apuntes grecia

TEMA 3. EL ARTE GRIEGO
Introducción
La cultura griega se desarrollo en torno al Mar Egeo desde el siglo VII a. C. hasta la
dominación romana en el siglo II a. C. Era una civilización marítima y comercial. En su
época de mayor esplendor se expandieron por el Mediterráneo y fundaron colonias en
el sur de Italia, sur de Francia y el levante español.
Los inicios de la civilización griega habría que buscarlos en la isla de Creta y en
Micenas.
Sus habitantes se organizaban en Polis (ciudades-estado) que mantenían su
independencia a nivel político y económico pero estaban unidas por su idioma, su
cultura y su religión y se unían cuando se sentían amenazadas por una fuerza exterior.
Las dos polis más importantes de Grecia fueron Esparta y Atenas.
Los griegos son considerados el origen de la cultura occidental. Inventaron y
desarrollaron conceptos como la filosofía, la democracia, el teatro, los juegos olímpicos…
La religión griega es politeísta. Los principales dioses vivían en el Monte Olimpo
regidos por Zeus, padre de los dioses y los hombres.
Los griegos instituyeron la razón como base de la cultura e hicieron del arte una
actividad humana que no lo debía todo a los dioses. Instauraron las figuras del artista y
del filósofo: hombres con talento, lúcidos, inspirados y reflexivos, que trabajaban en la
construcción de la felicidad de los ciudadanos y la grandeza de las ciudades. Para los
griegos el arte tendrá una función estética, será una manifestación de la belleza
racional.
El arte griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta
nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad definen el arte clásico y los
cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo
largo de la historia de Occidente.
3.1. LA ARQUITECTURA GRIEGA
Características de la arquitectura griega
Grecia es el origen del arte clásico, caracterizado por:
• Las proporciones de los edificios están en armonía con el hombre.
• Especial interés por la proporción y la armonía entre todos los elementos que
forman parte del edificio.
• Arquitectura arquitrabada o adintelada en la que dominan las lineas rectas, tanto
horizontales como verticales.
• Dan más importancia al aspecto exterior de los edificios buscando la perfección en
los acabados.
• Material de construcción: sillares de piedra de distintas calidades y mármol.
• La mayor aportación griega a la historia de la arquitectura es la creación de los tres
órdenes clásicos: dórico, jónico y corintio.
Los órdenes clásicos
El interés de los griegos por la geometría, la proporción y la búsqueda de armonía
entre las distintas partes de un edificio tiene como consecuencia la creación de tres
órdenes que conforman su arquitectura: el dórico, el jónico y el corintio.
• El orden dórico es el más sobrio de los tres. Se caracteriza por sus columnas sin
base, con fuste acanalado rematadas por un capitel simple compuesto de dos
partes: ábaco (bloque rectangular) y equino (elemento circular), sobre las
columnas reposa el entablamento formado por dos volúmenes horizontales: el
arquitrabe, que en este orden es liso, y el friso dividido en triglifos y metopas.
La cubierta es triangular y se denomina frontón, el interior del frontón se llama
tímpano y se decora con relieves.
• El orden jónico tiene las columnas más delgadas y finamente talladas que
reposan sobra una base y sostienen un capitel con volutas. En este orden el
arquitrabe se divide en tres bandas horizontales denominadas platabandas y el
friso corrido puede ser liso o estar decorado con relieves, también aparece
rematado por el frontón con el tímpano.
• El orden corintio es, en realidad una variación del anterior, con capiteles
decorados con motivos vegetales: hojas de acanto.
El templo griego
El edificio principal de la arquitectura griega es el templo. Está concebido como la
morada impenetrable del dios. En su interior se encuentra la imagen de la divinidad.
Los ritos tienen lugar fuera del edificio. Al templo sólo acceden los sacerdotes que
depositan las ofrendas que recibe la divinidad en la cámara del tesoro, situada en la
parte trasera del templo.
La fachada principal se orientaba hacia el este para que el primer rayo de sol
entrase en el templo e incidiese sobre la figura de la divinidad.
Los primeros templos se construyeron en madera, ladrillo o adobe, generalizándose
después el uso del mármol. Aunque la policromía se ha perdido; las fachadas, sus
elementos decorativos y las esculturas y relieves se pintaban con colores intensos.
Partes de un templo:
Pronaos: vestíbulo o pórtico de entrada
Cella o Naos: Sala principal donde se encontraba la estatua de la divinidad
Opistodomos: Estancia trasera. Hace las veces de pórtico o depósito del tesoro.
Clasificación de los templos atendiendo a su planta
• In Antis: Se compone de una cella alargada con cubierta a dos aguas y un pórtico
(pronaos) con dos columnas entre las prolongaciones de los muros laterales de
la cella (antas).
• Próstilo: Sólo presenta columnas en la fachada principal.Los muros laterales no
se prolongan.
• Anfipróstilo: Sólo presenta columnas en la fachada principal.Los muros laterales
no se prolongan.
• Períptero: Cuando las columnas rodean el templo.
• Díptero: Cuando la columnata rodea a todo el templo en doble fila.
• Tholos: Son templos que tienen planta circular.
Clasificación de los templos según el número de columnas de su fachada
• Dístilo (2)
• Tetrástilo (4)
• Hexástilo (6)
• Octástilo (8)
El teatro
Para los griegos, las celebraciones teatrales no eran un mero entretenimiento sino una
manifestación de sus creencias religiosas.
Partes de un teatro
• Skene: estrado en el que se desarrolla la acción teatral
• Orquesta: zona circular donde actuaba el coro
• Koilón (cávea): semicircular y construido sobre las laderas de las colinas en él se
situaban los asientos de los espectadores.
Uno de los mejores ejemplos conservados de teatro griego es el de Epidauro, que aún
maravilla por su acústica. Tenía capacidad para más de 10.000 espectadores en una
cávea, cuya peculiaridad está en que supera el semicírculo. Cronología y edificios representativos
1. Época Arcaica
El orden más utilizado es el dórico. Son templos de aspecto robusto, sobrio y
columnas gruesas con grandes ábacos y equinos. Templos de Hera y Poseidón en
Paestum del siglo VI a. C.
De la segunda mitad del siglo VI a. C. a la primera mitad del siglo V se extiende una
etapa de transición cuyos ejemplos más representativos son: el Tesoro de los
atenienses en Delfos y el Templo de Hera en Olimpia.
2. Época Clásica
Abarca de la segunda mitad del s. V a. C. a la primera mitad del s. IV a. C. Etapa de
gran esplendor en Atenas gracias a Pericles. Los principales templos se construirán
en La Acrópolis de Atenas: el Partenón, el Templo de Atenea Niké y el Erecteion.
El Partenón
Construido entre los años 447 y 432 a. C.
Es el monumento más importante de la civilización griega antigua y se le
considera una de las más bellas obras arquitectónicas de la humanidad.
Es un templo de estilo dórico octástilo y períptero construido en mármol.
En su construcción se cuidaron todos los detalles para que fuera canon de
armonía y proporción.
Fue mandado construir por Pericles para sustituir al templo que se encontraba
en el mismo emplazamiento y que fue destruido por los persas.
Los arquitectos fueron Ictino y Calícrates, que trabajaron bajo la supervisión
de Fidias, responsable también de la decoración escultórica del templo.
3. Época Helenística
Entre la segunda mitad del siglo IV y el siglo I a.C. Se produce un gran florecimiento
en Asia Menor. Exuberancia por influencia oriental. Preferencia por el capitel
corintio. Aparecen nuevos edificios de apariencia colosal que serán desarrollados
más tarde por los romanos. Perdida del clasicismo en aras de un mayor
barroquismo. El mejor ejemplo arquitectónico de esta época será el Altar de Zeus en
Pérgamo.
3.2. LA ESCULTURA GRIEGA
Características de la escultura griega
La importancia de la escultura griega es capital, ya que será el referente para todo el
desarrollo de la escultura posterior en occidente.
• Motivo predilecto de la representación fue la figura humana (dioses y atletas),
mientras que el mundo animal y vegetal quedaron relegados a un segundo plano.
• Interés por representar un hombre de anatomía perfecta e idealizada.
• Preocupación por representar el cuerpo humano mediante un sistema correcto de
proporciones: canon.
• Material principal fue la piedra (el mármol), pero a partir del siglo V a. C. se
extendió el uso del bronce, mediante la técnica de fundición en hueco.
• La escultura solía estar pintada para dotar de mayor realismo a las figuras. Pero
sus colores se acabaron desprendiendo y durante mucho tiempo se tuvo la falsa
creencia que los griegos preferían el color natural de la piedra a la policromía.
La mayoría de las obras originales se han perdido y hoy podemos tener conocimiento
de ellas a partir de copias romanas de épocas posteriores. Cronología, artistas y obras significativas
1. Periodo arcaico. Siglos VII y VI a. C.
Las principales creaciones serán los kuroi y las korai que mantienen el concepto de
estatua bloque creado en Egipto.
Los kuroi son estatuas votivas de los atletas masculinos triunfadores en los juegos.
Están totalmente desnudos. Sus labios permanecen cerrados, llevan larga cabellera,
dispuesta radialmente y terminando en rizos sobre la frente. En su rostro se percibe
una sonrisa llamada arcaica, que da vida a estas rígidas figuras. Es fácil observar la
derivación de modelos egipcios. Los brazos se pegan al cuerpo y las extremidades
inferiores, aun cuando se dispongan en plan de marcha, tienen las plantas
adheridas al suelo. Observan la ley de la frontalidad, según esta ley el cuerpo queda
dividido en dos mitades simétricas, pero libres en su movimiento.
Las korai, estatuas femeninas, aparecen vestidas, envueltas en una larga y ceñida
túnica (jitón), encima de la cual hay un ancho manto (himation) o un corto chal
(peplo). Estas prendas forman infinidad de pliegues. En el rostro muestran la misma
sonrisa arcaica que los kuroi y el pelo cae en largas trenzas dispuestas en zigzag.
Transición al clasicismo. Primera mitad del siglo V a.C.
Los artistas tratan de dar a sus figuras el movimiento natural de la vida y su
verdadera configuración anatómica. Su obra representa un estilo menos inflexible
que el de las esculturas arcaicas, pero sin la natural movilidad de las obras
típicamente clásicas.
Obras importantes: El auriga de Delfos, Frontón del templo de Zeus en Olimpia
y Los Tiranicidas
2. Época Clásica. Siglos V y IV a. C.
2.1. Siglo V. Época de Pericles
Mirón, Policleto y Fidias son los grandes escultores del clasicismo que persigue dos
objetivos: la perfecta imitación de la naturaleza, especialmente en el tratamiento del
cuerpo humano y una representación idealizada del hombre.
Mirón Cronológicamente fue el primer escultor clásico. Es un broncista. Estudia el
movimiento sin violencia. Su obra más famosa es El Discóbolo. Aunque
maravilló a sus contemporáneos apartándose de la representación de un atleta
en reposo, hay algunas reminiscencias arcaicas: el cabello sin relieve, la
inexpresividad del rostro que no se corresponde con la acción y la frontalidad.
Policleto
Fue un gran teórico de la escultura. El cuerpo humano para él era número y
proporción. Cada una de las partes del cuerpo debía tener unas dimensiones
adecuadas para componer el conjunto armónico e ideal.
Tales teorías están plasmadas en su Doríforo (portador de lanza). Pese a su
aparente naturalismo sus grandes líneas obedecen a trazados geométricos en un
afán de definir abstractamente la figura. También es novedoso el modo de mover
la figura, conforme a la fórmula del contraposto que es la réplica definitiva al
frontalismo.
Realizada años después que El Doríforo, su obra El Diadúmenos Carece de la
dureza de planos del Doríforo y está más movido, pero mantiene las
proporciones que definen el canon de Policleto.
Fidias
Fue la figura máxima de la escultura griega. Nacido en Atenas desde la mitad del
siglo V a. C. se encontraba al frente de los trabajos del Partenón, gozando de la
plena confianza de Pericles.
Su estilo está basado en figuras de actitudes pausadas, expresiones serenas
solemnes. A estas características se une la calidad del modelado de los pliegues
de los ropajes con una técnica conocida como paños mojados.
Su obra más importante es la decoración del Partenón: los frontones, las
metopas y el friso que rodea la cella y las estatua de la diosa Atenea.
El frontón oriental representa el nacimiento de la diosa Atenea y en el frontón
occidental la disputa de Atenea y Poseidón por dominar el Ática.
Las noventa y dos metopas representan principalmente los combates que hubo
que librar el rey Teseo con gigantes, amazonas y centauros para apartarlos de la
ciudad de Atenas.
El tema del friso que rodeaba la cella son las Panateneas, procesión de todo el
pueblo de Atenas hacia el templo de su diosa protectora llevándole toda clase de
ofrendas en el día de su festividad.
También realizó Fidias diversas estatuas de las que sólo tenemos referencias
literarias como la Atenea Lemmia, encargada por los ciudadanos de Lemmos
para colocarla en la Acrópolis de Atenas, la estatua gigante de quince metros de
altura de Palas Atenea que se encontraba en el interior del Partenón realizada
en la técnica criselefantina (oro y marfil) y el Zeus que hiciera para el santuario
de Olimpia.
La influencia de Fidias es perceptible en numerosas figuras de esta época como
los relieves que decoraban la balaustrada del templo de Atenea Niké en la
Acrópolis, hechos ya en las postrimerías el siglo V a. C. El relieve de la Victoria
que se ciñe la sandalia presenta una insuperable maestría en la utilización de la
técnica de los paños mojados usada por Fidias.
2.2. Siglo IV a. C. Periodo Clásico tardío
Tras la derrota de Atenas en la guerra del Peloponeso (404 a. C.) es evidente la crisis
de la polis clásica. Los griegos quedan desencantados de los viejos ideales del siglo V
a. C. En la escultura se refleja un estilo más libre y subjetivo frente a la
idealización del siglo anterior.
Praxíteles
Natural de Atenas, su arte representa la gracia. Realiza sus figuras en mármol o
bronce, componiendo formas blandas, suavizando las líneas con curvas
delicadamente bellas. El claroscuro tiene un papel importante en su arte. El
peinado se hace con grandes mechones, acentuándose el contraste lumínico,
diferenciándose de los peinados planos arcaicos y del siglo V a. C.
Sus obras son figuras de dioses pero sus modelos son hombres y representan
seres humanos. Así por ejemplo, Friné fue para él una amante y modelo para su
máxima creación femenina: la Venus de Cnido.
Sus figuras masculinas tienen un sabor femenino. En ellas gusta Praxíteles de
arquear abiertamente el cuerpo, abriendo larga curva. Así ocurre en el Apolo
Sauróctonos. El dios está apoyado indolentemente contra un árbol y se dispone
a matar a un lagarto.
El modelo masculino más importante de Praxíteles es el Hermes de Olimpia. La
estatua representa una escena en la que Hermes con una expresión afectuosa
ofrece con su brazo ahora mutilado un racimo de uvas, que el niño Dionisos
deseaba coger, indicando sus futuras inclinaciones a la bebida.
Scopas
Original de Paros. Su interés principal parece mostrar los sentimientos humanos
(Pathos) como el amor, la sensualidad, la nostalgia, la inquietud… Tuvo
predilección por las representaciones más trágicas. Este interés aparece
expresado en su Ménade, que se halla poseída del furor dionisiaco; en ella vemos
su tendencia sensual al abrir provocativamente los vestidos. Otra de sus obras
importantes es El Meleagro, en cuyo rostro se ve la expresión trágica
anunciadora de su próxima muerte. Para conseguir este patetismo, Scopas
hunde los ojos y los inclina hacia arriba, entreabre la boca, que se dispone
anhelante y dispone el peinado en mechones abultados y claroscuristas.
Lisipo
El tercer gran maestro del siglo IV a. C., estableció un nuevo canon más
estilizado que el de Policleto consistente en el alargamiento de los miembros y la
reducción de la cabeza, que es una octava parte de toda la altura.
Su obra más representativa es El Apoxiomenos que representa a un atleta
desnudo, con los brazos extendidos hacia adelante, en actitud de quitarse del
cuerpo con el estrígilo el aceite que se había dado para competir.
Sus representaciones son preferentemente masculinas como el Ares
Ludovisi que aparece sentado en una postura de cómodo naturalismo, impropia
de la seriedad de un dios. Su Hércules Farnesio, pese al abultamiento de sus
músculos, es también de proporciones lisípeas.
Otra faceta del arte de Lisipo son sus retratos. Fue el retratista oficial de
Alejandro Magno del que se le atribuyen diversas cabezas.
3. Helenismo. Del siglo III al siglo I a. C.
Tras la muerte de Alejandro Magno la escultura experimentó importantes cambios
que obedecían a transformaciones políticas y sociales y a la búsqueda de nuevas
formas de expresión.
Una vez conseguidos el virtuosismo y la perfección técnica, los artistas se lanzan a
la búsqueda de nuevos temas (cotidianos, extranjeros, grotescos…) y al interés por
representar emociones y estados de ánimo que suponen un alejamiento del
idealismo de la época anterior.
Abundan las esculturas pero por lo general se desconocen su autor y su fecha de
realización. Además de Atenas surgen otros centros artísticos importantes:
La Escuela de Atenas
Es la más tradicional, continúan haciéndose obras de imitación de Scopas,
Praxíteles y Lisipo, como El Pugilista o El Torso de Belvedere. La influencia
clásica también es visible en La Venus de Milos.
La Escuela de Rodas
Destaca por sus obras barrocas llenas de movimiento como la colosal Victoria de
Samotracia, representación alada de la Niké antigua, concebida aquí con
soberbio naturalismo. Se apoya en la proa de un navío, que levanta a la estatua y
la hace más airosa. Los pliegues se ciñen, transparentes, al bellísimo cuerpo,
ondeando por los lados como pabellón marinero.
El grupo de Laocoonte nos recuerda el pathos scopásico. Es una obra del siglo I
a. C. y es toda una síntesis de las tendencias helenísticas. La obra representa el
momento en que dos serpientes se enroscan al cuerpo de Laocoonte y sus hijos
castigados por Poseidón por recelar del caballo de Troya. Por lo tanto el tema de
la obra es la representación del dolor. Es maravillosa la unidad de líneas, la
unidad psicológica y la unidad plástica de esta composición.
La Escuela de Pérgamo.
Pérgamo era la capital de un sólido imperio helenístico en el Asia Menor. Entre
sus obras importantes están las representaciones de Los galos o gálatas, pueblo
bárbaro que intentó invadir el imperio. Pero la gran creación de Pérgamo es El
Altar de Zeus erigido en el siglo II a. C. El tema elegido para decorar el friso del
altar es la gigantomaquia (lucha de los dioses contra los gigantes). La técnica
escultórica revela la influencia de Scopas, en esas caras de mirada visionaria y
boca anhelante.
La Escuela de Alejandría
Situada en Egipto, fue uno de los núcleos fundamentales de este periodo. Allí el
paisaje antropomórfico griego logra una de sus más características
representaciones en el famoso Grupo del Nilo.