VIII FESTIVAL I tradicións, diálogos e raíces tradiciones, diálogos y raíces Semana Santa 2014 11-20 abril Santiago de Compostela www.consorciodesantiago.org www.compostelacapitalcultural.org VIII FESTIVAL I tradicións, diálogos e raíces tradiciones, diálogos y raíces Semana Santa 2014 11-20 abril Santiago de Compostela 4 C con ertos Inauguración: As sete últimas palabras de Cristo na Cruz REAL FILHARMONÍA DE GALICIA / PAUL DOMBRECHT LUGAR_ Auditorio de Galicia I DATA_ venres 11 abril I HORA_ 21.00 O son de Benarés TAPANGROUP LUGAR_ San Domingos de Bonaval I DATA_ sábado 12 abril I HORA_ 19.30 Himno a San Francisco BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA LUGAR_ Igrexa de San Francisco I DATA_ sábado 12 abril I HORA_ 21.00 OperSuite, improvisación libre en 3 actos ALEJANDRO VARGAS / L.A.R. LEGIDO LUGAR_ CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea DATA_ sábado 12 abril I HORA_ 22.00 Stabat Mater, Pergolesi ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO / RESONET LUGAR_ San Paio de Antealtares I DATA_ domingo 13 abril I HORA_ 20.30 Cantatas de Bach REAL FILHARMONÍA DE GALICIA / MAXIMINO ZUMALAVE LUGAR_ San Paio de Antealtares I DATA_ luns 14 abril I HORA_ 21.00 Ladaíñas de Xapón, a meditación entre o silencio e o caos HARUNA TAKEBE LUGAR_ Paraninfo da Universidade. Facultade de Xeografía e Historia DATA_ martes 15 abril I HORA_ 19.30 5 6 e Sonatas do Rosario, Biber LES PLAISIRS DU PARNASSE LUGAR_ Hostal dos Reis Católicos I DATA_ martes 15 abril I HORA_ 21.30 Sonata para clave, modernidade camiño do século XXI LUCIE ŽÁKOVÁ LUGAR_ Igrexa Orde Terceira I DATA_ mércores 16 abril I HORA_ 19.30 Da Coresma á Paixón: mestres da capela da Catedral CORO DE CÁMARA DO ORFEÓN TERRA A NOSA LUGAR_ Santa Clara I DATA_ mércores 16 abril I HORA_ 21.30 La scala dell’amore: a tradición siciliana MATILDE POLITI LUGAR_ San Fiz de Solovio I DATA_ xoves 17 abril I HORA_ 19.30 Recital de órgano a catro mans CARLOS ARTURO GUERRA PARRA / LUCIE ŽÁKOVÁ LUGAR_ Igrexa da Universidade I DATA_ xoves 17 abril I HORA_ 21.30 ntradas Entrada gratuíta previa recollida de invitación * • No despacho de billetes do Teatro Principal (Rúa Nova, 21) de 18.00 a 21.00 h, de martes a sábado (do 26 de marzo ao 10 de abril) • A partir do 11 de abril: 17.00-21.00 h • 1 hora antes do inicio de cada concerto no lugar de celebración do mesmo * agás Auditorio de Galicia: venres 11 abril (12 euros, entradas/novagaliciabanco.es, 902434443) domingo 20 abril (3 euros / abonados-as Auditorio de Galicia, gratis). Despacho de billetes Auditorio de Galicia (o día do concerto, a partir das 18.00 h) * agás Banda Municipal de Música (Igrexa San Francisco, sábado 12 abril): entrada libre ata completar o aforo Invitación válida ata 10 minutos antes do inicio do concerto (a organización resérvase o dereito de utilizar as localidades non ocupadas polo público 10 minutos antes da hora de inicio do concerto) Honkyoku e shakuhachi, 500 anos de tradición zen RODRIGO RODRÍGUEZ LUGAR_ Igrexa Orde Terceira I DATA_ venres 18 abril I HORA_ 19.30 O galeón do Pacífico LINA MARCELA LÓPEZ / MANUEL VILAS LUGAR_ San Fiz de Solovio I DATA_ venres 18 abril I HORA_ 21.30 Poesía sagrada na música de Kabul KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL LUGAR_ Igrexa Orde Terceira I DATA_ sábado 19 abril I HORA_ 20.30 Shostakovich en clave sinfónica ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA / JAMES ROSS LUGAR_ Auditorio de Galicia I DATA_ domingo 20 abril I HORA_ 20.00 Entrada gratuita previa recogida de invitación * • En la taquilla del Teatro Principal (Rúa Nova, 21) de 18.00 a 21.00 h, de martes a sábado (del 26 de marzo al 10 de abril) • A partir del 11 de abril: 17.00-21.00 h • 1 hora antes del inicio de cada concierto en el lugar de celebración del mismo * excepto Auditorio de Galicia: viernes 11 abril (12 euros, entradas/novagaliciabanco.es, 902434443) domingo 20 abril (3 euros / abonados-as Auditorio de Galicia, gratis) Taquilla del Auditorio de Galicia (el día del concierto, a partir de las 18.00 h) * excepto Banda Municipal de Música (Iglesia San Francisco, sábado 12 abril): entrada libre hasta completar el aforo Invitación válida hasta 10 minutos antes del inicio del concierto (la organización se reserva el derecho de utilizar las localidades no ocupadas por el público 10 minutos antes de la hora de inicio del concierto) 7 Como cidade universal que é Santiago de Compostela, un ano máis abrímonos ao mundo coa oitava edición do Festival de Músicas Contemplativas. Durante nove días, e dezaseis concertos, a cidade vólvese converter en epicentro das músicas espiritual, de raíz, sacra... Cada vez son máis os adeptos a este festival, no que tanto o lugar –as nosas igrexas, principalmente– como a variada oferta musical –servida por intérpretes e artistas de calidade contrastada– invitan á contemplación. Música, tradición, arte e cultura únense para que, tanto os visitantes coma os veciños de Compostela, poidamos gozar de boa música ao mesmo tempo que contemplamos o noso rico patrimonio artístico. O Concello de Santiago, a Xunta de Galicia e o Consorcio da cidade apostan unha vez máis pola diversificación cultural para poñer en valor outras culturas ao lado da nosa, xa milenaria. Ángel Currás Fernández Alcalde e presidente do Consorcio de Santiago Como ciudad universal que es Santiago de Compostela, un año más nos abrimos al mundo con la octava edición del Festival de Músicas Contemplativas. Durante nueve días, y dieciséis conciertos, la ciudad se vuelve a convertir en epicentro de las músicas espiritual, de raíz, sacra… Cada vez son más los adeptos a este festival, en el que tanto el lugar –nuestras iglesias, principalmente– como la variada oferta musical –servida por intérpretes y artistas de calidad contrastada– invitan a la contemplación. Música, tradición, arte y cultura se unen para que, tanto los visitantes como los vecinos de Compostela, podamos gozar de buena música al mismo tiempo que contemplamos nuestro rico patrimonio artístico. El Ayuntamiento de Santiago, la Xunta de Galicia y el Consorcio de la ciudad apuestan una vez más por la diversificación cultural para poner en valor otras culturas al lado de la nuestra, ya milenaria. Ángel Currás Fernández Alcalde y presidente del Consorcio de Santiago 9 10 As sete últimas palabras de Cristo na Cruz Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz REAL FILHARMONÍA DE GALICIA PAUL DOMBRECHT_ óboe/director I I LUGAR_ Auditorio de Galicia DATA_ venres 11 abril HORA_ 21.00 Franz Joseph Haydn (1732-1809) Il ritorno di Tobia Hob. XXI: 1 (Apertura) (O regreso de Tobías) Julius Rietz (1812-1877) Concerto para óboe e orquestra, op. 33 Franz Joseph Haydn (1732-1809) Die sieben letzten Worte (As sete últimas palabras de Cristo na cruz) > Introdución. Maestoso ed adagio > Largo. “Pater Dimitte Illis, Quia Nesciunt, Quid Faciunt!” > Grave e cantabile. “Hodie Mecum Eris Paradiso!” > Grave. “Mulier, Ecce filius Tuus!” > Largo. “Deus Meus, Utquid Dereliquisti me?” > Adagio. “Sition!” > Lento. “Consumatum Est!” > Largo. “In Manus Tuas Domine, Commendo Spiritum Meum!” > Il Terremoto. Presto con tutta la forza Aínda que son máis coñecidas A Creación ou As sete últimas palabras de Cristo na cruz, entre os oratorios de Joseph Haydn xa destaca a beleza musical e o impacto dramático do primeiro, Il ritorno di Tobia, composto entre 1774 e 1775 para a Sociedade Tonkünstler de Viena sobre un libreto de Giovanni Gastone Boccherini, escrito en italiano –como era norma da época– que segue a escola do poeta oficial da corte, Pietro Metastasio. Julius Rietz (1812-1877) era un violoncellista recoñecido sobre todo polas súas contribucións como director de orquestra e como editor. Amigo de Mendelssohn, de quen editou as obras completas, sucedeulle como director da Ópera de Düsseldorf e máis tarde na Gewandhaus de Leipzig. Compuxo tres óperas, tres sinfonías, catro concertos e un cuarteto. A relixiosidade de Haydn foi á vez causa e efecto da súa propia música, ao atopar nela, como moitos outros, o camiño que desemboca na arte. Lonxe da magnificencia de composicións que evocan a ampulosidade dun credo que se impón a outros, en canto a manifestación artística se refire, Haydn adereza as súas composicións relixiosas dun misticismo case íntimo, despreocupado de alcanzar grandes evocacións divinas. Boa mostra é a obra concibida como As sete últimas palabras de Cristo na cruz. Por encargo do cóengo de Cádiz, José Sáenz de Santamaría, nacido en Veracruz de pais españois que emigraron á Nova España, Haydn compón unha peza de misticismo evidente, que favorece o acougo espiritual e evoca o seu motivo. Ás palabras de Cristo na cruz, une Haydn unha introdución e unha parte final, o “Terremoto”, creando así un conxunto completo, sen ornamentacións superfluas pero cun fondo carácter. Aunque son más conocidas La Creación o Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, entre los oratorios de Joseph Haydn ya destaca la belleza musical y el impacto dramático del primero, Il ritorno di Tobia, compuesto entre 1774 y 1775 para la Sociedad Tonkünstler de Viena sobre un libreto de Giovanni Gastone Boccherini, escrito en italiano –como era norma de la época–, que sigue la escuela del poeta oficial de la corte, Pietro Metastasio. Julius Rietz (1812-1877) era un violonchelista reconocido sobre todo por sus contribuciones como director de orquesta y como editor. Amigo de Mendelssohn, de quien editó las obras completas, le sucedió como director de la Ópera de Düsseldorf y más tarde en la Gewandhaus de Leipzig. Compuso tres óperas, tres sinfonías, cuatro conciertos y un cuarteto. La religiosidad de Haydn fue a la vez causa y efecto de su propia música, al encontrar en ella, como muchos otros, el camino que desemboca en las artes. Lejos de la magnificencia de composiciones que evocan la ampulosidad de un credo que se impone a otros, en cuanto a la manifestación artística se refiere, Haydn adereza sus composiciones religiosas de un misticismo casi íntimo, despreocupado de alcanzar grandes evocaciones divinas. Buena muestra es la obra concebida como Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz. Por encargo del canónigo de Cádiz, José Sáenz de Santamaría, nacido en Veracruz de padres españoles que emigraron a la Nueva España, Haydn compone una obra de misticismo evidente, que favorece la tranquilidad espiritual y evoca su motivo. A las palabras de Cristo en la cruz, une Haydn una introducción y una parte final, el “Terremoto”, creando así un conjunto completo, sin ornamentaciones superfluas pero con un hondo carácter. 11 12 REAL FILHARMONÍA DE GALICIA REAL FILHARMONÍA DE GALICIA Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, onde presenta a súa temporada estable de concertos. O seu primeiro director titular foi Helmuth Rilling (1996-2000), a quen sucedeu Antoni Ros Marbà (2000-2012). Dende 2013, Paul Daniel é o seu director titular e artístico. O compostelán Maximino Zumalave, vinculado á orquestra dende o seu nacemento, é director asociado, e Christoph König o principal director convidado. Ademais da temporada de concertos en Santiago mantén unha activa presenza no resto de cidades galegas e realizou varias xiras internacionais por Austria, Alemaña, Francia, Brasil, Arxentina e, especialmente, Portugal. Paralelamente, potencia a súa actividade en Santiago cun ciclo de cámara e cos concertos didácticos que dende 1996 organiza co Auditorio de Galicia e polos que pasan máis de 7000 escolares galegos cada ano. En 2009 presentou dous traballos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla e Frederic Mompou e, en 2012, un novo disco dedicado a Ravel. Estreitamente vinculada á RFG está a Escola de Altos Estudos Musicais que imparte o Curso Avanzado de Especialización Orquestral, cos músicos da orquestra como profesores. Forma parte da Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, donde presenta su temporada estable de conciertos. Su primero director titular fue Helmuth Rilling (19962000), a quien sucedió Antoni Ros Marbà (20002012). Desde 2013, Paul Daniel es su director titular y artístico. El compostelano Maximino Zumalave, vinculado a la orquesta desde su nacimiento, es director asociado, y Christoph König el principal director invitado. Además de la temporada de conciertos en Santiago mantiene una activa presencia en el resto de ciudades gallegas y realizó varias giras internacionales por Austria, Alemania, Francia, Brasil, Argentina y, especialmente, Portugal. Paralelamente, potencia su actividad en Santiago con un ciclo de cámara y con los conciertos didácticos que desde 1996 organiza con el Auditorio de Galicia y por los que pasan más de 7000 escolares gallegos cada año. En 2009 presentó dos trabajos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla y Frederic Mompou y, en 2012, un nuevo disco dedicado a Ravel. Estrechamente vinculada a la RFG está la Escuela de Altos Estudios Musicales que imparte el Curso Avanzado de Especialización Orquestal, con los músicos de la orquesta como profesores. Forma parte de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. PAUL DOMBRECHT_ director PAUL DOMBRECHT_ director Oboísta e director de orquestra, é unha autoridade no campo dos instrumentos históricos e a interpretación da música dos s. XVIII e XIX. En 1989 fundou a orquestra Il Fondamento, conxunto centrado na práctica histórica da música do s. XVII e principios do XIX. É tamén o fundador do grupo Octophorus, agrupación que interpreta exclusivamente música para instrumentos de época de vento e bronce. Toca ademais con gran frecuencia con varios grupos de música de cámara. Como director de ópera, xunto con Il Fondamento e outras orquestras, interpretou numerosos títulos de Haendel, Mozart, Traetta, Gluck etc. As súas gravacións máis importantes como solista, director e músico de cámara foron para Seon, Harmonia Mundi, Astrée, Opus 111, Accent, Vanguard Classics ou Passacaille. Dende 2004, Fuga Libera editou varios compactos de grande éxito, con obras de Fasch (Diapason d’Or e moitas outras nominacións), Telemann e a integral da obra vocal-instrumental e orquestral de Arriaga. É profesor no Real Conservatorio de Bruxelas e impartiu clases maxistrais por todo o mundo. Oboísta y director de orquesta, es una autoridad en el campo de los instrumentos históricos y la interpretación de la música de los s. XVIII y XIX. En 1989 fundó la orquesta Il Fondamento, conjunto centrado en la práctica histórica de la música del s. XVII y principios del XIX. Es también el fundador del grupo Octophorus, agrupación que interpreta exclusivamente música para instrumentos de época de viento y bronce. Toca además con gran frecuencia con varios grupos de música de cámara. Como director de ópera, junto con Il Fondamento y otras orquestas, ha interpretado numerosos títulos de Haendel, Mozart, Traetta, Gluck, etc. Sus grabaciones más importantes como solista, director y músico de cámara han sido para Seon, Harmonia Mundi, Astrée, Opus 111, Accent, Vanguard Classics o Passacaille. Desde 2004, Fuga Libera ha editado varios compactos de gran éxito, con obras de Fasch (Diapason d’Or y muchas otras nominaciones), Telemann y la integral de la obra vocal-instrumental y orquestal de J. C. Arriaga. Es profesor en el Real Conservatorio de Bruselas y ha impartido clases magistrales por todo el mundo. 13 14 O son de Benarés La música clásica de la India El sonido de Benarés A música clásica da India TAPANGROUP PANDIT RONU MAJUMDAR_ bansuri TAPAN BHATTACHARYA_ tabla I I LUGAR_ San Domingos de Bonaval DATA_ sábado 12 abril HORA_ 19.30 Raga Jog > Alap-Jhor-Jhala > Ghat rn Roopak (7 tempos) > Drut ghat en Tintal (16 tempos) Pahari Dhum (peza tradicional) Vaishnava Janato Bhajan (himno) favorito de Mahatma Ghandi Ten as súas orixes no Sama Veda, texto do primeiro milenio da nosa era. O concepto central da música india son a Raga (forma melódica) e o Talla (forma rítmica). Cada Raga está baseada nun sentimento (Bhava) e un sabor (Rasa) específicos, identificándose con determinados momentos do día e da noite e con diferentes estados anímicos. A Raga adoita ter dúas fases. A primeira é a ALAP, introdución na que o artista expón ou investiga a estrutura da Raga, á que segue o Jhor (a pulsación) e finalmente o Jhala, momento no que o elemento rítmico supera o melódico. Neste punto comeza a segunda fase ou Gat (composición melódica que define o ciclo rítmico, Talla), na que aparece a percusión e os artistas crean e teñen lugar as máis extraordinarias improvisacións. No aspecto rítmico, a música hindú é sen lugar a dúbidas unha das máis complexas, o seu sistema musical corresponde a unha estrutura fonética, que forma unha linguaxe “falada” entre os instrumentos. A aprendizaxe require longos anos de intenso Shadhana, ou práctica, para conseguir o intricado cor tonal. Existen diversas escolas ou Garanas tradicionais que difiren nas súas formas e estilos. O método de aprendizaxe é herdanza da tradición védica. Non se aprende dos libros senón dun gurú (mestre) e o forte vínculo entre mestre e discípulo considérase esencial para a continuación da tradición musical. Admiración, respecto e devoción mantivéronse sen cambios ao longo dos séculos. Tiene sus orígenes en el Sama Veda, texto del primer milenio de nuestra era. El concepto central de la música india son la Raga (forma melódica) y el Tala (forma rítmica). Cada Raga está basada en un sentimiento (Bhava) y un sabor (Rasa) específicos, identificándose con determinados momentos del día y de la noche y con diferentes estados anímicos. La Raga suele tener dos fases. La primera es la ALAP, introducción en la que el artista expone o investiga la estructura de la Raga, a la que sigue el Jhor (la pulsación) y finalmente el Jhala, momento en el que el elemento rítmico supera al melódico. En este punto comienza la segunda fase o Gat (composición melódica que define el ciclo rítmico, Tala), en la que aparece la percusión y los artistas crean y tienen lugar las más extraordinarias improvisaciones. En el aspecto rítmico, la música hindú es sin lugar a dudas una de las más complejas, su sistema musical corresponde a una estructura fonética, que forma un lenguaje “hablado” entre los instrumentos. El aprendizaje requiere largos años de intenso Shadhana, o práctica, para conseguir el intricado color tonal. Existen diversas escuelas o Garanas tradicionales que difieren en sus formas y estilos. El método de aprendizaje es herencia de la tradición védica. No se aprende de los libros sino de un gurú (maestro) y el fuerte vínculo entre maestro y discípulo se considera esencial para la continuación de la tradición musical. Admiración, respeto y devoción se han mantenido sin cambios a lo largo de los siglos. 15 16 PANDIT RONY MAJUMDAR_ bansuri (frauta de bambú) Consumado instrumentista a nivel internacional, recibiu unha nominación ao Grammy polo seu traballo no álbum Tabula Rasa con Bela Fleck. Colaborou con artistas do talle de Pt. Ravi Shankar (en álbums como Pasaxes e Cantos da India), co virtuoso tablista Zakir Hussain, cos grandes mestres da música clásica de India Pt. Bhimsen Joshi, Pt. Jasraj e Kishori Amonkar, co exBeatle George Harrison, Philip Glass, Ray Cooder, Robbie Williams, Michael Stipe (REM) e un longo etc. Ten composto innumerables pezas para diversos proxectos como Carryng Hope (Music Today), Traveller’s Tale, Song of Nature (MagnaSound), Koi Akela Kahan (Plus Music), Raag Rang (producida pola Doordarshan TV) etc. Ten composto e interpretado fragmentos da banda sonora da película de Hollywood Primary Colours. En 1999 foille outorgado o prestixioso premio Birla Vikram Aditya, pola súa dedicación á música. PANDIT RONY MAJUMDAR_ bansuri (flauta de bambú) Consumado instrumentista a nivel internacional, recibió una nominación al Grammy por su trabajo en el álbum Tabula Rasa con Bela Fleck. Ha colaborado con artistas de la talla de Pt. Ravi Shankar (en álbumes como Pasajes y Chants of India), con el virtuoso tablista Zakir Hussain, con los grandes maestros de la música clásica de India Pt. Bhimsen Joshi, Pt. Jasraj y Kishori Amonkar, con el exBeatle George Harrison, Philip Glass, Ray Cooder, Robbie Williams, Michael Stipe (REM) y un largo etc. Ha compuesto innumerables piezas para diversos proyectos como Carryng Hope (Music Today), Traveller’s Tale, Song of Nature (MagnaSound), Koi Akela Kahan (Plus Music), Raag Rang (producida por la Doordarshan TV) etc. Ha compuesto e interpretado fragmentos de la banda sonora de la película de Hollywood Primary Colours. En 1999 le fue otorgado el prestigioso premio Birla Vikram Aditya, por su dedicación a la música. TAPAN BHATTACHARYA_ tabla Artista de recoñecido prestixio, conta con máis de 30 anos de experiencia profesional que lle levaron a actuar en teatros, salas e festivais de prestixio entre as que destacan o Auditori de Barcelona, Festival Grec, Festival de Jazz de Donostia, Festival Etnimálaga, Festival de Música Antiga Santa María del Mar, Festival Mare Nostrum (Valencia), Festival Músicas do Mundo de Navarra, Worl Music Festival de Bruxelas, Festival de Almada (Lisboa), Expo 2000 Hannover e Gelnhausen Theatre Hall (Alemaña), Principado de Mónaco Packer Auditórium, Bethlehem (Filadelfia) etc. Afincado en España dende 1990, é o principal responsable da difusión da música clásica india neste país, invitando ás súas actuacións a artistas de renome e novos talentos. Recentemente formou o grupo de fusión Om Tara Project, co que presentou o seu primeiro álbum, Indojazz, no que mostra a retroalimentación que tiveron o jazz e a música india ao longo da súa historia. TAPAN BHATTACHARYA_ tabla Artista de reconocido prestigio, cuenta con más de 30 años de experiencia profesional que le han llevado a actuar en teatros, salas y festivales de prestigio entre las que destacan el Auditori de Barcelona, Festival Grec, Festival de Jazz de Donostia, Festival Etnimálaga, Festival de Música Antigua Santa María del Mar, Festival Mare Nostrum (Valencia), Festival Músicas del Mundo de Navarra, Worl Music Festival de Bruselas, Festival de Almada (Lisboa), Expo 2000 Hannover y Gelnhausen Theatre Hall (Alemania), Principado de Mónaco Packer Auditórium, Bethlehem (Filadelfia) etc. Afincado en España desde 1990, es el principal responsable de la difusión de la música clásica india en este país, invitando a sus actuaciones a artistas de renombre y nuevos talentos. Recientemente ha formado el grupo de fusión Om Tara Project, con el que ha presentado su primer album, Indojazz, en el que muestra la retroalimentación que han tenido el jazz y la música india a lo largo de su historia. 17 18 Himno a San Francisco BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA JUAN MIGUEL ROMERO_ director DAVID A. MACEIRAS_ órgano I I LUGAR_ Igrexa de San Francisco DATA_ sábado 12 abril HORA_ 21.00 Johann Sebastian Bach (1685-1750) / Alfred Reed (1921-2005) Cantata “Wachet auf, ruft uns die Stimme”, BWV 140 (Despertade, chámanos a voz) Jan van der Roost (n. 1956) Canterbury Chorale Tomaso Albinoni (1671-1751) Adagio Johann Sebastian Bach (1685-1750) / Alfred Reed (1921-2005) Cantata “Herz und Mund und Tat und Leben”, BWV 147 (Corazón e boca, e actos, e vida) Charles Gounod (1818-1893) Judex, de Mors et Vita Camille Saint Säens (1835-1921) Sinfonía núm. 3 “Órgano” (2º movemento) Georg Friedrich Haendel (1685-1759) Ombra mai fu (Largo), da ópera Xerxes Ramón García i Soler (1905-1996) Iesus Nazarenus (marcha de procesión) Javier Pérez Garrido (1985) Santiago Apostol (marcha de procesión) Ignacio Busca de Sagastizábal (1868-1950) Himno a San Francisco * * estrea da adaptación para banda As iconas relixiosas, así como a temática sacra, foron sempre fonte de inspiración para os máis ilustres compositores, que dedicaron inxentes obras ao longo da historia a este xénero musical. Este concerto pretende mostrar unha visión diferente, con adaptacións destas obras e composicións orixinais para banda de música. De dúas cantatas de Bach adaptadas polo especialista en orquestra de ventos Alfred Reed, do oratorio Mors et vita de Gounod e da ópera Xerxes de Haendel, escoitaremos as súas páxinas máis coñecidas. Xunto ao célebre Adagio de Albinoni ou un fragmento do segundo movemento da Sinfonía núm. 3 “Órgano” de Saint-Saëns (interpretada coa colaboración do organista da igrexa de San Francisco, David A. Maceira), poderanse escoitar algúns exemplos dun xénero patrimonial das bandas de música en Semana Santa: as marchas procesionais (unha delas baseada no Himno ao Apóstolo). Como colofón do concerto estrease a adaptación para banda e órgano do Himno a San Francisco de Ignacio Busca de Sagastizábal, unha conmemoración do 800º Aniversario da peregrinación de san Francisco de Asís a Santiago de Compostela. Los iconos religiosos, así como la temática sacra, han sido siempre fuente de inspiración para los más ilustres compositores, que han dedicado ingentes obras a lo largo de la historia a este género musical. Este concierto pretende mostrar una visión diferente, con adaptaciones de estas obras y composiciones originales para banda de música. De dos cantatas de Bach adaptadas por el especialista en orquesta de vientos Alfred Reed, del oratorio Mors et vita de Gounod y de la ópera Xerxes de Haendel, escucharemos sus páginas más conocidas. Junto al célebre Adagio de Albinoni o un fragmento del segundo movimiento de la Sinfonía núm. 3 “Órgano” de Saint-Saëns (interpretada con la colaboración del organista de la iglesia de San Francisco, David A. Maceira), se podrán escuchar algunos ejemplos de un género patrimonial de las bandas de música en Semana Santa: las marchas procesionales (una de ellas basada en el Himno al Apóstol). Como colofón del concierto se estrena la adaptación para banda y órgano del Himno a San Francisco de Ignacio Busca de Sagastizábal, una conmemoración del 800º Aniversario de la peregrinación de san Francisco de Asís a Santiago de Compostela. 19 20 BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA DE SANTIAGO É unha das máis antigas de Galicia (1849). Durante os primeiros anos foi unha agrupación de afeccionados, ata que en 1876 o Concello decide facerse cargo dela e comeza a profesionalizarse. Na actualidade realiza os seus concertos no Teatro Principal e na Rúa do Vilar, praza da Quintana, Alameda e outros lugares e barrios da cidade na temporada de verán. A súa actividade baséase fundamentalmente nos concertos dominicais ao longo de todo o ano, concertos de verán xoves e domingos, concertos didácticos en período lectivo nos que participan centos de escolares de Santiago e bisbarra, intercambios e actos culturais e protocolarios. BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA DE SANTIAGO Es una de las más antiguas de Galicia (1849). Durante los primeros años fue una agrupación de aficionados, hasta que en 1876 el Ayuntamiento decide hacerse cargo de ella y comienza la profesionalizarse. En la actualidad realiza sus conciertos en el Teatro Principal y en la Calle de la Aldea, plaza de la Quintana, Alameda y otros lugares y barrios de la ciudad en la temporada de verano. Su actividad se basa fundamentalmente en los conciertos dominicales a lo largo de todo el año, conciertos de verano los jueves y domingos, conciertos didácticos en período lectivo en los que participan cientos de escolares de Santiago y comarca, intercambios y actos culturales y protocolarios. JUAN MIGUEL ROMERO LLOPIS_ director Natural de Monforte del Cid (Alacante), graduado en Clarinete e Dirección de Orquestra con Matrícula de Honra en ambas as especialidades, paralelamente diplómase en educación musical pola Universidade de Alacante. Amplía os seus estudos musicais de dirección de orquestra con profesores como Francesc Cabrelles, Manuel Hernández Silva, E. García Asensio, G. Pehlivanian, Jan Cober, E. Corporon, F. Liss ou J. A. Espinosa entre outros. JUAN MIGUEL ROMERO LLOPIS_ director Natural de Monforte del Cid (Alicante), graduado en Clarinete y Dirección de Orquesta con Matrícula de Honor en ambas especialidades, paralelamente se diploma en educación musical por la Universidad de Alicante. Amplía sus estudios musicales de dirección de orquesta con profesores como Francesc Cabrelles, Manuel Hernández Silva, E. García Asensio, G. Pehlivanian, Jan Cober, E. Corporon, F. Liss o J. L. A. Espinosa entre otros. 21 22 OperSuite, improvisación libre en 3 actos ALEJANDRO VARGAS_ piano L.A.R. LEGIDO_ batería e obxectos sonoros LUGAR_ CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea I DATA_ sábado 12 abril HORA_ 22.00 OperSuite O dúo de improvisación libre formado por Alejandro Vargas (piano) e L.A.R. Legido (batería e obxectos sonoros) aborda diferentes temáticas do free jazz e da música clásica e contemporánea aproveitando ao máximo todas as posibilidades do son. L.A.R. Legido e Alejandro Vargas desenvolveron esta linguaxe a través da performance creando música para ver e escoitar, chea de cores, e somerxendo o público en novos mundos acústicos utilizando como principais ferramentas a transformación do espazo sonoro, a elasticidade das formas e a fantasía. O seu primeiro compactodvd a dúo titúlase OperSuite, obra dividida en 3 actos baseada no estilo musical da improvisación libre e cunha absoluta conciencia de liberdade e beleza. OperSuite El dúo de improvisación libre formado por Alejandro Vargas (piano) y L.A.R. Legido (batería y objetos sonoros) aborda diferentes temáticas del free jazz y de la música clásica y contemporánea aprovechando al máximo todas las posibilidades del sonido. L.A.R. Legido y Alejandro Vargas han desarrollado este lenguaje a través de la performance creando música para ver y escuchar, llena de colores, y sumergiendo al público en nuevos mundos acústicos utilizando como principales herramientas la transformación del espacio sonoro, la elasticidad de las formas y la fantasía. Su primer compactodvd a dúo se titula OperSuite, obra dividida en 3 actos basada en el estilo musical de la improvisación libre y con una absoluta conciencia de libertad y belleza. 23 24 L.A.R. LEGIDO_ batería e obxectos sonoros ALEJANDRO VARGAS_ piano Pianista e compositor nacido en Holguín (Cuba) en 1980, graduouse no Instituto Superior de Arte da Habana. Dende moi temperá idade recibe clases de composición de Joel Rodríguez Milord, posteriormente estuda con Ulises Hernández (clásica) e Harold Gramatges (contemporánea). Formou o seu primeiro trío de jazz en 2001. O seu disco Trapiche será o mellor disco de jazz do 2008 no certame Cubadisco. En 2003 crea a súa agrupación musical Alejandro Vargas e Oriental Quartet, coa que comeza a realizar xiras internacionais e gravou o compacto Vir ao mundo (mellor disco de jazz de Cubadisco 2009). Co seu New Trío gravou o disco Oceanía en 2010. Participou en festivais de jazz de Ecuador, Brasil, España, Noruega, Portugal, Cuba, Trindade e Tobago, Suíza etc. E con agrupacións como Irakere, Pupy y los que son Son, Chucho Valdés, o saxofonista Donald Harrison, o trombonista Steve Turre, José Luis Gutiérrez ou as cantantes Ugia Pedreira e Lucrecia. Traballa como compositor adxunto na Escola Internacional de Cine de San Antonio de los Baños e desenvolve un intenso traballo sobre a improvisación libre e o free jazz e ofrece clases maxistrais en diversos foros. ALEJANDRO VARGAS_ piano Pianista y compositor nacido en Holguín (Cuba) en 1980, se graduó en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Desde muy temprana edad recibe clases de composición de Joel Rodríguez Milord, posteriormente estudia con Ulises Hernández(clásica) y Harold Gramatges (contemporánea). Formó su primer trío de jazz en 2001. Su disco Trapiche será el mejor disco de jazz del 2008 en el certamen Cubadisco. En 2003 crea su agrupación musical Alejandro Vargas y Oriental Quartet, con la que comienza a realizar giras internacionales y grabó el compacto Venir al mundo (mejor disco de jazz de Cubadisco 2009). Con su New Trío grabó el disco Oceanía en 2010. Ha participado en festivales de jazz de Ecuador, Brasil, España, Noruega, Portugal, Cuba, Trinidad y Tobago, Suiza, etc. Y con agrupaciones como Irakere, Pupy y los que son Son, Chucho Valdés, el saxofonista Donald Harrison, el trombonista Steve Turre, José Luis Gutiérrez o las cantantes Ugia Pedreira y Lucrecia. Trabaja como compositor adjunto en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños y desarrolla un intenso trabajo sobre la improvisación libre y el free jazz y ofrece clases magistrales en diversos foros. Nacido en 1975 en Castromonte (Valladolid), fórmase no Centro de Encuentro para el Desarrollo de la Improvisación de Madrid. Amplía a súa formación en improvisación, música contemporánea e electroacústica con Eddie Prevost, Norbert Moslang, Andy Guhl, John Butcher, Vanessa MacKness, Tim Hodkinson, Barry Harris, Cuncha Xerez, José Iges, Gabriel Brnic ou Peter Kowald e na Berkelee College of Music de Boston. Colaborou con numerosos grupos e artistas e ten actuado en festivais de Europa, América e África. Realizou un gran número de gravacións: Orquestra FOCO, S.E.M Big Band, Maruxa e Trío, Terela Grandin Quartet, Abe Rábade Trío, Marcos Teira Cuarteto, Pin.Cirera.Legido.Martínez, Athanasopoulos, Mercedes Peón, Budiño, Marful, Z1C0 etc. Forma parte de Sumrrá, Iria Peña Trío, José Luis Gutiérrez Quartet - IberJazz, Lupercal, 2 M 12 ou o dúo de improvisación libre xunto ao pianista cubano Alejandro Vargas (co que recibiu o Premio Especial CubaDisco 2013 pola gravación Miniaturas de Eugenio Granell). Entre as súas obras encóntranse un Concerto-performance para tractor e batería (encargo do Festival Internacional de Percusión 2012) e a ópera-free de peto La bambola malata. É profesor de batería, expresión rítmica e improvisación e impartiu clases maxistrais en conservatorios, festivais e cursos de percusión e improvisación. L.A.R. LEGIDO_ batería y objetos sonoros Nacido en 1975 en Castromonte (Valladolid), se forma en el Centro de Encuentro para el Desarrollo de la Improvisación de Madrid. Amplía su formación en improvisación, música contemporánea y electroacústica con Eddie Prevost, Norbert Moslang, Andy Guhl, John Butcher, Vanessa MacKness, Tim Hodkinson, Barry Harris, Concha Jerez, José Iges, Gabriel Brnic o Peter Kowald y en la Berkelee College of Music de Boston. Ha colaborado con numerosos grupos y artistas y actuado en festivales de Europa, América y África y realizó un gran número de grabaciones: Orquesta FOCO, S.E.M Big Band, Maruxa y Trío, Terela Grandin Quartet, Abe Rábade Trío, Marcos Teira Cuarteto, Pin.Cirera.Legido.Martínez, Athanasopoulos, Mercedes Peón, Budiño, Marful, Z1C0, etc. Forma parte de Sumrrá, Iria Peña Trío, José Luis Gutiérrez Quartet - IberJazz, Lupercal, 2M12 o el dúo de improvisación libre junto al pianista cubano Alejandro Vargas (con quien recibio Premio Especial CubaDisco 2013 por la grabación Miniaturas de Eugenio Granell). Entre sus obras se encuentran Concierto-performance para tractor y batería (encargo del Festival Internacional de Percusión 2012) y la ópera-free de bolsillo La bambola malata. Es profesor de batería, expresión rítmica e improvisación y ha impartido clases magistrales en conservatorios, festivales y cursos de percusión e improvisación. 25 26 Pergolesi e o Stabat Mater máis famoso Stabat Mater, Pergolesi ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO “ÁNGELES DE COMPOSTELA” RESONET MERCEDES HERNÁNDEZ_ soprano MARÍA ALTADILL_ mezzosoprano MATEO IGLESIAS_ órgano FERNANDO REYES_ arquilaúde e tiorba JOSÉ LUIS VÁZQUEZ / FERNANDO REYES_ dirección I I LUGAR_ San Paio de Antealtares DATA_ domingo 13 abril HORA_ 20.30 Domenico Mazzocchi (1592-1665) Piangete, occhi, piangete (de Musiche Sacre e Morali, Roma 1640) Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) Stabat Mater (Nápoles 1736) > Stabat Mater Dolorosa. Grave (dúo) > Cujus animam gementem. Andante amoroso (aria soprano) > O quam tristis et afflicta. Larghetto (dúo) > Quae moerebat et dolebat. Allegro (aria alto) > Quis est homo. Largo (dúo) - Pro peccatis suae gentis. Allegro > Vidit suum dulcem natum. Tempo giusto (aria soprano) > Eja mater fons amoris. Andantino (aria alto) > Fac ut ardeat cor meum. Allegro (dúo) > Sancta mater, istud agas. Tempo giusto (dúo) > Fac ut portem Christi mortem. Largo (aria alto) > Inflammatus et accensus. Allegro ma non troppo (dúo) > Quando corpus morietur. Largo assai (dúo) - Amen. Presto assai Giovanni Battista Pergolesi tiña 26 anos cando compuxo a súa derradeira obra. Con ela pasará definitivamente a ser considerado un dos grandes mestres da composición da historia. Nos seus poucos anos de vida tivo tempo, oficio, xenialidade e fortuna para compoñer óperas, pezas músicoteatrais, obras instrumentais e obras de carácter relixioso de moi alto nivel artístico. O Stabat Mater é unha das poucas obras da época barroca que foron interpretadas ininterrompidamente dende a sua primeira representación ata a actualidade. Algúns compositores de fama fixeron versións e orquestraciónsquebasicamente“enriquecían” instrumentalmente e harmonicamente unha obra xa en si completa na partitura orixinal. A versión presentada non é estrictamente nova. Xa nunha das máis famosas escenas do filme Amadeus escoitabamos un precioso fragmento desta obra interpretado por un coro de nenos acompañado por un órgano. A escritura do acompañamento instrumental das partes principais leva implícita, como case toda obra barroca, a influencia dos instrumentos de corda pulsada do momento. Tiorba ou arquilaúde, eran os instrumentos esenciais no que respectaba ao acompañamento das voces, das emocións, na creación de dinámicas e cores instrumentais, e por suposto no apoio da retórica e do discurso musical. Curiosamente estes instrumentos, tiorba e/ou arquilaúde, tan incuestionábeis para o novo mestre e todos os seus colegas e mesmo para o seu público, que nin siquera era necesario facelo constar na partitura, estan aínda nos nosos días maioritariamente ausentes de versións de referencia. Órgano e arquilaúde acompañan ás voces nesta primeira colaboración de Resonet coa Escolanía da Catedral de Santiago, nunha versión que non ten nada de orixinal, pero moito de infrecuente. [Fernando Reyes] Pergolesi y el Stabat Mater más famoso Giovanni Battista Pergolesi tenía 26 años cuando compuso su última obra. Con ella pasará definitivamente a ser considerado uno de los grandes maestros de la composición de la historia. En sus pocos años de vida tuvo tiempo, oficio, genialidad y fortuna para componer óperas, piezas músico-teatrales, obras instrumentales y obras de carácter religioso de muy alto nivel artístico. El Stabat Mater es una de las pocas obras de la época barroca que fueron interpretadas ininterrumpidamente desde la sua primera representación hasta la actualidad. Algunos compositores de fama hicieron versiones y orquestaciones que básicamente “enriquecían” instrumentalmente y armónicamente una obra ya en sí completa en la partitura original. La versión presentada no es estrictamente nueva. Ya en una de las más famosas escenas del film Amadeus escuchábamos un precioso fragmento de esta obra interpretado por un coro de niños acompañado por un órgano. La escritura del acompañamiento instrumental de las partes principales lleva implícita, como casi toda obra barroca, la influencia de los instrumentos de cuerda pulsada del momento. Tiorba o archilaúd, eran los instrumentos esenciales en lo que respecta al acompañamiento de las voces de las emociones, en la creación de dinámicas y colores instrumentales, y por supuesto en el apoyo de la retórica y del discurso musical. Curiosamente estos instrumentos, tiorba y/o archilaúd, tan incuestionables para el nuevo maestro y todos sus colegas e incluso para su público, que ni siqueira era necesario hacerlo constar en la partitura, estan aun en nuestros días mayoritariamente ausentes de versiones de referencia. Órgano y archilaúd acompañan a las voces en esta primera colaboración de Resonet con la Escolanía de la Catedral de Santiago, en una versión que no tiene nada de original, pero mucho de infrecuente. [Fernando Reyes] 27 28 ESCOLANÍA DA CATEDRAL DE SANTIAGO “ÁNGELES DE COMPOSTELA” A Escolanía da S.A.M.I. Catedral de Santiago, “Ángeles de Compostela”, refundada no ano 2008, é un dos coros con máis historia de Santiago de Compostela. Dende esa data, a Escolanía, á parte das súas actuacións regulares en actos litúrxicos dentro da Catedral, actuou en acontecementos tan relevantes como a visita do Papa (S.S. Benedicto XVI) coa Real Filharmonía de Galicia dirixidos por Maximino Zumalave, o II Festival Internacional “Peregrinos Musicais” organizado pola Fundación Internacional Vladimir Spivakov en España e en diversos lugares de Galicia. Tamén actuou conxuntamente con coros tan destacados como os Nenos Cantores da Sinfónica de Galicia. No pasado mes de abril, acaba de gravar o seu primeiro disco no que se reflicte o traballo realizado neste período. O Coro, está integrado por uns 25 nenos e nenas de idades comprendidas entre os 8 e os 16 anos, pretende ser un verdadeiro centro de canto coral e lugar de formación tanto musical como de novas voces. ESCOLANÍA DE LA CATEDRAL DE SANTIAGO “ÁNGELES DE COMPOSTELA” La Escolanía de la S.A.M.I. Catedral de Santiago, “Ángeles de Compostela”, refundada en el año 2008, es uno de los coros con más historia de Santiago de Compostela. Desde esa fecha, la Escolanía, aparte de sus actuaciones regulares en actos litúrgicos dentro de la Catedral, actuó en acontecimientos tan relevantes como la visita del Papa (S.S. Benedicto XVI) con la Real Filharmonía de Galicia dirigidos por Maximino Zumalave, el II Festival Internacional “Peregrinos Musicales” organizado por la Fundación Internacional Vladimir Spivakov en España y en diversos lugares de Galicia. También actuó conjuntamente con coros tan destacados como los Niños Cantores de la Sinfónica de Galicia. En el pasado mes de abril, acaba de grabar su primer disco en el que se refleja el trabajo realizado en este período. El Coro, que en la actualidad está integrado por unos 25 niños y niñas de edades comprendidas entre los 8 y los 16 años, y dirigido desde su refundación por José Luis Vázquez, pretende ser un verdadero centro de canto coral y lugar de formación tanto musical como de nuevas voces. JOSÉ LUIS VÁZQUEZ_ director O seu contacto coa música comeza en 1977 como membro do Orfeón Terra A Nosa de Santiago de Compostela. Cursou estudos de canto coa soprano Ana Higueras, Félix Lavilla e Fernando Turina e en 1990 ingresou no Collegium Compostelanum (dirixido por Maximino Zumalave). Ofreceu concertos como solista co Coro Universitario de Santiago, co Collegium Compostelanum e coa Sinfónica de Galicia. Director dos Nenos Cantores da Sinfónica de Galicia dende a súa fundación en 1999, está estreitamente vinculado ao Coro da Orquestra Sinfónica de Galicia, ao que pertence dende a súa creación. Ademais foi director do Coro do Festival Mozart 1999. JOSÉ LUIS VÁZQUEZ_ director Su contacto con la música comienza en 1977 como miembro del Orfeón Terra A Nosa de Santiago de Compostela. Cursó estudios de canto con la soprano Ana Higueras, Félix Lavilla y Fernando Turina y en 1990 ingresó en el Collegium Compostelanum (dirigido por Maximino Zumalave). Ha ofrecido concertos como solista con el Coro Universitario de Santiago, con el Collegium Compostelanum y con la Sinfónica de Galicia. Director de los Niños Cantores de la Sinfónica de Galicia desde su fundación en 1999, está estrechamente vinculado al Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia, al que pertenece desde su creación. Además fue director del Coro del Festival Mozart 1999. 29 30 MATEO IGLESIAS_ órgano Comeza con 8 anos os seus estudos de piano no Conservatorio Histórico de Santiago, finalizándoos en 2010. Participou en numerosos concursos e resultou gañador dos premios honoríficos David Russell en 2008. Dende 2011 estuda dirección e composición no Conservatorio Superior do Principado de Asturias, ademais de asistir regularmente a cursos con mestres como Enrique García Asensio, Cristóbal Soler ou Johan Duijck. Actualmente é director do coro de cámara Si Vis Me Canere e pianista acompañante da Escolanía da Catedral de Santiago. MATEO IGLESIAS_ órgano Comienza con 8 años sus estudios de piano en el Conservatorio Histórico de Santiago, finalizándolos en 2010. Participó en numerosos concursos y resultó ganador de los premios honoríficos David Russell en 2008. Desde 2011 estudia dirección y composición en el Conservatorio Superior del Principado de Asturias, además de asistir regularmente a cursos con maestros como Enrique García Asensio, Cristóbal Soler o Johan Duijck. Actualmente es director del coro de cámara Si Vis Me Canere y pianista acompañante de la Escolanía de la Catedral de Santiago. RESONET FERNANDO REYES_ director Iniciou a súa formación musical como neno cantor na Escolanía da Catedral de Santiago de Compostela e especializouse nos instrumentos antigos de corda pulsada no Conservatorio de Toulouse (Francia) e na Staatliche Hochschule für Musik de Trossingen (Alemaña). Fundou e dirixe Resonet. Como instrumentista ten ofrecido unha intensa actividade de concertos e gravacións, tanto como solista como acompañante, por toda Europa. Alén diso, compuxo e dirixiu a música de diversas obras teatrais e publicou varios artigos sobre música antiga, guías musicais e libros-cd. Impartiu numerosos seminarios, cursos e conferencias en diferentes universidades e centros de ensino europeos. FERNANDO REYES_ director Inició su formación musical como niño cantor en la Escolanía de la Catedral de Santiago de Compostela y se especializó en los instrumentos antiguos de cuerda pulsada en el Conservatorio de Toulouse (Francia) y en la Staatliche Hochschule für Musik de Trossingen (Alemaña). Fundó y dirige Resonet. Como instrumentista ha ofrecido una intensa actividad de conciertos y grabaciones, tanto como solista cómo acompañante, por toda Europa. Además de eso, compuso y dirigió la música de diversas obras teatrales y publicó varios artículos sobre música antigua, guías musicales y libros-cd. Impartió numerosos seminarios, cursos y conferencias en diferentes universidades y centros de enseñanza europeos. Formouse en 1990 en Santiago de Compostela, baixo o impulso do laudista Fernando Reyes, quen dirixe o grupo, e a soprano Mercedes Hernández, tomando o seu nome dunha peza do Códice Calixtino. Os seus compoñentes están especializados na interpretación da música antiga nos máis recoñecidos centros de formación de Europa. Ofreceu numerosos concertos en prestixiosos festivais e auditorios de toda Europa, e dedica grande atención á música relacionada con Galicia e co Camiño de Santiago. Gravou os compactos La Grande Chanson: cancións dos peregrinos de Francia, s. XVII; Santiago!: música e peregrinacións no Renacemento; Les Pellerines: a moda da peregrinación en Francia, s. XVII; Il Pellegrino: a viaxe de Cosme III de Medici, 1668, Canto de nadal; Cantares GalegosRosalía de Castro; Canto de Ultreia: Codex Calixtinus - Cantos de peregrinos: Músicas para as festas de Santiago, s. XII; Festa Dies, músicas para a consagración da Catedral de Santiago, 1211 e A Peregrina, cantos e romances nos camiños de Santiago. RESONET Formado en 1990 en Santiago de Compostela, bajo el impulso del laudista Fernando Reyes, quien dirige el grupo, y la soprano Mercedes Hernández, toma su nombre de una pieza del Códice Calixtino. Sus componentes están especializados en la interpretación de la música antigua en los más reconocidos centros de formación de Europa. Ofreció numerosos conciertos en prestigiosos festivales y auditorios de toda Europa, y dedica gran atención a la música relacionada con Galicia y con el Camino de Santiago. Grabó los compactos Grande Chanson: canciones de los peregrinos de Francia, s. XVII; Santiago!: música y peregrinaciones en el Renacimiento; Lees Pellerines: la moda de la peregrinación en Francia, s. XVII; Il Pellegrino: el viaje de Cosme III de Medici, 1668, Canto de navidad; Cantares Gallegos-Rosalía de Castro; Canto de Ultreia: Codex Calixtinus - Cantos de peregrinos: Músicas para las fiestas de Santiago, s. XII; Fiesta Dies, músicas para la consagración de la Catedral de Santiago, 1211 y La Peregrina, cantos y romances en los caminos de Santiago. 31 32 MERCEDES HERNÁNDEZ_ soprano Naceu en Santiago de Compostela e estudou canto, especializándose en música antiga, no Conservatorio de Toulouse (Francia), na Musikhochschule de Trossingen (Alemaña) e na Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suíza) con profesores como Guillemette Laurens, Richard Levitt e Montserrat Figueras. Colabora en concertos e gravacións con destacados grupos como La Capella Reial de Catalunya (Jordi Savall), Le Parlement de Musique, (Martin Gester), Ensemble Elyma (Gabriel Garrido), The Harp Consort (Andrew Lawrence King), La Fenice (Jean Tubery) etc., tendo actuado en moitos dos principais auditorios e festivais de Europa e América. En 2002 debutou no Liceo de Barcelona na ópera de Claudio Monteverdi L’Orfeo dirixida por Jordi Savall. MERCEDES HERNÁNDEZ_ soprano Nació en Santiago de Compostela y estudió canto, especializándose en música antigua, en el Conservatorio de Toulouse (Francia), en la Musikhochschule de Trossingen (Alemania) y en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suiza) con profesores como Guillemette Laurens, Richard Levitt y Montserrat Figueras. Colabora en conciertos y grabaciones con destacados grupos como La Capella Reial de Catalunya (Jordi Savall), Le Parlement de Musique, (Martin Gester), Ensemble Elyma (Gabriel Garrido), The Harp Consort (Andrew Lawrence King), La Fenice (Jean Tubery) etc., habiendo actuado en muchos de los principales auditorios y festivales de Europa y América. En 2002 debutó en el Liceo de Barcelona en la ópera de Claudio Monteverdi L’Orfeo dirigida por Jordi Savall. MARÍA ALTADILL_ mezzosoprano Cursou estudos profesionais de canto na súa Tarragona natal e ingresa posteriormente na Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suíza) onde estudou cos mestres Richard Levitt e Kurt Widmer e obtivo a licenciatura en música antiga en 2003. Como solista participa en concertos e diferentes producións operísticas por Europa e Sudamérica, e tamén en gravacións para diferentes discográficas, radios e televisións europeas, traballando con directores da talla de Widfried Toll, Dominique Vellard, Konrad Junghänel, entre outros. Actualmente é profesora de canto e responsable da área de técnica vocal do coro na Escola de l’Orfeó Lleidatà. MARÍA ALTADILL_ mezzosoprano Cursó estudios profesionales de canto en su Tarragona natal e ingresa posteriormente en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suiza) donde estudió con los maestros Richard Levitt y Kurt Widmer y obtuvo la licenciatura en música antigua en 2003. Como solista participa en conciertos y diferentes producciones operísticas por Europa y Sudamérica, y también en grabaciones para diferentes discográficas, radios y televisiones europeas, trabajando con directores de la talla de Widfried Toll, Dominique Vellard, Konrad Junghänel, entre otros. Actualmente es profesora de canto y responsable del área de técnica vocal del coro en la Escuela de l’Orfeó Lleidatà. 33 34 Cantatas de Bach REAL FILHARMONÍA DE GALICIA STEPHAN LOGES_ baixo-barítono TERRA A NOSA – SOLISTAS MAXIMINO ZUMALAVE_ director I I LUGAR_ San Paio de Antealtares DATA_ luns 14 abril HORA_ 21.00 Johann Sebastian Bach (1685-1750) Cantata “Ich will den Kreuzstab gerne tragen” BWV 56 > Aria: Ich will den Kreuzstab gerne tragen (Con gusto levarei a cruz) > Recitativo: Mein Wandel auf der Welt (A miña permanencia no mundo) > Aria: Endlich, endlich wird mein Joch (Un día chegará o meu tormento) > Recitativo: Ich stehe fertig und bereit (Estou aquí disposto) > Coral: Komm, o Tod, du Schlafes Bruder (Ven, oh mundo) Frank Martin (1890-1974) Pasacaille Johann Sebastian Bach (1685-1750) Cantata “Ich habe genug” BWV 82 > Aria: Ich habe genug (Teño suficiente) > Recitativo: Ich habe genug > Aria: Schlummert ein, ihr matten Augen (Dormide xa, ollos cansados!) > Recitativo: Mein Gott! Wann kömmt das schöne, Nun! (Meu Deus! Cando virá o belo agora) > Aria: Ich freue mich auf meinen Tod (Aledándome saúdo a miña morte) Johann Sebastian Bach (1685-1750) enfróntase á morte cunha expectación case fervente, ás veces, difícil de entender para a sociedade actual. Estas dúas cantatas para barítono son obras moi austeras, sen excesos nin adornos inútiles, que contrastan coa solemnidade doutras escritas polo Cantor de Leipzig para outras finalidades. A Cantata BWV 56 “Ich will dean Kreuzstab gerne tragen” (Con gusto levarei a cruz) foi escrita en 1726, sobre o evanxeo de san Mateo, para o décimo noveno domingo da Trindade e inclúese nas cantatas denominadas ‘místicas’ debido ao protagonismo e a transcendencia do texto así como á meditación do seu desenvolvemento musical. A BWV 82 “Ich habe genug” (Teño suficiente), composta para a festa da Purificación de María de 1727, está baseada no evanxeo de san Lucas e conxuga a naturalidade e a profundidade cunha gran fortaleza interior, pois presenta o desexo da morte como vía para acceder á salvación. Johann Sebastian Bach (1685-1750) se enfrenta a la muerte con una expectación casi ferviente, a veces, difícil de entender para la sociedad actual. Estas dos cantantas para barítono son obras muy austeras, sin excesos ni adornos inútiles, que contrastan con la solemnidad de otras escritas por el Cantor de Leipzig para otras finalidades. La Cantata BWV 56 “Ich will den Kreuzstab gerne tragen” (Con gusto llevaré la cruz) fue escrita en 1726, sobre el evangelio de san Mateo, para el decimonoveno domingo de la Trinidad y se incluye en las cantatas denominadas ‘místicas’ debido al protagonismo y la trascendencia del texto así como a la meditación de su desarrollo musical. La BWV 82 “Ich habe genug” (Tengo suficiente), compuesta para la fiesta de la Purificación de María de 1727, está basada en el evangelio de san Lucas y conjuga la naturalidad y la profundidad con una gran fortaleza interior, pues presenta el deseo de la muerte como vía para acceder a la salvación. 35 36 REAL FILHARMONÍA DE GALICIA Iniciou a súa actividade en 1996 no Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, onde presenta a súa temporada estable de concertos. O seu primeiro director titular foi Helmuth Rilling (1996-2000), a quen sucedeu Antoni Ros Marbà (2000-2012). Dende 2013, Paul Daniel é o seu director titular e artístico. O compostelán Maximino Zumalave, vinculado á orquestra dende o seu nacemento, é director asociado, e Christoph König o principal director convidado. Ademais da temporada de concertos en Santiago mantén unha activa presenza no resto de cidades galegas e realizou varias xiras internacionais por Austria, Alemaña, Francia, Brasil, Arxentina e, especialmente, Portugal. Paralelamente, potencia a súa actividade en Santiago cun ciclo de cámara e cos concertos didácticos que dende 1996 organiza co Auditorio de Galicia e polos que pasan máis de 7000 escolares galegos cada ano. En 2009 presentou dous traballos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla e Frederic Mompou e, en 2012, un novo disco dedicado a Ravel. Estreitamente vinculada á RFG está a Escola de Altos Estudos Musicais que imparte o Curso Avanzado de Especialización Orquestral, cos músicos da orquestra como profesores. Forma parte da Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. REAL FILHARMONÍA DE GALICIA Inició su actividad en 1996 en el Auditorio de Galicia, en Santiago de Compostela, donde presenta su temporada estable de conciertos. Su primero director titular fue Helmuth Rilling (1996-2000), a quien sucedió Antoni Ros Marbà (2000-2012). Desde 2013, Paul Daniel es su director titular y artístico. El compostelano Maximino Zumalave, vinculado a la orquesta desde su nacimiento, es director asociado, y Christoph König el principal director invitado. Además de la temporada de conciertos en Santiago mantiene una activa presencia en el resto de ciudades gallegas y realizó varias giras internacionales por Austria, Alemania, Francia, Brasil, Argentina y, especialmente, Portugal. Paralelamente, potencia su actividad en Santiago con un ciclo de cámara y con los conciertos didácticos que desde 1996 organiza con el Auditorio de Galicia y por los que pasan más de 7000 escolares gallegos cada año. En 2009 presentó dos trabajos discográficos inéditos dedicados a Manuel de Falla y Frederic Mompou y, en 2012, un nuevo disco dedicado a Ravel. Estrechamente vinculada a la RFG está la Escuela de Altos Estudios Musicales que imparte el Curso Avanzado de Especialización Orquestal, con los músicos de la orquesta como profesores. Forma parte de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. TERRA A NOSA – SOLISTAS Nace no seo do Orfeón Terra A Nosa, da man do seu director Miro Moreira, para difundir e estender a súa actividade coral de cámara e solista. Na actualidade centra a súa especialización na interpretación da música antiga. O seu repertorio é amplo, incorporando aos seus concertos habituais montaxes Rosa das Rosas e Ordo Prophetarum, Villanescas de F. Guerrero, Ensaladas de M. Flecha e Cancioneiros de Uppsala e Medinacelli. Dedica especial atención á recuperación das obras das catedrais galegas, gravando coas principais orquestras galegas, a Real Filharmonía de Galicia e a Sinfónica de Galicia, a Misa Unum Deus e Réquiem de M. López, e organiza diversos ciclos de gravacións e concertos didácticos; nese sentido cabe destacar a gravación do CD Cancións de aquí e acolá de P. Pereiro. TERRA A NOSA – SOLISTAS Nace en el seno del Orfeón Terra A Nosa, de la mano de su director Miro Moreira, para difundir y extender su actividad coral de cámara y solista. En la actualidad centra su especialización en la interpretación de la música antigua. Su repertorio es amplio, incorporando a sus conciertos habituales montajes Rosa de las Rosas y Ordo Prophetarum, Villanescas de F. Guerrero, Ensaladas de M. Flecha y Cancioneros de Uppsala y Medinacelli. Dedica especial atención a la recuperación de las obras de las catedrales gallegas, grabando con los principales orquestas gallegas, la Real Filarmonía de Galicia y la Sinfónica de Galicia, la Misa Unum Deus y Réquiem de M. López, y organiza diversos ciclos de grabaciones y conciertos didácticos; en ese sentido cabe destacar la grabación del CD Cancións de aquí e acolá de P. Pereiro. Forman a grupación deste concerto: Aida Cruz Estévez, Chelo López Federico, Anna Mélikhova, Loli Pampín Iglesias, Mª Jesús Sánchez-Brunete Alija, Martín Viaño García, Óscar Mato Collazo, Diego Neira Sinde, Luís Martínez Sánchez, Felipe Sar Pose e Miro Moreira, director 37 38 STEPHAN LOGES_ baixo-barítono MAXIMINO ZUMALAVE_ director Naceu en Dresden, a moi temperá idade gañou o concurso internacional de canto Wigmore Hall. Foi membro do Coro de Dresden antes de estudar no Conservatorio de Kunste, Berlín, e na Guidlhall School of Music and Drama de Londres. Deu recitais por todo o mundo con pianistas como Roger Vignoles, Simon Lepper, Alexander Schmalcz e Eugene Asti. En 2002 debutou con Trevor Pinnock cantando A Paixón segundo san Mateo. Os seus recitais incluíron A Creación (Mozarteum de Salzburgo); As sete últimas palabras coa Orquestra Filharmónica de Bergen; o Réquiem de Bruckner coa Northern Sinfonia; a Misa de Coroación de Mozart e o Stabat Mater de Haydn coa Ensemble Orchestra de París e Fabio Biondi. Interpretou as Cantatas de Bach con sir Eliot Gardiner, as Paixóns co Gabrielli Consort e Paul McCreesh. Representa papeis importantes en ópera como Papageno na Frauta Máxica; o conde en As vodas de Fígaro; Mercutio en Romeo e Xulieta, Ottokar no Cazador furtivo con sir Colin Davies... Director e pianista compostelán, foi discípulo de Brage, Gardiner e Rilling. Fundador e director do Coro Universitario de Santiago e do Collegium Compostellanum e principal director convidado da Orquestra Sinfónica de Galicia (1992-1995). Actualmente é director asociado da RFG, á que está vinculado desde o seu inicio. Con el actuaron solistas da talla de Achúcarro, Barto, Bayo, Bitetti, Castromil, ou Zimmermann. Frecuente e moi especial é a súa colaboración con Teresa Berganza en diferentes países de Europa. Dirixiu ás máis destacadas orquestras españolas e estranxeiras. Tamén levou a batuta en estreas absolutas de obras de Bernaola, Castelo, García Abril e Mestres Quadreny, coidando especialmente as primeiras audicións de novos compositores galegos como Alonso, Balboa, Buíde ou Viaño. O seu compromiso coa cultura galega vai máis aló da música: en 2008 o Consello da Xunta de Galicia concedeulle a Medalla Castelao. STEPHAN LOGES_ bajo-barítono MAXIMINO ZUMALAVE_ director Nació en Dresden, a muy temprana edad ganó el concurso internacional de canto Wigmore Hall. Fue miembro del Coro de Dresden antes de estudiar en el Conservatorio de Kunste, Berlín, y en la Guidlhall School of Music and Drama de Londres. Dio recitales por todo el mundo con pianistas como Roger Vignoles, Simon Lepper, Alexander Schmalcz y Eugene Asti. En 2002 debutó con Trevor Pinnock cantando La Pasión según san Mateo. Sus recitales incluyeron La Creación (Mozarteum de Salzburgo); Las siete últimas palabras con la Orquesta Filarmónica de Bergen; el Réquiem de Bruckner con la Northern Sinfonia; la Misa de Coronación de Mozart y el Stabat Mater de Haydn con la Ensemble Orchestra de París y Fabio Biondi. Interpretó las Cantatas de Bach con sir Eliot Gardiner, las Pasiones con el Gabrielli Consort y Paul McCreesh. Representa papeles importantes en ópera como Papageno en La Flauta Mágica; el conde en Las bodas de Fígaro; Mercutio en Romeo y Julieta, Ottokar en el Cazador furtivo con sir Colin Davies... Director y pianista compostelano, fue discípulo de Brage, Gardiner y Rilling. Fundador y director del Coro Universitario de Santiago y del Collegium Compostellanum y principal director invitado de la Orquesta Sinfónica de Galicia (1992-1995). Actualmente es director asociado de la Real Filarmonía de Galicia, a la que está vinculado desde su inicio. Con él actuaron solistas de la talla de Achúcarro, Barto, Bayo, Bitetti, Castromil, o Zimmermann. Frecuente y muy especial es su colaboración con Teresa Berganza en diferentes países de Europa. Dirigió a las más destacadas orquestas españolas y extranjeras. También llevó la batuta en estrenos absolutos de obras de Bernaola, Castillo, García Abril y Maestros Quadreny, cuidando especialmente las primeras audiciones de nuevos compositores gallegos como Alonso, Balboa, Buíde o Viaño. Su compromiso con la cultura gallega va más allá de la música: en 2008 el Consello da Xunta de Galicia le concedió la Medalla Castelao. 39 40 Ladaíñas de Xapón meditación entre o silencio e o caos sonoro Letanías de Japón la meditación entre el silencio y el caos sonoro HARUNA TAKEBE_ piano LUGAR_ Paraninfo da Universidade. Facultade de Xeografía e Historia DATA_ martes 15 abril HORA_ 19.30 I Toshi Ichiyanagi 一柳慧 (n.1933) Premonition (de Inter Konzert) (1987) Toru Takemitsu 武満徹 (1930-1996) Litany (1. Adagio) (1950/89) Toshio Hosokawa 細川俊夫 (n.1955) Haiku, para Pierre Boulez (2000/03) Maki Ishii 石井眞木 (1936-2003) Black Intention III, piano etude for breath (1977) Toru Takemitsu 武満徹 (1930-1996) Rain Tree Sketch II, á memoria de Olivier Messiaen (1992) Toshio Hosokawa 細川俊夫 (n.1955) Mai (2011) Toshi Ichiyanagi 一柳慧 (n.1933) Piano Media (1972) Música para piano dos compositores máis significativos e representativos de Xapón do século XX e da actualidade. Ladaíñas de Xapón presenta como denominador común un marcado espírito nipón ao través de pezas feitas dende a perspectiva observadora e reflexiva que manifestan a dualidade característica deste país: a do Xapón tradicional (o da flosofía zen e a plena [con]vivencia da natureza) e a do Xapón moderno (o da electrónica e as macro-cidades). Dous xeitos de vida e dúas velocidades que cohabitan e interaccionan. Escasos metros separan un rañaceos dun santuario shintoista ou a serenidade dun templo budista dos Pachinko. A música de Ladaíñas do Xapón propón a meditación ao través tanto do silencio coma do caos sonoro. [Haruna Takebe] Música para piano de los compositores más significativos y representativos de Japón del siglo XX y de la actualidad, Letanías de Japón presenta como denominador común un marcado espíritu nipón a través de piezas hechas desde la perspectiva observadora y reflexiva que manifiestan la dualidad característica de este país: la del Japón tradicional (el de la flosofía zen y la plena [con]vivencia de la naturaleza) y la del Japón moderno (el de la electrónica y las macro-ciudades). Dos modos de vida y dos velocidades que cohabitan e interaccionan. Escasos metros separan un rascacielos de un santuario shintoista o la serenidad de un templo budista de los Pachinko. La música de Letanías del Japón propone la meditación a través tanto del silencio como del caos sonoro. [Haruna Takebe] 41 42 HARUNA TAKEBE_ piano Tras a súa graduación na universidade Toho Gakuen de Tokio, en 1999 trasladouse a Europa para ampliar a súa formación na Universidade das Artes de Berlín coa pianista Elena Lapitskaja, e en Holanda música de cámara e acompañante de lied no Conservatorio de Amsterdam. A súa actividade como concertista inclúe actuacións coa Symfonie Orchester Berlín, Takamatsu Symphony Orchestra... e colaboracións con membros da Orquestra Filharmónica Checa, Real Filharmonía de Galicia e Sinfónica de Galicia. En 2004 gravou un disco para o selo STH Quality Classics con música de Scarlatti, Schubert, Liszt e Debussy. De 2007 ao 2009 exerce de catedrática de piano na Elisabeth University of Music (Hiroshima). En España actúa asiduamente de solista e con diversas formacións de cámara como Airas Ensemble, Artemis Ensemble e Vertixe Sonora Ensenble. HARUNA TAKEBE_ piano Tras su graduación en la universidad Toho Gakuen de Tokio, en 1999 se trasladó a Europa para ampliar su formación en la Universidad de las Artes de Berlin con la pianista Elena Lapitskaja, y en Holanda música de cámara y acompañante de lied en el Conservatorio de Ámsterdam. Su actividad como concertista incluye actuciones con la Symfonie Orchester Berlín, Takamatsu Symphony Orchestra… y colaboraciones con miembros de la Orquesta Filarmónica Checa, Real Filharmonía de Galicia y Sinfónica de Galicia. En 2004 grabó un disco para el sello STH Quality Classics con música de Scarlatti, Schubert, Liszt y Debussy. De 2007 al 2009 ejerce de catedrática de piano en la Elisabeth University of Music (Hiroshima). En España actúa asiduamente de solista y con diversas formaciones de cámara como Airas Ensemble, Artemis Ensemble y Vertixe Sonora Ensenble. 43 44 LES PLAISIRS DU PARNASSE Sonatas do Rosario Biber e os misterios dolorosos, gozosos e gloriosos David Plantier_ violín e dirección Annabelle Luis_ violoncello Violaine Cochard_ clave e órgano Sonatas del Rosario Biber y los misterios dolorosos, gozosos y gloriosos LES PLAISIRS DU PARNASSE DAVID PLANTIER_ violín e dirección I I LUGAR_ Hostal dos Reis Católicos DATA_ martes 15 abril HORA_ 21.30 Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) Rosenkranzsonaten (Sonatas do Rosario) Sonata II en La maior “A visitación” > Sonata - Allemande - Presto Sonata IV en Re menor “A presentación no templo” > Ciaccona Domenico Gabrielli (1659 - 1690) Sonata para violoncello e baixo continuo núm. 1 en Sol maior > Grave - Allegro - Largo - Prestissimo Sonata XIV en Re maior “A Asunción da Virxe” > Grave - Aria Sonata VI en do menor “A agonía no monte das oliveiras” > Lamento Giovanni Battista degli Antonii (1636-1698) Ricercar X para violoncello só Sonata V en La maior “Xesús reencontrado no templo” > Praeludium - Presto - Allemande - Gigue - Sarabande/Double Johann Sebastian Bach (1685-1750) Fantaisie en la menor BWV 922 Johann Joseph Vilsmayr (1663 - 1722) Suite núm. 5 para violín só, extraía do “artificiosus concentus pro camera” > Prelude - Gavott - Saraband - Rigodon - Guig - Menuett - Bouré - Retirada Sonata X en Sol menor “A crucifixión” > Praeludium - Aria/Variatio “De todos os violinistas do pasado século (XVII), Biber parece ter sido o mellor, e os seus solos son os máis difíciles e imaxinativos de todos os que vin na época”, así expresábase Charles Burney nas súas marabillosas crónicas de viaxes. Heinrich Ignaz Franz von Biber naceu en Wartenberg (actualmente Strá pod Ralskem, República Checa) e en 1684 foi nomeado mestre de capela en Salsburgo, onde morreu vinte anos despois. Era coñecido como virtuoso do violín, para o que compuxo excelentes páxinas entre as que destacan, sobre todas, as sonatas do Santo Rosario (Rosenkranzsonaten) ou Sonatas do Misterio (referíndose a sucesos importantes na vida da Virxe María e Cristo). Escritas ao redor de 1676, cada unha das quince sonatas que compoñen esta colección require dunha afinación distinta do violín, ou scordatura, que fai que o violín vaia do pracer dos cinco misterios gozosos (sonatas II, IV e V) ao trauma dos cinco misterios dolorosos (sonatas VI e X), pasando polo etéreo dos cinco misterios gloriosos (sonata XIV). Intercaladas ao Rosario de Biber, Les Plaisirs du Parnasse interpretará fermosas pezas de autores contemporáneos, como son as sonatas para violoncello de Domenico Gabrielli e de Giovanni Battista degli Antonii, A Fantasía en la menor BWV 922 de Johann Sebastian Bach ou a Suite núm. 5 para violín só de Johann Joseph Vilsmayr. [Pere Saragossa] “De todos los violinistas del pasado siglo (XVII), Biber parece haber sido el mejor, y sus solos son los más difíciles e imaginativos de todos los que he visto en la época”, así se expresaba Charles Burney en sus maravillosas crónicas de viajes. Heinrich Ignaz Franz von Biber nació en Wartenberg (actualmente Stráž pod Ralskem, República Checa) y en 1684 fue nombrado maestro de capilla en Salzburgo, donde murió veinte años después. Era conocido como virtuoso del violín, para el que compuso excelentes páginas entre las que destacan, sobre todas, las sonatas del Santísimo Rosario (Rosenkranzsonaten) o Sonatas del Misterio (refiriéndose a sucesos importantes en la vida de la Virgen María y Cristo). Escritas alrededor de 1676, cada una de las quince sonatas que componen esta colección requiere de una afinación distinta del violín, o scordatura, que hace que el violín vaya del placer de los cinco misterios gozosos (sonatas II, IV y V) al trauma de los cinco misterios dolorosos (sonatas VI y X), pasando por lo etéreo de los cinco misterios gloriosos (sonata XIV). Intercaladas al Rosario de Biber, Les Plaisirs du Parnasse interpretará hermosísimas piezas de autores contemporáneos, como son las sonatas para violonchelo de Domenico Gabrielli y de Giovanni Battista degli Antonii, la Fantasía en la menor BWV 922 de Johann Sebastian Bach o la Suite nº 5 para violín sólo de Johann Joseph Vilsmayr. [Pere Saragossa] 45 46 LES PLAISIRS DU PARNASSE LES PLAISIRS DU PARNASSE Creado por David Plantier en 2004, o seu nome alude á mitoloxía grega, o Monte Parnaso, santuario das Artes, que era a residencia de Apolo e as súas nove musas. Formados na Schola Cantorum de Basilea e recoñecidos virtuosos dos seus instrumentos, os músicos de Les Plaisirs du Parnase comparten unha gran complicidade humana e musical, e pretenden descubrir ao público aos compositores máis descoñecidos e apaixonantes cun profundo respecto ás fontes. Sendo a música de cámara alemá do fin do século XVII o seu repertorio preferido, tamén está aberto á música italiana en tempos de Monteverdi, a música francesa, Bach, Vivaldi etc. O seu primeiro proxecto discográfico foi a primeira gravación mundial das sonatas para violín de Johann Paul Westhoff para Zig Zag Territories, seguido de compactos dedicados a Johann Jakob Walther e a Heinrich Biber. O unánime beneplácito por parte da crítica europea contribuíu a que fosen invitados a participar en gran cantidade de festivais de música antiga de Europa e Xapón. Creado por David Plantier en 2004, su nombre alude a la mitología griega, el Monte Parnaso, santuario de las Artes, que era la residencia de Apolo y sus nueve musas. Formados en la Schola Cantorum de Basilea y reconocidos virtuosos de sus instrumentos, los músicos de Les Plaisirs du Parnase comparten una gran complicidade humana e musical y pretenden descubrir al público a los compositores más desconocidos y apasionantes con un profundo respeto a las fuentes. Siendo la música de cámara alemana del fin del siglo XVII su repertorio preferido, también está abierto a la música italiana en tiempos de Monteverdi, la música francesa, Bach, Vivaldi, etc. Su primer proyecto discográfico fue la primera grabación mundial de las sonatas para violín de Johann Paul Westhoff para Zig Zag Territories, seguido de compactos dedicados a Johann Jakob Walther y a Heinrich Biber. El unánime beneplácito por parte de la crítica europea ha contribuido a que hayan sido invitados a participar en gran cantidad de festivales de música antigua de Europa y Japón. 47 48 Sonata para clave, modernidade camiño do século XXI Sonata para clave, modernidad camino del siglo XXI LUCIE ŽÁKOVÁ_ clave I I LUGAR_ Igrexa Orde Terceira DATA_ mércores 16 abril HORA_ 19.30 Jan Rychlík (1916-1964) Hommaggi Gravicembalistici, para clave Bernardo Pasquini (1637-1710): Sarabanda > Preludio I. mo (a Bernardo Pasquini) Carlos Seixas (1704-1742): Tocata 30 > Esercizio (a Carlos Seixas) Giles Farnaby (1560-1640): Pavana 1 (de The Fitzwilliam virginal book) > Pavan (a Giles Farnaby) Antonio Cabezón (1510-1566): Diferencia sobre las Vacas > Capricho (a Antonio Cabezón) François Couperin (1631-1698): Les barricades mistérieuses > Vive le neveu (a François Couperin) Bohuslav Martinů (1890–1959) Sonata para clave > Poco allegro - Poco moderato cantabile - Allegretto Joaquín Rodrigo (1901–1999) Preludio y Ritornello Padre Antonio Soler (1729 – 1783) Fandango Jukka Tiensuu (1948) FanTango Jiří Gemrot (1957) Solo para clave > Preludium - Toccata As posibilidades sonoras do clave, instrumento imprescindible do Barroco, non correron a sorte das modas pasaxeiras. A súa cor inconfundible é aínda hoxe fonte de inspiración para a creación musical sen deixar en ningún momento o sabor de boca do anacronismo. Esta polivalencia estilística do clave posibilitou a Jan Rychlík a composición da primeira obra do presente recital como homenaxe a varios mestres músicos do Renacemento e do Barroco. Máis aínda, a súa interpretación alternada coa dos devanditos compositores evocados, fai conectar aínda máis esta estreita relación entre o pasado e o presente. O programa continúa con dous grandes mestres coetáneos entre si, o checo ° Bohuslav Martinu, cunha das súas obras máis tardías e maduras, e o español Joaquín Rodrigo, que nos deixou esta pequena perla, para o clave cun doce e meditativo Preludio seguido do marcado ritmo do Ritornello. Fandango do pai Soler é unha das obras máis emblemáticas da tecla española do século XVIII, con claras evocacións da música popular e que, sen dúbida, tivo algo que ver na composición da seguinte obra: FanTango, para calquera instrumento de tecla, na que o finlandés Jukka Tiensuu desborda técnica e humor. A última obra do programa, o Solo para clave do checo Jiří Gemrot, data de 1988 e toma o seu título da última peza do Libro de Anna Magdalena Bach. Las posibilidades sonoras del clave, instrumento imprescindible del Barroco, no han corrido la suerte de las modas pasajeras. Su color inconfundible es aún hoy fuente de inspiración para la creación musical sin dejar en ningún momento el sabor de boca del anacronismo. Esta polivalencia estilística del clave posibilitó a Jan Rychlík la composición de la primera obra del presente recital como homenaje a varios maestros músicos del Renacimiento y del Barroco. Más aún, su interpretación alternada con la de dichos compositores evocados, hace conectar todavía más esta estrecha relación entre el pasado y el presente. El programa continúa con dos grandes maestros coetáneos entre ° con una de sus sí, el checo Bohuslav Martinu, obras más tardías y maduras, y el español Joaquín Rodrigo, que nos dejó esta pequeña perla para el clave con un dulce y meditativo Preludio seguido del marcado ritmo del Ritornelo. Fandango del padre Soler es una de las obras más emblemáticas de la tecla española del siglo XVIII, con claras evocaciones de la música popular y que, sin duda, tuvo algo que ver en la composición de la siguiente obra: FanTango, para cualquier instrumento de tecla, en la que el finlandés Jukka Tiensuu derrocha tanto técnica como humor. La última obra del programa, el Solo para clave del checo Jiří Gemrot, data de 1988 y toma su título de la última pieza del Libro de Anna Magdalena Bach. 49 50 LUCIE ŽÁKOVÁ_ clave LUCIE ŽÁKOVÁ_ clave Nacida en Litomysl (República Checa), empezou dende moi nova a estudar piano e especializouse en órgano e clave na Academia de Artes º Interpretativas de Praga con J. Hora, J. Tuma . e G. Luksaite-Mrázková. Tamén estudou con J. Ernst en Hamburgo e en París e Toulouse da man de grandes mestres como L. Avot, O. Latry, M. Bouvard, J. W. Jansen e Y. UyamaBouvard. Ofreceu concertos en importantes ciclos e festivais de Austria, Alemaña, Holanda, Inglaterra e especialmente en Francia (NotreDame de París, Versalles, Carcassonne, Toulouse etc.). Particularmente interesada na promoción e interpretación da música do seu país, ademais de recitais e concertos como solista, interpreta regularmente concertos cunha gran variedade de instrumentos e especialmente en dúo co organista español Carlos Arturo Guerra Parra. Centra unha parte da súa actividade como organista na liturxia tanto en Praga (Igrexa do Neno Xesús) como en Madrid. Dende a súa infancia viviu na casa do compositor B. Smetana, algo que sen dúbidas influíu moi positivamente na súa vocación musical. Nacida en Litomyšl (República Checa), empezó desde muy joven a estudiar piano y se especializó en órgano y clave en la Academia de Artes Interpretativas de Praga con J. Hora, . º J. Tuma y G. Lukšaite-Mrázková. También ha estudiado con J. Ernst en Hamburgo y en París y Toulouse de la mano de grandes maestros como L. Avot, O. Latry, M. Bouvard, J. W. Jansen y Y. Uyama- Bouvard. Ha ofrecido conciertos en importantes ciclos y festivales de Austria, Alemania, Holanda, Inglaterra y especialmente en Francia (Notre-Dame de París, Versailles, Carcassonne, Toulouse, etc.). Particularmente interesada en la promoción e interpretación de la música de su país, además de recitales y conciertos como solista, interpreta regularmente conciertos con una gran variedad de instrumentos y especialmente en dúo con el organista español Carlos Arturo Guerra Parra. Centra una parte de su actividad como organista en la liturgia tanto en Praga (Iglesia del Niño Jesús) como en Madrid. Desde su infancia ha vivido en la casa del compositor B. Smetana, algo que sin dudas ha influido muy positivamente en su vocación musical. 51 52 Da Coresma á Paixón mestres da capela da Catedral de Santiago De la Cuaresma a la Pasión maestros de la capilla de la Catedral de Santiago CORO DE CÁMARA DO ORFEÓN TERRA A NOSA MIRO MOREIRA_ director I I LUGAR_ Santa Clara DATA_ mércores 16 abril HORA_ 21.30 Misa de ferias > Kyrie > Sanctus > Agnus Dei Motetes Diego de Muelas (1698-1743) > Interrogabant autem eum discipuli ejus (Preguntábanlle aos seus discípulos) > Dixerunt autem ei quod Jesus Nazarenus (Dixéronlle que Xesús Nazareno) > Inter vestibulum et altare (Entre o pórtico e o altar) > Ductus est Jesus (Xesús foi conducido) > Hic est filius meus dilectus (Este é o meu querido fillo) > Erat Jesus ejiciens daemonium (Xesús lanzaba un demo) > Attenda Domine (Escoita, Señor), cantollano procesional Pedro Rodrigo (+1750) > Memento, homo (Lémbrate, home) > Adjuva nos, Deus (Axúdanos, oh Deus) > Inter vestibulum et altare (Entre o pórtico e o altar) > Ductus est Jesus (Xesús foi conducido) > Hic est filius meus dilectus (Este é o meu querido fillo) > Erat Jesus ejiciens daemonium (Xesús lanzaba un demo) > Vexilla Regis (As bandeiras do rei), himno mozárabe, das Vésperas do Domingo de Paixón > Gloria, laus ed honor (Gloria, loanza e honra), himno para a procesión das Palmas do Domingo de Ramos A Igrexa católica conmemora no Domingo de Pascua o seu principal misterio: a resurrección de Cristo e a redención do xénero humano. Consecuentemente, comeza un tempo de celebración festiva, pero, previamente ao xúbilo pascual e en claro contraste, a Igrexa ten presentes os padecementos e morte de Cristo, considerándoos cunha actitude de penitencia e austeridade que caracteriza ao período coñecido como Coresma. Diego Muelas e Pedro Rodrigo traballaron nunha época que hoxe definimos musicalmente como Barroco tardío. A música litúrxica xa tiña unha historia musical milenaria, que pervivía (e pervive) cristalizada no chamado canto gregoriano, ou monodia sacra, canto a unha voz que sempre estaba presente na liturxia. Pero a igrexa tamén empregou as novas músicas, significativamente o estilo polifónico que alcanzou un equilibrio considerado clásico nas obras de polifonía sacra do Renacemento; este estilo constituíuse no modelo ideal de música eclesiástica. No Barroco, os desenvolvementos da música vocal para solista, de espírito teatral, e da música instrumental influíron e entraron en conflito co carácter que debía presentar a música destinada ao templo. Dentro destas coordenadas, os motetes de Muelas e Rodrigo sitúanse en principio dentro da tradición da antiga polifonía contrapuntística. A composición musical de cada motete confórmase de xeito libre, seguindo a estrutura do texto, alternando pasaxes imitativas con frases nas que todas as voces proxectan o texto á vez, axudando así a resaltar a expresión retórica da palabra sagrada. O mestre de capela era o encargado de prover e executar a música destinada á liturxia. En 1718 o posto estaba vacante na catedral de Santiago; entre os aspirantes encontrábanse Diego Muelas e Pedro Rodrigo. Foi o conquense Diego Muelas o que gañou a praza, ocupándoa dende 1719 a 1723. Ao marchar Muelas a Madrid en 1723 e deixar vacante o maxisterio compostelán, Pedro Rodrigo volveu opositar e esta vez si gañou a praza, que ocupou ata 1744, data na que, como o seu predecesor, marchou ao convento da Encarnación en Madrid. [José Ángel Vilas] La Iglesia católica conmemora en el Domingo de Pascua su principal misterio: la resurrección de Cristo y la redención del género humano. Consecuentemente, comienza un tiempo de celebración festiva, pero, previamente al júbilo pascual y en claro contraste, la Iglesia tiene presente los padecimientos y muerte de Cristo, considerándolos con una actitud de penitencia y austeridad que caracteriza al periodo conocido como Cuaresma. Diego Muelas y Pedro Rodrigo trabajaron en una época que hoy definimos musicalmente como Barroco tardío. La música litúrgica ya tenía una historia musical milenaria, que pervivía (y pervive) cristalizada en el llamado canto gregoriano, o monodia sacra, canto a una voz que siempre estaba presente en la liturgia. Pero la iglesia también empleó las nuevas músicas, significativamente el estilo polifónico que alcanzó un equilibrio considerado clásico en las obras de polifonía sacra del Renacimiento; este estilo se constituyó en el modelo ideal de música eclesiástica. En el Barroco, los desarrollos de la música vocal para solista, de espíritu teatral, y de la música instrumental influyeron y entraron en conflicto con el carácter que debía presentar la música destinada al templo. Dentro de estas coordenadas, los motetes de Muelas y Rodrigo se sitúan en principio dentro de la tradición de la antigua polifonía contrapuntística. La composición musical de cada motete se conforma de manera libre, siguiendo la estructura del texto, alternando pasajes imitativos con frases en las que todas las voces proyectan el texto a la vez, ayudando así a enfatizar la expresión retórica de la palabra sagrada. El maestro de capilla era el encargado de proveer y ejecutar la música destinada a la liturgia. En 1718 el puesto estaba vacante en la catedral de Santiago; entre los aspirantes se encontraban Diego Muelas y Pedro Rodrigo. Fue el conquense Diego Muelas el que ganó la plaza, ocupándola desde 1719 a 1723. Al marchar Muelas a Madrid en 1723 y dejar vacante el magisterio compostelano, Pedro Rodrigo volvió a opositar y esta vez sí ganó la plaza, que ocupó hasta 1744, fecha en la que, como su predecesor, marchó al convento de la Encarnación en Madrid. [José Ángel Vilas] 53 54 CORO DE CÁMARA DO ORFEÓN TERRA A NOSA Fundado en 1966 polo franciscano Manuel Feijoo e dirixido dende 1984 por Miro Moreira, o Orfeón está dotado dun coro sinfónico en cuxo seo se conforma o coro de cámara, conxunto coral de carácter máis reducido para a interpretación das obras de vocación camerística. Dedica unha especial atención á recuperación do patrimonio musical das catedrais galegas. Gravou con importantes orquestras e conxuntos de música antiga (Real Filharmonía de Galicia, Sinfónica de Galicia, Capela Compostelana) e realizou concertos en festivais nacionais e internacionais entre os que destacan: Abadía de Sylvanès e Catedral de Saint Malo (Francia), Igrexa de san Nicolás (Praga), Igrexa dos Xerónimos (Lisboa), Teatro Colón (Bos Aires), Teatro Colón (Bogotá), Igrexa Católica (Washington), Metropolitan Museum (Nova York), Santa María del Mar (Barcelona), Academia de Bellas Artes San Fernando (Madrid), Universidad Menéndez Pelayo (Santander) etc. CORO DE CÁMARA DEL ORFEÓN TERRA A NOSA Fundado en 1966 por el franciscano Manuel Feijoo y dirigido desde 1984 por Miro Moreira, el Orfeón está dotado de un coro sinfónico en cuyo seno se conforma el coro de cámara, conjunto coral de carácter más reducido para la interpretación de las obras de vocación camerística. Dedica una especial atención a la recuperación del patrimonio musical de las catedrales gallegas. Ha grabado con importates orquestas y conjuntos de música antigua (Real Filharmonía de Galicia, Sinfónica de Galicia, Capela Compostelana) y ha realizado conciertos en festivales nacionales e internacionales entre los que destacan: Abadía de Sylvanès y Catedral de Saint Malo (Francia), Iglesia de San Nicolás (Praga), Iglesia de los Jerónimos (Lisboa), Teatro Colón (Buenos Aires), Teatro Colón (Bogotá), Iglesia Católica (Washington), Metropolitan Museum (Nueva York), Santa María del Mar (Barcelona), Academia de Bellas Artes San Fernando (Madrid), Universidad Menéndez Pelayo (Santander), etc. MIRO MOREIRA_ director Naceu en Santiago de Compostela e iniciou os seus estudos musicais como escolano na Capela Musical da Catedral de Santiago de Compostela e no Orfeón Terra A Nosa. É licenciado en canto polo conservatorio do Liceo de Barcelona e centrou a súa especialización, como cantante e director, nos períodos do Renacemento e do Barroco. Como contratenor solista actuou formando parte de grupos dedicados á música antiga: Capela Compostelana, Capella Reial de Cataluña, Al Ayre Español etc. Dende 1984 é director do Orfeón Terra A Nosa e dende 1988 dirixe a Capela Musical da Catedral de Santiago, recuperando obras de mestres de capela. Na actualidade é profesor asociado de formación vocal e auditiva na Facultade de Ciencias da Educación e director do coro da Universidade de Santiago. MIRO MOREIRA_ director Nació en Santiago de Compostela e inició sus estudios musicales como escolano en la Capilla Musical de la Catedral de Santiago de Compostela y en el Orfeón Terra A Nosa. Es licenciado en canto por el conservatorio del Liceo de Barcelona y centró su especialización, como cantante y director, en los periodos del Renacimiento y del Barroco. Como contratenor solista actuó formando parte de grupos dedicados a la música antigua: Capela Compostelana, Capella Reial de Cataluña, Al Ayre Español, etc. Desde 1984 es director del Orfeón Terra A Nosa y desde 1988 dirige la Capilla Musical de la Catedral de Santiago, recuperando obras de maestros de capilla. En la actualidad es profesor asociado de formación vocal y auditiva en la Facultad de Ciencias de la Educación y director del coro de la Universidad de Santiago. 55 56 La scala dell’amore: a tradición siciliana La scala dell’amore: la tradición siciliana La scala dell’amore: la tradición siciliana MATILDE POLITI_ voz, guitarra, tamburello SIMONA DI GREGORIO_ voz, organetto, arpa hebrea, tamburello I I LUGAR_ San Fiz de Solovio DATA_ xoves 17 abril HORA_ 19.30 Spunta lu suli (O sol levántase) canción tradicional de mulleres para empezar o día Lu verbu sacciu (Eu coñezo A Palabra) canción profana tradicional sobre A Palabra segundo Santiago Apóstolo Furtura (A tempestade) canción tradicional sobre a desgraza individual Barcillunisa canción tradicional de mulleres sobre a desgraza, da Barcelona Siciliana Festa della borgata / Le virtú cardinali (Festa no suburbio / As virtudes cardenalicias) homenaxe tradicional a santa Rosalía, patroa de Palermo Ringraziamentu oración profana tradicional tras a colleita Donne di marinai oración tradicional profana das esposas dos mariñeiros Sant’Agata oración tradicional profana das esposas dos campesiños Marzapaneddu canción tradicional de amor (tradicional/Politi) Santaninfara canción tradicional de amor Santi Spiriti (Santos Espíritus) canción de cuna tradicional a Xesucristo Novena di Ferla canción tradicional de Nadal Alloggiati canción tradicional para dar a benvida aos peregrinos Maria Passavu canción de Venres Santo Stabat Mater tradicional siciliano Passio cantastorie tradicional da Paixón I doli du Signori canción de Venres Santo Amuninni canción do renacer (Politi/Di Gregorio) Rosario da Bedda Matri rosario tradicional á Nai María Alligrizza (Alegría) canción relixiosa Abballu di li virgini canción profana tradicional dedicada ás virxes santas La scala dell’amore: a tradición siciliana A busca da “comuñón“ na música tradicional siciliana, entre o sacro e o popular, explorando territorios de investigación espiritual común a todos os pobos, conduciu a Matilde Politi a un proxecto baseado na potencia expresiva e evocadora da súa voz. Metendo en escena un trío onde a vocalidade monódica e polifónica é protagonista e onde se entrelaza o son dos instrumentos da tradición siciliana (guitarra, violín, organetto, tamburello e, sobre todo, o marranzano, instrumento máxico por excelencia) é capaz de transitar entre mundos sonoros coñecidos e insólitos. Do repertorio tradicional dos cantos sicilianos, o tema da espiritualidade xorde sobre todo no ámbito dos cantos da Semana Santa, polo demais polivocais, pero non tan só isto, nos que a interpretación e a nota musical conducen aos cantantes e aos oíntes a esa escala que representa o camiño espiritual. Ampliando o seu campo de acción, a busca do espiritual encóntrase indubidablemente en diferentes tipoloxías de cantos tradicionais, tamén profanos, na liña dunha tradición moi ampla na que se relaciona toda a produción poética medieval, culta e inculta, nunha continua rede de influencias recíprocas. Esta busca intenta encontrar a alma humana a través da chave do amor, entre o concreto e o simbólico, espremendo o oprimente anhelo da beleza. La búsqueda de la “comunión” en la música tradicional siciliana, entre lo sacro y lo popular, explorando territorios de investigación espiritual común a todos los pueblos, ha conducido a Matilde Politi un proyecto basado en la potencia expresiva y evocadora de su voz. Metiendo en escena un trío donde la vocalidad monódica y polifónica es protagonista y donde se entrelaza el sonido de los instrumentos de la tradición siciliana (guitarra, violín, organetto, tamburello y, sobre todo, el marranzano, instrumento mágico por excelencia) es capaz de transitar entre mundos sonoros conocidos e insólitos. Del repertorio tradicional de los cantos sicilianos, el tema de la espiritualidad surge sobre todo en el ámbito de los cantos de la Semana Santa, por lo demás polivocales, pero no tan solo esto, en los que la interpretación y la nota musical conducen a los cantantes y a los oyentes a esa escala que representa el camino espiritual. Ampliando su campo de acción, la búsqueda de lo espiritual se encuentra indudablemente en diferentes tipologías de cantos tradicionales, también profanos, en la línea de una tradición muy amplia en la que se relaciona toda la producción poética medieval, culta e inculta, en una continua red de influencias reciprocas. Esta búsqueda intenta encontrar el alma humana a través de la llave del amor, entre lo concreto y lo simbólico, exprimiendo el oprimente anhelo de la belleza. 57 58 MATILDE POLITI Nacida en Palermo é unha cantante e compositora especializada na interpretación de música tradicional siciliana. Ademais de cantar, toca guitarra, acordeón, pandeireta, percusión e arpa de boca. Graduada en antropoloxía cultural na Universidade La Sapienza de Roma, tras unha longa experiencia autodidacta na investigación e interpretación do repertorio folclórico americano, español e siciliano, decide especializarse no repertorio da tradición oral de Sicilia. Actuou en numerosos escenarios e festivais de Sicilia, Italia, Suíza, Alemaña, Túnez etc., e colabora con gran variedade de artistas e grupos teatrais, musicais, tanto do ámbito étnico e popular como do jazz, canción de autor, clásica e contemporánea. Recibiu gran número de premios e distincións polos seus discos, interpretacións e composicións para o teatro e o cine. A súa canción Matri terra foi seleccionada para as Xornadas Mundiais da Terra de 2011. Dende 2003 desenvolve en Palermo labores de integración social dos inmigrantes a través da música. MATILDE POLITI Nacida en Palermo es una cantante y compositora especializada en la interpretación de música tradicional siciliana. Además de cantar, toca guitarra, acordeón, pandereta, percusión y arpa de boca. Graduada en antropología cultural en la Universidad La Sapienza de Roma. Tras una larga experiencia autodidacta en la investigación e interpretación del repertorio folclórico americano, español y siciliano, decide especializarse en el repertorio de la tradición oral de Sicilia. Ha actuado en numerosos escenarios y festivales de Sicilia, Italia, Suiza, Alemania, Túnez, etc., y colabora con gran variedad de artistas y grupos teatrales, musicales, tanto del ámbito étnico y popular como del jazz, canción de autor, clásica y contemporáneo. Ha recibido gran número de premios y distinciones por sus discos, interpretaciones y composiciones para el teatro y el cine. Su canción Matri terra fue seleccionada para las Jornadas Mundiales de la Tierra de 2011. Desde 2003 desarrolla en Palermo labores de integración social de los inmigrantes a través de la música. 59 60 Rexistro partido, rexistro compartido recital de órgano a catro mans Registro partido, registro compartido recital de órgano a cuatro manos CARLOS ARTURO GUERRA PARRA_ órgano LUCIE ŽÁKOVÁ_ órgano I I LUGAR_ Igrexa da Universidade DATA_ xoves 17 abril HORA_ 21.30 Thomas Tomkins (1572-1656) A Fancy, for two to play * Antonio Cabezón (1510-1566) Diferencias sobre el canto llano del Caballero * Anónimo (s. XVIII) Canción de la corneta con su eco *** Louis Couperin (c.1626-1661) Chaconne Jean-François Dandrieu (1682-1738) Une jeune fillette ** Johann Christian Bach (1735-1782) Sonata en Do maior * > Allegro > Rondo: Allegretto Louis-Claude Daquin (1694-1772) Le Coucou ** Antonio Mestres (s. XVIII) Marcha o juego por clarines *** Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Sonata en Do maior KV19d * > Allegro > Menuetto > Rondo: Allegretto Juan Bautista Cabanilles (1644-1712) Batalla I de quinto tono “Imperial” * * a catro mans ** Lucie Žáková *** Carlos A. Guerra De entre todos os instrumentos, o máis soberbio en tamaño, sofisticación e sonoridade foi dende o barroco ata os nosos días, o órgano. Debido ao papel de imitación da orquestra de cada época, o órgano é o instrumento polifónico que máis timbres e alturas proporcionou a compositores e intérpretes, calidade esta que o fixo ser moi prolífico aínda no noso século. O órgano en España non sobresaíu polo seu tamaño respecto aos seus irmáns europeos; a organería no noso país (salvando as diferenzas entre unhas rexións e outras) seguiu un rumbo moi diferenciado. En xeral, no barroco encontramos órganos cun só teclado de non máis de 45 notas, rexistros partidos en baixos e tiples, trompetería exterior coñecida como “batalla” etc. Estes elementos que o caracterizan dótano de moitas posibilidades sonoras que van máis alá do repertorio conservado. Este programa é unha mostra da ductilidade destes relativamente pequenos instrumentos. Obras de toda Europa e de diferentes épocas foron adaptadas coidadosamente polos intérpretes para facelas soar no órgano barroco ibérico, algo non moi distinto da práctica musical da época, como o demostran famosas compilacións como Flores de música de Martín e Coll. O feito de ser tocada a catro mans dota a esta música e ao instrumento, a pesar do seu pequeno teclado, de novas e sorprendentes posibilidades sonoras. De entre todos los instrumentos, el más soberbio en tamaño, sofisticación y sonoridad ha sido desde el barroco hasta nuestros días, el órgano. Debido al papel de imitación de la orquesta de cada época, el órgano es el instrumento polifónico que más timbres y alturas ha proporcionado a compositores e intérpretes, cualidad ésta que le ha hecho ser muy prolífico aún en nuestro siglo. El órgano en España no ha sobresalido por su tamaño respecto a sus hermanos europeos; la organería en nuestro país (salvando las diferencias entre unas regiones y otras) siguió un rumbo muy diferenciado. En general, en el barroco encontramos órganos con un sólo teclado de no más de 45 notas, registros partidos en bajos y tiples, trompetería exterior conocida como “batalla”, etc. Estos elementos que lo caracterizan lo dotan de muchas posibilidades sonoras que van más allá del repertorio conservado. Este programa es una muestra de la ductilidad de estos relativamente pequeños instrumentos. Obras de toda Europa y de diferentes épocas han sido adaptadas cuidadosamente por los intérpretes para hacerlas sonar en el órgano barroco ibérico, algo no muy distinto de la práctica musical de la época, como lo demuestran famosas compilaciones como Flores de música de Martín y Coll. El hecho de ser tocada a cuatro manos dota a esta música y al instrumento, a pesar de su pequeño teclado, de nuevas y sorprendentes posibilidades sonoras. 61 62 LUCIE ŽÁKOVÁ_ órgano CARLOS ARTURO GUERRA PARRA_ órgano Nacido en Belmonte (Cuenca) en 1978, en 1993 iniciouse no estudo do piano. Estudou órgano co profesor Anselmo Serna no Conservatorio Profesional Arturo Soria de Madrid, con Óscar Candendo Zabala na Escola Superior de Musica de Catalunya e con Jaroslav Tma na Akademie Múzických Umní de Praga, onde tamén se formou na interpretación clavecinística con G. L. Mrázková. En 2006 organizou e participou como intérprete nos concertos postinaugurais do órgano da Epístola da Catedral de Cuenca e, posteriormente, dentro da Semana de Música Religiosa de Cuenca, no órgano do Evanxeo, tras a súa restauración. Realiza a súa actividade concertística como solista, acompañante e a dúo coa organista e clavecinista Lucie Žáková. Dende 2012 traballa como harmonista no taller de organería Hermanos Desmottes de Landete (Cuenca). CARLOS ARTURO GUERRA PARRA_ órgano Nacido en Belmonte (Cuenca) en 1978, en 1993 se inició en el estudio del piano. Ha estudiado órgano con el profesor Anselmo Serna en el Conservatorio Profesional Arturo Soria de Madrid con Óscar Candendo Zabala en la Escola Superior de Musica de Catalunya y con Jaroslav Tůma en la Akademie Múzických Umění de Praga, donde también se ha formado en la interpretación clavecinística con G. L. Mrázková. En 2006 organizó y participó como intérprete en los conciertos postinaugurales del órgano de la Epístola de la Catedral de Cuenca y, posteriormente, dentro de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, en el órgano del Evangelio, tras su restauración. Realiza su actividad concertística como solista, acompañante y a dúo con la organista y clavecinista Lucie Žáková. Desde 2012 trabaja como armonista en el taller de organería Hermanos Desmottes de Landete (Cuenca). Nacida en Litomysl (República Checa), empezou dende moi nova a estudar piano e especializouse en . º órgano e clave na Academia de Artes Interpretativas de Praga con J. Hora, J. Tuma e G. LuksaiteMrázková. Tamén estudou con J. Ernst en Hamburgo e en París e Toulouse da man de grandes mestres como L. Avot, O. Latry, M. Bouvard, J. W. Jansen e Y. Uyama- Bouvard. Ofreceu concertos en importantes ciclos e festivais de Austria, Alemaña, Holanda, Inglaterra e especialmente en Francia (Notre-Dame de París, Versalles, Carcassonne, Toulouse etc.). Particularmente interesada na promoción e interpretación da música do seu país, ademais de recitais e concertos como solista, interpreta regularmente concertos cunha gran variedade de instrumentos e especialmente en dúo co organista español Carlos Arturo Guerra Parra. Centra unha parte da súa actividade como organista na liturxia tanto en Praga (Igrexa do Neno Xesús) como en Madrid. Dende a súa infancia viviu na casa do compositor B. Smetana, algo que sen dúbidas influíu moi positivamente na súa vocación musical. LUCIE ŽÁKOVÁ_ órgano Nacida en Litomyšl (República Checa), empezó desde muy joven a estudiar piano y se especializó en . º órgano y clave en la Academia de Artes Interpretativas de Praga con J. Hora, J. Tuma y G. LukšaiteMrázková. También ha estudiado con J. Ernst en Hamburgo y en París y Toulouse de la mano de grandes maestros como L. Avot, O. Latry, M. Bouvard, J. W. Jansen y Y. Uyama- Bouvard. Ha ofrecido conciertos en importantes ciclos y festivales de Austria, Alemania, Holanda, Inglaterra y especialmente en Francia (Notre-Dame de Paris, Versalles, Carcassonne, Toulouse, etc.). Particularmente interesada en la promoción e interpretación de la música de su país, además de recitales y conciertos como solista, interpreta regularmente conciertos con una gran variedad de instrumentos y especialmente en dúo con el organista español Carlos Arturo Guerra Parra. Centra una parte de su actividad como organista en la liturgia tanto en Praga (Iglesia del Niño Jesús) como en Madrid. Desde su infancia ha vivido en la casa del compositor B. Smetana, algo que sin dudas ha influido muy positivamente en su vocación musical. 63 64 Honkyoku, 500 anos de tradición zen Honkyoku, 500 años de tradición zen RODRIGO RODRÍGUEZ_ shakuhachi I I LUGAR_ Igrexa Orde Terceira DATA_ venres 18 abril HORA_ 19.30 Honshirabe peza orixinal de repertorio Honkyoku Improptu Minyo improvisación en escala folclórica xaponesa Azuma Jishi (Danza do león) Improptu Ritsu improvisación en escala de China Nezasa Shirabe peza orixinal da seita Nezasa Ha Shika no Tone (A chamada distante dos cervos) Improptu Insempo improvisación en escala xaponesa Insempo Tsuru no Sugomori (No niño da grúa) Austeras e meditativas na súa natureza, estas pezas honkyoku foron compostas anonimamente e transmitidas oralmente polos monxes budistas zen en Xapón, dende hai máis de 500 anos. O shakuhachi (尺八) é unha frauta xaponesa que, a diferenza da tradicional frauta traveseira, suxéitase verticalmente como unha frauta doce. Era utilizada polos monxes da seita Fuke Zen, seguidores do budismo zen, na súa práctica ritual do Suizen (meditación mediante o soprado). Tócase soprando o aire coma se fose o bordo do colo dunha botella, pero no outro extremo o shakuhachi remata nun bordo afiado que permite ao intérprete un control substancial sobre o ton. A medida que a lonxitude do instrumento aumenta, a distancia entre os buratos increméntase, estendendo tanto os dedos coma a dificultade técnica. As moi longas deben confeccionarse case sempre á medida para adaptarse ás características concretas do intérprete. A maioría dos honkyoku están concibidos para ser interpretados con estas longuísimas frautas para conseguir as sensacións sonoras axeitadas. A frauta de bambú introduciuse por primeira vez en Xapón, dende China, no século VI; non obstante, resultado de séculos de evolución illada en Xapón, o shakuhachi é bastante diferente do seu homólogo chinés. Durante o período medieval, os shakuhachi foron moi notables polo seu papel na seita Fuke de monxes budistas zen, coñecidos como Komuso (“sacerdotes da nada” ou “monxes baleiro”). Viaxar arredor de Xapón foi restrinxido polo shogunato neste momento, pero a seita Fuke logrou unha exención do Shogun, xa que a súa práctica espiritual require que se movan dun lugar a outro para tocar o shakuhachi e pedir esmola; a cambio, algúns foron obrigados a espiar polo shogunato. [Rodrigo Rodríguez] Austeras y meditativas en su naturaleza, estas piezas fueron compuestas anónimamente y transmitidas oralmente por los monjes budistas Zen en Japón, desde hace más de 500 años. El shakuhachi (尺八) es una flauta japonesa que, a diferencia de la tradicional flauta travesera, se sujeta verticalmente como una flauta dulce. Era utilizada por los monjes de la secta Fuke Zen, seguidores del budismo zen, es su práctica ritual del Suizen (meditación mediante el soplado). Se toca soplando el aire como si fuera el borde del cuello de una botella, pero en su otro extremo el shakuhachi termina en un borde afilado que permite al intérprete un control sustancial sobre el tono. A medida que la longitud del instrumento aumenta, la distancia entre los agujeros se incrementa, extendiendo tanto los dedos como la dificultad técnica. Las muy largas deben confeccionarse casi siempre a medida para adaptarse a las características concretas del intérprete. La mayoría de los honkyoku están concebidos para ser interpretados con estas larguísimas flautas para conseguir las sensaciones sonoras adecuadas. La flauta de bambú se introdujo por primera vez en Japón, desde China, en el siglo VI; sin embargo, resultado de siglos de evolución aislada en Japón, el shakuhachi es bastante diferente de su homólogo chino. Durante el período medieval, el shakuhachi fueron más notables por su papel en la secta Fuke de monjes budistas Zen, conocidos como Komuso (“sacerdotes de la nada” o “monjes vacío”). Viajar alrededor de Japón fue restringido por el shogunato en este momento, pero la secta Fuke logró una exención del Shogun, ya que su práctica espiritual requiere que se muevan de un lugar a otro para tocar el shakuhachi y pedir limosna; a cambio, algunos fueron obligados a espiar por el shogunato. [Rodrigo Rodríguez] 65 66 RODRIGO RODRÍGUEZ_ shakuhachi Nacido en Arxentina en 1978, pasou parte da súa infancia en Mallorca, onde empezou a estudar guitarra clásica. Tras descubrir a frauta xaponesa shakuhachi, o seu interese por este instrumento de bambú usado polos monxes Komuso para a meditación e a peregrinación levouno a emigrar por segunda vez. En Xapón estudou música clásica e tradicional xaponesa seguindo as liñaxes de Katsuya Yokoyama en The International Shakuhachi Kenshu-khan School a cargo do mestre Kakizakai Kaoru. Ofreceu numerosos concertos en Europa, Asia, Sur do Pacífico. En 2009 empezou os seus estudos co renomeado mestre e músico de shakuhachi Kohachiro Miyata, interesado na música contemporánea e o shakuhachi clásico, e a partir de entón decidiu estudar todos os tipos de música tradicional xaponesa. En 2013 publicou The Road of Hasekura Tsunenaga, un compacto de frauta shakuhachi tradicional. RODRIGO RODRÍGUEZ_ shakuhachi Nacido en Argentina en 1978, pasó parte de su infancia en Mallorca, donde empezó a estudiar guitarra clásica. Tras descubrir la flauta japonesa shakuhachi, su interés por este instrumento de bambú usado por los monjes Komuso para la meditación y la peregrinación le llevó a emigrar por segunda vez. En Japón estudió música clásica y tradicional japonesa siguiendo los linajes de Katsuya Yokoyama en The International Shakuhachi Kenshu-kan School a cargo del maestro Kakizakai Kaoru. Ha ofrecido numerosos conciertos en Europa, Asia, Sur del Pacífico. En 2009 empezó sus estudios con el renombrado maestro y músico de shakuhachi Kohachiro Miyata, interesado en la música contemporánea y el shakuhachi clásico, y a partir de entonces decidió estudiar todos los tipos de música tradicional japonesa. En 2013 publicó The Road of Hasekura Tsunenaga, un compacto de flauta shakuhachi tradicional. 67 68 O galeón do Pacífico, cantos misionais e populares de Filipinas, Perú, Bolivia, Chile, Paraguai e Guatemala (séculos XVIII e XIX) El galeón del Pacífico, cantos misionales y populares de Filipinas, Perú, Bolivia, Chile, Paraguay y Guatemala (séculos XVIII e XIX) LINA MARCELA LÓPEZ_ soprano MANUEL VILAS_ arpas barroca e chiquitana I I LUGAR_ San Fiz de Solovio DATA_ venres 18 abril HORA_ 21.30 Cancións misionais en mapudúngún (Anónimo, Chile, s. XVIII) Dios ñi votm (O fillo de Deus) Jesus cad Ufchigepe (Santifíquese ao Santísismo) Duamtumn (Recoñezan todas as persoas) Ventenlu (Se Deus é o mellor) Vau mlei Vau Danzas chiquitanas (Anónimo, Bolivia, s. XVIII) Calpe Pastoral Quitapesares Allemanda Veranillo Canto dos indios canichanas en lingua moxeña (Anónimo, Bolivia, s. XVIII) Nuasi hananem Canto misional en lingua guaraní (Anónimo, Paraguai, s. XVIII) Tata guasu aña (No gran lume) José de Torres (Ca. 1670-1738) Cantata: Con afecto e harmonía (Catedral de Guatemala. Transcrición: Raúl Angulo) > Recitado - Aria - Recitado - Aria Anónimo hispanoamericano (s. XVIII) A guaracha Anónimo filipino en lingua tagala (s. XIX) El cundiman Anónimo de Cuzco (Perú, s. XVII) Hanacpachap Anónimo peruano (s. XVIII) Tonada La lata La despedida No século XVI comezaron as viaxes marítimas que as naves españolas realizaban entre Manila e os portos de Nova España (México). Estas naves, que saían unha ou dúas veces ao ano, denominábanas “Galeón de Manila” e atravesaban todo o océano Pacífico. Inspirado polas viaxes destes galeóns este concerto ofrece un repaso moi particular pola música do século XVIII dalgúns dos países bañados por tan xigantesco océano (Filipinas, Perú, Bolivia, Chile, Paraguai e Guatemala) incluíndo cantos varios en linguas castelá, tagala, mapudúngún, guaraní, quechua e moxeña. A viaxe comeza en Chile con seis cantos recompilados polo xesuíta Bernardo de Havestadt. Curiosas pezas estas cuxas melodías proceden da terra natal de Havestadt (Alemaña) cuxo propósito era facilitar a evanxelización nas misións de Arauco (os textos están no idioma indíxena chileno, o mapuche ou mapudúngún). Dun estilo radicalmente diferente é a cantata do compositor español José de Torres, dedicada ao Santísimo, procedente da catedral de Guatemala e coa habitual estrutura de recitados e arias ao estilo italiano. De Perú chegan un canto procesional procedente dun manual para sacerdotes escrito en Quechua (Hanacpachap) e dúas pezas recompiladas polo bispo Martínez Compañón na zona de Trujillo (A lata e A despedida). Unha melodía en lingua tagala na que se percibe unha grande influencia do bel canto e a ópera italiana do século XIX representa a Filipinas, un dos portos de saída e destino. Enriquecen o programa pezas misionais doutros países que poderían ter viaxado a través dos mares: un dos moi escasos cantos misionais en lingua guaraní que chegaron ata nós, cantos da zona de Moxos en Bolivia e pezas das misións de Chiquitos. As melodías poden soar moi familiares aos nosos oídos, a influencia europea é enorme, pero preséntansenos cun sabor e encanto totalmente novos: o resultado de tanta mestizaxe revela unha personalidade inconfundible. [Manuel Vilas] En el siglo XVI comenzaron los viajes marítimos que las naves españolas realizaban entre Manila y los puertos de Nueva España (México). A estas naves, que salían una o dos veces al año, se las denominaba “Galeón de Manila” y atravesaban todo el océano Pacífico. Inspirado por los viajes de estos galeones este concierto ofrece un repaso muy particular por la música del siglo XVIII de algunos de los países bañados por tan gigantesco océano (Filipinas, Perú, Bolivia, Chile, Paraguay y Guatemala) incluyendo cantos varios en lenguas castellana, tagala, mapudúngún, guaraní, quechua y moxeña. El viaje comienza en Chile con seis cantos recopilados por el jesuita Bernardo de Havestadt. Curiosas piezas éstas cuyas melodías proceden de la tierra natal de Havestadt (Alemania) cuyo propósito era facilitar la evangelización en las misiones de Arauco (los textos están en el idioma indígena chileno, el mapuche o mapudúngún). De un estilo radicalmente diferente es la cantata del compositor español José de Torres, dedicada al Santísimo, procedente de la catedral de Guatemala y con la habitual estructura de recitados y arias al estilo italiano. De Perú llegan un canto procesional procedente de un manual para sacerdotes escrito en quechua (Hanacpachap) y dos piezas recopiladas por el obispo Martínez Compañón en la zona de Trujillo (La lata y La despedida). Una melodía en lengua tagala en la que se percibe una gran influencia del bel canto y la ópera italiana del siglo XIX representa a Filipinas, uno de los puertos de salida y destino. Enriquecen el programa piezas misionales de otros países que podrían haber viajado a través de los mares: uno de los muy escasos cantos misionales en lengua guaraní que han llegado hasta nosotros, cantos de la zona de Moxos en Bolivia y piezas de las misiones de Chiquitos. Las melodías pueden sonar muy familiares a nuestros oídos, la influencia europea es enorme, pero se nos presentan con un sabor y encanto totalmente nuevos: el resultado de tanto mestizaje revela una personalidad inconfundible. [Manuel Vilas] 69 70 MANUEL VILAS_ arpas barroca e chiquitana LINA MARCELA LÓPEZ_ soprano Naceu en Medellín (Colombia), comezou os seus estudos musicais na Escola Superior de Artes Débora Arango en 1996. En 2008 trasládase a Basilea (Suíza) para continuar os seus estudos na Schola Cantorum Basiliensis na especialidade en música antiga coa profesora Rosa Domínguez. Como solista, o seu variado repertorio inclúe obras de Eccles, Buxtehude, Mozart, Pergolesi, Schubert, Rutter, Scarlatti, Monteverdi, Graun, Haendel, Hayes etc. Ten traballado con grupos como Melpomene (Conrad Steinmann), Glossarium (Quito Gato), Musica Temprana (Adrian Van der Spoel), Musica Caeli Graz (Franz M. Herzog), Ensemble Elyma e Capela Panamericana (Gabriel Garrido), La Cetra Barockorchester Basel (Federico Sepúlveda) e La Grande Chapelle (Albert Recasens). LINA MARCELA LÓPEZ_ soprano Nació en Medellín (Colombia), comenzó sus estudios musicales en la Escuela Superior de Artes Débora Arango en 1996. En 2008 se traslada a Basilea (Suiza) para continuar sus estudios en la Schola Cantorum Basiliensis en la especialidad en música antigua con la profesora Rosa Domínguez. Como solista, su variado repertorio incluye obras de Eccles, Buxtehude, Mozart, Pergolesi, Schubert, Rutter, Scarlatti, Monteverdi, Graun, Haendel, Hayes, etc. Ha trabajado con grupos como Melpomene (Conrad Steinmann), Glossarium (Quito Gato), Musica Temprana (Adrian Van der Spoel), Musica Caeli Graz (Franz M. Herzog), Ensemble Elyma y Capilla Panamericana (Gabriel Garrido), La Cetra Barockorchester Basel (Federico Sepùlveda) y La Grande Chapelle (Albert Recasens). Naceu en Santiago de Compostela. Estudou arpas antigas dos s. XII ao XVIII en Madrid con Nuria Llopis e en Milán con Mara Galassi. Colaborou con numerosos grupos como Les Musiciens du Louvre, Al Ayre Español etc., e actuou nos máis importantes festivais de Europa. Realizou concertos como solista de música barroca español, americano e italiano en Europa e América. Participou en máis de 50 discos con diferentes grupos e discográficas e en producións operísticas en París, Viena, Madrid, Xenebra, Múnic, México etc. Foi o primeiro arpista en ofrecer un curso de arpa barroca española nos Estados Unidos e en Cuba. Actualmente encóntrase centrado nun ambicioso proxecto de recuperación de pezas vocais do barroco español. Ten ofrececido recitais con: Marta Infante, Guillemette Laurens, Raquel Andueza, Isabel Monar, Juan Sancho, Roberta Invernizzi, Mercedes Hernández, José Antonio López, Isabel Álvarez, Monica Piccinini etc. É director artístico do proxecto de gravación integral dos 100 tons do Manuscrito Guerra (Naxos). En 2008 fundou o grupo Ars Atlantica. É pioneiro no estudo de certo tipo de arpas hoxe totalmente esquecidas, como a arpa xesuítica chiquitana (Bolivia, s. XVIII) e a arpa dobre que circulaba pola coroa de Aragón no s. XIV. MANUEL VILAS_ arpas barroca y chiquitana Nació en Santiago de Compostela. Estudió arpas antiguas de los s. XII al XVIII en Madrid con Nuria Llopis y en Milán con Mara Galassi. Colaboró con numerosos grupos como Les Musiciens du Louvre, Al Ayre Español, etc., y actuó en los más importantes festivales de Europa. Realizó conciertos como solista de música barroca española, americana e italiana en Europa y América. Ha participado en más de 50 discos con diferentes grupos y discográficas y en producciones operísticas en París, Viena, Madrid, Ginebra, Munich, México, etc. Fue el primer arpista en ofrecer un curso de arpa barroca española en los Estados Unidos y en Cuba. Actualmente se encuentra centrado en un ambicioso proyecto de recuperación de piezas vocales del barroco español. Ha ofrececido recitales con: Marta Infante, Guillemette Laurens, Raquel Andueza, Isabel Monar, Juan Sancho, Roberta Invernizzi, Mercedes Hernández, José Antonio López, Isabel Álvarez, Monica Piccinini, etc. Es director artístico del proyecto de grabación integral de los 100 tonos del Manuscrito Guerra (Naxos). En 2008 fundó el grupo Ars Atlantica. Es pionero en el estudio de cierto tipo de arpas hoy totalmente olvidadas, como el arpa jesuítica chiquitana (Bolivia, s. XVIII) y el arpa doble que circulaba por la corona de Aragón en el s. XIV. 71 72 Poesía sagrada na música de Kabul Poesía sagrada en la música de Kabul KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL Khaled Arman_ rubab Mashal Arman_ voz Varinak DAvidian_ kamanche Seiar Hashemi_ tabla I I LUGAR_ Igrexa Orde Terceira DATA_ sábado 19 abril HORA_ 20.30 Saqia bede jamé Ze Andoyé Dardamané Sahra Banaze ke Layla Beshnau Az Nay Ta kay ba taman-é Torke Man Hoxe como onte, a poesía mística ocupa un lugar importante na cultura e sociedade afgás. Isto sucede a pesar dunha alta taxa de analfabetismo. Estes poemas, a maioría dos cales datan da Idade Media, son a principal fonte de letras devocionais para os músicos. Entre as irmandades sufís que existen en Afganistán, a de Chishtya acepta a música como práctica devocional. Fundada no século X por Abu Ishaq Shaami Khawaja, a Irmandade de Chishtya estendeuse posteriormente ata a India por Hazrat Moinouddin Chishti. O Chishti difire doutras irmandades porque busca a inspiración mística a través da música e o canto, dúas prácticas que están prohibidas polos sufís ortodoxos. Aínda hoxe en día, seguindo antigas tradicións, os khanaqas (conventos) de Chishtis son visitados por músicos: cantantes e instrumentistas, que utilizan as cancións devocionais de poetas como Maulana Jala udin Balji (século XIII) coñecido en Occidente co nome de Rumi, e con poesías de Hafez (século XIV) de Saadi (século XII) e de Bedel (século XVII). Estes cantos místicos practícanse cunha gran variedade de estilos, tanto alegres coma contemplativos. E pódense cantar en solitario ou acompañados. Hoy como ayer, la poesía mística ocupa un lugar importante en la cultura y sociedad afganas. Esto sucede a pesar de una alta tasa de analfabetismo. Estos poemas, la mayoría de los cuales datan de la Edad Media, son la principal fuente de letras devocionales para los músicos . Entre las hermandades sufíes que existen en Afganistán, la de Chishtya acepta la música como práctica devocional. Fundada en el siglo X por Abu Ishaq Shaami Khawaja, la Hermandad de Chishtya se extendió posteriormente hasta la India por Hazrat Moinouddin Chishti. El Chishti difiere de otras hermandades porque busca la inspiración mística a través de la música y el canto, dos prácticas que están prohibidas por los sufíes ortodoxos. Todavía hoy en día, siguiendo antiguas tradiciones, los khanaqas (conventos) de Chishtis son visitados por músicos: cantantes e instrumentistas, que utilizan las canciones devocionales de poetas como Maulana Jala udin Balji (siglo XIII) conocido en Occidente con el nombre de Rumi, y con poesías de Hafez (siglo XIV) de Saadi (siglo XII) y de Bedel (siglo XVII). Estos cantos místicos se practican con una gran variedad de estilos, tanto alegres como contemplativos. Y se pueden cantar en solitario o acompañados. 73 74 KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL O Ensemble Kabul mostra un profundo respecto pola herdanza musical de Afganistán, incluíndo as variadas influencias que foron asimiladas ao longo dos séculos, ao tempo que manteñen o seu propio carácter individual. O repertorio do Ensemble Kabul parte da herdanza clásica e folclórica de distintas rexións de Afganistán e susténtase nos coidadosos arranxos musicais de Khaled Arman e na mestría dos seus músicos. O son peculiar do Ensemble Kabul prodúcese ao levar a cabo unha única que mestura diversos timbres: aqueles do rabab, do santur e de diversos instrumentos de percusión, dende a táboa india ata o zirbaghali, todo iso reflectindo as diferentes facetas e influencias da música afgá. Tal e como sucede na maioría da música oriental, o repertorio do Ensemble Kabul baséase en tradicionais corpos de modos melódicos (râg) e en ciclos de tempo (tâl, ás veces coñecido como zarb). KHALED ARMAN & ENSEMBLE KABUL El Ensemble Kabul muestra un profundo respeto por la herencia musical de Afganistán, incluyendo las variadas influencias que han sido asimiladas a lo largo de los siglos, al tiempo que mantienen su propio carácter individual. El repertorio del Ensemble Kabul parte de la herencia clásica y folclórica de distintas regiones de Afganistán y se sustenta en los cuidadosos arreglos musicales de Khaled Arman y en la maestría de sus músicos. El sonido peculiar del Ensemble Kabul se produce al llevar a cabo una única que mezcla diversos timbres: aquellos del rabab, del santur y de diversos instrumentos de percusión, desde la tabla india hasta el zirbaghali, todo ello reflejando las diferentes facetas e influencias de la música afgana. Tal y como sucede en la mayoria de la música oriental, el repertorio del Ensemble Kabul se basa en tradicionales cuerpos de modos melódicos (râg) y en ciclos de tiempo (tâl, a veces conocido como zarb). 75 76 Shostakovich en clave sinfónica ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA ORQUESTRA DE NENOS DA SINFÓNICA DE GALICIA NENOS CANTORES DA SINFÓNICA DE GALICIA LUKA HAUSER_ piano JAMES ROSS_ director I I LUGAR_ Auditorio de Galicia DATA_ domingo 20 abril HORA_ 20.00 I Johann Sebastian Bach (1685-1750) Concerto núm. 1 en re menor, BWV 1052 > Allegro > Adagio > Allegro Orquestra de Nenos da Sinfónica de Galicia Luka Hauser_ piano Jorge Montes_ director Fernando Buide (1980) Lingua de escuma Nenos cantores da OSG / José Luis Vázquez_ director James Ross_ director II Dmitri Shostakovich (1906-1975) Sinfonia núm. 10 en mi menor, op 93 > Moderato > Allegro > Allegretto > Andante – Allegro Orquestra Nova da Sinfónica de Galicia James Ross_ director Dise do Concerto núm. 1 para clave, BWV 1052 de Johann Sebastian Bach (16851750) que é unha adaptación dun concerto para violín composto en Cöthen usando fragmentos das Cantatas BWV 146 e 1088. O seu enérxico e vigoroso ritornello inicial, unha das pasaxes máis recoñecidas da creación bachiana, procura a maior parte do material orquestral e xera un movemento de gran brío contrastando interludios tuttisolo de alto nivel técnico. A construción do movemento final baséase novamente nun ritornello, precedido dunha curta pero coidada cadencia, como no primeiro movemento. Lingua de escuma é unha obra do compostelán Fernando Buide (1980) sobre un poema de Javier Vizoso que o autor describe como unha obra formada por dúas amplas intervencións do coro -cada unha das partes en que se divide o texto- en torno a un grande interludio orquestral e así, se constrúe como un arco onde a participación central da orquestra ofrece un comentario musical ao texto que o rodea e o punto de máxima tensión sonora. A Sinfonía núm. 10 en mi menor, op. 93 é o exemplo máis claro de como Dmitri Shostakovich (1906-1975) dominaba técnica e recursos compositivos, pois manexa a máis refinada tradición sinfónica sobre estrutura e composición así como códigos e referencias contextuais. Comeza con pasaxes recónditas e escuras dende as cales a música vai ascendendo ata alcanzar un clímax xeral; un scherzo de vehemente expresión precede o Allegretto final, misterioso e cheo de referencias persoais. Se dice del Concierto núm. 1 para clave, BWV 1052 de Johann Sebastian Bach (16851750) que es una adaptación de un concierto para violín compuesto en Cöthen usando fragmentos de las Cantatas BWV 146 y 1088. Su enérgico y vigoroso ritornello inicial, uno de los pasajes más reconocidos de la creación bachiana, procura la mayor parte del material orquestal y genera un movimiento de gran brío contrastando interludios tutti-solo de altísimo nivel técnico. La construcción del movimiento final se basa nuevamente en un ritornello, precedido de una corta pero cuidada cadencia, como en el primer movimiento. Lingua de escuma es una obra del compostelano Fernando Buide (1980) sobre un poema de Javier Vizoso que el autor describe como una obra formada por dos amplias intervenciones del coro -cada una de las partes en que se divide el textoen torno a un gran interludio orquestal y así, se construye como un arco en donde la participación central de la orquesta ofrece un comentario musical al texto que lo rodea y el punto de máxima tensión sonora. La Sinfonia núm. 10 en mi menor, op. 93 es el ejemplo más claro de como Dmitri Shostakovich (1906-1975) dominaba técnica y recursos compositivos, pues maneja la más refinada tradición sinfónica sobre estructura y composición así como códigos y referencias contextuales. Comienza con pasajes recónditos y oscuros desde los cuales la música va ascendiendo hasta alcanzar un clímax general; un scherzo de vehemente expresión precede el Allegretto final, misterioso y lleno de referencias personales. 77 78 ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA Dende a súa fundación en 1994 a Orquestra Nova da Sinfónica de Galicia permitiu a centos de mozos instrumentistas completar a súa formación musical participando en espectáculos operísticos e concertos sinfónicos, baixo o maxisterio de mestres como Alberto Zedda, Víctor Pablo Pérez, James Judd, Pietro Rizzo, Michael Gilbert, James Ross ou Joan Company entre outros. A Orquestra Nova participou como orquestra de foso no Festival Mozart da Coruña, compartiu escenario coa Sinfónica de Galicia e ofreceu concertos sinfónicos en Madrid, San Sebastián, Murcia, Valencia, León, Segovia, Xerez, Xávea e Cocentaina. Convertida xa nun dos proxectos educativos máis orixinais do panorama musical español, supón unha das poucas posibilidades reais de achegar aos futuros profesionais á práctica do seu instrumento no seo dunha orquestra sinfónica. Os mozos reciben unha completa formación musical traballando ao lado dos profesores da OSG, das clases maxistrais de grandes profesores e intérpretes . ORQUESTRA NOVA DA SINFÓNICA DE GALICIA Desde su fundación en 1994 la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia ha permitido a cientos de jóvenes instrumentistas completar su formación musical participando en espectáculos operísticos y conciertos sinfónicos, bajo el magisterio de maestros como Alberto Zedda, Víctor Pablo Pérez, James Judd, Pietro Rizzo, Michael Gilbert, James Ross o Joan Company entre otros. La Orquesta Joven ha participado como orquesta de foso en el Festival Mozart de A Coruña, ha compartido escenario con la Sinfónica de Galicia y ha ofrecido conciertos sinfónicos en Madrid, San Sebastián, Murcia, Valencia, León, Segovia, Jerez, Xavea y Cocentaina. Convertida ya en uno de los proyectos educativos más originales del panorama musical español, supone una de las pocas posibilidades reales de acercar a los futuros profesionales a la práctica de su instrumento en el seno de una orquesta sinfónica. Los jóvenes reciben una completa formación musical trabajando al lado de los profesores de la OSG, de las clases magistrales de grandes profesores e intérpretes.. NENOS CANTORES DA SINFÓNICA DE GALICIA Fixeron a súa presentación musical en febreiro de 2000 coa interpretación da Sinfonía núm. 3 de Mahler baixo a dirección de Víctor Pablo Pérez. Desde aquela actuaron en varias ocasións coa OSG, interpretando obras de Mahler (Sinfonía núm. 8), Britten (Réquiem de guerra), Orff (Carmina Burana), Shostakovich (O canto dos bosques), Fauré (Réquiem), Mendelssohn (Elías) e Vaughan Williams (Thanks Givin for Victory), dirixidos por Vasili Petrenko, Joan Company e Víctor Pablo Pérez. Participaron tamén en funcións de ópera, como o Werther de Massenet no Festival Mozart e Turandot no Festival de Ópera da Coruña. Ofreceron concertos en diferentes localidades galegas e en León. Formado por uns 50 rapaces de entre 9 e 15 anos e dirixido desde a súa fundación por José Luis Vázquez, naceu coa intención de constituír un verdadeiro centro de canto coral para a formación de novas voces. NENOS CANTORES DA SINFÓNICA DE GALICIA Hicieron su presentación musical en febrero de 2000 con la interpretación de la Sinfonía núm. 3 de Mahler bajo la dirección de Víctor Pablo Pérez. Desde entonces actuaron en varias ocasiones con la OSG, interpretando obras de Mahler (Sinfonía núm. 8), Britten (Réquiem de guerra), Orff (Carmina Burana), Shostakovich (El canto de los bosques), Fauré (Réquiem), Mendelssohn (Elías) y Vaughan Williams (Thanks Givin fuera Victory), dirigidos por Vasili Petrenko, Joan Company y Víctor Pablo Pérez. Participaron también en funciones de ópera, como el Werther de Massenet en el Festival Mozart y Turandot en el Festival de Ópera de la Coruña. Ofrecieron conciertos en diferentes localidades gallegas y en León. Formado por unos 50 niños de entre 9 y 15 años y dirigido desde su fundación por José Luis Vázquez, nació con la intención de constituir un verdadero centro de canto coral para la formación de nuevas voces. 79 80 Lingua de Escuma texto: Javier Vizoso Area branca era o meu destino cando os seus ollos grises prendían lume no horizonte do mar e as miñas risas foron chuvia diante das portas pechadas dos seus pequenos países JAMES ROSS_ director É director das actividades orquestrais da Universidade de Maryland, de dirección na Escola Juilliard e director musical da Orquestra Nacional Americana no Carnegie Hall. As súas actividades abranguen a dirección de orquestra, a interpretación como trompista e a docencia. Licenciouse na Universidade de Harvard en 1981 e comezou en Leipzig a súa formación de director de orquestra, sendo discípulo de Kurt Masur ao tempo que exercía como trompa solista na orquestra da Gewandhaus de Leipzig. Foi director asistente da Sinfónica de Boston, director musical da Sinfónica de Yale e colaborou con William Christie como director asistente de Les Arts Florissants. Foi director convidado de orquestras como a Gewandhaus de Leipzig, Sinfónica de Utah, Orquesta Ciudad de Granada, Sinfónica de Harrisburg, Sinfónica de Galicia, Neubrandenburger Philarmonia, Filharmónica de Binghamtonm etc. En Xapón fundou os Music Masters Course en Kazusa, un festival internacional de música de cámara e é director no Festival Internacional de Lucena. JAMES ROSS_ director Es director de las actividades orquestales de la Universidad de Maryland, de dirección en la Escuela Juilliard y director musical de la Orquesta Nacional Americana en el Carnegie Hall. Sus actividades abarcan la dirección de orquesta, la interpretación como trompista y la docencia. Se licenció en la Universidad de Harvard en 1981 y comenzó en Leipzig su formación de director de orquesta, siendo discípulo de Kurt Masur al tiempo que ejercía como trompa solista en la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. Fue director asistente de la Sinfónica de Boston, director musical de la Sinfónica de Yale y colaboró con William Christie como director asistente de Les Arts Florissants. Ha sido director invitado de orquestas como la Gewandhaus de Leipzig, Sinfónica de Utah, Orquesta Ciudad de Granada, Sinfónica de Harrisburg, Sinfónica de Galicia, Neubrandenburger Philarmonia, Filarmónica de Binghamtonm, etc. En Japón fundó los Music Masters Course en Kazusa, un festival internacional de música de cámara y es director en el Festival Internacional de Lucena. Agora que a promesa radiante da palabra dos meus castelos é lingua de escuma e mar Un tritón de cabelos tristes xira furioso na marea e foxe do incendio do mar Lengua de Espuma texto: Javier Vizoso Arena blanca era mi destino cuando sus ojos grises prendían fuego en el horizonte del mar y mis risas fueron lluvia delante de las puertas cerradas de sus pequeños países Ahora que la promesa radiante de la palabra de mis castillos es lengua de espuma y mar Un tritón de cabellos tristes gira furioso en la marea y huye del incendio del mar 81 m actividade usicosocial I I LUGAR_ Residencia Volta do Castro DATA_ martes 8 abril HORA_ 16.30 QUINTETO DE CORDA Mili Fernández, violín I Cristian Álvarez, violín II Natalia Madisson, viola Cristina de Mingo, viola Lucía Pérez, violoncello OBRA_ Quinteto para corda en sol menor de W. A. Mozart, KV 516 CUARTETO DE CORDA OBRA_ Cuarteto de cordas núm. 3, op. 73 de D. Shostakovich I I LUGAR_ Hospital Clínico DATA_ venres 11 abril HORA_ 11.30 CUARTETO DE CORDA Cristian Álvarez, violín I Antonio Navarro, violín II Silvia García, viola Lucía Pérez, violoncello OBRA_ Cuarteto de cordas núm. 3, op. 73 de D. Shostakovich 83 agrade ementos D. Elisardo Temperán, Canciller do Acebispado de Santiago de Compostela D. Francisco Castro, Reitor do Convento de San Francisco D. Miguel Botana, Igrexa de San Fiz de Solovio D. Antonio Díaz, Ministro da Orde Franciscana Seglar. Fraternidade de Santiago de Compostela Dna. María Blanca Blanco Coiradas, Madre Abadesa do Mosteiro de Benedictinas de San Paio de Antealtares Dna. María Consuelo Jorde Herrero, Madre Abadesa do Convento de Santa Clara D. Francisco Durán, Vicerreitor de Cultura da Universidade de Santiago de Compostela D. Miguel von Hafe Pérez, Director do Centro Galego de Arte Contemporánea D. Carlos García Martínez, Director do Museo do Pobo Galego D. Julio Castro, Director do Parador do Hostal dos Reis Católicos 85 VIII FESTIVAL VIII FESTIVAL www.consorciodesantiago.org / www.compostelacapitalcultural.org Colaboran: