EXPOSICIONES TEMPORALES DE ENERO A SEPTIEMBRE 2008 ASIER MENDIZABAL Inauguración: 24 de enero de 2007 Fechas de la exposición: Del 25 de enero al 18 de mayo de 2008 Comisario: Peio Aguirre Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) Miembro de la más reciente generación de artistas vascos, Asier Mendizabal (Ordizia, Guipúzcoa, 1973) realiza esculturas e instalaciones que comparten un rasgo común: la búsqueda de signos y símbolos que permitan constituir identidades de grupos e individuos más allá de nociones de pertenencia geográfica o cultural. Así, la noción de generación o de relación emocional hacia acontecimientos o líneas de producción estéticas (música) confirman ámbitos de identificación donde encontramos tanto la relevancia del hard rock o del punk como una mirada crítica hacia los modelos de convivencia propuestos por la modernidad, especialmente en cuanto a la arquitectura, el mundo del trabajo y las supuestas emancipaciones que ha ofrecido la historia. Mendizabal trabaja sobre imágenes que conforman distintas subculturas, desde el nivel del signo gráfico hasta la neutralidad aparentemente inalterable de los paisajes naturales y sus encuentros con la artificialidad del urbanismo rural. Esta exposición ofrecerá una visión monográfica del trabajo realizado por el artista, en especial un conjunto de obras que tienen por objeto la tensión entre los entornos urbanos como contenedores y generadores de consciencia colectiva, por un lado, y los paisajes semirurales que conforman determinados tipos de asociaciones (vecindarios, complicidades, agrupamientos, etc.) igualmente relevantes. El cine como técnica de constitución de imágenes colectivas liberadoras desempeñará, asimismo, un papel preponderante. La exposición incluirá una obra realizada ex profeso para la ocasión. … para la compensación osmótica de la presión de la riqueza ALICE CREISCHER: obras y colaboraciones Inauguración: 31 de enero de 2008 Fechas de la exposición: del 1 de febrero al 18 de mayo de 2008 Comisario: Bartomeu Marí Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) 1 La obra de Alice Creischer (Berlín, 1960), intensamente narrativa, se articula alrededor de la búsqueda de instrumentos de visualización de las formas, momentos y situaciones en que la historia del capitalismo y sus principios operativos se convierten en relatos de explotación, exclusión y distorsión de los principios fundamentales de la democracia occidental. Investigadora de fenómenos de formación y actuación de las corporaciones financieras en varios lugares del mundo, Creischer refleja a través de instalaciones, dibujos y collages, artículos y textos, las relaciones entre la política oficial (la representada en la actuación de los gobiernos), los negocios (las grandes corporaciones financieras y bancarias) y la cultura, donde se originan figuras y nuevos tipos de alienación y perversión manipuladora. Su posición ética se gira contra la crisis de los gobiernos liberales contemporáneos y la supuesta fatalidad de las crisis financieras, políticas y sociales. Entre otras iniciativas, Alice Creischer, junto con Andreas Siekmann, inició el proyecto exArgentina (presentado en 2004), una aproximación visual y narrativa a la crisis económica y social argentina de los años noventa, que fue el resultado de las operaciones de lobbies internacionales con intereses específicos en la zona. La exposición del MACBA se articula a partir de dos obras de gran significación de su reciente producción: L’atelier de la peintrice. Allégorie réelle déterminant una phase de sept années de ma vie artistique (El taller de la pintora. Alegoría real que determina una fase de siete años de mi vida artística), del año 2000. Esta obra (que pertenece a la Colección MACBA) representa una relectura de una pintura de Gustave Courbet en la que el artista se erige en la figura central entre varios miembros del ámbito de la cultura y la política de la Francia de 1855; Creischer se centra aquí en los caracteres y personajes que se dan cita en la República de Berlín en los años noventa. Por otro lado, Apparat zum osmotischen Druckausgleich von Reichtum bei der Betrachtung von Armut (Aparato para la compensación osmótica de la presión de la riqueza durante la contemplación de la pobreza), de 2005, es una instalación con elementos escultóricos, que intenta reconstruir la experiencia vivida por la artista en un viaje realizado el 2004 a la India donde se vio confrontada a situaciones de profunda pobreza. El contraste de este sentimiento, y la sensación de pertenecer a un mundo inversamente proporcional en riqueza, y los pensamientos que de ello se desprenden, es demoledor. La exposición del MACBA se completará con una selección de vídeos realizados por Alice Creischer en colaboración con otros artistas, así como con numerosos dibujos y collages relacionados con estas obras. Lothar Baumgarten autofocus retina 2 Inauguración: 7 de febrero de 2008 Fechas de la exposición: del 8 de febrero al 15 de junio de 2008 Comisario: Bartomeu Marí Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) Primera exposición retrospectiva del artista alemán (Rheinsberg, 1944) en España. Hijo de antropólogo, Baumgarten convivió algunos años con los indígenas de una tribu de la Amazonia venezolana y ha sido uno de los primeros artistas que, desde finales de los años sesenta, introdujo los hechos de la representación de las culturas minoritarias y su ausencia en el abanico de la representación cultural occidental. Interesado precisamente en la noción del «otro» y su vehiculación en la historia, sus trabajos utilizan objetos, imágenes y la palabra escrita como materiales fundamentales para incitar a una reflexión sobre las condiciones de intercambio y de tránsito con relación a la geografía y la acumulación de la historia. La exposición hará especial hincapié en el trabajo fotográfico del artista, particularmente a través de series como Carbon (1989) o Montaigne (1985), que constituyen verdaderos ensayos visuales y de síntesis en su trabajo. Desde el proyecto realizado sobre la geografía de Estados Unidos a través de dos líneas ferroviarias que atraviesan el país (en el caso de Carbon) hasta las inscripciones visuales en los paisajes de la Amazonia venezolana (en Montaigne, serie que se podrá ver entera por primera vez), las fotografías de Baumgarten —en blanco y negro— son un testimonio de su interés por la iconografía naturalista y de la noción del artista-antropólogo. Combinadas con elementos textuales y signos, sus obras se convierten en enciclopedias de paisaje en evolución constante. La exposición presentará en la Capella del Macba la obra Ecce Homo de 2002. Se incluirán asimismo obras emblemáticas relacionadas con las culturas sudamericanas, así como la instalación específica en la fachada del museo de la obra Imago Mundi (1988), que establece una metáfora entre la universalización de la carta de colores de la fotografía y el espíritu de las colonizaciones del siglo XX. NOMEDA & GEDIMINAS URBONAS Dispositivos para la acción Inauguración: 13 de març de 2008 Fechas de la exposición: del 14 de març al 15 de juny de 2008 Comisario: Bartomeu Marí Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) La obra de Nomeda y Gediminas Urbonas se desarrolla a través de proyectos de carácter interactivo que reflexionan sobre los conflictos y las contradicciones de las sociedades ex soviéticas y su reciente incorporación al capitalismo. Nacidos en Lituania y establecidos en Vilnius, la ciudad les sirve como catalizador y punto de partida del análisis que llevan a cabo sobre los distintos impactos que un nuevo modelo económico, social y político provoca en los distintos sectores sociales y generacionales. Sus trabajos se implican en lo que pertenece a lo cotidiano, en el espacio social público y político, aunque se centran en temas localizados en Lituania. El tratamiento simbólico que incorporan a sus piezas les permite extender 3 su significado a otras sociedades que han vivido distintas expresiones de la modernidad a lo largo del siglo XX. En general, sus proyectos se componen y crecen en distintas etapas y se caracterizan por el protagonismo de la noción de archivo, la implicación de expertos en distintas disciplinas –como el diseño, la música o la arquitectura–, la participación de varias comunidades y las acciones de carácter colectivo. En la exposición del MACBA se podrán ver un total de cinco proyectos que estos artistas han desarrollado desde el año 2000: -Transaction (2000-2005), que tiene como objeto de investigación la representación de la mujer en los medios de comunicación y el impacto en su comportamiento social. La estructura del proyecto establece un diálogo entre feministas intelectuales de Lituania, un archivo de películas realizadas entre 1947 y 1997, y comentarios de psiquiatras lituanos. -Ruta-Remake (2002-2005), que se desarrolló a partir del proyecto Transaction y se centra en la «ausencia de las voces de las mujeres» en los medios de comunicación. -Druzba (2003), que es el nombre que recibió el gaseoducto que conectaba los antiguos países del Este, desde los Urales hasta Alemania oriental. En ruso significa «amistad» y era un signo de bienestar, seguridad y unión. Se construyó durante los años sesenta y setenta, y se convirtió en un símbolo de independencia que protegía a los nuevos estados comunistas de las amenazas de la economía de mercado occidental, sin tener consciencia en ningún momento de que se trataba de un proyecto colonizador. La obra se desarrolla en forma de cartografía que se inicia con un conjunto de relatos e historias paralelas en forma de notas y diarios personales grabados alrededor de la construcción y el desarrollo del gaseoducto. -Pro-test Lab (2005), un trabajo donde los artistas se han sumado y han sido los catalizadores de un movimiento de protesta en contra del derribo del último cine existente en el centro de la ciudad de Vilnius, el Lietuva. El proyecto, por extensión, habla de la progresiva destrucción del espacio público, de la imposición de un sistema neoliberal y de la demolición del patrimonio cultural. -Villa Lituania (2007), que se ha presentado en el pabellón lituano de la última edición de la Bienal de Venecia. Se basa en una restauración simbólica de la Villa Lituania, que fue la sede de la embajada de la Primera República de Lituania (1918-1940) en Italia y fue operativa desde 1933 hasta 1940, cuando se convirtió en propiedad de la URSS, tras la ocupación soviética de Lituania. Desde la desintegración de la Unión Soviética en 1990-91 y la constitución de la República de Lituania, la villa ha seguido siendo propiedad de Rusia operando como sede del consulado ruso en Roma. FRANCESC TORRES Inauguración: 5 de junio de 2008 Fechas de la exposición: del 6 de junio al 28 de septiembre de 2008 Comisarios: Bartomeu Marí Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) El artista catalán Francesc Torres (Barcelona, 1948) ha desarrollado la mayor parte de su obra entre España y Estados Unidos. El MACBA ofrece por primera vez en España una exposición retrospectiva que revisa los más de treinta años de su trayectoria. La obra de Torres expresa fundamentalmente el vínculo entre práctica artística y acción de análisis política, con relación a fenómenos del presente y de la historia reciente. Su trabajo se inició a finales de los años sesenta, a través de un interés 4 especial hacia el lenguaje como materia prima del arte. La búsqueda de estructuras de producción y presentación que involucrasen al público como elemento activo lo llevaron a investigaciones próximas al mundo de la ingeniería (prototipos) o de la construcción (recortables). A partir de ahí empezó a interesarse por las estructuras orgánicas y los elementos naturales para evolucionar hacia acciones centradas en la propia historia (biografía) y en el cuerpo, para iniciar, desde mediados de los años setenta, trabajos de análisis sobre las alteraciones de la racionalidad, la historia y las jerarquías de valores en las sociedades contemporáneas. Torres siempre se ha sentido fascinado por asociaciones como la velocidad y la violencia, el mundo de los negocios y la guerra, la competición inherente en el sistema capitalista y las formas de violencia estatal a gran escala. La exposición pondrá de manifiesto el interés del museo por discursos, medios y obras no tradicionales y, más allá del problema de la reconstrucción material de algunos de sus trabajos, pondrá el acento en la actualización de sus significados y en las implicaciones del arte social y políticamente comprometido. NANCY SPERO. Disidanzas Inauguración: 3 de juliol de 2008 Fechas de la exposición: Del 4 de juliol al 24 de septiembre 2008 Comisario: Manuel J. Borja-Villel Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) Nacida en Cleveland, Ohio, en 1926, Spero es (junto a autoras como Martha Rosler o Adrian Piper, a las que el MACBA ha dedicado ya sendas exposiciones retrospectivas) una de las pioneras del arte feminista y figura fundamental de la escena contestataria del Nueva York de los años sesenta y setenta. Como artista y activista, su carrera de más de cincuenta años continua siendo hoy un ejemplo de compromiso con la escena política, social y cultural en la que vivimos, a la que siempre cuestiona y desafía. Los últimos acontecimientos bélicos en los que su país se ha visto envuelto en los últimos años han resituado su obra en primera línea, con exposiciones importantes en Europa y Estados Unidos, la última de ellas la de la Bienal de Venecia. Nancy Spero comenzó pintando lienzos a la manera del pintor tradicional, pero pronto se dio cuenta de que este medio era eminentemente masculino, y como tal, la marginalizaba como artista. A partir de entonces sus esfuerzos se concentraron en crear un lenguaje pictórico específicamente femenino, donde la mujer estrenara su capacidad de comunicar en un espacio propio. Este espacio, que desecha el lienzo y se decanta por la fragilidad del papel, se organiza en torno a un léxico de figuras trashistóricas y trasculturales, reales y mitológicas, que trabajadas una y otra vez desenmascaran estereotipos y desplazan categorías y jerarquías. En su trabajo, el movimiento, el ritmo, el color constituyen una gramática aplicada directamente sobre el cuerpo de la mujer que, reforzada y llena de energía, conquista «feminizando» el espacio masculino del arte. Esta exposición en el MACBA, que tiene carácter retrospectivo, quiere subrayar la búsqueda de la autora de este lenguaje propio, mostrando un conjunto muy significativo de sus obras: la intención es incluir desde sus muy tempranos trabajos 5 sobre papel realizados cuando todavía era estudiante en el Art Institute de Chicago y que no habían sido nunca antes expuestos, hasta su última presentación en la Bienal de Venecia, Maypole 2007 (situada en la entrada del pabellón comisariado por Robert Storr). Además, se adaptará para el MACBA una instalación específica sobre pared, en la que Spero finalmente elimina cualquier obstáculo entre la obra y el espacio que la muestra. El objetivo es presentar el trabajo de la artista como parte de un proyecto vital, en el que las piezas individuales encajan en un todo a la manera de un libro; no en vano, en una entrevista reciente, la autora reconoce que la escritura es parte fundamental de su obra y que en realidad toda ella se puede leer como un libro. EL ARCHIVO UNIVERSAL. documento y la utopía fotográfica moderna La condición del Inauguración: 22 de octubre de 2008 Fechas de la exposición: del 23 de octubre 2008 al 6 de enero 2009 Comisario: Jorge Ribalta (en el marco del PEI – Programa de Estudios Independientes) Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) Esta exposición intenta rastrear la idea de la fotografía como lenguaje universal en el siglo XX, a partir del texto homónimo de August Sander de 1931 y tomando la exposición The Family of Man (MOMA, 1955) como referente dialéctico. La noción de fotografía como lenguaje universal propia de mitad del siglo XX, del periodo álgido de la modernidad fotográfica (que en realidad corresponde a la institucionalización norteamericana de la ideología del arte moderno con la cual la hegemonía cultural mundial pasa al otro lado del Atlántico), se articula a partir de tres elementos fundamentales: 1) La representación del sujeto popular como víctima en tanto que condición de humanidad esencial, pre-política. Esta es la raíz de la ideología humanista que queda plasmada en la novela de Elio Vittorini, Conversación en Sicilia (1941), de la que se desprende la ambivalencia política de esta noción de sujeto popular como víctima, que emerge después de la Segunda Guerra Mundial y que expresa el surgimiento de la clase popular como un híbrido entre el sujeto revolucionario de los años 20 y 30 y el sujeto liberal burgués. Este sujeto popular se transforma en los años 60 en el nuevo sujeto de la cultura de masas, en la figura del consumidor. 2) Una concepción arquitectónica de la imagen que produce una experiencia de inmersión. El espectador se sumerge en un entorno perceptivo donde lo visual desborda los límites de la imagen. El origen de esta articulación de fotografía y arquitectura se encuentra en los experimentos rusos de los años 20, en la arquitectura revolucionaria de Lissitzky y Rodchenko. La conjunción de arquitectura y fotografía aspira a una ruptura epistemológica que sentará las bases de la modernidad fotográfica del siglo XX. 3) El modelo archivístico, el survey o la misión fotográfica, es decir, la condición epistemológica del documento fotográfico en la modernidad. Las nociones de realismo e indexicalidad, cruciales en la comprensión de la fotografía como documento histórico, son indisociables del espacio discursivo del archivo que se 6 define por oposición al espacio expositivo. El archivo es un medio donde la relación de saber/poder se hace transparente. El documento fotográfico es un campo de batalla para las clases populares y es indisociable de sus procesos emancipatorios durante el periodo revolucionario previo a la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento del movimiento de la fotografía de los trabajadores, que hace que el campo de la imagen entre en las luchas sociales: fotografiar y ser fotografiado (Rodchenko). El archivo es también el paradigma de las misiones fotográficas como instrumento y síntoma de formas de gobierno y de estructuras de poder y gestión estatal. La fotografía es el arte que mejor encarna en el siglo XX la utopía de un arte democrático, una utopía que aún conserva vigencia. En este sentido los archivos de imágenes de acceso público constituyen un elemento fundador del Estado moderno, de su promesa de una razón comunicativa que garantiza la educación y emancipación universales. La exposición presentará un amplio recorrido por la fotografía del siglo XX y será el contexto para la presentación de los trabajos producidos en el marco de la Misión fotográfica Barcelona 2007, un proyecto que trata de realizar un “informe fotográfico”, con una voluntad precisa: construir la imagen de la ciudad emergente en una época de grandes transformaciones pero difícil de visualizar. Se ha invitado a fotógrafos de las diferentes generaciones de la segunda mitad del siglo XX, desde los autores que protagonizaron el realismo universalista de mediados del siglo hasta los que han experimentado con las nuevas formas de documental en el cambio de siglo, pasando por la generación del conceptualismo crítico. En este sentido, este survey aspira a ser, al mismo tiempo que una representación de Barcelona y su futuro inmediato, una historia viva del siglo XX, de sus representaciones. La intención del proyecto es producir un archivo de imágenes de dominio público, de acceso libre y con la voluntad de máxima circulación, así como experimentar formas críticas de exhibición y visibilidad. Los fotógrafos participantes son DAVID GOLDBLATT, ALLAN SEKULA, PATRICK FAIGENBAUM, SANDRA BALSELLS, LOTHAR BAUMGARTEN, AHLAM SHIBLI & MARC PATAUT, JEAN-LOUIS SCHOELLKOPF, WILLIAM KLEIN, ANDREA ROBBINS & MAX BECHER, GILLES SAUSSIER, XAVIER RIBAS, ANA MULLER, HANS-PETER FELDMANN, MANOLO LAGUILLO. Per a més informació i/o material gràfic: Servei de Premsa i Relacions Públiques del MACBA Tel. 93 481 33 56 / 92 481 47 17 – e-mail: press@macba.es 7