COLEGIO JORDAN DE SAJONIA DOMINICOS SEMINARIO DE METODOLOGIA DE

COLEGIO JORDAN DE SAJONIA
DOMINICOS
SEMINARIO DE METODOLOGIA DE
INVESTIGACION
Monografía: “Implemento de un manual práctico para aprender las bases técnicas de la
guitarra eléctrica”
Por
Juan Felipe Jácome Sierra
2010
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RESUMEN
En este trabajo veremos un estudio hecho acerca de un manual que hemos preparado con el fin de
educar a aquellos músicos interesados en aprender la técnica de interpretar la guitarra eléctrica.
Aparentemente el tocar una guitarra clásica inmediatamente te hacia poder tocar una guitarra
eléctrica pero mediante el manual nos pudimos dar cuenta las múltiples técnicas que tiene esta y
de cómo varían aspectos como el de hacer acordes, melodías y ritmos.
El manual ha sido conocido por varios estudiantes de música los cuales mostraron gran interés
en el tema y sacaron dudas como posibles falencias a la hora de interpretar la guitarra eléctrica
también observaron esas diferencias que existen en la guitarra clásica y en la eléctrica
permitiéndoles conocer técnicas o métodos nuevos.
Finalmente, conoceremos lo que significo para muchos estos manuales y la importancia que le
dieron los estudiantes al conocerlo, realmente sabremos si este es aplicable a la hora de estudiar
la guitarra eléctrica y si este sirve a la hora de aprender.
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INDICE
1. PROBLEMA
1.1 Implemento de un manual practico
1.2 Diferencias entre la guitarra electica y la acústica
1.3 El desconocimiento de las técnicas del a guitarra eléctrica
1.4 El problema del desconocimiento de las técnicas de la guitarra eléctrica en el Colegio Jordan
de Sajonia
2. OBJETIVOS ESPECIFICOS DE LA INVESTIGACION
2.1 Objetivos Generales
2.2 Objetivos Específicos
3. MARCO TEORICO
3.1 Guitarra Eléctrica
3.2 Rock
3.2.1 ¿Que es?
3.2.2 Historia y cronología
3.3 Jazz
3.3.1 ¿Qué es?
3.3.2Historia y cronología
3.4 Pop
3.4.1 ¿Qué es?
3.4.2 Historia
4. MARCO LEGAL
4.1 Derechos de autor
5. METODOLOGIA
5.1 Población
6. RESULTADOS
7. CONCLUSIONES
8. REFERENCIAS
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INTRODUCCION
En este trabajo de investigación vamos a trabajar con la educación musical en el Colegio Jordán
de Sajonia basándonos en los estudiantes de profundización en música, al ser estudiantes
tomaremos a los guitarristas los cuales como estudiantes que son nos comentaran acerca de las
falencias que han tenido.
El implemento de un manual es el tema que vamos a trabajar puesto que queremos averiguar que
aspectos deben mejorar los guitarristas si son técnicos o si son teóricos.
Si son técnicos el implemento de un manual práctico en el colegio será una posible solución
viable para evitar el cansancio del profesor y para generar carácter es decir que el guitarrista
estudie por su cuenta con el manual.
Además de estar bien explicado tendrá un CD con el cual podrán escuchar cada tema y asi
conocerlo e interpretarlo.
En esta investigación nos enfocaremos en los músicos que han estudiado empíricamente y creen
que les hace falta bases, para esto hablaremos de las diferencias que existen entre la guitarra
acústica y la eléctrica, los tipos de técnica que tiene, los géneros mas comunes o mas
recomendados para interpretarlos con guitarra eléctrica y como amplificarla.
Contara con un marco teórico el cual nos expondrá los conceptos básicos para que no solo un
músico sepa cuál es la problemática si no que cualquier persona reflexiones y reconozca la idea
del manual como algo práctico y aplicable.
También con la metodología, es decir, como recolectaremos los datos y, por supuesto los
resultados concluidos acerca de las opiniones a favor o en contra del tema en general la
educación musical en el Colegio Jordán de Sajonia y el implemento de un manual.
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1.PROBLEMA
1.1 Implemento de un manual práctico para aprender las técnicas de la guitarra
eléctrica
Actualmente se sigue creyendo que al aprender a tocar guitarra clásica, la interpretación de la
guitarra eléctrica va a ser igual y no se tienen en cuenta las múltiples técnicas que cada una de
estas posee.
Para el contexto de una persona amante del rock clásico y la música pesada este tiene que
reconocer que la mayoría de estas canciones tienen como guitarra principal una eléctrica la cual
llena toda la canción porque muestra poder en cada tema.
Mucha gente queriendo interpretar la guitarra eléctrica no se ha tomado la molestia de estudiar
cada una de las técnicas y creen que al tener una tablatura pueden interpretarla sin saber de la
misma guitarra eléctrica. Con esto y para no malgastar su tiempo buscando cada técnica, como se
construye cada una y como se debe interpretar debido a esto se implantara un manual
especializado en guitarra eléctrica el cual deberá aportarnos cada fundamento específicamente de
la guitarra eléctrica.
1.2 Diferencias entre la guitarra eléctrica y la guitarra acústica
La Guitarra Eléctrica permitió la formación de nuevos estilos musicales como el Rock y el Heavy
Metal pero con la idea de innovar los estilos clásicos e implementarle más fuerza a cada
composición llegan los instrumentos eléctricos los cuales tendrían un control de volumen y las
distintas configuraciones electrónicas para configurar el sonido.
La guitarra eléctrica tiene los mismos fundamentos armónicos y melódicos de interpretación
como una guitarra acústica la diferencia radica con la técnica de tocar, estructuralmente y
funcionalmente.
Las diferencias se pueden ver en la forma de la guitarra PUNTO sabemos que la guitarra acústica
tiene caja de resonancia mientras que la guitarra eléctrica no, por lo tanto no suena si no está
conectada, la eléctrica se toca necesariamente con púa mientras que la acústica se toca con dedos,
la eléctrica posee más accesorios (pedales, amplificadores…) la acústica por el contrario no.
Fuera de eso las técnicas son diferentes vemos que en la guitarra eléctrica surgen métodos nuevos
como el sweep picking, tapping, Palm mute, tremolo picking, speed picking… mas las diferentes
posiciones que se emplean que son muy importantes porque al tener una guitarra eléctrica el
mástil es más delgado y tiene más trastes los cuales cuentan con un pequeño corte para tocar del
traste 12 para arriba.
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Fig No 1 Modelo de guitarra clásica
Fig No 2 Modelo de Guitarra
Citado en:
http://guitarraparatodos.com/bt-002-tipos-de-guitarrn
http://www.mundofotos.net/foto/suara/729880/guitarraelectrica
1.3 El desconocimiento de las técnicas en la guitarra eléctrica
Alrededor del tiempo los grandes músicos de la historia han estudiado desde la música como tal
hablamos de la gramática musical hasta la parte de aprendizaje con una guitarra clásica y con una
eléctrica conociendo cada técnica y estableciendo las diferencias en interpretar cada una.
Musicalmente es lo mismo tocar una acústica a una eléctrica puesto que los fundamentos
armónicos y melódicos son los mismos cambia a la hora de la técnica.
La técnica en la guitarra eléctrica es diferente a la de la acústica y se debe conocer
apropiadamente para interpretar y hacer música.
Actualmente muchos músicos empíricos con el simple hecho de conocer la guitarra acústica se le
miden a interpretar la eléctrica sin tener los conocimientos técnicos tocan por imitación y solo
basándose en lo que dice una tablatura sin saber los fundamentos de cada técnica utilizada ni la
construcción de cada una esto genera que a la hora de crear composiciones el músico se vea corto
en imaginación y no pueda innovar cosas nuevas.
Todos los grandes músicos de la historia que han influido en el rock se basaron en una técnica y
por ello estudiaron tanto guitarra acústica como eléctrica donde con los conocimientos
metodológicos de cada una pudieron realizar las diferentes composiciones y con el conocimiento
técnico se les facilita la digitación y se fortalece la interpretación.
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1.4 El problema del desconocimiento de las técnicas de la guitarra eléctrica para los
músicos en el Colegio Jordán de Sajonia
Desde hace tiempo el Colegio Jordán de Sajonia ha promovido el arte desde la música hasta la
misma clase artística brindando oportunidades para aquellos interesados en profundizar el tema.
En el campo de música se ha apoyado en cuanto a la enseñanza básica hasta la oportunidad de
poder enfatizarse en este tema para los que quieren tomar la música como una opción de vida y
desean estudiarla.
Actualmente se ha notado que los estudiantes de música del Colegio Jordán de Sajonia presentan
falencias con respectos a la técnica de interpretación de la guitarra eléctrica desde la misma
postura de la guitarra hasta las más avanzadas como el hacer solos veloces.
A la hora de montar un tema algunos guitarristas presentan dificultades en las técnicas que aplica
el tema y no saben cómo ubicarlos y se limitan a sacarlo mediante una tablatura sin tener en
cuenta las posiciones y la postura de los dedos haciendo más complicada la digitación, por lo
tanto se ha sugerid el implemento de un manual práctico para computador mediante el cual se
puedan estudiar las técnicas y se puedan aprenderlas.
Se ha mostrado este manual a los diferentes guitarristas del colegio con el fin de mirar si cada
uno de ellos pudo corregir falencias, aprender técnicas nuevas, conocer los fundamentos…Y si
este puede ser un alternativa de aprendizaje practico en la casa.
Algunos estudiantes guitarristas del colegio tienen habilidades bastantes buenas en cuanto a las
técnicas de interpretación de la guitarra eléctrica, esto es debido a que fueron enseñados desde lo
básico hasta lo más avanzado y que poseen los fundamentos técnicos a la hora de interpretarla.
A otros por el contrario poseen falencias técnicas interpretando la guitarra eléctrica lo cual les
dificulta el montaje de temas o composiciones debido a su falta de bases generando una mala
digitación, mala postura y mala técnica lo cual en ciertos casos atrasa o no permite el ensamble
de una canción.
El colegio en cuanto a estas dificultades no cuenta con libros instructivos ni existe el espacio de
los docentes para explicar esta técnica porque así como hay técnica para tocar bajo y batería
también hay para la guitarra eléctrica específicamente, cabe decir que el colegio solo cuenta con
libros de música en general que se inclinan más hacia la gramática.
El uso de un manual práctico virtual para la guitarra eléctrica facilitaría el conocimiento de cada
técnica y además haría sencillo la aplicación de estas por medio de ilustraciones, ejemplos y
ejercicios.
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2. OBJETIVOS ESPECIFICOS DE LA INVESTIGACION
2.1 Objetivos generales
1. Demostrar la eficiencia de un manual práctico en el aprendizaje de las técnicas de
interpretación de la guitarra eléctrica.
2.2 Objetivos Específicos
1. Demostrar la eficiencia de un manual práctico en el aprendizaje y en la corrección de falencias
de la guitarra eléctrica en el Colegio Jordán de Sajonia.
2. Emplear este manual a aquellos estudiantes guitarristas del colegio y demostrar si contribuye y
aporta al aprendizaje.
3. Crear un manual práctico que facilite el aprendizaje de las técnicas de la guitarra eléctrica
basándose en ilustraciones, ejemplos y ejercicios.
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3. MARCO TEORICO
3.1 Que es la guitarra eléctrica
La guitarra eléctrica es un instrumento musical de cuerda electrófono con uno o más
transductores electromagnéticos también llamados pastillas que convierten aquellas vibraciones
en señales eléctricas que se logran amplificar. La guitarra eléctrica no tiene caja de resonancia
por lo cual no posee sonido al aire y es necesario de conectar.
3.1.2 El origen de la guitarra eléctrica
La guitarra eléctrica se origino en Estados Unidos a mitad del siglo XIX debido a la aparición de
Potencia-Amplificador en el año de 1920.
Desde ahí muchos instrumentos que tenían diseño acústico evolucionaron a diseño eléctrico.
Uno de los instrumentos que primero se adaptaron al diseño eléctrico fue la guitarra y fue la
marca rickenbacker la que creó la primera guitarra fabricada.
Después los guitarristas de jazz y de blues modificaron estas para que tuviera más volumen para
poder competir con otros instrumentos con esto llega Leo Fender quien diseña la primera guitarra
eléctrica sólida desmontable y con pocas piezas, para que los músicos no tuvieran problemas al
tener que cambiar piezas del instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el nacimiento de la
Fender Telecaster. Luego vendrían otros modelos (Stratocaster) y otras marcas como Gibson,
ESP Guitars o las japonesas Ibanez, Jackson guitars y Yamaha (Desconocido citado en
http://es.wikipedia.org/wiki/Guitarra_el%C3%A9ctrica).
Figura No 3: Primer modelo de guitarra eléctrica de la marca rickenbacker muy utilizada por
músicos de jazz y blues. Citado en http://www.ultimate-guitar-online.com/electric-guitars.html
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La Guitarra eléctrica fue muy utilizada en el jazz y el blues y con las nuevas modificaciones
permitió la creación de nuevos estilos musicales como el Rock y el Heavy Metal los cuales se
basaban en una guitarra distorsionada la cual diera poder y fuerza a la canción .
En la década de los 90 llega la marca Line 6 la cual innova un modelo de guitarra Variax la cual
mediante un micrófono piezoeléctrico ubicado en el puente, establece la comunicación con un
sistema modelador que contiene los mejores sonidos de las más famosas guitarras acústicas y
eléctricas tales como la Gibson Les Poul 335, 175, Super 400, Explorer, Epiphone Casino,
modelos de Gretch, Rickenbacker, las Fender Stratocaster y Telecaster, así como acústicas
Martin,
banjos,
cítara
(Desconocido
citado
en
http://es.wikipedia.org/wiki/Guitarra_el%C3%A9ctrica).
En el 2006 la fabrica incluyo también un bajo y en el 2007 la compañía Gibson lanza su nueva
guitarra Gibson Robot Guitar la cual se afina sola y consta con diferentes afinaciones mediante
un dispositivo electrónico el cual además de afinar muestra que nota se está interpretando
dándole comodidad a varios guitarristas en especial con la afinación.(citado en
www.gibson.com/RobotGuitar/)
3.1.3 Componentes de la guitarra eléctrica
La guitarra eléctrica está formada por pastillas electromagnéticas las cuales sirven para producir
una corriente inducida debido al movimiento de un cuerpo metálico ferro magnético que se
mueve dentro del campo magnético del imán generando una frecuencia igual a la de oscilación
del cuerpo. Esta corriente es muy débil por lo que el cableado del interior de la guitarra debe estar
muy bien apantallado para evitar ruidos.
Otro tipo de pastillas son las piezoeléctricas las cuales tienen un efecto de polarización eléctrica
en su masa, apareciendo una diferencia de potencial y cargas eléctricas en su superficie suelen ir
en el puente de las cuerdas debido a que deben estar en contacto casi directo con la cuerda.
Posee un sonido más natural que el de las electromagnéticas además presenta un preamplificador
que le da al sonido mucha más ganancia, nitidez y volumen.
Los demás circuitos que se encuentran en la guitarra eléctrica son los potenciómetros de volumen
y de tono, un conmutador de cambio de pastillas y condensadores como filtro de tono.
Algunas guitarras cuentan con un sistema de puente vibrato o tremolo el cual permite estirar y
aflojar las cuerdas.
El sistema Floyd Rose también es uno de los dispositivos más usados actualmente por muchos
guitarristas, generalmente en el rock pesado, sea metal, heavy o hard rock. Este sistema cuenta
con la opción de cinco resortes como Fender, pero a diferencia de esta, cuenta con una morsa que
"traba" las cuerdas en el clavijero impidiendo la fricción de las mismas. Por esto, en un principio,
una vez trabadas las cuerdas no se podía tocar a afinación, por lo que se creó un sistema de micro
afinadores en el puente que logran afinar la guitarra una vez trabada.
El sistema flotante es una variación del Floyd Rose. Cuenta con todas las características del
anterior pero a diferencia de aquel, este tiene doble acción, es decir, tanto afloja las cuerdas como
las estira más allá de su afinación estándar. El sistema básicamente funciona así: los resortes
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ubicados en la parte posterior de la guitarra crean una fuerza que es directamente proporcional a
la fuerza que ejercen las cuerdas sobre el puente. Esto crea la sensación, al estar minuciosamente
calibrado, que el sistema "este en el aire", o como su nombre lo indica, sea flotante. La más
exitosa marca es el Edge, una versión mejorada del Floyd Rose, hecha por Ibanez.(Citado en
http://es.wikipedia.org/wiki/Guitarra_el%C3%A9ctrica)
Figura No 4 Pastilla humbucker y dos pastillas single coil en el cuerpo de una Stratocaster.
Citado en http://es.wikipedia.org/wiki/Guitarra_el%C3%A9ctrica.
3.1.4 Estructura de la Guitarra Electrica
1. Clavijero
2. Cejilla
3. Clavija
4. Trastes
5. Tensor del mástil
6. Marcadores de posición
7. Diapasón
8. Cuello
9. Cuerpo
10. Capsulas o Pastillas
11. Perillas o controles de volumen y tono
12. Puente
13. Protector o golpeador
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Figura No 5 Estructura de una guitarra Guitarra eléctrica Epiphone Les Paul con dos pastillas
Humbucker.Citado en http://es.wikipedia.org/wiki/Guitarra_el%C3%A9ctrica.
1. Clavijero: Es la parte de la guitarra donde se alojan las clavijas que son unas piezas de hierro
que enganchan las cuerdas.
2. Cejilla: Es el espacio entre cada traste en el cual se encuentran cada nota verticalmente.
3. Clavija: Están formados por tornillos sin fin que dan vueltas y que van enrolladas a las
cuerdas.
4. Trastes: Es la separación que existe en el diapasón del mástil.
5. Tensor del mástil: Es el alma de la guitarra la cual tensiona el mástil dando soporte.
6. Marcadores de posición: Son aquellos símbolos en la guitarra los cuales facilitan la ubicación
de los trastes.
7 .Diapasón: Es una pieza madera en la cual se ubica el mástil y la cual cubre la parte anterior a
él es decir donde se encuentran el puente y la otra parte de las cuerdas.
8. Cuello: Es aquella hendidura o corte que tiene la guitarra para interpretar las regiones más
altas.
9. Cuerpo: Es la pieza de madera la cual recubre toda la guitarra. Aloja en la parte interior los
componentes electrónicos.
10. Pastillas: Son pequeños micrófonos que captan las vibraciones de las cuerdas.
11. Controles de volumen y tono: Son potenciómetros que se encargan de configurar los niveles
de volumen y tono.
12. Puente: Se encarga de sostener las cuerdas y transmite su vibración hacia algún otro
componente estructural del instrumento.
13. Protector o golpeador: Es la placa de plástico que protege el cuerpo de la guitarra de
rayones o hendiduras por rasgueos.
3.1.5 Conceptos básicos sobre la guitarra eléctrica
-Pick: Es una púa utilizada en instrumentos de cuerda por lo general metálica o de acero. Tiene la
forma de un triángulo isósceles con las dos esquinas redondeadas. Se encuentran en diferentes
estilos metal, plásticos, madera y exóticas. (Fig 6)
Técnica del pick: El pick se sostiene con el pulgar y el dedo índice por lo general aunque se
puede adapta con el medio o anular desde que el pick se conserve vertical y derecho.
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Fig. 6 Pick Tool L
Citado en http://picses.eu/image/426e38c1/
-Palanca o tremolo: Es la palanca ubicada en el puente de la guitarra las cuales tienen modelo
con resortes. Se oprime o se jala la palanca para producir una fluctuación en el sonido ya sea
haciendo el sonido más agudo o más grave. (fig. 7)
Floyd Rose (Sistema de trémolo con puente flotante) citado en
http://www.guitarinfo.es/viewtopic.php?f=30&t=79
-Pedal de efectos: Son pequeñas cajas metálicas que se apagan y se prenden con el pie ideales
para cambiar o ecualizar un efecto mientras se toca.
Ideal para el guitarrista puesto que no debe quitar las manos del instrumento sino simplemente
con el pie se logra modificar el sonido como el paso de la distorsión a limpio. (fig. 8)
Fig. 8 Pedalera digitech citado en http://www.guitarinfo.es/viewtopic.php?f=30&t=79
-Slide: Es un accesorio que puede ser una botella o un tubo de metal que deslizan sobre las
cuerdas esta técnica es muy popular en la música country y en el blues.
-Cejilla: Es un dispositivo que se emplea para acortar las cuerdas y por tanto subir el tono de las
cuerdas. Las cejilla se usan para cambiar la clave y el tono sin necesidad de afinarlas diferentes
puesto que tapan todas las cuerdas al aire.
-Cable de guitarra: Es un cable de cobre el cual funciona de salida de guitarra y entra al
amplificador para que se puedan multiplicar las señales eléctricas percibidas por los micrófonos.
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3.1.5 Amplificación de la guitarra
3.1.5.1 ¿Qué es amplificar?
Nuria Lucena Cayuela (2003) señalo que “Es el proceso multiplicar la señal eléctrica y hacerle
audible por medios electrónicos.”
“Hace la señal eléctrica o acústica más fuerte para que el sonido sea producido a través de un
altavoz”.
3.1.5.2 Historia del amplificador
Los primeros amplificadores no fueron diseñados para la guitarra eléctrica, estos surgieron en la
década de los 30 con la introducción de condensadores electrolíticos y rectificador de tubos que
permitieron el paso de la energía con simple enchufes envés de pesadas baterías.
Los primero amplificadores de guitarra se utilizaron para amplificar la guitarra acústica, mas
adelante en 1940 llega la amplificación electrónica con la música hawaiana con la guitarra
hawaiana.
Los controles de tono de los amplificadores eran muy simples lo cual proporciono gran cantidad
de realces agudos (treble). Estos tenían potencias menores de 15 vatios lo cual proporcionaba un
sonido débil a mediados de la década de 1950.
También salieron modelos con efectos como el reverb de muelles y/o un sistema electrónico de
tremolo vibrato para más adelante innovar la barra de tremolo para la guitarra con un puente de
resortes.
Más adelante en la década de los 60 los guitarristas empiezan a experimentar con la distorsión
sobrecargando sus amplificadores. Inicialmente los amplificadores venían compuestos por
válvulas las cuales mas adelante con los avances tecnológicos fueron reemplazadas por
transistores debido a que eran más baratos y eran más pequeños, algunos guitarristas prefieren
tocar con amplificadores con válvulas puesto que tienen un nivel de distorsión de mejor calidad
es por eso que todavía se siguen fabricando y cuestan más que los de transistores.(Desconocido
Amplificador de guitarra Historia http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#History)
Después llegan los amplificadores con controles de distorsión los cuales permiten producir un
sonido más fiable y seguro. En la década del 2000 el overdrive y la distorsión se ha convertido en
una parte importante de la guitarra eléctrica en estilos que van desde el blues hasta el metal.
3.1.5.3 Amplificación en público
Para la amplificación en público se utiliza la salida de la guitarra la cual va dirigida hacia un
sistema de sonido donde se puedan separar cada instrumento y ecualizar desde un sitio.
Algunos músicos recomiendan dejar el sonido del amplificador y en cambio poner un micrófono
dinámico, el cual se situará a una distancia reducida alrededor de 5-30 cm del altavoz del monitor
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e ira conectado al sistema de sonido y se podrá ecualizar desde ahí. También se puede insertar
unas salida al amplificador hacia el sistema de sonido.
Muchos guitarristas incluyen efectos a su sonido para colorearlo o darle un matiz personal o
especial a algunas de sus canciones. Esto se logra con procesadores de efectos o pedales de
efectos, (digitales o analógicos) incluidos en alguna etapa de la amplificación. Efectos usados son
la anteriormente nombrada reverberación, delay (retraso o eco), chorus (efecto de coro), phaser
(variador de la fase de onda), wah-wah, trémolo, octavadores, compresión de audio.
3.1.5.4 Tipos de amplificadores
Los amplificadores se fabrican de dos formas: Los amplificadores de combo contienen la cabeza
y altavoces de la guitarra en una misma unidad que generalmente se encuentra en una caja
rectangular y el amplificador de potencia.
Algunos amplificadores tienen una línea de salida para conectar la señal a un sistema de
grabación de consola o para el amplificador hacia otro amplificador. Pero en los estilos de rock y
blues la línea de salida no se utiliza para conectar el amplificador de guitarra a una consola,
puesto que la coloración de los tonos y la saturación del amplificador se considera muy
importante en el sonido de este. (Desconocido Amplificador de guitarra Tipos citado en
http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
Estos son algunos amplificadores de instrumentos particulares
-Amplificador tradicional de guitarra: Cuenta con una cálido sonido limpio y un fuerte sonido en
los agudos (treble) y a veces con efectos de reverb y tremolo (vibrato) muy utilizado en el rock
tradicional y el blues. (Desconocido Amplificador de guitarra Tipos citado en
http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
-Amplificador de guitarra para el Hard Rock : Posee controles de pre amplificación, filtros de
tono y efectos de distorsión que proporciona cada amplificador como sonido característica por
ejemplo el amplificador Marshall. Muy utilizado en el rock pesado, el metal y el punk.
(Desconocido
Amplificador
de
guitarra
Tipos
citado
en
http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
-Amplificador de bajo: Con mejor respuesta de bajos posee controles de tono que tienen
características compresoras que ayudan mantener el volumen alto de la distorsión. (Desconocido
Amplificador de guitarra Tipos citado en http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
-Amplificador para instrumentos acústicos: Diseñado para producir una limpia y transparente
acústica del sonido se utiliza en instrumentos acústicos con una función de transductor de
pastillas y/o micrófonos. (Desconocido Amplificador de guitarra Tipos citado en
http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
Estos son los tipos de amplificadores según el material y función
-Amplificador de tubo de vacío: Los tubos de vacio (válvula) fueron los componentes
electrónicos dominantes en la mayoría de amplificadores hasta la década de 1970, cuando los
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transistores económicamente comenzaban a aportar mayor rendimiento, pero aun así las válvulas
eran fabricadas por la calidad del sonido que producen en las distorsiones. (Desconocido
Amplificador de guitarra Tipos citado en http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
-Amplificación de estado sólido: Basado en materiales semiconductores (transistores) que
incorporan en la etapa de pre amplificación un overdrive que le da un sonido más cálido.
(Desconocido
Amplificador
de
guitarra
Tipos
citado
en
http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
-Amplificadores híbridos: Son amplificadores de potencia que combinan un amplificador de
estado sólido y multiplica su potencia. (Desconocido Amplificador de guitarra Tipos citado en
http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
-Amplificadores de modelado: Simula los diferentes sonidos de amplificadores y efectos
permitiendo crear un sonido único. (Desconocido Amplificador de guitarra Tipos citado en
http://en.wikipedia.org/wiki/Guitar_amplifier#Types)
3.1.5.5 Configuración del Amplificador
-Potencia de salida: Es la potencia con la que sale el sonido la cual se mide en vatios y el
rendimiento en amperios.
Según Ernie Jackson (2008) Por lo general la potencia es de 20 vatios y el rendimiento es de 50
vatios o más. Tradicionalmente estos han sido amplificadores de potencia fija con unos cuantos
modelos que tiene un interruptor de media potencia, para reducir ligeramente el volumen de
escucha preservando al mismo tiempo la distorsión del tubo de alimentación. Por lo tanto se
puede establecer una relación entre el volumen y la potencia de salida como por ejemplo un
amplificador de 5 vatios se puede percibir como un medio tan fuerte como uno de 50 vatios en
donde se puede apreciar el aumento en la potencia de 10 veces.
-Distorsión: Es una función disponible en los amplificadores de guitarra que consiste en saturar
un parlante por la alta potencia.
Según Ernie Jackson (2008) los amplificadores de guitarra de tubo pueden producir una
distorsión a través de la pre-distorsión a través del ecualizador, distorsión de tipo valvular previo,
distorsión después de la ecualización, distorsión de tubo de alimentación, rectificador de tubo de
la compresión, distorsión transformador de salida y la distorsión del altavoz de guitarra. Los
amplificadores de distorsión de sonido o textura transforman el sonido a través de la distorsión y
la respuesta de frecuencia de factores de los micrófonos (que varía de acuerdo a su respuesta, su
colocación y su pie de filtrado), preamplificadores de micrófono, mezclador de canales de
ecualización y comprensión. Además se le puede agregar antes de la toma de entrada del
amplificador una pedalera de efectos que justo antes de la etapa final del tubo o después de los
tubos de alimentación modifica el sonido.
-Los controles de volumen: Según Ernie Jackson (2008) son la variedad de etiquetas que se
utilizan para la atenuación del nivel de los potenciómetros en un amplificador y otros equipos de
guitarra.
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Las guitarras eléctricas tienen un control de volumen configurar el sonido producido por el
amplificador.
Puede haber dos controles de volumen los cuales se encarguen del volumen de la guitarra con
respecto al amplificador y los otros del tono junto con una palanca que elige los micrófonos y con
la que se configura los medios y los agudos.
3.1.6 Historia de la distorsión
De acuerdo a Ernie Jackson (2008) la primera distorsión surgió en el año de de 1961 de forma
accidental cuando en los estudios Quonset Hut de Nashville. El guitarrista Grandy Martin se
disponía a grabar un solo con una guitarra Dan electro para el tema “Dont Worry” cuando un
canal de la mesa de grabación se empezó a distorsionar. Se quería parar la grabación pero el
intenso sonido que producía gusto y se grabo así.
Al escuchar el solo de Grandy Martin muchos músicos sorprendidos con el sonido quisieron
hacer lo mismo de emplear el efecto mágico, pero como la avería ya había sido reparada los
ingenieros de sonido del estudio les contaron la anécdota, los músicos indignados a creer la
historia pensaron que el efecto estaba reservado solo para músicos de estudio. Cansado de quejas
el ingeniero de sonido Glen Snotty decidió reproducir el sonido por medio de transistores para
que más adelante le pasara la idea a un amigo que trabajaba en Gibson y se convirtiera en el
maestro Fuzz-tone (distorsión).
Roggie Krieber guitarrista de The Doors,Steve Howe guitarrista de Yes eran usuarios del sistema
Fuzz-tone.
De acuerdo a Ernie Jackson(2008) muchos guitarristas han reivindicado a lo largo de la historia la
utilización por vez primera de una distorsión en alguna de sus grabaciones. Durante los años
cincuenta los músicos se vieron obligados a buscar constantemente diferentes trucos para obtener
peculiares sonidos. Muchas veces llegaban a ellos por casualidad y otras por un simple accidente
fortuito, como la rotura del cono de un altavoz. El guitarrista Roy Buchanan rajaba literalmente
sus altavoces para obtener 'fuzz'. Link Wray, creador de clásicos instrumentales de los sesenta
como "Comanche" o "Rumble" y uno de los 'gurus' del sonido grunge actual, dejó el altavoz de
su amplificador Premier como un queso Gruyere, lleno de agujeros hechos con un simple lápiz.
Decía que todo valía con tal de obtener un 'buen' sonido. El guitarrista Paul Burlison descubrió la
distorsión de forma accidental. Justo antes de empezar una sesión de estudio, se le cayó el
amplificador al suelo y no se dio cuenta de que una de las válvulas de potencia se había aflojado
con el golpe, lo justo para no funcionar. Le gustó el sonido distorsionado del amplificador
funcionando con una sola válvula y lo utilizó en la grabación de dos de sus temas clásicos de
1956: "Train Kept A-Rollin" y "Honey Hush".
El guitarrista Reggie Young, una leyenda de los estudios de Nashville y Memphis, quitaba
habitualmente una de las válvulas de la etapa de potencia para distorsionar el sonido del
amplificador. También utilizaba técnicas como conectar la salida de altavoz de un amplificador a
la entrada de otro para hacerlo saturar. Incluso llegó a utilizar un aparato a válvulas hecho en
Canadá y llamado 'Herzog' que servía para saturar la entrada de un amplificador de guitarra. Era
algo más pequeño que un cabezal Fender y tan ruidoso que tenía que utilizarlo con un pedal de
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volumen
para
evitar
el
ruido
hasta
el
momento
de
hacerlo
sonar.
Chet Atkins es otro de los guitarristas clásicos que reivindica haber utilizado un 'overdrive' antes
de la grabación de "Don't Worry". A mediados de los años cincuenta un técnico electrónico le
hizo un pequeño previo a transistores, del tamaño de una cajetilla de tabaco, que utilizaba para
saturar
la
entrada
de
su
amplificador
a
válvulas.
Como podemos observar, por aquellos entonces los músicos tenían que buscarse la vida para
añadir algo de originalidad y frescura a sus grabaciones. Hoy en día disponemos de decenas de
pedales que reproducen aquellos sonidos vintage y otros más contemporáneos. Muchas de
aquellas viejas cajas de 'fuzz' se han reeditado y nuevos fabricantes han aportado algo de vida al
mundo de la distorsión.
3.2 ¿Qué es el rock?
Pinto José María (2005) señalo que “después de la segunda guerra mundial, en primer lugar en
Estados Unidos y luego en Europa, estallo el fenómeno del rock, una música destinada a
transtornar el mercado y el mundo juvenil.”(p.116)
Es un género musical contemporáneo encaminado a englobar cada uno de los diversos géneros
musicales derivados del rock and roll. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que
ocasionalmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y ocasionalmente, instrumentos de
teclado como el órgano, el piano, o los sintetizadores.
3.2.1 Historia del Rock
Eva Giberti (1998) señalo que:
Alrededor del año de 1965, los adolescentes a los que yo psicoanalizaba comenzaron a hablar de
Rock con gran entusiasmo, mientras sus padres protestaban sistemáticamente por esa
predilección. Al exhibir explícitamente su desafío a la autoridad parental y las convenciones
sociales, las letras de las canciones, el rock y su música desaforaba temor y desconfianza en los
adultos. Más aun los ritmos musicales, convocaban la respuesta perineal de los adolescentes que
sacudían con movimientos que el twist y el jazz no habían logrado tampoco el tango o la conga
(p. 173)
Lo anterior quiere decir que el rock fue un movimiento musical y cultural el cual llego de una
forma fuerte y origino para algunos un gusto y para otros una filosofía.
Fue un movimiento que innovo tomando características de otros géneros convirtiéndolo en un
estilo tan completo que actuó inmediatamente en la sociedad, llegaba a la gente ya sea con la
música, la letra, la vestimenta o la filosofía de un rockero “que es hacer lo que se te antoje.”
La música rock aparece con la era del rock n roll y el rockabilly de los años de 1950.A mediados
de los años 60 se empiezan a combinar los estilos y se crea el blues rock, jazz-rock-fusion, folk
rock y sin ninguna corriente el rock psicodélico. En los años de 1970 el rock incorporo
influencias latinas del soul y el funk. También llegan subgéneros como el soft rock, el hard rock,
el heavy metal que es el género más pesado que el hard rock el punk y el rock progresivo.
18
En 1980 llega el new wave ,el new romantic, el glam rock, el synth-rock, el hardcore punk, rock
alternativo, rock cristiano, y el metal cristiano. Los subgéneros del rock de los años 1990
incluyen el rock, el britpop, el indie rock, el piano rock.
La historia del Rock y su influencia alrededor del mundo se puede dividir en las siguientes 5
décadas:
3.2.1.1 Rock en la década de 1950 (Blues y Rock n Roll)
-De acuerdo a Sean Egan (2009) el rock eminentemente negro lo ocupaban Chuck Berry y Little
Richard. Chuck Berry se convirtió en uno de los exponentes más importantes del rock n roll
-Sean Egan (2009) señalo que “Elvis Presley fue el primer artista de rock n roll en causar
sensación en el formato de álbum, entonces un nuevo medio: su homónimo elepé debut fue el
primer disco de rock n roll en alcanzar la cima de las listas estadounidenses”. (p. 23)
-El rock llega a la población blanca con Gene Vincent, Eddie Cochran, y Roy Orbison
-De acuerdo a Charlie Gillet (2008) aparece Elvis Presley quien populariza el rock n roll.
-The Shadows cultiva el rock instrumental y surf Rock a finales de los años 50
- De acuerdo a Sean Egan (2009) llega el Rock n Roll del Reino Unido con músicos como Billy
Fury y Martin Wilde.
-Llega grupos como Everly brothers.
3.2.1.2 Rock en la década de 1960 (Rock progresivo, surf y gótico)
- De acuerdo a Charlie Gillet (2008) surge la música Beat la cual da paso a The Beatles y a otros
grupos como The Searchers, The Hollies, Herman's Hermits y The Dave Clark Five a principios
y a mediados de los años 60.
- De acuerdo a Charlie Gillet (2008) en el Surf Rock llegan The Beach Boys en Estados Unidos.
-De acuerdo a Sean Egan (2009) la invasión británica llegan The Beatles ,Roling Stones, The
Kinks, Small Faces, The Who, The Yardbirds, The Animals nace el movimiento Mod. A
principios y mediados de los años 60.
-De acuerdo a Sean Egan (2009) a mediados de los 60 Bob Dylan crea el Folk Rock con su
guitarra eléctrica le seguirán grupos como The Byrd, Crosby, Still and Nash…
- De acuerdo a Sean Egan (2009) el Rock Psicodélico nace en California con Grateful
Dead, Jefferson Airplane, The Doors, Love y Iron Butterfly o el pop rock influenciado por el
hippismo de The Mamas and The Papas y Association. En el Reino Unido es asimilado por los
grupos de la Invasión Británica, encabezados por los Beatles y su Revolver, su Sgt. Pepper's
Lonely Hearts Club Band y su Magical Mystery Tour…
19
-Tambien aparece el blues rock Como Janis Joplin y su Banda Big Brother & the Holding
Company
- De acuerdo a Charlie Gillet (2008) Jimi Hendrix y Eric Clapton con Cream revolucionan la
forma de tocar la guitarra eléctrica.
-En 1967 Leonard Cohen publica su primer disco catalogándose como cantautor y crooner del
rock.
-De acuerdo a Sean Egan (2009) The velvet underground fue una de las más grandes bandas de
punk y rock gotico las cuales dejan su huella en el rock.
-El rock progresivo llega con Kim Crison con su álbum In the Court of the Crimson King,
3.2.1.3 Rock en la década de 1970 (Heavy Metal , Hard Rock , Rock Gotico y Punk)
-De acuerdo a Sean Egan (2009), Black Sabbath, Led zeppelín, deep purple ,queen combinan
elementos de otros géneros musicales dando las primeras raíces hacia un nuevo género que sería
el Heavy Metal.
-Sean Egan (2009) señalo que:
Habían varios elementos en el estilo de Led Zeppelin que eran revolucionarios, pero ninguno era
más genial que la alquimia con la que mezclaban fraseos de blues con potentes canciones de rock.
Esto lo lograron al acelerar las canciones, al añadir largos solos de guitarra y de batería y al
permitir que el cantante Robert Plant improvisara alaridos y gritos como parte de su trabajo
vocal.(p.132)
Esto quiere decir que al a ver innovado un nuevo estilo basado en el blues y el Rock n Roll Led
zeppelín dio los primeros pasos hacia el heavy metal.
-De acuerdo a Ian Christe (2005) 13 de febrero de 1970 Black Sabbath debuta
-De acuerdo a Ian Christe (2005) el éxito paranoid de Black Sabbath se define el Heavy Metal.
-Paul Rodgers saltaría a la fama con Free con el tema “al right now” con quienes después
formaría Bad Company. Esto sería a finales de la década de los 60 y a principios de los 70.The
Faces serian otro exponente para la formación del nievo rock entre el blues y el hard rock.
-Queen en los primeros años de los 70 se convertiría en otro gran exponente por la fusión entre el
opera, hard, progresivo, glam y el heavy.
-De acuerdo a Ian Christe (2005) Judas priest debuta en diciembre de 1975
-De acuerdo a Ian Christe (2005) en 1977 Motorhead lanza su primer elepé.
-De acuerdo a Ian Christe (2005) el 28 de octubre de 1978 se emite por la NBC “Kiss Meets the
Phamtom of the park”(p. 10)
20
- De acuerdo con Ian Christe (2005) Ozzy Osbourne finaliza su gira con Ozzy Osbourne el 11 de
diciembre de 1978.
-Ian Christe (2005) señalo que:
Nace el funk a partir de innovaciones rítmicas en el soul de gente como James Brown como
cabeza visible, The Meters en Nueva Orleans y con otros artistas como Sly & The Family Stone,
Kool & The Gang o George Clinton aportando diferentes perspectivas al género. Todos ellos
junto con Marvin Gaye, Isaac Hayes o Curtis Mayfield darían lugar al movimiento blaxploitation
y serían fundamentales para el desarrollo de la posterior música disco y el hip hop. Primera mitad
de los años 70. (p 10)
-Jethro Tull, Pink Floyd, Genesis etapa Peter Gabriel, Yes, Rush y King Crimson: el rock
progresivo y el jazz rock. Pink Floyd lanzarían Dark Side of the Moon, que se convertiría en el
disco más exitoso del género, postulándose asimismo como padres del space rock, que tendría en
Hawkwind su continuidad. Primeros años 70
- Ian Christe (2005) señalo que:
Emerge el glam rock con artistas como T.Rex, Queen, Bowie, Roxy Music, Alice Cooper, Slade
o Sweet, a los que se sumaron otros como Lou Reed o The Stooges. El glam actualizó, con
provocación y maquillaje, la frescura del rock and roll de los años 50 frente al virtuosismo del
rock progresivo, influyendo posteriormente en el punk y en todos los géneros que nacieron a
partir de él a finales de la década. Primera mitad de los años 70. (p.10)
- Ian Christe (2005) señalo que:
Ola de hard rock norteamericano. Mountain y Grand Funk Railroad crean un nuevo estilo y son
pioneros del hard rock y el heavy metal norteamericano. Aerosmith salta a la fama, con una rara
mezcla de hard rock con ritmos funkys. Paralelamente surgen grupos como Kiss, Cheap Trick y
Ted Nugent, En Australia nacen AC/DC y en Irlanda Thin Lizzy, mientras en Inglaterra emergen
Motörhead, quienes impondrían una mayor velocidad en los riffs, adelantándose al crossover
punk-metal y al thrash. En los años 70. (p.10)
-De acuerdo a Ian Christe (2005), la segunda etapa y desarrollo final del heavy metal. Judas
Priest, Scorpions, Nazareth, Uriah Heep como algunas de las bandas dentro del movimiento.
Años 70.
-La gran explosión inglesa del punk, tras la aparición de The Ramones que como señalaba Dick
Porter (2009) “tres acordes cuatro chaquetas de cuero” fueron la base para marcar el espíritu
americano de la época precursores del punk, luego vendrían Misfits, Patti Smith, Iggy Pop y The
Dictators, seguidos por Dead Boys y The Heartbreakers en EE.UU. y como reacción a los
excesos, vuelta a lo básico; surgen en el Reino Unido Sex Pistols, The Clash, Buzzcocks, The
Damned, The Slits. Finales de los años 70.
21
-El new wave, tributaria del rock and roll de los años 60, tras el fin del punk. Elvis Costello, U2,
Blondie, Talking Heads, the B-52's, the Police. Finales de los años 70 y años 80.
-De acuerdo a Ian Christe (2005) Van Halen revoluciona la forma de tocar la guitarra eléctrica en
el hard rock. Finales de los años 70, primeros de los 80.
-El soft rock es representado por grupos como America y The Eagles.
-Ian Christe (2005) señalo que “La NWOBHM surge en Inglaterra con bandas como Iron
Maiden, Judas Priest, Diamond Head, Saxon y Def Leppard como estandarte. A finales de los
años 70”. (p.41)
-De acuerdo a Ian Christe (2005) el rock gótico en Europa y death rock en Estados Unidos;
influenciado por el glam rock, el punk y el rock psicodélico. Bauhaus, The Mission, The Sisters
of Mercy, Siouxsie & the Banshees, The Damned, Christian Death. Los dos últimos años de los
70 y principios de los años 80.
3.2.1.4 Rock en la década de 1980 (Rock Alternativo ,Glam Metal y Trash Metal)
- De acuerdo a Ian Christe (2005) Bon Scott vocalista de ACDC muere el 20 de febrero de 1980.
-Ian Christe (2005) señalo que “en 1980 British Steel de Judas Priest corona una seguidilla de
elepés incluyendo con Maiden ,On Throught the Night, de Def Leppard,Wheels Of Steel de
Saxon y Ace of Spades, de Motorhead.”(p 10)
- De acuerdo a Ian Christe (2005) el rock neo progresivo (a veces acortado a neo-prog) es un
género musical derivado del rock progresivo que alcanzó su auge en la década de 1980. Se
caracteriza por sus emocionales composiciones transmitidas mediante letras oscuras y una
cuidada teatralidad en el escenario.
El pop rock de radiofórmula continúa mostrando la influencia de la new wave: Tears for Fears,
Duran, The Cars, Adam and the Ants, Billy Idol. Años 80
- De acuerdo a Ian Christe (2005) el hard Rock de los 80s lo definen grupos como Motley Crue,
Cinderella,Tesla,Twisted Sister,Europe,L.A Guns (Una agrupación que sirvió como base para
formar Guns And Roses)… Todo el rock de Los Angeles.
-De acuerdo a Ian Christe (2005) En 1987 Guns and Roses redefinen el Hard Rock y el glam
metal junto con Skid Row quien lo moderniza.
-Primeros grupos de rock alternativo. Pixies, Jane's Addiction, R.E.M., Dinosaur Jr y Sonic
Youth, Red Hot Chili Peppers en Estados Unidos y The Jesus and Mary Chain, New Order y
Primal Scream en el Reino Unido, marcan las bases del género, en sus inicios en un plano
underground, y para iniciados, y más tarde como fenómenos de masas. Mediados de los años
1980, primeros años 90.
22
-De acuerdo con Sean Egan (2009) nace el rap metal, estilo alternativo cuyos pioneros fueron
Run-D.M.C. y Beastie Boys.
-Ian Christe (2005 ) señalo que “el Thrash metal ataca con Metallica, Megadeth, Slayer,
Testament, Anthrax, Sepultura, Suicidal Tendencies, Pantera, Overkill. En Alemania Kreator,
Destruction, Sodom y Tankard”. (p.197)
3.2.1.5 Rock en la década de 1990 (Aparición del Grunge , metal gótico, Black Metal.)
-De acuerdo a Ian Christe (2005), esta sería la segunda Oleada del black metal a lo largo de los
años 90. Fue durante este periodo cuando el desarrollo del black metal se hizo patente y más
evidente, sin embargo el origen del género hay que situarlo mucho antes a principios y mediados
de los 80s. Antecedentes como Angel Witch y su tema "Baphomet". La estética de Kiss influyo
mucho en la creación de estos grupos musicales.
-Rock de fusión el rock, el metal y el punk se fusionan con el rap y el funk, incorporando otros
elementos como rock progresivo. Red Hot Chili Peppers, Fishbone, Living Colour, Faith No
More, Infectious Grooves, Primus y Rage Against the Machine. En Holanda se darían a conocer
Urban Dance Squad. Años 80 - primeros años 90
-De acuerdo a Sean Egan (2009) el rock Alternativo y el grunge revolucionan con Nirvana y con
su álbum Nevermind convirtiendo a Seattle en uno de los lugares más importantes en la
formación de bandas de Grunge, además surgen bandas como Pearl Jam, Sound Garden,
Screaming Trees.
Más adelante aparece foo Fighters, Nickelback. Con el festival Lollapallooza triunfan bandas
Weezer, The Smashing Pumpkins o Jane's Addiction.
-A ello se le viene a sumar el auge del rock industrial y el metal industrial, con bandas como Nine
Inch Nails, Marilyn Manson, Ministry, Rammstein, años 90.
-Ian Chruste (2005) concluyo que:
Surge el pop punk con grupos como The Offspring, Green Day, Blink 182, Rancid y NOFX
(procedentes de la escena hardcore punk melódica) principalmente, que se encargan de llevar el
punk a un plano menos contracultural y rupturista que el punk original, y musicalmente más
limpio y melódico. Principios de los años 1990 llevándolo a una era antimetal poniendo de moda
otro estilo desde la ropa hasta el corte de cabello. (p.293)
-Radiohead publica OK Computer, álbum que según la prensa musical se convierte en su obra
cumbre y uno de los más importantes de la década, influyendo en grupos posteriores como
Travis, Coldplay o Muse. Finales de los años 1990.
23
3.2.1.6 Rock en la década de los 2000 (Ñu Metal, Metal core, Garage Rock,Death Core y el Pop
punk.)
-Linkin Park lanza su primer álbum de estudio, titulado Hybrid Theory, a principios de los años
2000. Se convirtió en el álbum debut más vendido de la década.
-De acuerdo a Ian Chruste (2005),se presenta un auge del metalcore y deathcore, con bandas
como As I Lay Dying, Killswitch Engage y Shadows Fall como principales exponentes. Finales
de la década de 1990 y principios de la década de 2000.
-Tras las fusiones entre géneros que se dieron en la década de 1990, el rock vuelve a su concepto
más básico en el 2000 como garage rock o garage rock revival, con influencias y enfoque
alternativos; con grupos como The Strokes, The White Stripes, The Libertines, The Vines, The
Hives, Kings of Leon, BRMC, etc.
-De acuerdo a Giordano Bianciotto (2008), en el año 2005 la banda californiana Green Day da su
más grande concierto en Milton Keynes siendo este el concierto más grande en la historia del
Punk Rock.
-De acuerdo a Giordano Bianciotto (2008) ,la Nueva ola de post grunge; con grupos como
Audioslave, 12 Stones, Three Days Grace, Seether, Taproot o Ytterbium. Principios y mediados
de los años 2000.
De acuerdo a Giordano Bianciotto (2008) , sigue el ataque del pop punk con bandas como The
Offspring, Green Day, Blink 182, Sum 41, NOFX, Paramore, entre otros más.
-En el deathcore destacan Job for a Cowboy, Despised Icon y As Blood Runs Black.
-De acuerdo a Giordano Bianciotto (2008), en el plano del pop rock alternativo y rock alternativo
los cuales usan la guitarra, batería, pianos, sintetizadores, etc. destacan Linkin Park, Muse,
Paramore, A Day To Remember, Coldplay, 30 Seconds To Mars, Green Day e Incubus.
Principios y mediados de los años 2000.
-Queens of the Stone Age continúan durante la nueva época el legado stoner rock de Kyuss,
añadiéndole otros matices, instrumentación o estructuras. Principios y mediados de los años
2000.
- De acuerdo a Giordano Bianciotto (2008) en el Reino Unido, The Libertines reinventa el
britpop, dándole un tinte menos comercial al de bandas como Oasis o Blur. Con letras más
autodestructivas, pero sin variar demasiado la fórmula de las bandas anteriores, logran ser una
banda de culto, a la vez que abren el camino a bandas como Franz Ferdinand, Boy Kill Boy, Bloc
Party, Arctic Monkeys, Kasabian, Maxïmo Park, y Kaiser Chiefs. Otras bandas de post punk
revival, como Mando Diao (Suecia), actualizan el legado del post punk y del britpop.
24
3.3 ¿Qué es el Jazz?
John Fordham (1993) señalo que:
Es un género musical que nace en Estados Unidos a finales del siglo XIX que se expandió de
forma global a lo largo de todo el siglo XX. Se caracteriza por dos rasgos fundamentales : El
primero, tanto por su constante asimilación de otras tendencias musicales estilística o
culturalmente ajenas a él, como por su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos
estilos musicales, como el rock and roll, que terminarían por evolucionar de forma independiente
al jazz, en cuanto al segundo por la sucesión de forma ininterrumpida de un numeroso conjunto
de subestilos que, vistos en perspectiva, manifiestan entre algunos de ellos enormes diferencias
musicales.(p.17)
Frank Tirro (1998) dice que: la palabra jazz, referida a un género musical, aparece escrita por
primera vez el 6 de marzo de 1913 en el periódico San Francisco Bulletin, cuando, al reseñar el
tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a
ritmo de ragtime y jazz.(p 109)
Esto quiere decir que el jazz es un género musical basado en la improvisación que de una u otra
forma introduce diferentes estilos musicales puesto que tiene una facilidad para mezclarse con
ellos.
3.3.1 Historia del Jazz
De acuerdo a Frank Tirro (1998) el jazz surge en el estado de Luisiana, concretamente en la zona
de influencia de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la
primera época del jazz)
En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente
prohibido por la ley, de forma que los esclavos negros tuvieron que recurrir a la percusión
mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música
característica. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en la llamada Place Congo (Congo
Square) de Nueva Orleans, en la que hasta la Guerra de Secesión los esclavos tenían libertad para
reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión tales como calabazas
resecas y rellenas de piedrecitas, el birimbao, las quijadas, el piano de dedo pulgar o sanza, y el
banjo de cuatro cuerdas.
Musicalmente, el jazz nace de la combinación de tres tradiciones: la autóctona estadounidense, la
africana y la europea.
La comunidad afroamericana al sur de Estados Unidos desarrollo su estilo con la improvisación
creativa de material
De acuerdo a Frank Tirro (1998) los esclavos fusionaron muchas de sus tradiciones africanas con
el cristianismo protestante que les impusieron sus amos, lo que constituyó el caldo de cultivo
apropiado para el desarrollo de los espirituales. Es importante observar el hecho de que, a pesar
25
de las divergencias en ritmo, armonía y estilo interpretativo, la tradición musical europea que los
esclavos conocieron en Estados Unidos ofrecía puntos de contacto con su propia tradición: así, la
escala diatónica era común a ambas culturas. Si a esto se le añade el relativo aislamiento cultural
en que vivía gran número de esclavos y la tolerancia de los amos respecto de su música, la
consecuencia fue que pudiesen mantener íntegro gran parte de su legado musical en el momento
de fusionarse con los elementos compatibles de la música europea y estadounidense, con lo que
se consiguió un híbrido con notable influencia africana.
De acuerdo a Frank Tirro (1998) siguiendo la tradición afroamericana de Nueva Orleans,
muchos músicos negros consiguieron ganarse la vida en pequeñas bandas que eran contratadas
para tocar en funerales. Estas bandas africanizadas jugaron un papel embrionario en la
articulación y diseminación de las formas tempranas del jazz. Viajando a través de las
comunidades negras, desde el sur profundo a las grandes ciudades del norte, estos músicos
pioneros consiguieron establecer el aullido, la estridencia, el libre desvarió, la "ragedia"
(raggedy) y el espíritu del ragtime, dando vida a una más elocuente y sofisticada versión del
ritmo.
3.3.1.1 Primeros músicos del Jazz
Los grupos musicales que tocaron música jazz se caracterizaban por poseer una sección rítmica
cuya función no era melódica y que evolucionaría hasta componerse de piano, contrabajo y
batería. Con esto, la importancia del piano para el nuevo estilo fue fundamental.
Frank Tirro (1998) señalo que “mientras que el pianista de ragtime operaba como una entidad
autosuficiente que ejecutaba de modo simultáneo los elementos melódicos, armónicos y rítmicos
de la pieza, el pianista inscrito en un grupo de jazz se especializaba en dos de estas tres funciones:
el patrón armónico y el ritmo propulsivo”(p.137)
Entre los músicos individuales, los pioneros del jazz fueron King Oliver, Freddie Keppard, Louis
Armstrong, Jelly Roll Morton, Sidney Bechet y Buddy Bolden.
3.3.1.2 Cronologia del Jazz
Frank Tirro (1998) señalo que :
Con la época del swing, (1923-1939) llegó King Oliver, con su "Creole Jazz Band" y grabó entre
otras composiciones "Dippermouth Blues". Los tres solos a corneta de esa pieza, además de ser el
punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, fueron imitados sin contemplaciones hasta
mucho tiempo después por un gran número de músicos. Louis Armstrong -segunda trompeta de
su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta de Fletcher Henderson el estilo, el virtuosismo
y la flexibilidad rítmica de Joe Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en el
tiempo. Otro gran iniciador del camino de la improvisación fue Sidney Bechet, virtuoso del
clarinete y el saxofón soprano, precursor del "solo" en el jazz, que también en 1923 cautivó a los
oyentes de la nueva música con sus grabaciones de "Wild Cat Blues", "Kansas City Man Blues",
26
y en especial, el magistral "House Rent Blues". Durante finales de los años 20 y hasta mediados
de los 40 fueron los más grandes exponentes en el jazz. (p.139)
El swing se caracterizó por su carácter melódico que permitió que fuera una música perfecta para
el baile por lo que su penetración mundial fue acelerada. Las composiciones seguían un formato
escrito y no se daba gran libertad a la improvisación aunque esta no fuera la regla.
Los más famosos directores de estas grandes bandas fueron Fletcher Henderson, Count Basie,
Duke Ellington, Benny Goodman.
3.3.1.3 El Jazz en Estados Unidos a comienzos del siglo XX
A inicio del Siglo XX la sociedad estadounidense se despoja de la era victoriana.
Desde el siglo XIX, con las canciones de comedia y 'trovadores' (los "minstrel shows") o las
melodías de Stephen Foster, la influencia de las tradiciones musicales afroamericanas aparecía
como parte integrante de la música popular estadounidense y lo hizo así durante generaciones.
Los clubes, las salas de baile comenzaron a aparecer en las ciudades. Los bailes negros que se
inspiraban en movimientos africanos –como el ‘shimmy’, el ‘turkey trot’, el ‘chicken scratch’, el
‘monkey glide’, y el ‘bunny hug’- fueron adoptados por un público blanco. El ‘cake walk’,
desarrollado por esclavos como parodia de los bailes formales de sus amos, se convirtió en el
último grito. El público blanco aprendía estos bailes viéndolos primero en programas de vodevil
y observando luego a bailarines profesionales en los clubes.
Poco a poco se fue experimentando con el jazz para volverlo popular a la hora de bailar.
3.3.2.4 El jazz en Nueva Orleans
De acuerdo con Frank Tirro (1998) una gran cantidad de estilos regionales contribuyeron al
desarrollo inicial del jazz. Probablemente el primer movimiento musical al que comúnmente se
denominó jazz fue el desarrollado en el área de Nueva Orleans, en Luisiana.
La ciudad de Nueva Orleans y las áreas circundantes siempre han sido un centro musical
regional. Gente de diferentes naciones de África, Europa y Latinoamérica contribuyeron al rico
patrimonio musical de Nueva Orleans.
En las colonias protestantes, la música africana era vista como "pagana" y era comúnmente
suprimida, mientras que en Louisiana era aceptada. Además de la población esclava, Nueva
Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color libre en Norteamérica, quienes se
enorgullecían de su educación y usaban instrumentos europeos para ejecutar música europea y
sus propias canciones de folk.
27
De acuerdo con Frank Tirro (1998) las figuras clave en el desarrollo del nuevo estilo fueron el
extravagante trompetista Buddy Bolden y los miembros de su banda. Bolden es recordado como
el primero en tomar el blues -hasta el momento una música folclórica cantada y acompañada por
instrumentos de cuerda o armónica- y arreglarlo para instrumentos de metal. La banda de Bolden
tocó blues y otras canciones, "variando la melodía" constantemente (improvisando), creando una
sensación en la ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros músicos.
3.4 ¿Qué es el Pop?
David J Hargreaves (1998) señalo que “la música rock no es comercial mientras que la música
pop si lo es”, “el interprete rock es un artista creativo que tiene el control sobre su producto”, “En
la música pop ,la separación entre el compositor, el interprete y el productor le niega al intérprete
pop la posibilidad de la creatividad”, “la música pop es homogénea, mientras que la música rock
se subdivide muchos tipos diferentes que tienden a agradar a distintas secciones de la audiencia
de música de rock.”(p 199)
Lo anterior son afirmaciones fuertes de David J Hargreaves puesto que nos habla de lo que
significa la música pop que es popular y que al serlo olvida lo más importante de la música como
la misma creatividad del intérprete, su control y la complejidad de la música.
La música pop es la combinación de varios géneros musicales que se enfatizan en ser populares y
cambiar con la moda.
3.4.1 Historia del Pop
Históricamente, la expresión "música pop" no era entendida como un género musical con
características musicales concretas. Lo catalogado como música "Pop", apócope de “música
popular”, era entendida como lo contrario a la música de culto, a la música clásica. Bajo esta
definición entraban géneros como, el funk, el folk o incluso el jazz. El pop era entendido como
ese gran grupo de música para la gente de escasa cultura musical. Con el tiempo, el pop ha ido
ganándose su acepción como género musical independiente, librándose, además, del sentido
peyorativo y negativo al que se le vinculaba.(Desconocido Musica Pop expresion
http://es.wikipedia.org/wiki/Pop)
Se habla de música pop cuando los medios, los productores y las cadenas de comunicación se a
dueñan del artista y lo empiezan a manejar de tal forma de que su música siempre esté de moda e
innove cada vez que los gustos cambien.
El artista se vuelve caprichoso basándose solo en interpretar ya que las composiciones y
producciones son realizadas por otros.
Las cadenas (MTV) , la radio o la misma discografía se adueñan del artista y manejan totalmente
su música.
28
3.4.2 Características
De acuerdo a Simon Frith (2001) Se suelen identificar una serie de características como típicas
del género de música pop: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de
en obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una
sub-cultura o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales
artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y tecnología, antes que la actuación en vivo;
y una tendencia a reflejar las tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos.
De acuerdo a Simon Frith (2001)El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo
entre dos y medio y tres minutos y medio de duración, en general, marcada por un elemento
rítmico constante y notable, un estilo culturalmente establecido y una estructura tradicional y
simple. Las variantes más comunes son el verso-coro y la forma de treinta y dos compases, con
una especial atención a las melodías pegadizas y un coro que contrasta melódica, rítmica y
armónicamente con el verso. El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un
acompañamiento armónico limitado. Las letras de las canciones pop modernas se centran
típicamente en temas simples - a menudo el amor y las relaciones románticas - aunque hay
también notables excepciones
Simon Frith (2001) señalo que :
La música pop se produce como una cuestión de empresa, no de arte... está diseñada para atraer a
todo el mundo y no proviene de ningún lugar en particular o marca ningún gusto particular. No
está conducida por ninguna ambición significativa, excepto el lucro y la recompensa comercial...
y, en términos musicales, es esencialmente conservadora. Es proveído siempre desde lo alto por
las compañías discográficas, programadores de radio y promotores de conciertos en lugar de estar
hechos desde abajo... El pop no es una música hecha por uno mismo, sino que es
profesionalmente producida y envasada. (P.95-6)
29
4. MARCO LEGAL
4.1 Derechos de autor
4.1.2 Finalidad
De acuerdo al artículo 6 Ley 44 de 1993:
El Registro Nacional de Derecho de Autor es un servicio gratuito sin ninguna contraprestación
económica para el ciudadano que presta el Estado a través de la Unidad Administrativa Especial
Dirección Nacional de Derecho de Autor, entidad adscrita al Ministerio del Interior y de Justicia,
en su sede única sin regionales ubicada en la ciudad de Bogotá, D.C., cuya finalidad es la de
brindar y otorgar a los titulares de derecho de autor y derechos conexos un medio de prueba y de
publicidad a sus derechos, así como a los actos y contratos que transfieran o cambien ese dominio
amparado por la ley.
En relación con el registro de los actos y contratos referidos al derecho de autor, a diferencia del
registro de obras, es obligatorio para predicar la validez y oponibilidad ante terceros de dichos
actos.
4.1.3 Beneficios:
De acuerdo a Ley 23 de 1982 y con la expedición de la Decisión Andina 351 de 1993:
El Registro Nacional de Derecho de Autor no es constitutivo de derechos ni obligatorio como
condición de protección, pero si en cambio permite generar una seguridad jurídica tanto para los
autores como para los titulares de un derecho de autor o de derechos conexos.
Por obra artísticas encontramos las composiciones musicales con letra o sin ella; las obras
dramáticas y dramático - musicales; las obras coreográficas y las pantomimas; las obras de bellas
artes, incluidos los dibujos, pinturas, esculturas, grabados y litografías; las obras de arquitectura;
las obras fotográficas y las expresadas por procedimiento análogo a la fotografía; las obras de arte
aplicado; las ilustraciones, mapas, croquis, planos, bosquejos y las obras plásticas relativas a la
geografía
y
la
topografía.(
citado
en
http://www.derechodeautor.gov.co/htm/registro/artisticas.htm#registro)
30
4.1.4 ¿Qué es una obra musical?
Creación que abarca toda clase de combinaciones de sonidos (composición) con o sin texto (letra
o guión).
De acuerdo al artículo 6 Ley 44 de 1993:
4.1.5 Derechos de Autor
-Reproducir la obra en copias o fonogramas.
-Preparar obras derivadas basadas en la obra.
-Distribuir copias o fonogramas de la obra al público vendiéndolas o haciendo otro tipo de
transferencias de propiedad tales como alquilar, arrendar o prestar dichas copias.
-Presentar la obra públicamente, en el caso de obras literarias, musicales, dramáticas y
coreográficas, pantomimas, películas y otras producciones audiovisuales.
-Mostrar la obra públicamente, en el caso de obras literarias, musicales, dramáticas coreográficas,
pantomimas, obras pictóricas, gráficas y esculturales, incluyendo imágenes individuales de
películas u otras producciones audiovisuales.
-En el caso de grabaciones sonoras, interpretar la obra públicamente a través de la transmisión
audiodigital.
-La protección del derecho de autor existe desde que la obra es creada de una forma fijada. El
derecho de autor sobre una obra creada se convierte inmediatamente en propiedad del autor que
creó dicha obra. Sólo el autor o aquellos cuyos derechos derivan del autor pueden reclamar propiedad.
-Los autores de una obra colectiva son co-dueños del derecho de autor de dicha obra a menos que
haya un acuerdo que indique lo contrario.
-El derecho de autor de cada contribución individual de una publicación periódica o en serie, o
cualquier otra obra colectiva, existen a parte del derecho de autor de una obra colectiva en su
totalidad y están conferidos inicialmente al autor de cada contribución. La mera posesión de un
libro, manuscrito, pintura o cualquier otra copia o fonograma le otorga al dueño el derecho de
autor.
-Los menores de edad pueden reclamar derecho de autor, pero las leyes específicas pueden
reglamentar cualquier transacción relacionada con este tema donde ellos sean parte.(
31
4.1.6 Clases de derechos de autor
-Dentro de la tradición jurídica del Derecho continental, Derecho internacional, y Derecho
mercantil, se suelen distinguir los siguientes tipos de derechos de autor:
-Derechos patrimoniales: son aquellos que permiten de manera exclusiva la explotación de la
obra hasta un plazo contado a partir de la muerte del último de los autores, posteriormente pasan
a formar parte del dominio público pudiendo cualquier persona explotar la obra.
-Derechos morales: son aquellos ligados al autor de manera permanente y son irrenunciables e
imprescriptibles.
-Derechos conexos: son aquellos que protegen a personas distintas al autor, como pueden ser los
artistas, intérpretes, traductores, editores, productores, etc.
Derechos de reproducción: es un fundamento legal que permite al autor de la obra impedir a
terceros efectuar copias o reproducciones de sus obras.
-Derecho de comunicación pública: derecho en virtud del cual el autor o cualquier otro titular de
los derechos puede autorizar una representación o ejecución viva o en directo de su obra, como la
representación de una pieza teatral o la ejecución de una sinfonía por una orquesta en una sala de
concierto. Cuando los fonogramas se difunden por medio de un equipo amplificador en un lugar
público, como una discoteca, un avión o un centro comercial, también están sujetos a este
derecho. (Citado en http://www.derechodeautor.gov.co/htm/registro/artisticas.htm#registro)
-Derechos de traducción: para reproducir y publicar una obra traducida se debe solicitar un
permiso del titular de la obra en el idioma original.
32
5. METODOLOGIA DE INVESTIGACION
La forma en que recolectare los datos será mediante una encuesta realizada a 20 estudiantes de la
profundización en música de los grados decimo y once.
La encuesta constaba de 9 preguntas cerradas 6 con sostenidas con porque y 4 sin justificación.
5.1 Población
La población que voy a examinar es del colegio Jordán de Sajonia tiene un cierto conocimiento
musical aprendido empíricamente o técnicamente con los cuales se basan a la hora de montar o
ensamblar un tema.
Esta población ha demostrado falencias, dudas e inquietudes con respecto a las técnicas en la
interpretación de la guitarra eléctrica así que mediante las siguientes encuestas mostraremos la
opinión de los músicos con respecto a esto.
33
6. RESULTADOS
Las encuestas realizadas permitieron saber los intereses y las opiniones de cada guitarrista con
respecto al tema de las bases técnicas de la guitarra eléctrica. Con 9 preguntas 6 con justificación
y 3 sin justificación esto fue lo que dijeron los estudiantes de la profundización de música del
colegio Jordán de Sajonia.
1. Que opina como músico de la educación musical en el colegio Jordán de Sajonia
Buena
regular
Mala
Educacion musical en el colegio
30%
50%
buena
regular
mala
20%
Fig No 9 Calidad de la educación música en el colegio Jordán de Sajonia
2. Cree usted que existen las fuentes adecuadas como para profundizarse en un instrumento
Si
No
34
Fuentes adecuadas para la educacion
musical
40%
60%
Si
No
Figura No 10 Fuentes adecuadas para la educación musical en el Colegio Jordán de Sajonia.
3. Creen ustedes que la educación musical en el colegio Jordán de Sajonia les da buenas bases
técnicas
Si
No
Porque
.
El colegio aporta buenas bases tecnicas
30%
Si
No
70%
Fig No 11 Estudiantes opinan acerca de si el colegio Jordán de Sajonia les brinda buenas bases
técnicas
35
Para los que respondieron si
17%
profundizan temas necesarios
para ser mejores
33%
se toma experiencia de ciertas
cosas
El profesor les exige tener las
basses fundamentales
50%
Figura No 12 Respuesta afirmativa y él porque piensan los estudiantes que la educación musical
en el Colegio Jordan de Sajonia brinda buenas bases
Para los que respondieron que si
Todo aspecto es importante
que involucre el crecimiento
musical del guitarrista
20.00%
Importante para profundizar en
un instrumento
25.00%
60.00%
Parte de la teoria
Figura No 13 Respuesta negativa de acuerdo a los estudiantes que piensan que el colegio Jordan
de Sajonia le hace falta brindar mas bases.
36
4. Conoce usted las bases técnicas de la guitarra eléctrica desde la postura hasta las técnicas de
interpretación (palm mute, sweet picking…)
Si
No
Conocimiento acerca de las bases tecnicas
35%
Si
65%
No
Fig No 14 Conocimiento de los estudiantes sobre las bases técnicas de la guitarra eléctrica.
5. Cree usted que es útil saber sobre la técnica de la guitarra eléctrica como saber de gramática
musical
Si
No
Por que
Le resulta util saber sobre esta
tecnicas
5%
Si
No
95%
Fig No 15 Estudiantes opinan acerca de la importancia de conocer estas técnicas
37
Para los que respondieron que si
Todo aspecto es
importante que involucre
el crecimiento musical del
guitarrista
20.00%
20.00%
Importante para
profundizar en un
instrumento
60.00%
Parte de la teoria
Fig No 16 Los que respondieron afirmativamente y las razones de su respuesta.
para los que respondieron que no
es mas importante la gramatica
musical
100%
Fig No 17 Los que respondieron negativamente y las razones de su respuesta.
6. Cree que saber estas bases es fundamental a la hora d ensamblar o montar un tema.
Si
No
Por que
38
Estas bases son fundamentales a la
hora de ensamblar un tema
5%
Si
No
95%
Fig No 18 Estudiantes opinan acerca de si son fundamentales las bases técnicas a la hora de
ensamblar un tema.
Para los que respondieron que si
se debe interpretar de forma
limpia las canciones
20%
30%
facilita interpretar una
cancion
conocimiento en su
instrumento
20%
Se pone en practica toda la
teoria
30%
Fig No 19 Los que respondieron afirmativamente y la justificación de las respuestas.
39
Para los que respondieron que no
la gramatica musical es mas
importante
100%
Fig No 20 Los que respondieron negativamente y el porqué de su respuesta.
7. Le gustaría aprender sobre estas bases técnicas en la interpretación de la guitarra eléctrica.
Si
No
Por que
interes en aprender sobre las bases tecnicas
5%
Si
No
95%
Fig No 21 Estudiantes opinan acerca de su interés en aprender técnicas.
40
para los que respondieron que si
5%
enriquecimiento y ampliacion
de conceptos
otra opcion como en la
guitarra acustica
21%
48%
es interesante
preparacion para estudios
superiores
21%
sirve para la composicion
5%
Fig No 22 Los que respondieron afirmativamente y las razones de su respuesta.
para los que respondieron que no
No me interesa tanto la
guitarra
100%
Fig No 23 Los que respondieron negativamente y sus razones de su respuesta
8. Le gustaría mediante un manual práctico de guitarra eléctrica aprender las bases técnicas
Si
No
Por que
41
Interes en aprender mediante un manual
practico
20%
Si
No
80%
Fig No 24 Estudiantes opinan acerca de su interés en aprender mediante un manual práctico las
bases técnicas.
Para los que respondieron que si
la tecnica es importante y
toca aprenderla
12%
es un modo practico de
aprender
31.75%
sirve el material
25%
quero aprender a tocar rock
6.25%
util a la hora de estudiar
25%
Fig No 25 Los que respondieron afirmativamente y sus razones de respuesta.
42
para los que respondieron que no
es mejor con un profesor
50%
50%
es mejor estudiar en una
academia
Fig No 26 Los que respondieron negativamente y sus razones de respuesta.
9. Cree usted que le aportaría conocer y aprender las bases técnicas de la guitarra eléctrica.
Si
No
Porque
le aportaria conocer estas bases tecnicas
0%
Si
No
100%
Fig No 27 Estudiantes opinan acerca de la utilidad de saber o aprender las bases técnicas.
43
para los que respondieron que si
25%
ampliar conocimientos y ayuda
a componer
25%
aprendo y enseño al mismo
tiempo
aprendo para tocar mas
25%
mejoraria mi interpretacion y
transmitiria conocimiento
25%
Fig No 28 Los que respondieron afirmativamente y las razones de su respuesta.
44
7. CONCLUSIONES










Concluimos que más del 50 % desean aprender las bases técnicas del guitarra eléctrico
puesto que piensan que es indispensable a la hora de ensamblar o montar un tema.
Concluimos que más del 60% piensan que la educación musical es buena en el colegio
aunque reconocen que hacen falta enseñar bases técnicas para el principiante.
Concluimos que mas 90% de los estudiantes de música especializados en guitarra
encuestados creen o piensan que el implemento de un manual práctico que tenga las
técnicas de la guitarra facilitaría el aprendizaje de estas y brindará conocimiento, el cual
sería transmitido de guitarrista en guitarrista.
Concluimos que el manual será implementado de acuerdo a las encuestas que
demostraron que la mayoría de estudiantes en música quieren experimentar aprendiendo
de una manera didáctica y sencilla diferentes técnicas, esto sería una autoayuda que se
brindaría cada uno ya que cada uno de estos podrá practicar en diferentes lugares para así
ponerlo en práctica a la hora de ensamblar un tema.
Concluimos que el manual garantizara una mejora notoria en los estudiantes que lo
apliquen puesto que cuenta con cada fundamento técnico y los explica de una manera
didáctica porque así mas del 50% conozcan las diferentes técnicas más del 80% no sabe
cómo se construye cada una.
Concluimos que para más del 95% de los estudiantes encuestados es importante la
técnica como el conocimiento de la gramática y la escritura musical.
Concluimos que para los estudiantes las dificultades que se presentan la hora de
ensamblar un tema son más técnicas puesto que es la puesta en práctica de la teoría
musical que se ha visto.
Concluimos que la educación musical en el colegio se enfoca mas en el dinamismo grupal
y el ensamble tanto así que no se da el tiempo para enseñar las bases técnicas.
Concluimos que existen no existen las fuentes adecuadas para profundizarse en el
instrumento ya que no constan de libros, manuales y la educación musical que se enseña
tanto para el que profundiza como el que la ve como clase es muy general.
Concluimos que más del 80% prefiere aprender de un modo didáctico y practico desde la
comodidad de sus casas las técnicas de la guitarra que con un profesor de música en la
institución.
45
8. REFERENCIAS
Libros en línea
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48
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