arquitectónicos que aparecen en el largometraje. Se trata de un trabajo en el que se apropia de unas imágenes ya dadas, reviviendo, a través de su experiencia personal, cada una de estas conocidas secuencias en los mismos sitios donde habían tenido lugar. Es un Proyecto becado por la Fundación Marcelino Botín. - 15 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI Propuesta de actividades Visita guiada Le recomendamos que dentro de la dinámica de la actividad/taller, comience con una visita guiada a la exposición adaptada a los niveles educativos y las edades de los participantes. Los principales conceptos de la exposición, a tener en cuenta durante la visita, son los siguientes: ¿QUÉ VAMOS A VER? Esta exposición está formada por obras realizadas por mujeres artistas, españolas y extranjeras de los siglos XX y XXI. En la Historia del Arte la mayoría de los nombres que recordamos son masculinos. El arte estuvo durante mucho tiempo en manos de los hombres. Pero fue en el siglo XX cuando comenzamos a conocer los nombres de mujeres artistas que irrumpieron en este ámbito ¿Conocéis el nombre de alguna artista –pintora, escultora, fotógrafa, arquitecta…-? ¿DE QUÉ NOS HABLAN? Las obras de estas mujeres están agrupadas en dos temas diferentes: En cuerpo y alma e Interior/Exterior (ver contenidos en pág.3) ¿QUÉ LENGUAJES USAN? El artista trabaja con ideas y conceptos y necesita materializarlas para expresarlas. Para ello selecciona y busca medios de expresión que hagan realidad esos conceptos. Es entonces cuando escogen técnicas y lenguajes estéticos diferentes para hablar de temas relacionados con las secciones propuestas. Tradicionalmente se han empleado la pintura, el dibujo, la escultura y la fotografía, pero hoy en día se incluyen nuevas técnicas, como las digitales, o incluso se utilizan mezclas de técnicas en una misma obra. Algunos ejemplos de este último caso es la fotografía de Victoria Diehl, en la - 16 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI que introduce la escultura: el objeto representado (el cuerpo humano) es tratado como tal. Otro ejemplo es la obra fotográfica de Carmen Calvo. En ella se introduce la técnica del collage (pegar fragmentos u objetos que forman parte de la obra). En la de Marina Abramovic se emplea la técnica del video para representar una perfomance en la que se puede ver a la propia artista, etc. - 17 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI Talleres 1. Identifica la técnica Une con flechas cada obra con su técnica correspondiente. Busca e identifica en la exposición otras piezas que se hayan hecho usando esa misma técnica y escríbela. ESCULTURA Es el arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, etc., figuras de bulto. OTRAS OBRAS: ……………………………………………………… VIDEO Reproducción de imágenes, acompañadas o no de sonidos. OTRAS OBRAS: ……………………………………………………… PERFORMANCE Expresión artística que utiliza técnicas del teatro para realizar representaciones FOTOGRAFÍA Arte de fijar y reproducir por medio de reacciones químicas, en superficies convenientemente preparadas, las imágenes recogidas en el fondo de una cámara oscura. OTRAS OBRAS: ……………………………………………………… PINTURA Representación de un objeto en una superficie, con las líneas y los colores convenientes. OTRAS OBRAS: ……………………………………………………… COLLAGE Técnica pictórica consistente en pegar sobre lienzo o tabla materiales diversos. - 18 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 2. Estamos hechos de fragmentos Nivel: Educación Primaria Conceptos a trabajar: Muchas de las obras que se exhiben en esta exposición tratan la fragmentación del cuerpo. El ejemplo más conocido, a nivel biográfico, puede ser el de Frida Kahlo, una artista marcada por el accidente de autobús que sufrió en su adolescencia. Aquel suceso le dejó importantes secuelas en sus piernas y, con el tiempo, le llevó a la invalidez total. La obra de Victoria Diehl habla de esta misma fragmentación del cuerpo. En realidad, esta última es una elaboración de un cuerpo nuevo, lleno de cicatrices (como Frankestein) realizado a través de piezas de otros. La fotografía de Adriana Duque nos muestra de qué modo la técnica de la fotografía puede hacer que los cuerpos se deshagan de su corporeidad. En esta obra el cuerpo desaparece y sólo se identifica un rostro que nos observa y parece haber salido de otra época. Actividad: Buscamos en las revistas y recortamos diferentes partes diferentes de cuerpos (piernas, brazos, caras, pelo…) que no tengan nada que ver unos con otros con el fin de crear uno nuevo compuesto de fragmentos. Una vez finalizado el trabajo, y pegados los trozos en una hoja en blanco, cada participante tendrá que explicar qué personaje ha creado, por qué ha elegido esos fragmentos y no otros. El objetivo es crear una identidad y personalidad para ese personaje (quién es, a qué se dedica, su edad…) Materiales necesarios: Varias revistas, tijeras, papel (folios A4) y pegamento. - 19 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 3. El peso del pasado Niveles: 3er Ciclo de Educación Primaria y ESO Conceptos a trabajar: Algunas obras de la exposición reflexionan sobre cómo nuestras propias vivencias o las de otros pueden influir en nuestro comportamiento. El autorretrato de Cindy Sherman es un acercamiento al modo en que ella se ve a sí misma y cómo quiere mostrarse. El video-performance de Marina Abramovic nos habla del peso que el pasado (ya muerto) tiene sobre nosotros. La obra de Carmen Calvo nos acerca a la falta de aceptación de ese pasado mediante su rechazo. Actividad: El objetivo de la actividad es realizar un autorretrato-collage sobre un papel en el suelo. Se hacen grupos de cuatro o cinco personas, que pintan sus siluetas sobre papel. Sobre las siluetas tendrán que ir pegando objetos o materias que tengan que ver con su pasado como individuos o con su pasado como grupo (familia, centro escolar, pandilla…). Al finalizar se hará una puesta en común de los trabajos en la que el resto de los grupos deberá reconocer los elementos que componen ese cuerpo imaginario e interpretar el/los significado/s que han querido dar a los objetos contenidos, en conjunto, en el collage. Materiales necesarios: Es importante que, previamente al taller, se avise a los participantes para que lleven objetos o elementos de su pasado de los que puedan desprenderse fácilmente. Para la actividad se necesitará papel continuo, rotulador de punta gruesa para delinear las siluetas, los objetos (fotos, revistas…) que hayan traído los particpantes y, si se desea pegar será necesario usar pegamento, cinta de carrocero, etc. - 20 - Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI 4. Creando espacios imaginarios Niveles: ESO y Bachillerato Conceptos a trabajar: Las obras de la exposición de la sección titulada Interior/Exterior nos muestran las diferentes relaciones que podemos establecer con nuestro entorno y el modo en que nos apropiamos del él, desde una perspectiva doméstica y habitable (como la obra de Isabel Quintanilla o Ouka Leele) hasta una apropiación desde la lejanía física (Darya von Bermer) o conceptual (Montserrat Soto). La obra de Diana Larrea será la que marque el contenido de la actividad, cuyo objetivo es establecer nuestra relación con el espacio (en este caso, un espacio creado) y determinar nuestra presencia en él. El lema en este taller es crear espacios sin límites, sobre todo para nuestra imaginación. Nuestro día a día discurre en gran parte entre cuatro paredes: en casa, en el colegio, en la oficina… pero ¿reconoceríamos los espacios interiores usando la imaginación? Actividad: Usaremos una cinta de carrocero en un espacio disponible para delimitar un área en la que poder trabajar, y la mímica. Nuestro cuerpo puede hablar mediante gestos que evocan arquitecturas y espacios invisibles a nuestros ojos (una cama, una silla, un columpio, un ordenador, un wc...). Los participantes, por grupos, deberán debatir y escoger qué espacio van a representar con mímica y que el resto de los grupos adivinen. El/la monitor/a de la actividad deberá conocer en todo momento qué espacio van a recrear y ayudarles a seleccionar. Los asistentes deben trabajar tanto los objetos que le rodean como los gestos y movimientos que nos acompañan a diario. Material necesario: Cinta de carrocero para delimitar el espacio. A continuación sugerimos varios espacios Una fábrica Un parque Una tienda Un circo Una playa Una cocina - 21 -
