química optativa.- cou.- Pruebas acceso a la Universidad

UNIVERSIDADES PÚBLICAS DE LA COMUNIDAD DE MADRID
PRUEBA DE ACCESO A LAS ENSEÑANZAS UNIVERSITARIAS
OFICIALES DE GRADO
MODELO
Curso 2015-2016
MATERIA: HISTORIA DE LA MÚSICA Y DE LA DANZA
INSTRUCCIONES GENERALES Y VALORACIÓN
ESTRUCTURA: La prueba consta de tres partes: audiciones musicales, conceptos y tema.
INSTRUCCIONES: En la parte correspondiente a las audiciones se escucharán fragmentos breves pero
significativos de las obras propuestas en el programa. En primer lugar se escucharán las cuatro audiciones (1 y 2
de la opción A, 1 y 2 de la opción B) de manera correlativa. A continuación se repetirá la audición de cada una
de ellas, dejando un intervalo aproximado de 5 minutos entre una y otra. El alumno deberá responder a una de las
dos opciones, “A” o “B”, que se le ofrecen, sin que sea posible intercambiar las partes de cada una.
PUNTUACIÓN: Las audiciones podrán obtener una calificación máxima de 4 puntos (0,5 por respuesta
correcta); los conceptos una calificación máxima de 3 puntos (0,5 por respuesta correcta); el tema una
calificación máxima de 3 puntos.
TIEMPO: Una hora y media
OPCIÓN A
1. Escuche estas dos audiciones y conteste a las siguientes preguntas:
AUDICIÓN 1. Se escuchará dos veces. Como apoyo se adjunta una partitura del inicio de la obra [se
trata del “Alleluia”, de El Mesías].
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Motete
- Música barroca
- Renacimiento
- Romanticismo
- Haydn
- Oratorio
- Haendel
- Sonata
- Nocturno
Elabore un PEQUEÑO COMENTARIO de unas cinco líneas incidiendo sobre los aspectos
musicales de la audición.
a) AUDICIÓN 2. Se escuchará dos veces la pieza “Nacht ” perteneciente al Pierrot Lunaire de
Schönberg. Como apoyo se adjunta un guión musical del inicio de la obra.
b)
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Siglo XIX
- Atonalismo
- Música concreta
- Poema sinfónico
- Siglo XX
- Música de cámara
- Futurismo
- Impromptu
- Música aleatoria
Elabore un PEQUEÑO COMENTARIO de unas cinco líneas incidiendo sobre los aspectos
musicales de la audición.
2. Defina o caracterice en no más de cinco líneas SEIS de los ocho términos y nombres siguientes:
- Alfonso X
- Balafón
- Clavicémbalo
-Ravel, Maurice
-Expresionismo musical
- Serialismo
-Martha Graham
- Leitmotiv
3. Desarrolle el tema LA ÓPERA ROMÁNTICA, con una extensión aproximada de un folio por las dos
caras. Como orientación se sugieren los epígrafes siguientes:
- Características musicales de la ópera romántica
- La ópera romántica en Italia
- La ópera romántica en Francia y Alemania
OPCIÓN B
1. Escuche estas dos audiciones y conteste a las siguientes preguntas:
a) AUDICIÓN 1. Se escuchará dos veces. (No se adjunta partitura) [se trata de la “Jota de estilo”].
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Ritmo ternario
- Renacimiento
- Pianoforte
- Atonalismo
- Bajo continuo
- Folklore
- Bandurria
- Barroco
- Neoclasicismo
Elabore un PEQUEÑO COMENTARIO de unas cinco líneas incidiendo sobre los aspectos
musicales de la audición.
b) AUDICIÓN 2. Se escuchará dos veces la pieza Sederunt principes de Perotin. Como apoyo se
adjunta una partitura del inicio de la obra.
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Impresionismo
- Organum
- Monodia
- Polifonía
- Ritmo libre
- Renacimiento
- Edad Media
- Música profana
- Madrigal
Elabore un PEQUEÑO COMENTARIO de unas cinco líneas incidiendo sobre los aspectos
musicales de la audición.
2. Defina o caracterice en no más de cinco líneas SEIS de los ocho términos y nombres siguientes:
- Verdi
Dodecafonismo
Vihuela
- Mozart
- Noverre
- Ars Antiqua
-Yembé
- Ópera
-
3. Desarrolle el tema LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL CLASICISMO, con una extensión
aproximada de un folio por las dos caras. Como orientación se sugieren los epígrafes siguientes:
- Estilo Galante y la Escuela de Mannheim.
- Desarrollo de la música sinfónica.
- La música de cámara.
OPCION A.1
OPCION A.2
OPCION B.1
[La opción B1 no tiene partitura]
OPCION B.2
HISTORIA DE LA MÚSICA Y DE LA DANZA
SOLUCIONES
NOTA: este guión pretende ser orientativo y en ningún caso exhaustivo. Se deja a criterio del corrector el valorar
otras posibles respuestas correctas. Asimismo, no será necesario incluir todas las respuestas posibles aquí señaladas
para otorgar la máxima calificación.
OPCIÓN A
1. Audiciones:
AUDICIÓN 1: Georg F. Haendel (1685-1759): “Alleluia”, de El Mesías.
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Oratorio
- Música barroca
- Haendel
COMENTARIO: (meramente orientativo, de aspectos musicales susceptibles de ser comentados en esta
audición).
Obra para coro mixto, orquesta y bajo continuo. Tempo allegro.
Tras una pequeña introducción de las cuerdas (y el bajo continuo), en la que anticipan el tema principal,
este es entonado por todo el coro. Esta primera parte tiene una textura homofónica.
Más adelante las diversas voces hacen un juego contrapuntístico. Las dos texturas se alternarán a lo
largo de la pieza.
El carácter pletórico y majestuoso de la pieza se incrementa al avanzar la música, reforzado por la
orquesta, especialmente cuando se incorporan el viento metal y la percusión.
AUDICIÓN 2: A. Schönberg: “Nacht” del Pierrot Lunaire.
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Atonalismo
- Siglo XX
- Música de cámara
COMENTARIO: (meramente orientativo, de aspectos musicales susceptibles de ser comentados en esta
audición).
Canción para voz femenina acompañada de un pequeño grupo instrumental (piano, violonchelo y
clarinete bajo) perteneciente al ciclo de poemas “Pierrot Lunaire” de Schönberg (2ª Escuela de Viena).
La obra tiene texto en alemán, y es música expresionista y atonal. Abundancia de disonancias. Armonía
y melodía complejas. La parte vocal está escrita en Sprechgesang: técnica vocal a medio camino entre
el canto y la palabra hablada. Tempo lento en pianissimo exceptuando la parte central de la pieza, algo
más movida, en la que se alcanza el fortissimo.
2. Defina o caracterice en no más de cinco líneas SEIS de los ocho términos y nombres siguientes:
- Alfonso X. Rey de Castilla apodado “el Sabio”. Vivió entre 1221 y 1284 y reinó durante gran parte de la
segunda mitad del siglo XIII. Además de su dedicación política fue un monarca interesado por la literatura,
las ciencias, la historia, las artes y la música. Alfonso X se rodeó de intelectuales cristianos, judíos y
musulmanes, a los que encomendó numerosas obras literarias. Él mismo supervisó y participó en la
elaboración de algunas de ellas. En su corte se compusieron las Cantigas de Santa María, una colección de
420 canciones en galaico portugués en honor a la Virgen. Son piezas monódicas que se interpretaban con
acompañamiento instrumental. Presentan influencias de la música trovadoresca provenzal así como de la
música mozárabe.
- Ravel, Maurice: músico francés de finales del XIX y primeras décadas del XX, representante del
impresionismo. Fue discípulo de Fauré, admirador de Liszt y de Debussy. Compuso numerosas obras para
piano (Gaspard de la Nuit), música de cámara, ópera y orquesta. Su obra más conocida es el Bolero. Destacó
como orquestador (es muy reconocida su orquestación de Cuadros de una exposición, de Mussorgsky).
- Martha Graham. Bailarina y coreógrafa norteamericana que nació en 1894 y murió en 1991. Es una de las
coreógrafas más importantes del siglo XX ya que renovó el ballet y estableció la danza moderna. A través de
su propia compañía de danza incorporó nuevas técnicas y supo colocar a la danza contemporánea en el
mismo nivel que otras expresiones artísticas del sigo XX.
- Balafón: Instrumento idiófono de percusión directa. Su cuerpo está formado por una serie de tablillas o
listones de madera alargados, de forma rectangular, cuyo número puede variar, pero generalmente suelen ser
aproximadamente 20. Se colocan en el instrumento unas hileras de calabazas que funcionan como cajas de
resonancia y se percute con palillos o baquetas.
- Expresionismo musical. Término generalmente utilizado para designar la mayor parte de las obras de A.
Schoenberg escritas entre 1908 y 1921, así como otras obras de la “Segunda escuela” de Viena, concebidas
desde la atonalidad.
- Leitmotiv: motivo musical, relacionado con algún aspecto del drama (personajes, objetos, situaciones,
etc.) que reaparece en el curso de una ópera. El término fue acuñado por F. W. Jähns y alcanzó su mayor
difusión al ser aplicado a las óperas de Richard Wagner.
- Clavicémbalo. Instrumento de tecla, de cuerda pinzada. El clavicémbalo es un instrumento asociado
fundamentalmente al Barroco, y generalmente es utilizado para realizar el bajo continuo. El clavicémbalo
fue sustituido progresivamente por el piano desde finales del siglo XVIII, aunque permaneció en uso durante
el siglo XIX, principalmente en la ópera y el oratorio.
− Serialismo: técnica compositiva del siglo XX, construida de acuerdo con permutaciones de un grupo de
elementos musicales organizados en un cierto orden, formando series. Estos elementos pueden ser sonidos
organizados en diferentes alturas, ritmos, timbres o texturas. La música serial engloba a la dodecafónica,
aunque el serialismo integral excluye el dodecafonismo. Autores: Stockhausen, Boulez y Babbit.
3. Tema: LA ÓPERA ROMÁNTICA
Características musicales de la Ópera romántica.
La Ópera romántica trata de dar respuesta tanto a la búsqueda de formas expresivas para las identidades
nacionales como a la necesidad de reivindicar y mostrar los aspectos individuales de los sujetos. Así,
comparte las características fundamentales del romanticismo musical: gusto por melodías amplias y
apasionadas, menos regulares que en el Clasicismo y con una fuerte influencia de la música popular en la
que se inspira; ritmos más complejos y libres, con la introducción de libertades interpretativas como el
Rubato; ampliación del espectro armónico con la introducción de nuevos acordes y, a medida que progresa
el siglo, la amplia utilización de alteraciones y disonancias que ofrecen una gran vaguedad tonal;
aprovechamiento de la creciente paleta sonora que ofrecen las innovaciones y mejoras técnicas en los
instrumentos orquestales, así como de las técnicas de orquestación que aportan un mayor colorido orquestal
mediante la combinación tímbrica y el uso de nuevas sonoridades.
La Ópera romántica en Italia
En Italia, la ópera, tanto la seria como la cómica, es un género de gran importancia durante todo el siglo
XIX. Conviven diferentes corrientes que explotan los argumentos históricos o fantásticos, y aunque se cuida
la acción dramática, sigue siendo muy importante el bel canto, la brillantez orquestal y el uso de personajes
estereotipados. La ópera seria es muy dramática, con argumentos románticos, y en ella predomina la voz
sobre la acción dramática y la orquestación. La ópera bufa o cómica es totalmente cantada, lo que la
diferencia de la de otros países.
El número de autores y su producción es especialmente amplia. En la primera mitad del siglo, destacan
Rossini (El barbero de Sevilla, Guillermo Tell), Donizetti (Lucia de Lamermoor, L’elisir d’amore), y Bellini
(Norma, I Puritani). En la segunda mitad, Verdi (Nabucco, Rigoletto, El Trovador, La Traviata, Aida)
representa la síntesis de las diferentes tendencias para crear un estilo propiamente italiano.
A finales de siglo surge el verismo, con Puccini (La Bohème, Tosca, Madame Butterfly) como principal
representante.
La Ópera romántica en Francia y Alemania
En Francia la ópera, cantada en francés, desarrolla tres géneros fundamentales: la Gran Ópera (primera mitad
del siglo XIX), la Ópera cómica y la Opereta (ambas en la segunda mitad). La Gran Ópera, cuyo principal
representante es Meyerber (Los Hugonotes), es un gran espectáculo, largo y fastuoso, en el que la orquesta y
el coro cobran gran importancia, y narra hechos heroicos e históricos. La ópera cómica, cuyos principales
autores son Gounod (Fausto) y Bizet (Carmen), tiene diálogos hablados y es más sencilla. La opereta es una
ópera bufa creada por Offenbach (Orfeo en los infiernos), cuyos argumentos son satíricos, y utiliza bailes de
moda como el galop y el cancán.
En Alemania, Weber (El cazador furtivo) será el principal impulsor de la renovación de la Ópera alemana en
la primera mitad del siglo XIX. Reaccionando contra el italianismo del siglo XVIII, establece los principios
básicos de la ópera romántica germana: la leyenda nacional, el singspiel (ópera cómica en la que se alternan
los números cantados con los diálogos hablados) y la utilización del alemán. Spohr (Jessondra) y Marschner
(Han Heiling) dan continuidad a esta orientación nacionalista con obras en la que predominan los
argumentos fantásticos y mitológicos. En la segunda mitad, Wagner (Tannhauser, Lohengrin, El anillo del
Nibelungo, Tristán e Isolda), bajo la idea de obra de arte total, crea el drama musical en el que se prioriza la
continuidad dramática por medio de técnicas como la melodía infinita o el leitmotiv, y se hace un uso de la
orquesta muy efectivo.
OPCIÓN B
1. Audiciones:
AUDICIÓN 1. Jota de estilo. Popular.
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Folklore
- Ritmo ternario
- Bandurria
COMENTARIO: (meramente orientativo, de aspectos musicales susceptibles de ser comentados en esta
audición).
Es una jota aragonesa, llamada de estilo por su forma y fraseo. De carácter sobrio, cantada por solista
masculino se relaciona con el estilo aragonés, siendo el navarro más suave y adornado. De carácter
pausado, y ritmo ternario, no es bailable. Tiene una introducción de guitarra y bandurria con un tema
repetido. Armónicamente alterna tónica-dominante. Al final de cada verso presenta el melisma típico de
la jota. El final es brusco, típico también de este tipo de jotas.
AUDICIÓN 2. Perotin: Sederunt principes.
Escriba las TRES opciones que considere correctas:
- Organum
- Polifonía
- Edad Media
COMENTARIO: (meramente orientativo, de aspectos musicales susceptibles de ser comentados en esta
audición).
Se trata de la pieza Sederunt principes del compositor francés Perotin o Magister Perotinus. Pertenece a
la música medieval europea y, dentro de ésta, al periodo conocido como Ars Antiqua. Perotin formó
parte de la llamada Escuela de Notre Dame, que floreció entre los siglos XII y XIII. Esta pieza es de
carácter litúrgico y utiliza las notas del gradual gregoriano del mismo nombre. La melodía gregoriana se
ubica en la línea melódica más grave (llamada vox principalis). Las otras tres voces realizan melismas
que están sometidos a los modos rítmicos. Se trata, por tanto, de un organum a cuatro voces u organum
quadruplum.
2. Defina o caracterice en no más de cinco líneas SEIS de los ocho términos y nombres siguientes:
- Verdi: Giuseppe Verdi (1813–1901) es uno de los principales compositores italianos del siglo XIX.
Dedicado fundamentalmente a la ópera, escribió 27 obras, entre ellas Nabucco, Rigoletto, La Traviata,
Otello o Falstaff. Representa el romanticismo operístico italiano de la segunda mitad del siglo XIX. Deja
atrás el belcantismo del primer período romántico (Rossini, Bellini, Donizetti) en favor de obras de un
mayor dramatismo vocal, expansión formal y dramatúrgica. Destacan en sus obras la presencia de grandes
agrupaciones corales.
- Mozart: Compositor austriaco del siglo XVIII. Se destacó como niño prodigio componiendo desde edad
muy temprana. Junto a Haydn representan el clasicismo vienés en la música. Escribió sinfonías, conciertos,
sonatas, música de cámara y óperas, entre otros géneros.
-Yembé: Instrumento de percusión utilizado en la música popular africana, de forma hemisférica sobre una
base cilíndrica, en cuya parte superior hay una membrana capaz de producir sonidos de diferente altura,
según la cercanía al centro de la misma del punto en que sea percutida.
- Dodecafonismo: Sistema de composición musical desarrollado principalmente por A. Schönberg hacia la
década de 1920, caracterizado por la estructuración musical basada en la serie de doce sonidos de la octava.
La serie es sometida a un tratamiento funcional unitario con sus tres variantes: inversión, retogradación e
inversión retrógrada. Fue adoptado por compositores como Berg y Webern, discípulos de Schönberg.
- Noverre: Bailarín y coreógrafo francés. El más importante maestro de danza del siglo XVIII; considerado
renovador de la danza, de los argumentos, el vestuario, la representación y la coreografía. Llevó adelante sus
concepciones teóricas y prácticas en el ballet de acción. Entre sus ballets se encuentran El juicio de Paris, La
muerte de Agamenón, Acis y Galatea y Las Horacias. Su obra Cartas sobre la danza y los ballets (1760)
recoge sus principales criterios teóricos.
- Ópera: Género teatral en el que los intérpretes cantan todas o gran parte de las partes acompañados de
instrumentos. Aparece en Italia a finales del siglo XVI como un intento de resucitar las tragedias griegas y se
extiende por toda Europa a partir del Barroco evolucionando hasta la actualidad a través de distintas épocas
y estilos. En ella se produce la unión de diversas artes pero es la música la que desempeña el papel
fundamental.
-Vihuela: Instrumento musical de cuerda pulsada del Renacimiento, fue el más popular en España durante el
siglo XVI a diferencia del resto de Europa donde lo era el laúd. Su aspecto es parecido al de la guitarra de la
que es antecesor. Solía tener 6 o 7 órdenes de cuerda afinados de forma muy similar al laúd. Posee tapa y
fondo planos, laterales poco profundos, mástil estrecho, clavijero y en ocasiones está decorada. También se
le denomina vihuela de mano.
- Ars Antiqua: Término utilizado para denominar la polifonía de los siglos XII y XIII, en contraposición a la
“nueva” escuela polifónica francesa del siglo XIV (Ars Nova). Destaca la polifonía litúrgica con textos en latín
y los procedimientos empleados en el conductus, el organum y el motete. Las escuelas fundamentales son: la
escuela aquitana, de Santiago de Compostela (Codex Calixtinus) y la de Notre Dame de París, con Leonin y
Perotin como compositores conocidos.
3. Tema: LA MÚSICA INSTRUMENTAL DEL CLASICISMO
La sonata como género: una parte fundamental del repertorio
El término sonata alude tanto a una forma como a un género musical que alcanzó su mayor definición durante
el Clasicismo. Con anterioridad a este período el término se utilizaba para referirse a varios tipos de música
instrumental, en oposición a la cantata.
Como género, la sonata a solo acompañada por un bajo continuo sigue siendo un modo de composición
vigente, no solo como continuación de una tradición, sino por el incipiente fenómeno del virtuosismo, que
podía desarrollarse en este tipo de composiciones, incluso más que en el concerto contemporáneo. De hecho,
las obras de muchos compositores de la época revelan un extraordinario dominio técnico del instrumento
solista, generalmente violín (Nardini, por ejemplo), aunque también otros como el violoncello (Boccherini). La
sonata para teclado, al mismo tiempo, crecía en popularidad. Destacan en este repertorio compositores como
Antonio Soler, autor de más de doscientas sonatas para clave, B. Galuppi, G. M. Rutii o C. P. E. Bach, J. Ch.
Bach y, finalmente, J. Haydn y W. A. Mozart, a quienes se puede sumar Beethoven en sus primera sonatas.
La música de cámara
El trío de cuerda, normalmente concebido como oposición de dos voces superiores, con similar importancia y
tesitura, y un bajo, que normalmente debe ser desarrollado armónicamente, paulatinamente da paso a obras en
las que la línea inferior gana protagonismo y se desvincula del papel del continuo. El repertorio más numeroso
lo conforma el trio para dos violines y violoncello, y más adelante la viola hace su aparición en sustitución del
segundo violín, cubriendo el espacio que media entre los otros dos instrumentos.
El cuarteto de cuerda, por su parte, se establece como género entre 1760 y 1780, siendo la agrupación
instrumental más característica de este período. La nueva concepción del lenguaje musical y la introducción de
la viola como voz intermedia entre los dos violines y el bajo posibilitaban sonoridades y texturas muy
apropiadas para el nuevo estilo, por lo que desde las obras de Boccherini hasta las de Haydn o Mozart los
principales compositores del período recurren a esta agrupación instrumental.
Asimismo, el quinteto con dos violas (Mozart, Brunetti) o con dos violoncellos (Boccherini,
fundamentalmente) aporta mayores posibilidades al cuarteto, y de hecho en ocasiones se entiende como un
cuarteto ampliado. En esta época el piano se empieza a introducir en combinación con otros instrumentos, tanto
de viento como, principalmente, de cuerda, surgiendo así el trío o cuarteto con piano.
La música sinfónica
En un principio la música orquestal, ligada a la aparición de un público, estuvo relacionada con la música de
cámara, de modo que muchas de las primeras obras se presentaban indistintamente como cuarteto (o trío) o
sinfonía. La obertura, en tres movimientos, gradualmente dio paso la sinfonía, denominaciones ambas que
muestran el origen teatral (único ámbito en el que hasta entonces existían orquestas) de este tipo de música.
Como en el caso de la música de cámara, gradualmente desaparecen los rasgos arcaizantes (se introduce la
viola, que se desvincula del bajo, desaparece el continuo, se normaliza la plantilla orquestal…), aunque existen
diferencias notables entre los compositores de diferentes centros: Viena (Gassman, Joseph Haydn, C. Ordóñez,
Dittersdorf), Mannheim (Stamitz, Richter, Cannabich), París (Gossec) y Londres (Abel, J. Ch. Bach, Boyce),
además de la tradición italiana (Sammartini) o la que se desarrolla en España (Baguer, Boccherini, Brunetti).
Culminando este proceso, los autores propiamente “clásicos”, Haydn, Mozart y Beethoven, en sus primeras
sinfonías, aportan un modo nuevo de entender el lenguaje musical, que es aceptado con rapidez en toda Europa.
Los principales géneros para orquesta son la sinfonía, por lo general en cuatro movimientos, el primero de los
cuales suele estar escrito en forma sonata, y puede estar precedido de una introducción lenta. EL segundo,
Lento, puede ofrecer mayor variedad en cuanto a su forma; el tercer movimiento, Minuetto, ofrece un contraste
principalmente rítmico, al ser ternario, y suele estar asociado a un segundo minuetto o Trio. Finalmente, el
cuarto movimiento, Allegro o Presto, comúnmente es una forma sonata, rondó, o rondó-sonata. La presencia de
temas con variaciones o de otras soluciones formales en el segundo o el cuarto movimiento da fe, finalmente,
de la diversidad de posibilidades que existían en la sinfonía.
El concierto, por otra parte, continúa siendo un género vigente, continuando una ya larga tradición. En la época
clásica el concierto consiste en la alternancia de un instrumento solista (en ocasiones dos) y la orquesta.
Habitualmente las obras tienen tres movimientos, el primero en forma de sonata. Los dos restantes suelen
contrastar formalmente y en cuanto a tempo de modo parecido a la sinfonía, si bien excluyendo el Minuetto.
Como género “intermedio”, fundamentalmente cultivado en Francia, existe también la sinfonía concertante, en
la que interviene un grupo heterogéneo de solistas.