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arteBA 2014
Dossier sección principal
Amadeo Azar
Fernanda Laguna
Lux Lindner
Gastón Pérsico
Tiziana Pierri
Ana Tiscornia
También disponibles:
■ Dossier para la sección trastienda abierta donde rotará obra de: Juan Becú, Rosa Chancho, Claudia del Río,
Nicolás Gullotta, Silvia Gurfein, Cynthia Kampelmacher, Julián Terán, Ramiro Oller, Osías Yanov
■ Dossier para la sección Cabinet, proyecto de presentación de piezas históricas de Roberto Jacoby
Galería Nora Fisch ■ Buenos Aires, Argentina ■ www.norafisch.com ■ info@norafisch.com ■ cel: +54 911 6235.2030
Ana Tiscornia
La obra de Ana Tiscornia se produce en el encuentro entre una aguda sensibilidad social, un sólido fundamento
intelectual que le permite una mirada crítica sobre procesos sociales y la gracia y el optimismo necesarios para
cristalizar formas potentes.
Habiendo estudiado y ejercido la arquitectura, la problemática de los espacios que se habitan permanece central a su
obra reciente, aún cuando éstos son sometidos a implosiones, explosiones, distorsiones diversas.
Ana reflexiona no sólo sobre el espacio como habitáculo contenedor de memorias o experiencias sino también acerca
del espacio intersticial, lo que sucede cuando aparecen los quiebres de categorías y modalidades de estar en el mundo,
ya sea las experiencias de dislocación de los inmigrantes o los refugiados, la situación de los sin-casa presentes en
todas las grandes urbes globales, o de manera menos tangible, los nuevos estilos de habitar y de relacionarse con el
otro. El resultado final es una poética de la vulnerabilidad tratada en términos casi abstractos y con gran atractivo
formal, en donde reverbera el legado rioplatense del arte constructivo, traducido en tiras de cartón corrugado,
fragmentos de red plástica, papel impreso.
La dinámica de trabajo de esta artista implica un proceso de sedimentación, de superposición de capas de
representaciones espaciales (a menudo planos de su casa de la infancia u otras viviendas prototípicas modernistas que
parecen hubieran colapsado). Partiendo de estos dibujos de planos, los collages y piezas de cartón se arman a través
de un proceso de sumar capa tras capa. Por un lado, entonces, la obra refiere a situaciones de colapso, pero por el otro
re-arma a partir de esas ruinas y de un proceso constructivo una nueva imagen que surge de la labor amorosa de
sedimentar.
Nacida en Montevideo, Uruguay en 1951, ejerció como arquitecta durante 15 años antes de radicarse definitivamente en
Nueva York en 1990 y dedicarse de lleno a su producción artística. Considerada como “una figura central de la
comunidad de artistas latinoamericanos radicados en Nueva York”, Ana “ha desarrollado un trabajo muy personal y
consistente, situado a caballo entre la práctica artística, la crítica, la curaduría y la pedagogía.” (Gabriela Rangel,
Directora de Artes Visuales de Americas Society, NYC, en Arte al Día Internacional, septiembre 2012).
La obra de Tiscornia ha sido exhibida internacionalmente, en el Museo de Arte Contemporáneo de Costa Rica, el North
Dakota Museum, el Museo Jose Gurvich, Montevideo, La Casa Encendida, Madrid, entre otras instituciones. Es
Profesora Emérita en State University of New York y editora de arte de la publicación Point of Contact - The Journal of
Verbal and Visual Arts, distribuída por Syracuse University Press. Es autora del libro, Vicisitudes del Imaginario Visual:
Entre la utopía y la identidad fragmentada, publicada por White Wine Press en colaboración con Distrito Cuatro.
Representó a Uruguay en las II y IX Bienal de La Habana, Cuba, y la III Bienal de Lima, Perú. Su obra está presente en
importantes colecciones privadas de Estados Unidos.
Corner with Red Line, madera, pintura, cartón, papel y malla de nylon, 100 x 90 x 55 cm, 2014
From the Skylight, collage sobre papel, 33 x 48 x 26 cm, 2014
Set off, collage sobre papel, 33 x 48 x 2,6 cm, 2014
It was green, collage sobre papel, 33 x 48 x 2,6 cm, 2014
To be Continued, collage sobre papel, 33 x 48 x 2,6 cm, 2014
Corner with Blue Line,
madera, pintura, cartón,
papel y malla de nylon, 100
x 90 x 55 cm, 2014
Incluído en la sección Dixit,
curada por Andrea Giunta
Amadeo Azar
La obra reciente de Amadeo Azar se centra en una exploración de los lenguajes visuales del modernismo --en tanto
éstos encarnaron ciertas visiones y narraciones idealistas acerca del futuro--, y en una investigación de su impacto en lo
local, en las maneras en que el impulso modernista se articuló con situaciones sociales y culturales específicas de la
Argentina. Su tema primordial es la tensión utopía/distopía, abordado desde el lenguaje de las artes visuales.
En este proceso Azar realizó una serie de obras en las que distintas capas de referencias convivían y se superponían:
citas a proyectos arquitectónicos nunca realizados de Constructivistas rusos, a las obras del Ingeniero Salamone
construídas en la Provincia de Buenos durante los años 30, citas a composiciones Madí (incluyendo el formato no
rectangular de las obras) o a diseños de la Bauhaus. En arteBA presentaremos algunas de éstas y así como otras de
serie más reciente que representa un punto de inflexión en el desarrollo de su obra, en donde ya no aparecen imágenes
completas de aquellos edificios modernistas, sino composiciones hechas de fragmentos de proyectos arquitectónicos
de Iacov Chernikov, Ing. Salamone, así como de arquitecturas fantásticas diseñadas por el artista. Estos fragmentos
arquitectónicos flotan en el espacio a la manera de ciertas composiciones constructivistas clásicas. Los dípticos de esta
nueva serie que combinan un panel pintado en acuarela sore papel Arches y otro que es una fotografía en negativo de
una obra originalmente pintada en acuarela, impresa sobre el mismo tipo de papel. La elección de materiales como
acuarela, oro a la hoja o de fotografías de las acuarelas, en vez de la pintura en sí misma, actúa como capa adicional de
referencia a los lenguajes de lo visual.
Amadeo Azar nació en Mar del Plata en 1972. Creó y drigió el espacio de arte MOPT que fue muy infuyente en el
desarrollo del arte contemporáneo en su ciudad natal. Ha realizado muestras individuales en la Diputación de Cádiz,
España, el Centro Cultural Rojas, el CC Recoleta, la Galería Nora Fisch, en Buenos Aires, la Galería Diabolo Rosso,
Panamá, el Museo de la Memoria Haroldo Conti, entre otras. Entre las numerosas exhibiciones colectivas en las que ha
participado se encuentran Trascendencia y Descendencia, muestra de homenaje a Roberto Aizenberg curada por Valeria
González, Colección Amalia de Fortabat, 2013; Contra el Progreso, Fondo Nacional de las Artes, 2012; Abre Alas,
Galería A Gentil Carioca, Rio de Janeiro, 2012; Premio Itau Cultural 2011; Premio Andreani 2009/2010.
Azar recibió el Premio de Pintura Banco Nación en 2012. En 2014 ha sido el único artista argentino seleccionado por el
Drawing Center de Nueva York para participar en Open Sessions, un programa internacional de exhibiciones que se
realizará durante los próximos dos años. Obra de Amadeo Azar se encuentra en colecciones públicas y privadas de
Argentina, USA, y España.
Sin título (díptico 1 2014), panel der.: acuarela sobre papel Arches, panel izq.: impresión fotográfica sobre papel Arches, 107 x 76 cm c/u, 2014
Sin título (díptico 2 2014), panel izq.: acuarela sobre papel Arches, panel der.: impresión fotográfica sobre papel Arches, 107 x 76 cm c/u, 2014
Sin título, acuarela sobre papel Arches, 107 x 767 cm, 2014
Metro Moscú, acuarela y bronce a la hoja sobre papel, políptico con marcos de madera triangulares, 69 x 60 cm c/u, 2013
Ferias universales 7 y 8, acuarela, acero e imanes sobre papel, 21 x 28 x 1 cm cada una, 2013
Ferias universales 9 y 10, acuarela, acero e imanes sobre papel,
21 x 28 x 1 cm cada una, 2013
Las Vegas 5, collage y calado sobre impresión en papel de algodón, 20 x 30 cm, 2014
Las Vegas 1 y 2, collage y calado sobre impresión en papel de algodón, 20 x 30 cm cada uno, 2014
Las Vegas 3 y 4, collage y calado sobre impresión
en papel de algodón, 20 x 30 cm cada uno, 2014
Fernanda Laguna
Fernanda Laguna (1972, Buenos Aires) es una de los artistas más influyentes de su generación en Argentina, no sólo
por su obra visual distintiva y personal, sino también por sus libros de poemas y novelas de culto, y por sus acciones
como gestora de espacios y movidas que son parte de su práctica artística. A comienzos de los 2000 fundó Belleza y
Felicidad, una galería y editorial que fue un hito del arte contemporáneo local. Luego mudó este proyecto al barrio
carenciado de Villa Fiorito, en donde a lo largo de una década lo fue convirtiendo en un programa de enseñanza a
través del arte para los jóvenes de la zona. Laguna también fue una de las fundadoras de Eloísa Cartonera, una
editorial que juntó a escritores prestigiosos con “cartoneros” (quienes recolectan cartones de los deshechos como
forma de subsistencia), proyecto que fue replicado en 40 países y que ganó el Premio Príncipe Claus en 2012.
Durante 2011 y 2012 Laguna co-dirigió Tu Rito, un espacio dedicado a performances, lecturas y acciones, abierto 24
horas al día (no tenía puertas).
Las formas negras cuasi abstractas –que a veces actúan como personajes humanos– son una de las características
de su pintura reciente, como son los tajos y recortes que aparecen en la tela. "Los cortes incorporan el otro lado a la
imagen, sea el fondo neutro de una pared o una animada reunión social...las piezas se despliegan sobre la
tridimensionalidad y el espacio exterior de la vida, con una avidez similar a la de un ser sintiente. Laguna sigue, en este
punto, a Oiticica al pie de la letra: no experimenta con la imagen si no es para experimentar con lo viviente y sus
posibilidades...". (C. Iglesias, Las geometrías sensibles de Fernanda Laguna, Radar, Buenos Aires, 8 de sept. 2011).
La atmósfera metafísica de las pinturas contiene un giro lúdico y contemporáneo.
Fernanda Laguna fue incluida en el listado de Artforum de lo mejor del 2012 por la curadora Sofía Hernández Chong
Cuy, quien la describe como “indudablemente una de las artistas visuales más interesantes de las Américas”. En el
2013 participó en la Bienal del Mercosul en Porto Alegre, Brasil y en el 2014 en la Bienal de Cuenca, Ecuador. Su obra
se encuentra en las colecciones del MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), en la colección
Fundación arteBA, colección Banco Supervielle, colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York, y en otras
importantes colecciones privadas en USA y Argentina.
1972, acrílico sobre tela calada, 73 x 120 cm (díptico), 2014
La reconquista parcial,
Acrílico sobre tela calada,
76 x 69 cm, 2013
Esa época.
Acrílico sobre tela calada,
65 x 52 cm, 2013
Quisiera ser ella, acrílico sobre tela calada, 72 x 123 cm (díptico), 2014
Éxodo de mi mente hacia un
cuadro marrón y azul,
acrílico sobre tela calado,
72 x 42 cm, 2013
Destrucción y aparición en
una playa seca,
Acrílico sobre tela calada,
69 x 53 cm, 2013
Lux Lindner
Personaje emblemático del arte contemporáneo argentino, la obra de Lindner posee un fuerte sello de idiosincracia
personal. Ante todo dibujante y un pensador lúcido y eccéntrico, obsesionado con la historia política y cultural de
Argentina, Lindner también realiza pinturas y performances. Erudito, sus dibujos se hallan altamente codifcados con
referencias a la historia, la sociedad y las artes locales, así como a eventos autobiográficos. Sus obras en papel
remiten a diferentes técnicas, tradiciones y usos del dibujo: la ilustración técnica, el dibujo artístico tradicional, la
ilustración infantil, los comics. Utiliza su destreza con el dibujo para realizar ensayos mordaces y complejos sobre los
temas que lo conciernen.
Lindner tiene una amplia trayectoria de exhibiciones que se inicia en los años noventa en torno al Centro Cultural Rojas.
Presentó más de una docena de muestras individuales en Buenos Aires, Lucerna y París y participó en numerosas
exhibiciones colectivas. Recibió el Premio Andreani, el Premio Braque - Embajada de Francia, el Premio Klemm y el
Premio Konex al Dibujo, entre otros. Participó en la Bienal del Mercosul, Porto Alegre, Brasil en 2007 y la Bienal de
Estambul, Turquía, en 2013. En el año 2012 el MALBA, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, adquirió 120
dibujos fechados desde 1985 hasta 2012 y un cuaderno con 48 dibujos adicionales para su colección. Su obra se halla
en importantes colecciones privadas y públicas en Argentina.
Nota: incluídos sólo algunos de los dibujos disponibles de Lux Lindner.
Ashes to Ashes,
lápiz sobre papel, 42 x 30 cm, 2014
Sonámbulo en la academia
lápiz sobre papel,
42 x 30 cm, 2014
Las brujas esperan a Macbeth,
lápiz color sobre papel, 42 x 30 cm, 2014
Quienes dudan se orientan, lápiz sobre papel, 30x 42 cm, 2014
Cuando mamá no se ríe,
tinta sobre papel calco,
60 x 38 cm, 1999-2013
Lugones en Prospect Park,
tinta sobre papel calco, 55 x 68 cm,
2000-2013
Gastón Pérsico
Gastón Pérsico (n. 1972) desarrolla obras en múltiples formatos, cuyo común denominador es un sustento
en ideas literarias y filosóficas y un abordaje proyectual, en donde cada objeto producido es parte de una
exploración más amplia.
Participó de la Beca Kuitca (2003-2005) y fue becario del Centro de Investigaciones Artísticas (2010). En
2006 recibió el Segundo Premio Petrobrás por el proyecto Heavy Mental, en el que convocó a bandas de
rock heavy metal para que graben temas con letras de filósofos pos-estructuralistas franceses. Ha realizado
numerosas muestras en Argentina, España, Brasil y otros países, incluyendo CIFO (Fundación Cisneros
Fontanals) en Miami, USA, ya sea con proyectos individuales o en colaboración con Cecilia Szalkowicz.
En obras de años recientes Pérsico elabora situaciones poéticas a partir de las ideas de desaparición, vacío,
ausencia. Desde el 2013 realiza objetos que citan el formato de display o sistema de exhibición. Acerca de
ésto escribe: “Caminando en una ciudad fuera de temporada, pensando en lecturas recientes (“...la ausencia
da contenido al objeto al mismo tiempo que constituye al sujeto mismo...”), llamó mi atención la presencia
casi constante de vidrieras, exhibidores y escaparates sin objetos. Displays despojados de su función,
desamparados. Así comencé a idear estas piezas impulsadas por las nociones de módulo, construcción,
exhibición, vacío. Estos módulos/vitrinas se presentan como portadores de nada, estantes vacíos... El ritmo
y la repetición de soportes y espacios despojados producen un movimiento inquietante. Esta propuesta
intenta “implicar el vacío como ‘proceso’ para inquietar el volumen” y la figura del display expositivo como
contenido en sí.”
“...En el nivel de la significación, el carácter absolutamente neutro del objeto aporta el rito de paso de una
operación crucial en la que el sentido se constituye sobre un fondo de ausencia e incluso como obra de la
ausencia...”. (Georges Didi-Huberman, Lo que vemos, lo que nos mira).
Sin título, croquis para objeto actualmente en construcción, estante de vidrio, fotografía, objeto, cortina veneciana, luz fluorescente, 140 x 90 x 15 cm, 2014
Koán 1, camisa y libro sobre tela (fragmento de La respuesta, Roland Barthes, Lo neutro), 60 x 80 cm, 2013
Tiziana Pierri
Tiziana Pierri desarrolla una exploración lírica y audaz del lenguaje pictórico, incorporando elementos de la abstracción,
la figuración, la geometría y la pintura gestual. Ha formulado un lenguaje personal que se caracteriza por su particular
uso del color, su tratamiento de la superficie pictórica, el empleo de la línea, y por la irrupción de gestos sutiles de
humor y absurdo que subvierten las búsquedas formales. Logra una elegancia visual incomodada por toques de lo
arbitrario o lo sinrazón, que a su vez enfatizan el aspecto de exploración contemporánea dentro de lo pictórico. Sin duda
una de los pintores argentinos más promisorios de la nueva generación.
Nació en Buenos Aires en 1984, cuarta generación en una familia de pintores reconocidos. Participó en el Programa de
Artistas de la Universidad Di Tella en 2009/2010, en la Beca Kuitca en 2010/2011 y en la Residencia URRA en 2012.
Obtuvo una Mención en el Premio Andreani en 2009, fue seleccionada para Curriculum Cero en la Galería Ruth Benzacar
y para la Bienal de Bahía Blanca en 2007. Tuvo muestras individuales en las Galerías Nora Fisch, Mite, Naranja Verde y
Alberto Sendrós y participó de numerosas muestra colectivas en galerías y espacios institucionales.
Sin título,
Óleo sobre tela,
185 x 170 cm, 2014
Sin título,
Óleo sobre tela,
180 x 165 cm, 2013
Sin título,
Óleo sobre
tela,
120 x 110 cm,
2013
Sin título,
Óleo sobre tela,
185 x 165 cm, 2013