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Maestranza
SEPTIEMBRE 2015 Revista de información del Teatro de la Maestranza de Sevilla, número 30
25 años contigo
COMIENZA LA TEMPORADA EN LA QUE EL TEATRO DE LA MAESTRANZA CELEBRA UN CUARTO DE SIGLO. DESTACAN LA ÓPERA OTELLO, LA
ZARZUELA LOS DIAMANTES DE LA CORONA, LA DANZA DE ROMEO Y JULIETA O LA ÓPERA PARA ESCOLARES Y FAMILIAS GUILLERMO TELL
Maestranza · Septiembre 2015
Maestranza
3
SUMARIO
REVISTA DE INFORMACIÓN DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA DE SEVILLA / NÚMERO 30 / SEPTIEMBRE 2015
ENTREVISTAS
Montserrat Iglesias
Emilio Galán
4
32
DIRECTORA DEL INAEM. La responsable del Instituto Nacional de Artes
Escénicas explica la participación del Ministerio de Cultura en el Teatro.
PRESIDENTE DE LA ASAO. Emilio Galán se pone al frente de la Asociación
Sevillana de Amigos de la Ópera con la intención de revitalizarla.
PROGRAMACIÓN
Calendario
6
TEMPORADA 2015-2016. Todos los espectáculos del primer
cuatrimestre de la temporada 2015-2016, con fechas y horarios.
Ópera
8
OTELLO. La composición de Verdi, coproducida por los teatros San Carlo
de Nápoles y Massimo de Palermo, abre la temporada de ópera.
Ópera para Familias
10
EL PEQUEÑO DESHOLLINADOR. Benjamin Britten compuso esta ópera
para niños en la que participa la Escolanía de Los Palacios.
Ópera para Escolares y Familias
11
GUILLERMO TELL. La compañía catalana La Baldufa ha adaptado la
ópera de Rossini, última del compositor.
Zarzuela
12
LOS DIAMANTES DE LA CORONA. Fantasía, exotismo y diversión son los
ingredientes de esta zarzuela de mediados del siglo XIX.
Danza
14
AALTO BALLETT ESSEN. Romeo y Julieta, con la música compuesta por
Prokofiev, podrá verse a principios de enero.
Danza
16
MES DE DANZA. El certamen celebra su 22 edición con dos propuestas
y una proyección de vídeo en la Sala Manuel García.
Grandes Intérpretes
17
CHICK COREA. El genial pianista de jazz estará acompañado en el
Maestranza por la banda The Vigil.
Flamenco
18
RAFAEL RIQUENI. El guitarrista, además de una selección de piezas de
su carrera, presenta Parque de María Luisa, su último trabajo.
Flamenco
20
FARRUQUITO. El genial bailaor contará con la presencia de varios
miembros de una de las grandes dinastías flamencas, los Farruco.
Conciertos
23
CONCIERTO DE NAVIDAD. El Teatro de la Maestranza celebra una fiesta
musical navideña con un programa centrado en los villancicos.
Coro
25
CELEBRACIÓN. El Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la
Maestranza cumple 20 años en esta temporada.
Aniversario
26
25 AÑOS DEL MAESTRANZA. Un recorrido por algunos de los mejores
momentos de los 25 años de historia del Teatro.
ROSS
28
TEMPORADA DE LA ORQUESTA. La ROSS también cumple 25 años en
esta temporada, centrada en la música mediterránea.
ACTUALIDAD
Universidad
30
La Universidad de Sevilla, a través del CICUS, organiza un programa
centrado en el rock y la música electrónica.
Edita: Teatro de la Maestranza / Dirección: Remedios Navarro / Coordinación editorial: Rocío Castro / Diseño, realización y maquetación: Promico Imagen /
Han colaborado en este número: Emilio Barberi, María José Blanco, Alejandra García, Juan María Rodríguez y Rafael Verdú / Fotógrafo del Teatro: Guillermo Mendo /
Imprime: Tecnographic, S.L. / Publicación trimestral / La revista Maestranza no se hace necesariamente responsable de la opinión de sus colaboradores, ni de los posibles cambios que pueda sufrir la programación /
Depósito legal: SE-3107/05. Teatro de la Maestranza. Paseo de Colón, 22. 41001 Sevilla Teléfono de información: 95 422 33 44 Fax: 95 422 59 95 e-mail: informacion@teatrodelamaestranza.es
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Redacción y Publicidad: SumaySigue Comunicación Web: www.sumaysigue.es Teléfono: 95 441 93 55 Fax: 95 441 84 02 E-mail: publicaciones@sumaysigue.net
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Maestranza · Septiembre 2015
ENTREVISTA
MONTSERRAT IGLESIAS
“LOS TEATROS LÍRICOS DEL PAÍS ESTÁN
REALIZANDO UN ESFUERZO DE CARA
A CONSEGUIR UNA PROGRESIVA
MENOR DEPENDENCIA DE LAS
ADMINISTRACIONES PÚBLICAS”
La directora general del Instituto Nacional de las
Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Montserrat
Iglesias, analiza la relación con el Teatro de la
Maestranza y los retos del sector en nuestro país.
E
n esta nueva etapa del INAEM,
su directora, Montserrat
Iglesias, ofrece las claves para
entender la relación entre uno
de los patronos del
Maestranza, el Ministerio de Cultura, y el
propio Teatro.
—¿Cómo se concreta la
aportación del Ministerio al Teatro
de la Maestranza?
—El INAEM aporta más de un 30%
del total de las contribuciones públicas a
las actividades del Teatro. La Secretaría
de Estado de Cultura está presente en su
órgano de gobierno junto al
Ayuntamiento, la Diputación y la Junta.
Como tal, participamos en los órganos de
gestión que analizan su funcionamiento,
la programación y los proyectos futuros
de la institución. Quiero destacar el
espíritu de colaboración que ha existido
entre todas las administraciones y la
búsqueda de acuerdos en todos los
asuntos que han afectado durante estos
últimos años al Teatro. Nuestra labor es
asegurar que ese dinero público sea
utilizado de la mejor manera, para hacer
cumplir los objetivos del Consorcio que
rige hoy en beneficio de la vida cultural
andaluza en particular y de la cultura y la
sociedad española en general.
—En el actual contexto
económico, ¿Cómo ha evolucionado
la contribución del INAEM al Teatro?
—En 2012, debido a la coyuntura
económica, nos vimos obligados a
plantear unos presupuestos de contención,
más austeros y realistas. Aquel esfuerzo
fue adoptado primero en nuestras propias
unidades, donde se racionalizaron gastos y
se optimizaron recursos. Este principio de
sujeción se trasladó, de cara a 2013, a las
líneas de financiación estatal de los centros
líricos del país, restringiendo las
subvenciones nominativas destinadas a
consorcios, fundaciones y patronatos en
cuyos órganos de gobierno participaba el
INAEM. Éste último fue el caso del
Maestranza que vio reducida su aportación
para 2013, al igual que entidades
homólogas. Gracias a la paulatina
recuperación económica hemos
conseguido, año tras año, ir aumentando
la subvención al Maestranza,
concretamente en un 34% en el ejercicio
de 2014, un 14% en el del 2015 y está
previsto volver a hacerlo en un 3,5% de
cara al 2016.
—¿Se empieza a ver la
recuperación económica en el sector
de la cultura en general y de las
artes escénicas en particular?
—Esperamos que lo peor en
términos presupuestarios haya pasado
ya que, por primera vez en esta
legislatura, comienza una reactivación
del apoyo público a la cultura, como
quedó plasmado en el ascenso de un
4,3% en los presupuestos del Estado
para la Cultura en 2015 respecto a 2014.
En este punto quiero señalar la apuesta
del INAEM para reactivar la
programación de teatro, danza y circo en
los espacios escénicos de las entidades
locales con la segunda edición del
Programa Platea. De igual forma, el
INAEM ha hecho un esfuerzo para
mantener su objetivo de promover las
artes escénicas y la música en todas sus
manifestaciones, así como la proyección
nacional e internacional de la creación
artística y del patrimonio escénico y
musical de nuestro país. Por un lado,
mediante una política intensiva de giras
nacionales e internacionales, explorando
nuevas formas de colaboración, tales
como las coproducciones con empresas
privadas y entidades públicas para
compartir recursos y mejorar los
resultados y, por otro, a través de la
consolidación en este 2015 de las ayudas
por convocatoria pública a la música, la
lírica, la danza, el teatro y el circo, que
alcanzan los 14 millones de euros.
—El Gobierno ha anunciado una
serie de incentivos fiscales para los
patrocinadores privados del sector
cultural en lugar de la Ley de
Mecenazgo. ¿En qué consisten y
cuándo cree que estarán
implementados?
—En el ámbito del mecenazgo, la
reforma fiscal aprobada cumple el
objetivo de aumentar los incentivos
fiscales para impulsar una mayor
participación de la sociedad civil y
empresarial en las actividades vinculadas
a la cultura. La nueva Ley del impuesto
sobre sociedades regula, por primera
vez, la figura del micromecenazgo. De
este modo, las personas físicas podrán
aplicar una deducción del 75% en el
IRPF respecto a los primeros 150 euros
de donación que realicen para
actividades culturales. Así mismo, la
reforma fiscal estimula la fidelización
de las donaciones por parte de las
personas físicas. Adicionalmente, las
artes escénicas y musicales también se
ven favorecidas ya que la reforma fiscal
introduce, por primera vez, una
deducción para este ámbito del 20%
de los gastos realizados en la
producción y exhibición de
espectáculos.
—El Teatro de la Maestranza
cuenta, además de los patronos
institucionales, con las
aportaciones de patrocinadores
privados y mecenas
particulares. ¿Cree que el futuro
de los grandes teatros pasa por
una mayor implicación de la
sociedad?
—El mundo empresarial debe
recibir estímulos para aportar
financiación a los proyectos
culturales. En este sentido, la
nueva regulación que acabo de
comentar parte de una serie de
principios básicos como el dar
mayor protagonismo a la
responsabilidad y participación
social de los ciudadanos e
intensificar la actividad de sectores
tradicionales como los
espectáculos en vivo de artes
escénicas y musicales. De igual
forma, la responsabilidad conjunta
pública y privada debe suponer un
trasvase de activos financieros
pero también de técnicas
aplicadas. Me consta que todos los
teatros líricos del país están
realizando un especial esfuerzo en
este sentido, de cara a conseguir
una progresiva menor dependencia
de las administraciones públicas.
Maestranza · Septiembre 2015
ENTREVISTA
—Otro aspecto importante en
la gestión de los teatros es su
interés como atractivo turístico, y
el Teatro de la Maestranza cuenta
con un importante acuerdo con un
gran touroperador. ¿Considera que
habría que potenciar este aspecto?
—Sin duda, ya que en las últimas
décadas, en paralelo a los grandes
cambios de índole social, económica,
política o tecnológica, el turismo
también ha evolucionado: la oferta se
ha desarrollado considerablemente
en el transcurso de los últimos 30
años. Ante la globalización y el
desarrollo de los medios de
comunicación, el turista nacional e
internacional tiene acceso a más y
mejor información sobre los destinos
y sus posibilidades. Por ello, hoy más
que nunca, demanda servicios y
experiencias de la más alta calidad. La
oferta cultural del Maestranza otorga
a la ciudad de Sevilla, y a Andalucía
en general, un valor añadido
innegable. Además, no hay que
olvidar que existen más de 100 títulos
líricos inspirados en la ciudad o su
gente. La calidad de la vivencia del
visitante está en relación a su
satisfacción plena, derivada de una
experiencia única que se integre por
una real interacción con la cultura de
la comunidad receptora. El turismo de
carácter cultural, el que proporciona
un enriquecimiento personal, es sin
duda la avanzadilla del modelo
turístico del futuro.
—¿Cómo valora la
programación de la próxima
temporada del Teatro de la
Maestranza?
—Quiero aquí subrayar el
esfuerzo llevado a cabo por los
responsables del Teatro por concebir,
pese a las limitaciones
presupuestarias, una programación
de gran calidad. El Maestranza es hoy
un perfecto ejemplo de espacio
multidisciplinar que lleva años
aprovechando todo su potencial para
acoger muy variadas
manifestaciones. No se limita a la
lírica sino que en su programación,
junto a la ópera y la zarzuela,
conviven otros géneros y estilos:
desde danza a conciertos sinfónicos,
pasando por recitales o flamenco, tan
importante desde el punto de vista
patrimonial. En cuanto a la lírica, y en
la línea del reciente éxito que obtuvo
el estreno de Dr. Atomic, tengo que
aplaudir la decisión de asumir el
estreno absoluto en España, en
escena, de un título tan relevante
como Der König Kandaules de
Zemlinsky, o la de programar la
producción proveniente del Teatro de
la Zarzuela Los diamantes de la
corona. En definitiva, creo que se trata
de una temporada inteligente que,
sobre la premisa de la calidad, logra
combinar en sus propuestas estrenos
absolutos en nuestro país con títulos
más tradicionales y consagrados.
—¿Cree que en el futuro los
teatros líricos tendrán que
renunciar a las grandes
producciones? La coproducción
entre teatros españoles, ¿es una
posibilidad para seguir
programando espectáculos de
gran calidad?
—Desde el INAEM se ha instado
a la Asociación de Teatros,
Festivales y Temporadas Estables
de Ópera en España a diseñar una
nueva manera de colaboración para
el futuro que trabaje más por la vía
de las coproducciones y la
movilidad de los espectáculos entre
los teatros líricos. Un primer paso en
este necesario camino debería
darse en aquellas producciones
destinadas al fomento de nuevos
públicos, con coproducciones
infantiles y familiares, ajustadas en
formato y presupuesto, que podrían
moverse fácilmente por el actual
mapa lírico español. M
Montserrat Iglesias, directora del Instituto Nacional de las Artes Escénicas.
5
T E AT RO D E L A M A E S T R A N Z A
Director artístico: Pedro Halffter
1 Y 2 DE OCTUBRE
30 DE OCTUBRE
3 programa de En torno a...
abono de la ROSS Otello
er
En este concierto, dedicado a la
música francesa, la ROSS interpretará
obras de Franck, Bizet y Offenbach,
con Philippe Bender como director.
El día previo al inicio de las funciones
de la ópera Otello, la Sala de Prensa
acoge un conferencia sobre esta
composición.
4 Y 5 DE NOVIEMBRE
Mes de Danza
La segunda cita del Mes de Danza, de
nuevo en la sala Manuel García,
contará con la presencia de María
Muñoz de la compañía Mal Pelo.
8 Y 9 DE OCTUBRE
17 Y 18 DE SEPTIEMBRE
4º programa de
1er programa de abono de la ROSS
abono de la ROSS
John Axelrod dirige a la ROSS en el
primer programa de la temporada,
con obras de Nuria Núñez, Aaron Jay
Kernis y Antonín Dvořák. El concierto
tiene como lema ¡Nueva era!
Sombras de España es el título de
este programa en el que Vahan
Mardirossian dirigirá la Orquesta para
intepretar obras de Albéniz, Sallinen y
Shchredrín, con Víctor García García
como solista de violonchelo.
24 Y 25 DE SEPTIEMBRE
18 DE OCTUBRE
7 DE NOVIEMBRE
31 DE OCTUBRE,
3, 6 Y 9 DE NOVIEMBRE
2º programa de
Música de Cámara
abono de la ROSS La Orquesta de Cámara de la ROSS Otello
Las Impresiones árabes, con obras
como Scheherazade de RimskiKórsakov o el concierto Egipcio de
Saint-Säens centran este programa,
bajo la dirección de Stanislav
Kochanovsky y con Alexei Volodin al
piano.
26 DE SEPTIEMBRE
Katharsis
Katharsis es un espectáculo musical
fruto de una iniciativa pedagógica
denominada Crecer Cantando, Crecer
Soñando y de la asociación de
batukada BatuKalaveri.
abre el XXVI ciclo Música de Cámara
con un programa con obras de Farrenc
y Spohr, en la sala Manuel García.
29 Y 30 DE OCTUBRE
Mes de Danza
La sala Manuel García acoge la
edición número 22 del certamen Mes
de Danza, que cuenta con la
participación de la bailarina Raquel
Madrid.
El intenso drama de Verdi basado en
la obra de Shakespeare sirve para
iniciar la temporada de ópera del
Maestranza. Otello es una
coproducción de los teatros Massimo
de Palermo y San Carlo de Nápoles,
con dirección musical de Pedro
Halffter y escénica de Henning
Brockhaus. Los principales intérpretes
son Gregory Kunde, Julianna Di
Giacomo, Ángel Ódena, Francisco
Corujo, Roman Ialcic y Mireia Pintó.
Chick Corea &
The Vigil
Uno de los músicos más reconocidos y
premiados del mundo, Chick Corea,
vuelve al Teatro de la Maestranza, en
esta ocasión con la banda The Vigil,
dentro del ciclo Grandes Intérpretes.
8 DE NOVIEMBRE
Música de Cámara
En el segundo concierto del ciclo de la
Orquesta de Cámara de la ROSS se
podrán escuchar obras de
Shostakóvich y Bach.
21 DE NOVIEMBRE
9, 10 Y 11 DE DICIEMBRE
20 DE DICIEMBRE
Rafael Riqueni
Guillermo Tell
El ciclo de Flamenco del Maestranza
recibe al laureado guitarrista Rafael
Riqueni, que presentará su último
trabajo, Parque de María Luisa,
inspirado en el espacio verde
sevillano.
La Ópera para Escolares y Familias
comienza con este espectáculo
basado en la ópera de Rossini que
pone en escena la compañía La
Baldufa.
Concierto de
Navidad
El Teatro de la Maestranza ofrece su
tradicional Concierto de Navidad,
pensado para el disfrute de las
familias.
12 DE DICIEMBRE
30 DE NOVIEMBRE
12 Y 13 DE NOVIEMBRE
5º programa de
abono de la ROSS
Con el sugerente título La libertad,
Giacomo Sagripanti dirige a la ROSS
en un programa centrado en
Mendelssohn, Mozart y Vacchi, con
Sebastian Knauer al piano.
En torno a... Los
diamantes de la
corona
Dos días antes de la primera función
de la zarzuela de la temporada tendrá
lugar una conferencia sobre Los
diamantes de la corona en la Sala de
Prensa.
6º programa de
abono de la ROSS
En este nuevo concierto de abono el
lema es Francia se inspira en España.
John Axelrod dirigirá a la ROSS, que
interpretará obras de Ibert, Chabrier y
Ravel.
La New York Chamber Orchestra,
dirigida por Kynan Johns, junto a la
Sociedad Coral Excelentia de Madrid,
interpretarán la Novena Sinfonía de
Beethoven. Organizan La Razón y
Fundación Excelentia.
De nuevo el ciclo de Ópera para
Familias vuelve al Teatro con una
ópera de Benjamin Britten producida
por el Maestranza.
3 DE ENERO
Concierto de
Música de Cámara Año Nuevo
13 DE DICIEMBRE
2, 4 Y 5 DE DICIEMBRE
19 Y 20 DE NOVIEMBRE
27, 28 Y 29 DE DICIEMBRE
New York
Chamber Orchestra El pequeño
deshollinador
Los diamantes de
la corona
La zarzuela de la temporada
2015-2016 es Los diamantes de la
corona, de Francisco Asenjo Barbieri
con texto de Francisco Camprodón. El
Teatro de la Zarzuela produce este
espectáculo dirigido por Oliver Díaz
(música) y José Carlos Plaza (escena).
3 DE DICIEMBRE
Gabriel Ureña
El ciclo Jóvenes Intérpretes arranca
con la actuación del violonchelista
Gabriel Ureña, en la sala Manuel
García.
Un conjunto de villancicos y música
popular navideña ocupan este
concierto del ciclo, a cargo del Royal
Brass Quintet, en la sala Manuel García.
La ROSS recibe al año 2016, en el que
cumple 25 años, con un concierto de
Año Nuevo basado en polkas y
danzas populares.
15 Y 16 DE DICIEMBRE
7, 8, 9 Y 10 DE ENERO
Farruquito y
familia
Romeo y Julieta
Juan Manuel Fernández Montoya,
más conocido como Farruquito,
muestra su baile flamenco.
17 Y 18 DE DICIEMBRE
El Mesías
John Butt dirige a la ROSS en el
Concierto Participativo de Navidad.
Colabora Obra Social “la Caixa”.
El Aalto Ballett de Essen (Alemania)
actúa en el Maestranza con Romeo y
Julieta de Prokofiev, con coreografía
del propio director de la compañía,
Ben Van Cauwenbergh.
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
Una escena de Otello en la
producción de los teatros de
Palermo y Nápoles.
L. ROMANO
8
La osadía de
un anciano
Otello, penúltima ópera de Verdi, es un ejemplo de innovación y vanguardia 127
años después de su estreno. Los teatros San Carlo de Nápoles y Massimo de
Palermo producen la versión que podrá verse en el Maestranza.
OTELLO | ÓPERA | 31 DE OCTUBRE, 3, 6 Y 9 DE NOVIEMBRE
D
esde la escena de la
tormenta que abre la
ópera, con una orquesta
furiosa que irrumpe con
gran violencia cromática y
una tonalidad confusa, Otello, basada
en el célebre drama de Shakespeare y
uno de los títulos verdianos —es decir,
de todo el repertorio— de mayor
intensidad dramática, ambición musical
y exigencia vocal, proclama por qué ha
pasado a la historia como un ejemplo
de la permanente búsqueda de la
innovación en un creador ya
consagrado, pues Giuseppe Verdi (18131901) era ya un anciano de 74 años
cuando la estrenó en la Scala de Milán
en 1887. Es difícil encontrar en la
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
historia de la ópera un título en el que
un maestro ya aclamado por el público
arriesgue tanto.
Y es paradójico pues, con libreto de
Arrigo Boito y distribuida en cuatro
actos, Otello, penúltima ópera de Verdi,
surgió realmente de las maniobras de
su editor, Giulio Ricordi, quien intrigó
para devolver al compositor al trabajo,
pues Verdi se había retirado tras el
estreno de Aida en 1871 y parecía
haber perdido su interés en una
creación, la operística, que ya lo había
consagrado como un genio universal.
Convencido por Ricordi y el director
Franco Faccio, Verdi aceptó trabajar
sobre el drama de Shakespeare
aunque, inicialmente, el título del
proyecto no fue Otello, sino Iago, el
alférez y amigo del gran general de la
armada veneciana que infundirá unos
dramáticos celos en su relación con su
esposa, Desdémona.
El proceso de creación de la ópera, a
la manera de un raro culebrón cultural,
fue seguido con una expectación inusual
por la opinión pública italiana y
rápidamente concitó el máximo interés
de la industria operística internacional
de la época: numerosos directores,
cantantes y casas de ópera europeas se
mostraron dispuestas a colaborar en el
proyecto. De la excepcionalidad del
proceso de creación da cuenta que Verdi
se reservó la posibilidad de cancelar el
estreno hasta el último momento.
El estreno fue un éxito rotundo y,
ello, a pesar de la sorprendente factura
de la ópera, pues en Otello, y al decir
del especialista Arturo Reverter, “Verdi
inaugura lo que podría denominarse un
nuevo lenguaje, apreciable tanto en la
estructura, un continuum exento de
números por completo cerrados
—inexistentes en su ópera
inmediatamente anterior, la ya lejana
Aida— como en el empleo de la
orquesta, que posee vida propia y que
sirve de base a una auténtica trama
sinfónica de vívido colorido o en el
tratamiento dado a la voz que aparece
fundida en y con aquella”. Obra de
intensa concisión dramática —acertada
síntesis de la obra de Shakespeare
resumida por Boito— y de penetrante
retrato psicológico de los personajes,
Verdi despliega en Otello una gran y
poderosa orquesta que justifican
claramente su recibimiento como una
obra rabiosamente moderna. La
potencia de momentos vocales tan
extraordinarios como el Credo in un Dio
crudel —”un sombrío monólogo en el
que se expresa una especie de
religiosidad al revés, una verdadera
mística del infierno”, en la precisa
definición de Barraud—, la Canción del
sauce o el Ave María —una página
refinadísima y angelical— han
consagrado la obra como una pieza
excepcional entre el gran repertorio
operístico, atrayendo hacia sus roles
principales a voces tan legendarias
como Ramón Vinay, Plácido Domingo,
Mario del Mónaco, Jon Vickers, Mirella
Freni, Renata Scotto, Renata Tebaldi,
Peter Glossop, Paul Schöffler y
Fischer-Dieskau. Directores míticos
como Toscanini, Furtwängler, Karajan,
Serafin o Barbirolli han dejado también
su impronta en un título de tan
poderoso aliento orquestal que durante
mucho tiempo resultó un tópico discutir
la posible influencia de Wagner en la
escritura de esta penúltima obra de
Verdi, sin duda una de sus óperas en las
que música y drama se funden más
intensamente.
A raíz de un encuentro con Verdi en
el que escuchó fragmentos de Otello,
tocados al piano, Giacosa, libretista de
Puccini, anotó: “Puede decirse que
veíamos brotar ante nuestros ojos la
flor de la melodía y la palabra,
conducida a su extrema potencia
fónica, se transmutaba en ondas
sonoras que arrastraban las infinitas
angustias de las que es capaz el alma
humana”, en cita recuperada por Arturo
Reverter.
La producción
Pedro Halffter dirige a la Real
Orquesta Sinfónica de Sevilla, el Coro
de la Asociación de Amigos del Teatro
de la Maestranza y la Escolanía de Los
Palacios en una coproducción de los
teatros San Carlo de Nápoles y
Massimo de Palermo, al frente de un
gran reparto internacional liderado
por Gregory Kunde, celebrado tenor
norteamericano que ha encarnado el
rol, que exige una voz dramática de
centro poderoso y grave, bajo la
dirección, entre otros grandes
maestros, de Zubin Mehta. Kunde es
uno de los pocos tenores que ha
encarnado tanto al Otello de Rossini
como al de Verdi. La crítica
internacional ha resaltado de su
encarnación del temible y celoso
moro veneciano su registro “de
bronce” así como su exquisita
capacidad para el estilo italiano.
Julianna Di Giacomo, también
norteamericana, que ha cantado en las
grandes casas de ópera (Metropolitan,
Los Ángeles, Scala, Teatro Real…) o bajo
la dirección de maestros como Gustavo
Dudamel, ha destacado, entre otros
repertorios, como brillante intérprete
de Verdi en títulos como Luisa Miller o Il
trovatore. Por su parte, el barítono
tarraconense Ángel Ódena, una de las
grandes voces de la nueva lírica
española y un artista de amplio
repertorio, confiesa que Verdi es uno de
sus compositores favoritos. Así, ha
participado en Falstaff —con debut en
el Concertgebouw de Ámsterdam—, La
traviata —en el Teatro Real o Liceu de
Barcelona, entre otros—, Il trovatore en
el Metropolitan de Nueva York o Don
Carlo en el Teatro de la Maestranza de
Sevilla.
Voces, pues, de aquilatada
experiencia verdiana para uno de los
más ambiciosos, dramáticos y
turbulentos títulos del gran genio de
Busseto, puesto en escena por el
sorprendente escenógrafo alemán
Henning Brockhaus, que fue asistente
y colaborador del gran Giorgio
Strehler. M
9
10
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
auténticos —en lugar de cantantes
profesionales— interpreten las
partes destinadas a ellos”, mientras
que para los personajes adultos se
requerían amateurs con talento.
Música para niños
El pequeño deshollinador, en la producción del Teatro de la Maestranza.
Un cuento de Navidad
para las familias
El Teatro de la Maestranza repone su producción de la ópera para niños El pequeño
deshollinador, de Benjamin Britten. Las tres funciones tendrán lugar en Navidad y
contarán con la participación de la Escolanía de Los Palacios.
EL PEQUEÑO DESHOLLINADOR | ÓPERA PARA FAMILIAS | 27, 28 Y 29 DE DICIEMBRE
E
l pequeño deshollinador
es una ópera
especialmente pensada
para niños compuesta por
Benjamin Britten
(1913-1976) con texto del director de
teatro y libretista Eric Crozier
(1914-1994), estrenada en 1949.
Aunque en un principio la ópera
formaba parte de un proyecto
didáctico más amplio y ambicioso
(Hagamos una ópera), ambos
autores coincidieron en señalar
desde el principio que El pequeño
deshollinador tenía el carácter
suficiente como para ser
representada por separado.
La ópera, basada en dos poemas
del pintor y poeta inglés William
Blake (1757-1827) en los que ponía
de manifiesto las penosas
condiciones del trabajo infantil de la
época, consta de tres escenas y
suele representarse con una
orquesta de cámara, pues está
concebida como un espectáculo que
requiere de pocos recursos: un
cuarteto de cuerda, piano y
percusión. Britten compuso dúos,
tríos, cuartetos, un aria y por
supuesto los coros, parte
fundamental de esta ópera que,
además, requiere de la participación
del público en algunos números del
principio, las llamadas Canciones del
público. Según el propio Crozier,
“resolvimos el prefacio de El
pequeño deshollinador con una obra
mostrando niños y adultos
preparándose para interpretar la
ópera que ellos habían escrito
supuestamente, lo que permitiría al
director ensayar con el público sus
canciones”. Mientras, Britten
consideraba esencial que “niños
La obra de Benjamin Britten está muy
ligada a la composición para niños, a
los que consideraba como los
músicos del futuro y con una innata
capacidad para la interpretación.
Entre sus obras más destacadas para
niños están La guía de orquesta para
jóvenes, un encargo del Gobierno
inglés de 1941; la cantata San Nicolás,
su primera gran composición para
jóvenes amateurs; o El diluvio de
Noé, entre otros muchos. Además,
empleó voces infantiles para otras
composiciones para público adulto,
como sinfonías u óperas. Un claro
ejemplo de la influencia de Britten en
la música para niños y jóvenes está
en su nombramiento como Doctor
Honoris Causa en Música por la
prestigiosa Universidad de
Cambridge en 1959, que consideró
que “no hay nadie que componga
tanta música y de mejor gana para
niños y niñas”.
El pequeño deshollinador narra
la historia del pequeño Sammy, que
trabaja en la Inglaterra victoriana
limpiando chimeneas en unas
condiciones deplorables y al que
otros niños ayudan a escapar de su
situación. Casi todos los personajes
son arquetipos, como el explotador
Black Bob, su condescendiente hijo
Clem, la institutriz Rowan, la dura
ama de llaves, Miss Baggott, y, por
supuesto, los hermanos Juliet, Gay y
Sophie Brook, que luchan para
ayudar a Sam. En la version que
podrá verse en el Maestranza, no
obstante, la acción se ha trasladado
a un internado.
El pequeño deshollinador (27, 28
y 29 de diciembre, Ciclo Ópera para
Familias) es una producción del
Teatro de la Maestranza que cuenta
con la dirección musical de Manuel
Busto y escénica del dramaturgo
Juan Dolores Caballero (Teatro del
Velador), con la participación de la
Escolanía de Los Palacios. Un título
ideal para disfrutar de la Navidad en
familia. M
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
E
Guillermo Tell, producción del Gran Teatre del Liceu.
n su origen (fue estrenada
en 1829), Guillermo Tell de
Gioachino Rossini (17921868) pertenecía al
subgénero de la grand
opera, muy del gusto francés de la
época, caracterizado por las
enormes proporciones de todos los
elementos que forman parte de una
ópera: desde los escenarios y la
fastuosidad musical hasta la
abundancia de personajes y la
duración de la obra (la versión
original contaba hasta cuatro horas
de función). Además, en la grand
opera solían incluirse números de
ballet, por lo general en el segundo
acto.
Todo aquel gigantismo se ha ido
simplificando con el tiempo y hoy en
día existen diferentes versiones (las
italianas, por ejemplo, son más
breves), como la adaptación para
niños que ha hecho la compañía
catalana La Baldufa y que visitará el
Maestranza dentro del ciclo Ópera
para Escolares y Familias (en doble
sesión matinal para centros
escolares los días 9, 10 y 11 de
diciembre, y una función familiar
vespertina el día 10), en una
producción del Gran Teatre del Liceu
de Barcelona en colaboración con la
Obra Social “la Caixa”.
Y es que la historia del joven
Guillermo Tell se adapta a la
perfección a los gustos de los más
pequeños, pues puede ser narrado
como un cuento de aventuras,
centrándose en las hazañas de aquel
Guillermo Tell, un
héroe para niños
La compañía La Baldufa ha adaptado para niños la ópera
Guillermo Tell de Rossini. Las funciones para los escolares
contarán con la colaboración de Obra Social “la Caixa”.
GUILLERMO TELL | ÓPERA PARA ESCOLARES Y FAMILIAS | 9, 10 Y 11 DE DICIEMBRE
héroe suizo que se hizo famoso por
la leyenda de su puntería con el arco.
Así lo ha hecho La Baldufa,
incluyendo grandes dosis de humor,
frescura y acción que no se detiene a
lo largo de la hora que dura el
espectáculo. La compañía catalana
se ayuda de diferentes técnicas
escénicas adaptadas para los más
pequeños, como el uso de objetos,
títeres y proyecciones audiovisuales.
La versión de La Baldufa
En esta versión de Guillermo Tell, la
ópera arranca con un grupo de
comediantes que instalan su
escenario en un pueblo. Son el propio
Guillermo Tell, su esposa y su hijo,
varios compañeros y un puñado de
soldados austríacos. Con ello le basta
a La Baldufa para poner en pie la
historia de rebeldía del certero
Guillermo frente al dominio austriaco,
aunque adaptada para que pueda ser
entendida por el público al que va
destinada.
La ópera está diseñada para
nueve intérpretes entre músicos
(piano, flauta y trompa), cantantes y
actores. Cuenta con la dirección
musical de Olga Kharitonina y Ramón
Molins como director de escena, con
adaptación musical de Albert Romaní.
La compañía La Badufa es uno de los
referentes nacionales en cuanto a
espectáculos para niños. En este
mismo año ha ganado el premio al
mejor espectáculo en la Feria FETEN
de Gijón por su adaptación de
Pinocchio. M
En esta versión de
Guillermo Tell, la ópera
arranca con un grupo de
comediantes que
instalan su escenario en
un pueblo
11
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
La reina forajida
de los pobres
Exotismo, comedia y decorados de fantasía para las aventuras de una aristócrata que se
convierte en bandida son los ingredientes de la zarzuela Los diamantes de la corona,
compuesta a mediados del XIX por Francisco Asenjo Barbieri con libreto de Francisco
Camprodón. El Maestranza programa una producción del Teatro de la Zarzuela.
que aparecen princesas, soldados,
bandoleros o monjes. “El espectador
debe venir al teatro con un espíritu
parecido al de los niños, con la
intención de jugar y divertirse sin
parar. La música es excelente, los
vestidos, propios de verdaderas
princesas, y los decorados
palaciegos recuperan la tradición de
los telones pintados decimonónicos.
Y el texto, en verso, no añade
dificultades, así que todo parece fácil
y ligero. Un espectáculo con el que
se recupera también algo de nuestra
propia infancia”, ha descrito la
puesta en escena José Carlos Plaza.
Un original mejorado
LOS DIAMANTES DE LA CORONA | ZARZUELA | 2, 4 Y 5 DE DICIEMBRE
A
mediados del siglo XIX,
en España era frecuente
la traducción o
adaptación de textos
traídos del teatro lírico
francés, favorecida tanto por el flujo
de compositores españoles que
viajaban continuamente al país
vecino como porque la opéracomique y la zarzuela compartían la
alternancia de partes habladas con
otras cantadas. Un ejemplo
emblemático de esa corriente y uno
de los mejores títulos de nuestra
zarzuela grande es, sin duda, Los
diamantes de la corona.
Estrenada en el Teatro Circo de
Madrid en 1854, Los diamantes de la
corona es una de las partituras
fundamentales de Francisco Asenjo
Barbieri, con texto de Francisco
Camprodón, cuya recuperación por el
Teatro de la Zarzuela de Madrid en
2009, en esta producción con brillante
dirección de escena de José Carlos
Plaza, ha sido celebrada
unánimemente por la crítica.
Inspirada en una ópera cómica
francesa de Auber con libreto de
Eugène Scribe —que Larra
consideraba “divertidísimo” y que fue
uno de los dramaturgos franceses
más traducidos en España de su
tiempo, donde sus vodevils se
transformaban en sainetes, con o sin
música: hasta el estreno de Los
FERNANDO MARCOS
12
diamantes..., algunas zarzuelas
ocultaban su inspiración directa en el
vodevil francés—, la historia narra las
aventuras de una aristócrata y forajida
en el Portugal del siglo XVIII a lo largo
de un relato lleno de acción trepidante
planteado como un cuento infantil
que permitirá a los espectadores
adultos “recuperar algo de nuestra
propia infancia”, en palabras de José
Carlos Plaza.
La historia, que reproduce la
vieja leyenda de la rica aristócrata
favorecedora de los pobres que
emplea los tesoros de la monarquía
para mejorar las condiciones
sociales de su pueblo, parte del
supuesto de que la reina María de
Portugal está a punto de cumplir la
mayoría de edad; hasta que llega
ese momento, se ocupa de la
regencia el conde de Campomayor.
La reina conoce las penurias de su
pueblo mientras que en el joyero
real hay abundantes alhajas, por lo
que decide convertirlas en dinero,
sustituyendo para ello las piezas
auténticas por otras falsas sin que
nadie lo sepa. A partir de ahí, se
sucede un auténtico cuento en el
La trama, en tres actos, de Camprodón
obedece casi íntegramente al original
francés de la obra de Scribe y Auber,
estrenada 11 años antes, aunque el
dramaturgo español cambia algunas
situaciones dramáticas y no traduce
literalmente el texto, pero sí preserva
su espíritu, puliéndolo
dramáticamente hasta el punto de que
los especialistas consideran que el
libreto de Camprodón mejora y supera
al de Scribe. Sin embargo, ese libreto
fue rechazado por varios compositores
antes de que Barbieri aceptara ponerle
música. En su estudio de la obra para
el Teatro de la Zarzuela, del que
procede la producción, María Pilar
Espín sostiene que Los diamantes de la
corona representa un ejemplo
emblemático de la historia de nuestra
zarzuela grande y uno de los éxitos
que ayudaron a su consolidación. “Este
título, a pesar de tener una fuente
francesa, Les diamands de la
couronne, se puede considerar una
obra totalmente original, que respira
con autonomía propia en cuanto a
desarrollo de la historia y composición
musical”.
A pesar de que algunos de sus
números —como el coro Vuelta al
trabajo, el bolero Niña que a vender
flores vais a Granada o el final del
segundo acto, Mil parabienes al
orador— pertenecen a la memoria
sentimental de los amantes del
género, Los diamantes de la corona
no volvió plenamente al circuito
escénico hasta que esta producción
nos permite la oportunidad de
disfrutar su partitura completa. En la
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
obra, Barbieri (1823-1894), que
compuso unas 60 zarzuelas y es
considerado una figura determinante
en la construcción del teatro lírico
español, además de impulsar la
musicología en España junto a Pedrell,
desarrolla números musicales de gran
enjundia y belleza, así como de cierta
influencia italiana, a la manera de
Bellini y Donizetti, como era común
en la zarzuela española de la época,
aunque también usa ritmos de polka,
procedente de la opereta.
La nueva producción
A la derecha y en la página
anterior, la colorida puesta en
escena de Los diamantes de la
corona, que refleja el
ambiente cortesano propio del
siglo XVIII.
FERNANDO MARCOS
Según Espín, Los diamantes de la
corona certifica que Barbieri “estaba
en posesión de toda la técnica
musical” de su tiempo. El estreno fue
un éxito y se dieron 27
representaciones. Sin embargo,
durante el siglo XX la obra casi
desapareció de los escenarios, salvo
su reposición en Madrid en 1939,
hasta que esta divertida producción
de José Carlos Plaza recuperó en 2010
toda la brillantez y la potencia de Los
diamantes de la corona, que combina
ambientación pseudohistórica,
fantasía, comedia sentimental y un
aire de cuento moral en el que
prevalece, por la generosidad y la
valentía aristocráticas, la justicia
social. Todo ello servido sobre
exóticos fondos de decadentes
grutas, peligrosas montañas o
dorados palacios reales con profusión
de disfraces, escenas de
desenmascaramientos y otras
situaciones de gran comicidad.
Oliver Díaz, titular de la Sinfónica
Ciudad de Gijón y de la Barbieri
Symphony Orchestra, un músico que
amplió su formación en Baltimore y
en la Juilliard School, dirige a la Real
Orquesta Sinfónica de Sevilla y al Coro
de la Asociación de Amigos del Teatro
de la Maestranza junto a un amplio
reparto en el que destacan Sonia de
Munck, Cristina Faus, Carlos Cosías,
Fernando Latorre o Ricardo Muñiz. M
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Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
Los amantes
de Prokoviev
El prestigioso Aalto Ballett Essen baila el drama de Romeo y Julieta con la partitura
creada por el compositor ruso en 1934. El Teatro de la Maestranza ha programado a
comienzos del año 2016 cuatro funciones dirigidas por Ben van Cauwenbergh con la
participación de la ROSS.
ROMEO Y JULIETA | DANZA | DEL 7 AL 10 DE ENERO
L
a gran cita con el ballet
clásico que despide con
brillantez la Navidad nos trae
este año al Aalto Ballett
Essen, una compañía de gran
prestigio de esa ciudad alemana, para
representar Romeo y Julieta sobre la
impactante partitura que Serguei
Prokofiev (1891-1953) concibió en
1935. La coreografía es de Ben Van
Cauwenbergh, director artístico del
Ballet, coreógrafo y bailarín célebre
por su participación en el filme
Nijinski. Actuando en vivo en el foso,
la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
(ROSS).
Pocos ballets —y pocos
compositores, como Prokofiev—
pueden disputarle a los de P.I.
Tchaikovski su primacía en el ranking
de los más populares ballets clásicos,
pues el Romeo y Julieta de Prokofiev,
basado en el drama de Shakespeare,
es una explosión de extraordinaria
inspiración melódica y complejidad
rítmica que sigue cautivando a las
audiencias del mundo, aunque
inicialmente la incomprensión por su
novedosa escritura orquestal retrasó
su aceptación por el público. Aunque
el Teatro Kirov de Leningrado le
encargó la obra a Prokofiev en 1934,
Romeo y Julieta no se estrenó en Brno
(Checoslovaquia) hasta 1938, pues ni
el Kirov —por diversas razones,
incluida el sorprendente final feliz que
BETTINA STOESS
proponía el argumento inicial: “La
gente viva puede bailar, no se puede
esperar que los moribundos dancen
en la cama”, explicó con gran
naturalidad el músico, que luego
aceptaría el final trágico original—, ni
posteriormente el Bolshoi, aceptaron
enfrentarse a una partitura que los
bailarines del teatro moscovita
rechazaron por considerarla
demasiado extensa, demasiado
compleja y demasiado
desconcertante e, incluso, “inaudible”.
Todos esos rechazos hay que
situarlos en el angustioso complejo
de los ataques que la dirección
estalinista lanzó esos años contra
BETTINA STOESS
Prokofiev o Shostakovich acusándolos
de músicos “formalistas”. Hoy, Romeo
y Julieta, de la que Prokofiev extrajo
varias suites orquestales y obras para
piano, es uno de los ballets más
apreciados por el público, que ha
hecho suyos muchos de los ritmos y
piezas de la obra, como el siniestro
Baile de los caballeros.
Paradójicamente, el compositor, a
pesar de su experiencia en danza con
los Ballets Rusos de Diaghilev en el
París de los años 20, dudó mucho en
aceptar el encargo, pues no estaba
convencido de poder trasladar a la
música y la danza la complejidad
psicológica del drama de
Shakespeare. Además, suponía
enfrentarse a un tema que ya había
sido abordado antes por unos 15
compositores diferentes en forma de
óperas, oberturas o sinfonías
dramáticas.
Estructura de la obra
El ballet, en tres actos, 15 escenas y
50 números musicales, aborda el
drama entre los Montesco y los
Capuletto —con ambientaciones en la
capilla, el dormitorio y la cripta de
Julieta, entre otros escenarios del
texto original— como una sucesión de
cuadros de extraordinarias viveza y
fuerza dramática, así como en otros
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
El ballet Romeo y Julieta, en
la producción del Aalto
Ballett Essen de Alemania.
y calidad de sus producciones. La
compañía, formada por unos 30
bailarines procedentes de 17 países
del mundo, muestra una variedad de
acentos y personalidades dancísticas
que encarnan su voluntad de
cosmopolitismo. En 2015, la
compañía ha incrementado su
reconocimiento internacional
participando en diversos festivales
en Corea, Japón, Suiza, Italia, Francia,
Hungría y España. En 2010, Essen fue
elegida Capital Cultural Europea. El
repertorio del ballet incluye obras de
Petit — Coppélia— o Schaufuss —La
Silfide— hasta producciones
contemporáneas firmadas por
coreógrafos como Jiři Kylián,
Christian Spuck, Patrick Delcroix, Stijn
Celis, Christopher Bruce, Heinz
Spoerli, Ohad Naharin y David
Dawson.
Ben van Cauwenbergh
pasajes de una arrebatadora
delicadeza, expresados por una
orquesta que despliega una gran
potencia y ambición sinfónica
recurriendo a instrumentos poco
habituales como maracas, carrillones,
xilófono o celesta.
En Rusia, en el Teatro Kirov, y en
medio de no pocas tensiones con el
coreógrafo, Leonid Lavrovsky, y con
un cuerpo de baile que decía sentirse
“perturbado” por la “extraña
orquestación”, se estrenó el 10 de
enero de 1940. El éxito, que
sorprendió a muchos de los que
participaron en él, convirtió
rápidamente a Romeo y Julieta en un
En su origen, ni el Kirov
ni el Bolshoi aceptaron
enfrentarse a una
partitura que los
bailarines del teatro
moscovita rechazaron
por considerarla
demasiado extensa,
compleja y
desconcertante e,
incluso, “inaudible”
ballet indiscutible. A partir de ahí,
todos los grandes coreógrafos o
bailarines se han sentido atraídos por
el magnetismo del Romeo y Julieta de
Prokofiev, desde John Cranko hasta
Kenneth McMillan, quien en 1965, en
el Covent Garden de Londres,
presentó una nueva producción con
los míticos Rudolf Nureyev y Margot
Fonteyn como los trágicos amantes.
Luego, Nureyev también firmaría su
propia coreografía. Tudor, Neumeier o
Bejart también han dejado su huella
en el título.
El Aalto Ballett Essen es una de las
casas de danza alemanas con mayor
prestigio internacional por la variedad
En el otoño de 2008, Ben van
Cauwenbergh asume el cargo de
director de ballet del Teatro Aalto. Al
principio de la temporada 2013-14
es nombrado director artístico.
Antes, Cauwenbergh fue director de
ballet en el Teatro Estatal de
Wiesbaden. Nacido en Bélgica en
1958, y tras una formación muy
precoz, ingresó en el gran Ballet
Real de Flandes. Entre 1978 y 1982,
fue primer bailarín del London
Festival Ballet trabajando bajo la
dirección de Beryl Grey y John Field.
También trabajó estrechamente
junto a Rudolf Nureyev en la
creación de una producción de,
precisamente, Romeo y Julieta.
Cauwenbergh, que ha obtenido
numerosos galardones y
reconocimientos, trabajando para
diversas compañías y declarado
Bailarín del Año por la revista Dance
and dancers, combina en sus
coreografías elementos de la danza
clásica junto a otros extraídos de la
estética contemporánea. En Essen,
junto a un gran trabajo de
renovación y ampliación del
repertorio, o afrontar sus propias
versiones de clásicos como el Romeo
y Julieta de Prokofiev en la
temporada 2014-2015, Cauwenbergh
ha profundizado en los programas
educativos del ballet. M
15
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Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
L
La coreógrafa Raquel Madrid; a la derecha El Niño de Elche y María Muñoz.
Raquel Madrid estrena
en el Mes de Danza
El certamen contará con las propuestas Hay cuerpos que
no se olvidan y Siete lunas, además de la proyección
de una iniciativa coreográfica puesta en marcha en
colaboración con vecinos del barrio de San Pablo.
RAQUEL MADRID | DANZA | 29 Y 30 DE OCTUBRE
MARÍA MUÑOZ Y EL NIÑO DE ELCHE | DANZA | 4 Y 5 DE NOVIEMBRE
a bailarina y coreógrafa Raquel
Madrid ofrecerá en la Sala
Manuel García, dentro de la 22
edición del Mes de Danza (29
y 30 de octubre), el estreno de su
última propuesta, titulada Hay
cuerpos que no se olvidan. Raquel
Madrid es una intérprete afincada en
Sevilla que ha trabajado para
diversas compañías al tiempo que ha
puesto en marcha su propio proyecto
dancístico: Dos Proposiciones,
compañía con la que ya ha
desarrollado nueve espectáculos.
Raquel Madrid se mueve en la
tendencia del llamado “teatro físico”,
en el que el movimiento, la acción y
el argumento se unen para narrar
una historia.
El Mes de Danza 22 ofrecerá una
segunda propuesta en el Teatro de la
Maestranza. Se trata de Siete lunas,
un trabajo conjunto de María Muñoz
de la compañía catalana Mal Pelo y
el cantaor y guitarrista andaluz El
Niño de Elche, un artista versátil (sus
inquietudes abarcan también la
poesía, la performance y la música
experimental) y volcado con las
iniciativas sociales. El espectáculo,
una mezcla de flamenco y danza con
una visión innovadora, surgió en
2013 tras el encuentro de ambos
artistas en un certamen en
Barcelona.
Además, el día 5 en la Sala
Manuel García se proyectarán los
documentales Cos a l’aire, peus a
terra, de Núria Font, y Camino
acieloabierto, producción realizada
El día 5 en la Sala
Manuel García se
proyectarán los
documentales Cos a
l’aire, peus a terra, y
Camino Acieloabierto
con los vecinos del Polígono San
Pablo.
Red de espacios singulares
ACieloAbierto es una red de festivales
especializados en danza en espacios
singulares, que tiene como objetivo
poner en contacto a compañías y
bailarines con distintas entidades y
colectivos que investigan juntos el
proceso creativo de la danza. Se ha
desarrollado en diferentes puntos de
España, como Olot en Cataluña, Palma
de Mallorca, Tenerife o Bilbao, entre
otros
El Mes de Danza 22 llevará a
cabo su propia propuesta en
colaboración con vecinos del barrio
de San Pablo, a los que se ha
convocado a dos sesiones de
trabajo y una tercera en la que se
realizará la grabación en vídeo de la
coreografía, dirigida por Laura
Morales, que posteriormente se
podrá ver en la proyección del
Maestranza.
El festival Mes de Danza, a lo
largo de más de dos décadas, ha
contribuido a fomentar y a dar a
conocer entre el público la danza
hecha en Andalucía y las compañías
profesionales de la comunidad.
El certamen comenzó su
andadura en 1994 con el impulso de
la Sala La Imperdible, organizado por
Trans-Forma Producciones. Ha sido
codirigido hasta 2006 por Fernando
Lima y María Gonzalez, quien en la
edición siguiente asume la dirección
única hasta hoy. M
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
El pianista sigue liderando la renovación
del jazz moderno, ahora con The Vigil
P
ianista enciclopédico,
dominador de todos los
registros desde el clásico al
latino, desde el acústico al
eléctrico y formado en las
grandes incubadoras del jazz
contemporáneo en las que aprendió a
expandir los límites creativos de la gran
tradición —los combos de Blue Mitchel,
Stan Getz o, sobre todo, Miles Davis—,
Armando Anthony Corea (Chelsea,
1941), premiado con más de 20
Grammys —y 61 propuestas, lo que lo
convierte en el cuarto artista más
nominado en la historia de los premios
más codiciados de la música—, ha
conseguido algo aún más extraordinario
que acumular todos esos méritos: se ha
mantenido permanentemente en vilo y
conectado a las incesantes corrientes de
renovación del jazz moderno. A sus 74
años, aún sigue haciéndolo.
Así, Chick Corea, que desde el piano
lideró grupos revolucionarios del
jazz-fusion como Return to Forever, ha
vuelto a reinventarse a sí mismo con su
nueva banda, The Vigil, una formación
básicamente eléctrica que despliega
una formidable paleta de sonidos de
gran influencia latina, pues el bajo es
cubano y el percusionista, venezolano. El
grupo está formado, además de por
Chick Corea al teclado, por Tim Garland
(saxos, flauta y clarinete), Marcus
Gilmore (batería; Gilmore es nieto del
legendario Roy Haynes, con el que
trabajó Corea), Charles Altura (guitarra),
Luisito Quintero (percusión) y Carlitos del
Puerto (bajo).
La portada del disco de presentación
del grupo (The Vigil, Concorde 2013) ya
exhibe de manera muy gráfica la actitud
creativa del maduro Chick Corea que,
cual caballero medieval, aparece muy
gallardo galopando un brioso corcel
empuñando una lanza dispuesto para la
batalla de conquistar los nuevos tiempos
musicales. Efectivamente, en The Vigil,
el aficionado detectará la fuerte
impronta innovadora con la que el
pianista ha marcado a todos sus grupos.
La crítica española saludó el trabajo
discográfico como un ejercicio
arquetípico de la faceta de Chick Corea
como músico de fusión y jazz-rock,
La fresca
madurez de
Chick Corea
CHICK COREA & THE VIGIL | GRANDES INTÉRPRETES | 7 DE NOVIEMBRE
Chick Corea (tercero por la derecha) posa con los componentes de The Vigil.
incluso en su vertiente más acústica.
Para Corea, ese disco supone la
concreción de un nuevo estilo y una
nueva manera de improvisación como
respuesta a los cambios producidos en
el transcurso de su dilatada carrera. “Es
una banda joven y los considero unos
genios”, ha declarado sobre sus
compañeros de grupo. “Decidí que la
manera más divertida, y la más
productiva, es estar dispuesto a
aprender algo siempre, no importa si es
con músicos jóvenes o viejos. Cada
muchacho que toca en mi banda tiene
un estilo original, y es muy fácil
inspirarse”, añadió.
Porque Chick Corea, que una vez
declaró que “siempre estoy interesado
en hacer algo nuevo”, no ha parado de
moverse creativamente desde que
comenzó a tocar el piano con cuatro
años a instancias de unos padres —su
padre, Armando, tocaba la trompeta—
que, según ha contado, “me permitieron
seguir mi camino musical sin ningún tipo
de barreras”. El pianista ha llegado a
mantener hasta ocho proyectos
musicales diferentes simultáneamente.
Su talento para desarrollar iniciativas
musicales nuevas y complementarias,
así como su capacidad para liderar y
gestionar sus grupos, han confirmado a
Chick Corea no sólo como un creador
global capaz de desenvolverse lo mismo
en los lenguajes más académicos que
en la vanguardia experimental, sino
como a un músico carismático dotado
del plus escénico de empatizar
absolutamente con el público.
Formación y bandas
Corea comenzó a tocar
profesionalmente en las bandas de
Mongo Santamaria y Willie Bobo para
despegar como pianista de jazz en los
grupos de Blue Mitchell, Herbie Mann y
Stan Getz hasta ingresar en el grupo de
Miles Davis, donde reemplazó
gradualmente a Herbie Hancock. A
partir de ahí, se consagra en sus propios
grupos: Circle, Return to Forever o The
Elektric Band o a través de
colaboraciones con Burton, Hancock o
incluso Paco de Lucía, al que admiraba
y del que se sentía muy próximo.
Su idea de la vida, expresada hace
unos años en una entrevista a El País, es
extraordinariamente sencilla, a la par
que múltiple y variada: “El año tiene 365
días, lo importante es concentrarse en lo
que se está haciendo y hacer sólo una
cosa al tiempo. Esta semana mi mente
está ocupada únicamente con el trío, la
semana que viene será otra cosa. Para
mí, esto es vivir”.
La fe de Chick Corea en la música
está basada en su propia memoria
infantil y en la capacidad de ésta para
la improvisación: “Crecí tocando
música, y creo que siempre estoy
improvisando. Si toco el Happy
birthday o lo que sea, siempre estoy
improvisando”. Del mismo modo, uno
de los músicos que más ha
experimentado con la tecnología en
la esfera del jazz, relativa la
importancia de la técnica, a la que
considera “parte del juego”. “Siempre
ha sido parte del estilo de vida de un
músico el hacer que algo funcione. Yo
uso cualquier tecnología, cualquier
técnica que encuentre para
expresarme a mi mismo”. M
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18
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
Una leyenda llamada
Rafael Riqueni
El guitarrista presenta en el Teatro de la Maestranza su nuevo trabajo, Parque de
María Luisa, inspirado por este espacio verde del centro de Sevilla. En su actuación,
dentro del ciclo de Flamenco, estará acompañado por instrumentos de cuerda,
viento, percusión y una segunda guitarra.
RAFAEL RIQUENI | FLAMENCO | 21 DE NOVIEMBRE
E
n un momento de
extraordinaria expectación,
llega al Teatro de la Maestranza
uno de los músicos andaluces
más sugerentes, creativos y
estilizados no sólo del flamenco, sino de
cualquier género, pues Rafael Riqueni
(Sevilla, 1962), pese a su sólido origen y
anclaje flamenco, ha transcendido sus
fronteras, sin quebrantarlas, para
convertirse en un profundo indagador
de la gran forma musical de la guitarra
española, de la que ha extraído un
lenguaje y una emoción, sencillamente,
universales.
“Riqueni es un romántico, un
nacionalista de su barrio, de su calle. De
las macetas de su balcón. Un romántico
porque pone la emoción por encima de
la forma, porque es capaz de darlo
todo, la vida, por una nota, por un
paisaje, por un silencio. Su guitarra es
serena y apasionada, fuerte y
sentimental, viril y lírica, dulce y
amarga. Su música es un regalo para
esta ciudad”, ha escrito el crítico Juan
Verguillos.
La leyenda de Rafael Riqueni
como un músico apasionado y
arrebatadamente romántico y
bohemio comenzó pronto, desde que
ganó los dos principales premios
nacionales de guitarra flamenca —el
Ramón Montoya de Córdoba y el
Nacional de Jerez— con apenas 14
años, en un alarde de precocidad e
insólita maestría musical que, siendo
sólo un niño, lo catapultó hasta la
cumbre flamenca, donde es adorado
como uno de sus artistas más osados
y, al mismo tiempo, rigurosos.
Los inicios
“Siempre he estado con la guitarra al
lado. Cuando no he tenido nada,
siempre me acompañaba ella. La
primera guitarra que tuve fue de
juguete cuando vivíamos en Triana. El
ambiente que se vivía era muy
flamenco sin ser profesionales los
vecinos. Eso me ha hecho estar
siempre cerca del flamenco, de las
palmas cuando era pequeño, de las
nanas. Ya después en Triana
escuchaba a gente mayor que yo y
empecé a tocar rumbas, que era lo
típico de aquel tiempo. Me fui
animando y la primera guitarra que
tuve me la regaló mi padre y le costó
en aquellos entonces 500 pesetas. Era
una guitarra muy corriente. Pero con
ella aprendí con un primo mío que se
llama José Acedo, que es profesional.
Él me puso las falsetas de la escuela
de Ricardo. Mi escuela viene del Niño
Ricardo”, ha narrado Riqueni sobre su
rápido, y natural, matrimonio con el
instrumento al que ha dedicado su
vida. Llamado por la composición,
prácticamente, desde el primer
momento —“las primeras falsetas
que saqué por soleá eran unas cosas
muy básicas y podían sonar infantiles
y un poco fuera de compás: pero al
menos eran mías”—, Riqueni ha
confesado siempre que la mayor
influencia que le llevó a dedicarse a la
guitarra flamenca fue el disco Fuente
y caudal (1973), de Paco de Lucía. “Yo
era un niño. Me impresionó y me
impulsó a tomarme en serio la
guitarra hasta el día de hoy”, contó a
ABC de Sevilla en 2014.
La influencia germinó
florecientemente sobre un guitarrista
de joven y honda voz propia, pues
pocos como Riqueni han concentrado,
desde su precoz irrupción en los
escenarios a los que llegó tras estudiar
a gigantes como Niño Ricardo o Paco
de Lucía, tanta expectativa del público y
tanta devoción de los especialistas que,
rápidamente, encontraron en él
primero a un asombroso arcano de la
pureza flamenca y luego a un exquisito
compositor de largo aliento que, a partir
del flamenco, desarrolló un lenguaje
cercano al nacionalismo musical
español de tradición clásica.
Discografía
Sus trabajos discográficos,
diseminados en el transcurso de una
larga carrera jalonada por periodos de
retiro de los escenarios, fueron
recibidos —como su primer disco,
Juego de niños, de 1986— como
aportaciones revolucionarias por su
Rafael Riqueni, durante una de sus actuaciones.
D
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
PERFIL
El reto continuo de
llamarse Riqueni
D
s.
Debajo, el cartel de su último trabajo discográfico.
arriesgada experimentación armónica.
Otros, como Suite Sevilla, de 1992,
revelaron a un compositor de raíz
clásica muy próximo a los postulados
del impresionismo musical andaluz. La
crítica, desbordada por el torrente de
creatividad del músico, ha señalado
que el guitarrista se mira
alternativamente en espejos llamados
tanto Sabicas como Turina.
El palmarés de Rafael Riqueni es
impresionante y ha colaborado con
todos los grandes del género como
Enrique Morente —quien produjo su
disco Maestros—, María Pagés, Carmen
Linares, Mayte Martín o el guitarrista
clásico José María Gallardo, así como
Isabel Pantoja o Rocío Jurado, y otras
grandes estrellas de la copla, en sus
inicios. También interviene en
Flamenco, de Carlos Saura. En 2014, en
la Bienal de Sevilla y en su esperada
reaparición tras una ausencia decretada
por avatares vitales, Riqueni volvió a
ratificar su leyenda y a encandilar a la
audiencia con una actuación que le
granjeó el Giraldillo a la Maestría por
“su sevillanísima música universal, que
lo sitúa entre los más grandes maestros
de la historia de la guitarra”, según
subrayó el acta del jurado.
Parque de María Luisa, el trabajo
que ofrecerá en el Teatro de la
Maestranza, es el nuevo disco de Rafael
Riqueni, una obra de gran madurez
expresiva que evoca y describe sus
recuerdos del emblemático parque
sevillano. La presentación de ese trabajo
ocupará toda la primera parte del recital,
en la que Riqueni estará acompañado
por dos violines, viola, chelo, flauta,
percusión y, como segundo guitarra,
José Acedo. En la segunda parte, y
rodeado por un quinteto —contrabajo,
chelo, guitarra, piano y batería y
percusión—, Riqueni ofrecerá una
selección de piezas de su carrera
adaptadas para ese grupo de cámara,
en otro de sus múltiples ejemplos de
aproximación a la gran música de
tradición culta a cuya sensibilidad se
siente tan próximo. Entre los intérpretes
acompañantes, músicos miembros de la
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla —
como la violonchelista Gretchen
Talbot— o el contrabajista de jazz
Manuel Calleja. La dirección artística
corre a cargo de Francisco Bech. M
istinto. Único. El heredero
vivo de Ricardo, Montoya y
Sabicas. Creador de
falsetas líricas,
sentimentales… El mayor
genio de la guitarra flamenca en activo
tras la muerte de Paco de Lucía… La
crítica ha agotado todos los superlativos
para definir el toque mágico de un
guitarrista excepcional obsesionado
desde niño con su instrumento. Su
toque poderoso, extraordinariamente
imaginativo, de una inusual sensibilidad
y, simultáneamente, directo y lleno de
una gran complejidad armónica, viene
seduciendo a las audiencias flamencas
—y no flamencas— rendidas ante su
humilde, sencilla pero carismática,
presencia en escena. Rafael Riqueni,
por razones tanto biográficas como
musicales, ha convertido sus, en
algunos periodos, espaciados
conciertos en citas inolvidables que la
afición atesora como acontecimientos
para el recuerdo.
Desde su formación como un “niño
prodigio” que con 12 se permitía tocar
los temas de Paco de Lucía hasta el
subyugante versioneador de la marcha
Amarguras, de Font de Anta, Rafael
Riqueni ha sido fiel escudero de otros
—Isabel Pantoja, María Jiménez o Rocío
Jurado— o esforzado músico de estudio
que dejó su sello en el boom de las
sevillanas: “Debí grabar unas 200.000”,
ha dicho él alguna vez, hiperbólico. Sus
colaboraciones con Morente, Linares o
Menese confirman al guitarrista
poseedor del oscuro secreto de esos
raros acompañantes que, con humildad
y discreción, pero imponiendo su arte,
se acaban convirtiendo en inter pares
de los mayores genios del cante.
Pero lo que la guitarra flamenca le
debe ya a Rafael Riqueni es haber
ampliado su visión, honda y global,
como solitario instrumento de
Lo que la guitarra
flamenca le debe ya
a Rafael Riqueni es
haber ampliado su
visión, honda y
global, como
solitario instrumento
de concierto
concierto. Es en ese género, el más
artístico, exigente y duro de todos,
donde Riqueni ha hecho leyenda a
través de una obra tan poéticamente
intimista como dramática o
conmovedora, tan virtuosa —siendo el
virtuosismo en él no un lucimiento
innecesario y exhibicionista, sino una
mera herramienta de la expresión de
un músico que, tremendamente
exigente, se somete a sí mismo a retos
continuos— como gozosa y
resplandeciente.
La sorprendente capacidad de
Riqueni para viajar con absoluta
naturalidad entre la vanguardia y la
herencia del nacionalismo musical
andaluz lo han convertido en un músico
de un exclusivo lenguaje propio,
inimitable. No muchos guitarristas
flamencos pueden presentar una visión
tan amplia, desinhibida, técnica y culta
de su instrumento. Por eso, el mayor
reto del guitarrista Rafael Riqueni
consiste desde hace años en estar a la
altura de un guitarrista llamado Rafael
Riqueni.
Pese a todas las adversidades,
Rafael Riqueni sigue lográndolo. M
19
20
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
El bailaor Juan Manuel Fernández Montoya Farruquito, en una imagen promocional.
El baile se pone Farruco
Juan Manuel Fernández Montoya Farruquito vuelve a las tablas del Teatro de la Maestranza para mostrar
la herencia artística de una de las dinastías más prolíficas del flamenco. Farruquito y familia, estrenado en
Nueva York en 2001, contará con dos funciones los días 15 y 16 de diciembre.
FARRUQUITO Y FAMILIA | FLAMENCO | 15 Y 16 DE DICIEMBRE
E
n el universo del flamenco,
pleno de tradición e historia,
es frecuente ver sagas que
triunfan en el escenario
generación tras generación,
pero pocas familias como la de los
Farrucos representan tanto y tan bien
lo que la herencia significa para el
arte jondo. El más reconocido —por el
momento— vástago de esta
excepcional familia es Juan Manuel
Fernández Montoya (Sevilla, 1982),
más conocido como Farruquito.
Por su sangre debe correr lo que
ha dado en llamarse el duende, la
esencia última del flamenco, pues no
en vano Farruquito es hijo del cantaor
Juan Fernández Flores El Moreno
(fallecido al lado del bailaor durante
una gira) y de Rosario Montoya
Manzano La Farruca (Sevilla, 1962),
que ha transmitido el nombre artístico
de la familia. La saga tiene sus raíces
aún más hondas: el abuelo de
Farruquito por parte de madre era el
bailaor Farruco, quien le enseñó a
bailar y con quien aparece por soleás
en la película Flamenco de Carlos
Saura. Y todavía más: cuentan las
crónicas que su bisabuela, la que dio
Farruquito es hijo de
Juan Fernández Flores
El Moreno y Rosario
Montoya Manzano
La Farruca, que ha
transmitido el nombre
artístico de la familia
origen al nombre que ya quedó para
toda la familia, ganó un concurso de
cante por farrucas, un palo que en el
baile es más de hombre que de mujer
y que en el cante ha ido cayendo en
desuso. Tíos, primos y hermanos de
Farruquito también han contribuido a
acrecentar la bien ganada fama de
este clan en los escenarios, que se ha
paseado por todo el mundo atrayendo
el aplauso de la crítica y el público.
Toda la tradición flamenca de los
Farrucos cristaliza en el espectáculo
Farruquito y familia (ciclo de
Flamenco, 15 y 16 de diciembre), en
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
El New York Times dijo
de él, tras el estreno de
Farruquito y familia en
2001, que “es ya uno de
los grandes bailaores
del nuevo siglo”
En mayo de este año
Farruquito llenó el Walt
Disney Concert Hall de
Los Ángeles para bailar
Falla & flamenco with
Dudamel
el que el espectador asiste a la
intimidad artística de una dinastía que
representa los valores más puros del
flamenco, tanto del baile como del
cante y el toque. No es de extrañar,
pues, que en el cuerpo de baile todos
los artistas pertenezcan a su propia
familia: La Farruca (madre), El Farruco
(nacido en 1988, debutó con tan sólo
dos años en Berlín), El Carpeta (el
hermano pequeño), El Polito (primo
con una carrera también precoz) y El
Barullo (primo, ganador del Desplante
en el Festival de Cante de las Minas
de La Unión el año pasado).
Farruquito y familia no es un
espectáculo nuevo, como tampoco lo
es la saga que lo protagoniza, pero sí
es el que mejor condensa la pasión
flamenca transmitida de padres a
hijos y cómo cada generación aporta
una nueva mirada. Junto a Farruquito
y su excepcional cuerpo de baile, el
espectáculo cuenta con un plantel de
músicos de primer nivel, como Mari
Vizarraga, Antonio Zúñiga, Román
Vicenti, Pepe de Pura y Fabiola
Rodríguez.
La ya antológica seguiriya de
Farruquito y Farruco da comienzo al
recital, que abarca los principales
palos del flamenco, como bulerías,
alegrías, soleares... La Farruca, por su
parte, ofrecerá su baile pleno de
fuerza para concluir dando paso a las
nuevas generaciones de la familia.
para el bailaor: “El mejor artista que
pisó la Gran Manzana” o “Farruquito
es ya uno de los grandes bailaores del
nuevo siglo” son algunos de ellos.
Casi 15 años después de aquel
éxito en Nueva York, Farruquito
afronta la madurez artística tras haber
participado en otros espectáculos
tanto con su familia como con otros
flamencos, e incluso desarrollando
sus propias creaciones. Ahí están, por
ejemplo, Por derecho, con un gran
éxito de público y crítica en España y
en su gira por Norteamérica; Alma
vieja, estrenado precisamente en el
Teatro de la Maestranza en el año
2003; Puro Farruquito, espectáculo de
2008 con el que participó en la XIII
Bienal de Flamenco de Sevilla;
Sonerías, una propuesta artística
innovadora estrenada en la Bienal de
2010; o Baile flamenco, del año 2011.
Estreno en Nueva York
El espectáculo que ahora visita el
Maestranza fue estrenado en 2001,
cuando Farruquito apenas tenía 19
años, en el Town Hall de Nueva York.
La Gran Manzana se rindió a la fuerza
del flamenco de los Farruco, hasta el
punto de que el prestigioso New York
Times, que comparó su baile con un
“toro embistiendo” en una metáfora
muy española, no escatimó elogios
Nuevos espectáculos
En la Bienal de Flamenco del año
pasado, Farruquito obtuvo el Giraldillo
de Oro “por renovar desde la emoción
una forma singular del baile”, según
el jurado. Y lo hizo con Pinacendá, un
montaje —estrenado en el
Maestranza, con el público puesto en
pie— en el que bailaor quiso rendir un
homenaje a su tierra natal así como
enseñar la influencia que Andalucía
ha tenido en su forma de entender el
flamenco. Pinacendá significa
“Andalucía” en lenguaje caló.
La última locura de Farruquito,
que revela su inquietud e interés por
las nuevas formas flamencas sin
salirse de la tradición, ha sido llenar
en mayo de este año el Walt Disney
Concert Hall de Los Ángeles para
bailar Falla & Flamenco with Dudamel,
con la participación de bailarines
venezolanos y la Orquesta
Filarmónica de Los Ángeles dirigida
por Gustavo Dudamel. M
Antonio González y José Manuel Évora.
Un nuevo concierto
en la programación
FANDANGO, SINFONÍA DE LA LUZ | CONCIERTOS | 2 DE MARZO
D
os estilos musicales tan
diferentes como el
fandango, uno de los
palos más tradicionales
del flamenco, y la música
sinfónica, se unen en un espectáculo
que acoge el Teatro de la Maestranza
como concierto extra a su
programación para acercar el Teatro a
otros públicos. Se trata de Fandango,
Sinfonía de la Luz (ciclo Conciertos
Sinfónicos, 2 de marzo de 2016), una
propuesta que nace de dos
reconocidos creadores de la música
sinfónica (José Manuel Évora) y la
popular (Antonio González).
Con la Sinfonía de la Luz , los
compositores pretenden llevar a los
mejores escenarios líricos los sones
y ritmos del fandango
acompañados por una orquesta
sinfónica. En el Teatro de la
Maestranza estará la Real Orquesta
Sinfónica de Sevilla, dirigida por
José Manuel Évora, así como el coro
de la Real Agrupación Artística de
Valverde del Camino, dirigido por
Antonio Garrido.
El plantel de cantaores para
este montaje incluye algunas de
las mejores voces de la actualidad
de Huelva y su provincia —la cuna
del fandango—, como El Raya,
Argentina, Jeromo Segura, Yolanda
Sousa, Las Molinas, Macarena de la
Torre, José María Rodríguez, Elena
de Carmen y Antonio Rastrojo. Los
guitarristas son El Mae y Ramón
Jesús Díaz.
“Una obra homogénea”
Fandango, Sinfonía de la Luz es, en
palabras de sus creadores, “una
obra homogénea, rica y compleja,
que integra dos universos
musicales, el clásico y el popular,
con una clara intención: iluminar
las salas de concierto de todo el
mundo con vibrantes y encendidos
cantos entonados que forme parte
del Patrimonio Musical de
Andalucía”. M
21
22
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
Katharsis: alumnos
en torno a la música
KATHARSIS | CONCIERTOS | 26 DE SEPTIEMBRE
E
l proyecto Crecer Cantando,
Crecer Soñando es una
iniciativa pedagógica y
musical pionera en Andalucía
que aglutina a varios centros
educativos de la comunidad. Surgió
en 2007 en el IES Las Encinas de
Valencina de la Concepción y desde
entonces se han ido incorporando la
Escuela de Música Ian Murray de
Aracena y el Coro del IES Cantillana
en el curso 2007-2008, así como el
IES Néstor Almendros de Tomares y
el Conservatorio de Música Cristóbal
de Morales en 2011-2012, además
del CEM de Osuna. En la actualidad,
el proyecto aglutina a más de 150
personas entre cantantes, profesores
y alumnos encargados de la
producción y el sonido.
Fruto de esta singular
colaboración entre centros escolares
han sido diferentes espectáculos,
como el que recala en el Teatro de la
Maestranza el día 26 de septiembre:
Katharsis, una combinación de cante
y ritmos musicales en la que
participa la asociación juvenil de
batucada BatuKavaleri. El
espectáculo está dirigido y
coordinado por el profesor Luis
Dueñas.
Crecer Cantando, Crecer Soñando
es un colectivo que se coordina y
trabaja principalmente a través de
Internet y de las redes sociales, lo
que facilita y potencia la cooperación
entre centros escolares situados a
veces a cientos de kilómetros de
distancia. M
La Novena Sinfonía, en
manos de Kynan Johns
NOVENA SINFONÍA | CONCIERTOS | 12 DE DICIEMBRE
L
a New York Chamber
Orchestra y la Sociedad Coral
Excelentia de Madrid traen al
Maestranza la interpretación
de una obra cumbre de la historia
de la música, la Novena Sinfonía de
Beethoven (12 de diciembre).
Kynan Johns dirigirá a los solistas
Johannes von Duisburg (barítono),
Michael Heim (tenor) y Lee Bisset
(soprano).
Kynan Johns es un pupilo del
maestro Lorin Maazel que ha dirigido
ya a más de un centenar de
orquestas, entre las que se
encuentran las filarmónicas de Israel
o Rotterdam y la Orquesta de
Cámara de Viena. Ha sido director
asistente de Maazel y de Zubin
Mehta en el Palau de les Arts de
Valencia durante cuatro temporadas
y ha dirigido en los mejores
escenarios líricos del mundo, como
el Covent Garden de Londres o la
Scala de Milán. Por su parte, la New
York Chamber Orchestra es una
formación integrada por músicos
procedentes de diferentes orquestas
de Estados Unidos.
La Sociedad Coral Excelentia,
perteneciente a la fundación sin
ánimo de lucro del mismo nombre,
cuenta con 140 cantantes que suelen
interpretar las grandes obras del
repertorio sinfónico-coral en el
Auditorio Nacional de Madrid, dentro
del ciclo Excelentia. Amaro González
de Mesa es su director. Este concierto
está organizado por La Razón y la
Fundación Excelentia. M
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
Villancicos, el corazón
de la Navidad
El Teatro de la Maestranza nos invita a una festiva velada familiar en el tradicional
concierto de villancicos que se celebrará el 20 de diciembre, con la Orquesta de
Cámara de la ROSS.
CONCIERTO DE NAVIDAD | CONCIERTOS | 20 DE DICIEMBRE
Auténtico hilo musical de las
fi estas más familiares del año, el
villancico apela a la íntima emoción
compartida con los seres queridos
en la fi esta de la Natividad de Jesús
en un ambiente de celebración,
aunque también lo haga
impregnada de una nostálgica
suerte de infantil melancolía, que
también invade a los villancicos. A
este género, estrictamente
estacional, dedican numerosas
orquestas un programa específi co
desde hace décadas: es a esa
tradición de elevar la canción
popular a pieza de animado
concierto, en su versión culta para
orquesta de cuerda, a la que se ha
sumado Sevilla con un éxito
formidable. Pues lo que comenzó
siendo, aunque muy desinhibido y
entrañable, un concierto se ha
convertido en toda una fi esta
musical para compartir entre
amigos que este año incorporará
novedades, colaboraciones
sorprendentes y una puesta en
escena, con dirección de Maribel
Macías, que acentuará los
elementos más teatrales y
divertidos de la velada.
Vladimir Dmitrienco, director
El Concierto de Villancicos en el Teatro de la Maestranza.
D
esde que la Orquesta de
Cámara de la Real
Orquesta Sinfónica de
Sevilla (ROSS) incorporó
a la programación
general del Teatro su concierto
navideño de villancicos orquestados,
la entrañable cita musical, situada en
la frontera entre la música de
extracción inequívocamente popular
y la de tradición culta, se ha
convertido en una fecha de fiesta y
celebración para todos los
aficionados del Maestranza.
Es preciso aclarar que, aunque
el villancico, como género musical,
aparece en España en el siglo XV
para designar una breve canción
estrófi ca con estribillo —con letras,
no religiosas, que cantaban al amor
cortés—, basada en formas como el
virelai francés, la ballata italiana o
el zéjel hispano-árabe, hoy la
expresión “villancico” designa
rotundamente a la canción
específi ca de Navidad, de tradición
popular, de cualquier nacionalidad o
procedencia.
El villancico apela a la
íntima emoción
compartida con los
seres queridos en la
fiesta de la Natividad de
Jesús en un ambiente
de celebración
Efectivamente, como sostiene
Vladimir Dmitrienco (Moldavia,
1967), arreglista y concertino–
director de la Orquesta de Cámara
de la Sinfónica de Sevilla, el
villancico ha calado tanto en la
emoción musical del gran público
“que no hay artista grande en el
mundo, como Frank Sinatra, que no
haya sacado su disco de canciones
navideñas”. Es a esa capacidad
portentosa para elevar la emoción
interior de las fi estas navideñas a
través de unas músicas que
conectan con el corazón más
infantil y entrañable de todas las
audiencias, sean de la edad que
sean, a lo que la Orquesta de
Cámara de la ROSS y el Teatro de la
Maestranza dedican una cálida
noche de villancicos para fortalecer
los lazos de amistad y camaradería,
de complicidad y gozo de sus
afi cionados y espectadores en un
ambiente de fi esta, esperanza y
fraternidad. M
23
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
El chelo único
de Gabriel Ureña
GABRIEL UREÑA | JÓVENES INTÉRPRETES | 3 DE DICIEMBRE
E
l joven Gabriel Ureña
(Asturias, 1989) posee un
talento único para tocar el
violonchelo que le ha llevado
a forjarse una notoria carrera
internacional como solista. Con tan
sólo 19 años se convirtió en el
músico principal más joven de todas
las orquestas españolas, como solista
de violonchelo en la Orquesta de
Oviedo, y en la actualidad compagina
los conciertos y recitales con la
ampliación de su formación en
Viena, donde reside habitualmente.
Su capacidad innata para dominar un
instrumento solista tan complicado
como el violonchelo le ha servido
para protagonizar el primero de los
conciertos del ciclo Jóvenes
Intérpretes del Maestranza, el 3 de
diciembre en la Sala Manuel García.
Gabriel Ureña ha obtenido
numerosos galardones, como el del
Concurso de Cello de Arquillos (Jaén),
que ha ganado tanto en la categoría
absoluta en 2009 como en la de
menores de 16 años en 2005; el
primer premio en el Concurso
Internacional de Música de Cámara
Ciudad de Manresa (2007); o una
mención de honor en el Concurso de
Caja Madrid como miembro del
Quinteto Schumann (2008). Ha
trabajado con artistas como Leo
Nucci, Ainhoa Arteta, Anna Netrebko
o las hermanas Labèque.
Para su actuación en el Teatro de
la Maestranza, el joven interpretará
la Sonata nº 3 de Beethoven,
Fantasie-Stücke de Schuman y la
Sonata para piano y violonchelo,
op.40 de Shostakóvich. M
Los espectáculos líricos,
analizados a fondo
EN TORNO A... | CONFERENCIAS |
L
YERAY MENÉNDEZ
24
os aficionados a la música
lírica tienen en el Teatro de la
Maestranza una oportunidad
única de conocer la historia,
la composición y los detalles
técnicos de sus espectáculos líricos.
En los días previos a la primera
función de las representaciones de
ópera y zarzuela, el Teatro de la
Maestranza, en su Sala de Prensa,
acoge una conferencia en la que,
bajo el título En torno a... se detalla
y analiza todo lo que rodea al título
en cuestión.
El ciclo de conferencias está
organizado por la Asocación
Sevillana de Amigos de la Ópera
(ASAO) y por lo general cuenta para
la exposición con un representante
de la propia asociación y un miembro
del equipo artístico o técnico de la
producción que vaya a representarse
en el Maestranza. Todas las
conferencias son de libre acceso
hasta completar aforo y dan
comienzo a las 19.00 horas.
La primera de ellas, que
analizará la ópera Otello de Verdi,
tendrá lugar el 30 de octubre, con la
presencia del director musical, Pedro
Halffter. El 30 de noviembre el Teatro
de la Maestranza ofrecerá la charla
en la que se tratará sobre la zarzuela
de la temporada, Los diamantes de la
corona. Ya en 2016, se celebrarán las
ponencias sobre El barbero de Sevilla
de Rossini (6 de febrero), L’elisir
d’amore de Donizetti (12 de mayo) y
Der König Kandaules de Von
Zemlinsky (16 de junio). M
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
El Coro, durante su actuación en la ópera Norma la pasada temporada.
El Coro celebra su aniversario
con cinco actuaciones
CARLOS HERMOSO MORILLA
Pte. Coro de la AA del Maestranza
E
l Coro de la Asociación de
Amigos del Teatro de la
Maestranza cumple en esta
temporada 20 años de
actividad, en los que ha
participado en la mayoría de las
óperas, zarzuelas y conciertos que
han requerido la actuación de una
formación coral. En esta temporada
de celebración a lo grande, el Coro
estará presente en las óperas El
barbero de Sevilla y El elixir de amor,
la zarzuela Los diamantes de la
corona, las galas líricas de los
aniversarios del propio Coro, el Teatro
de la Maestranza y la ROSS, así como
en el Requiem de Fauré que
interpretará la Sinfónica de Sevilla. El
Coro del Mastranza comenzó su
andadura en la temporada 19951996, con su participación en las
óperas Rigoletto y Madama Butterfly,
y desde entonces ha cantado en más
de 60 títulos del repertorio.
Referencia en Andalucía
Desde la nueva junta directiva de la
Asociación de Amigos del Teatro de la
Maestranza, queremos aprovechar la
oportunidad que nos brinda esta edición
de la Revista para sumarnos a la
celebración del XXV aniversario de
nuestro Teatro. El Coro, que nació del
Teatro, y que en el Teatro tanto ha
crecido durante estos años, se siente
parte integrante de esta importante
conmemoración. Han sido 25 años
ejerciendo de faro en la vida cultural de
Andalucía, siendo el referente para ya
varias generaciones de personas que
amamos la música y que, gracias al
esfuerzo de directores y gerentes, y aun
contando con un presupuesto reducido y
menguante, nos han conseguido colocar
como modelo de referencia en el
panorama musical andaluz. No
podemos sino mostrarnos agradecidos
por habernos hecho partícipes de este
apasionante viaje.
El azar ha querido que sea
precisamente esta temporada tan
significativa cuando comience la
andadura de esta nueva junta directiva.
La afrontamos con la máxima ilusión y
responsabilidad, esperando que los
nuevos retos que el Teatro nos propone
nos ayuden a seguir creciendo como
Coro, en un año en el que también
nosotros celebramos nuestro XX
aniversario. Contamos para ello con el
esfuerzo y la ilusión de todos los
coralistas que, día a día, y una vez
finalizada su jornada laboral, entregan su
tiempo libre a la música. Ofrecemos
también el trabajo de esta junta directiva
que tengo la suerte de presidir y de la
que no quisiera dejar pasar la ocasión de
haceros una breve presentación.
Entre nuestros miembros contamos
con compañeros con mucha
experiencia ya en el Coro, como
nuestro vicepresidente, Agustín
Redondo, que es socio fundador;
nuestro tesorero, Ignacio Suescun, para
nosotros Iñaki, también fundador; o
nuestro vocal Germán Castro, que se
ocupa de las tareas de archivo. Nuestro
coordinador es Eduardo Carrera, que
aunque no lleva tanto tiempo, ha
acumulado ya siete años en ese mismo
cargo en juntas anteriores,
demostrando su gran valía en un
puesto tan complejo. Otros compañeros
más recientes son Inmaculada Águila,
coordinadora del coro femenino, y
Andrés Pérez, secretario, que además
de ser grandes trabajadores nos
aportan mucho aire fresco. Y por último
yo mismo, que llevo en el Coro ya
quince años y fui secretario en una
junta directiva anterior.
Esperamos que entre todos
consigamos que esta temporada sea
tan especial como promete. M
25
26
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
Aniversario del Teatro
J.M. RODRÍGUEZ
os tránsitos de madurez —25
años, ya— devuelven al
espectador aquellos
fogonazos de placer con los
que gozo a gozo —y alguna
noche aciaga— forjó su juventud
sentado en un patio de butacas que
un día ya lejano se convirtió en
nuestra sala de estar fuera de casa.
Por supuesto que la memoria de un
teatro se construye también de
chácena y tripas hacia adentro pero,
al fin y al cabo, al espectador lo
único que le interesa es cómo, en el
transcurso de las temporadas, se va
engarzando su collar de noches
resplandecientes: ésas que siempre
perdurarán en la memoria prendidas
con alcayatas de felicidad.
Cae la nieve falsa sobre los
bohemios enamorados tiritantes del
viejo y romántico decorado de
Franco Zeffi relli. Lloran hasta los
antipuccinianos. Ahí arranca, para
mí, la verdadera historia del
Maestranza. A partir de ahí, en unos
años que yo recuerdo fulgurantes,
todo va rápido encandenándose en
un reguero de palmas por
sevillanas: cortesía de un público
que suple la inexperiencia —
recuerden que veníamos de 50 años
sin teatro de ópera— con
entusiasmo. Me emociona recordar
a Alfredo Kraus, venerable de
juveniles botas calzadas con suicida
pasión en Werther. Sonrío al evocar
a Simone Alaimo en Falstaff. Vibro
cuando recuerdo cómo Werner
Herzog lo incendia todo con un
Tannhäusser corinto y granate
purifi cados fi nalmente con un
blanco descenso de ángeles. Me
dejo llevar por la melancolía si se
me aparecen las siluetas de Chailly,
Maazel o Jansons, por ejemplo,
enarbolando sus batutas sobre el
podio del escenario.
L
25 años de
perlas
sólo en sala: la liturgia completa,
antes de entrar, comienza fisgando
cedés en Allegro, aquel beatífico
oasis discófilo de Fernando o, antes o
después, siempre en la barra de
Pepe el del Carreterías porque la
música entra mejor con una
manzanilla o un güisquicito. O, tras la
función, esperando la posible
aparición del divo hambriento por el
bodegón Torre del Oro donde
recibíamos con palmas a los
(buenos) cantantes. El Maestranza
se hace comunal: la ópera se
fraterniza mejor, se discute mejor,
cerveza en mano. Esa
mancomunidad de melomanías
cristaliza también en las colas a las
puertas de la calle o de camerino,
cuando aclamábamos la salida de los
divos. Hoy quizá hayan adelgazado:
cumplidos los años de excitación, la
costumbre de verlos se ha
convertido en rutina.
Un Barbero sevillano
Son —ya digo— años dorados: el
prestigio refulge, la fama crece, la
novelería engorda la cola y el Teatro
se convierte en el codiciado objeto
de deseo de Sevilla. El Maestranza,
título en El País a mediados de los
90, “es una olla exprés a punto de
estallar”. De éxito. Viene Plácido
Domingo invocando a un Cid de
rugoso cartón piedra y arrasa Leo
Nucci desbordando todas las
pasiones con un Rigoletto que, en el
96, graba a fuego su nombre en la
sala (porque las salas, y sus
espectadores con ellas, guardan la
memoria de quien en ellas hizo su
gloria). Una extravagancia andalusí:
Alahor en Granada cruza el escenario
con secreto dentro. ¿Saben que aquí
casi descubrimos a Juan Diego
Flórez? Y, surfeando
caprichosamente por la memoria,
me pellizca un estremecimiento: la
desgarrada Elisabete Matos, en La
voz humana, clama su desesperada
soledad por teléfono. ¿No hay nadie
ahí...?
Así, haciendo repertorio — aídas,
trovatores, cosís...: había una
generación nueva que formar y el
Teatro ha hecho su pedagogía—
vamos aprendiendo ópera. Pero no
De repente, nos anonada un hito:
Carmen Laffón y José Luis Castro
reinventan Sevilla. Aquél Barbero
—Nucci, Gasdia, Raimondi,
Mateuzzi…— es como si coronara una
dulce época que catapulta al
Maestranza hacia las grandes ligas. El
gran trasatlántico ha alcanzado su
máxima velocidad de crucero. Todos
nos pellizcamos, incrédulos: pero es
cierto, en el 98 Sevilla cumplió el
círculo y pasó de ciudad-decorado a
teatro brillante con su propia idea
escénica de nuestro mayor mito, nos
recuerda la sala con su implacable
memoria muda.
Pasan más cosas. Miguel Ríos,
imponente, brama más que su big
band junta: salimos todos coreando
en el disco. Les Luthiers se hacen
como de la familia. A oscuras nos
deja Enrique Morente. Camen
Linares y Gerardo Núñez saborean
Maestranza · Septiembre 2015
PROGRAMACIÓN
Un ramito de locura. Nostalgia de
Carlos Cano. El Chocolate clava el
puñal de un melisma: sobre el
escenario lo veo, flotando. Momento
dorado: María Pagés danza las
castañuelas del sabio Manuel Soler.
En pie: está bailando Mario Maya. No
se sienten todavía: pasa el poncho
Chavela Vargas. Ennio Morricone me
devuelve a Almería: la música es
cinética. Un dulce de postre:
sensuales delicias de Caetano
Veloso. Standars del trío de Keith
Jarret: perfección de un jazz cuyos
bajorrelieves agrestes entona un
crepuscular Sonny Rollins. Vuelvan a
leer el párrafo: está poblado de
gente difunta. Un teatro se hace
adulto cuando empieza a llenarse de
encuentros irrepetibles.
Grandes pianistas
Un hito privado: recuerdo la tarde;
habría medio teatro, porque también
hay noches anómalas en las que el
verdadero genio acaba brillando en
solitario: Sokolov, que es médium, me
clava al asiento. Lo volverá a hacer
más veces. Otro hito: Radu Lupu enfila
el escenario cabeza baja, se sienta,
invoca a Schubert, que acude, nos
deslumbra y se va como vino, huraño
ogro de Transilvania. Entre finales del
98 y principios del 2000, se sucede un
raro olimpo pianístico: Kissin (brutal),
el excéntrico Pogorelich, la Pires, que
nos descubre el denso sentido de la
palabra evanescencia; Zimerman, el
exquisito, los scarlattis de András
Schiff —lo recuerdo perdido a la salida
de su larguísimo recital; no sabía
dónde cenar: acabó en Casa Robles.
“Atiéndanlo bien”, dijimos cuando se
lo entregamos al camarero, “este tipo
acaba de hacer felices a 1.800
personas”— y un ciclón llamado
Daniel Barenboim al que, absorto en
sus propinas porteñas, no había
manera de sacar de aquel escenario.
Más Barenboim: aún quema el calor
que desprendía el foso en un Parsifal
estival, sencillamente, memorable.
Los mejores cantantes
Podría seguir mucho rato: ¡ay,
Violeta Urmana! La Tosca deforme y
opresiva de Ronconi, que también
nos da un Lohengrin, que fueron
puro teatro lírico. Juan Pons
llenándolo todo en Simon
Boccanegra. O la noche —no la
olviden nunca— de un frío invernal
del 95 en la que aquí, de blanco
impoluto, Mijaíl Baryshnikov hizo su
magia. Perturbación: la Lulú, de
Willy Decker. Éxtasis: la escena
congelada del saloon en La fanciulla
del West , del gran Del Monaco. Y,
ahora, doble éxtaxis: desde la
cúpula, Iris Vermillion entona la
admonición a los amantes, Juan
Carlos Moreno in memorian. Es, al
fi n, Tristán e Isolda. En ese instante,
el espectador, que vio como el
teatro surgía de la nada, siente que
el techo le rebota.
Todos esos instantes no se
perderán como lágrimas en la
lluvia. Las paredes del teatro, y
nosotros sus espectadores,
conservaremos su memoria. Hasta
que la próxima generación, dentro
de 25 años, fabrique otra. La suya
propia. M
Algunos de los momentos más
destacados de la historia del Teatro de
la Maestranza: arriba, Plácido Domingo
en El Cid (temporada 1998-1999); en el
centro, Leo Nucci en Rigoletto
(2012-2013) y El ocaso de los dioses,
ópera que cerró la Tetralogía de
Wagner El anillo del Nibelungo en
2014, con puesta en escena de La Fura
dels Baus; debajo, La Fanciulla del
West, que pudo verse en la temporada
2008-2009.
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Maestranza · Septiembre 2015
ROSS
Desde el Mediterráneo
La ROSS celebra sus primeros 25 años de vida con una temporada en la que se
incorpora John Axelrod como director, y que tiene como eje temático los sonidos del
Mediterráneo, desde las melodías árabes de Scheherazade hasta la España del XIX
vista por los románticos franceses.
PROGRAMACIÓN DE LA ROSS PARA EL PRIMER CUATRIMESTRE DE LA TEMPORADA 2015-2016
E
l Mediterráneo, eje
vertebrador de Europa y
punto de encuentro de
civilizaciones africanas y
asíáticas a lo largo de los
siglos, ha sido —y sigue siendo— un
motivo de inspiración para todo tipo
de manifestaciones culturales, desde
las epopeyas griegas hasta las más
recientes fusiones musicales de la
tradición clásica con los sonidos del
Norte de África. Por ello la ROSS le
dedica al Mare Nostrum su
temporada 2015-2016, en la que se
celebran los 25 años desde la
creación, en 1990, de la Orquesta.
John Axelrod sustituye a Pedro
Halffter como director artístico de la
ROSS en esta temporada que tiene
como lema, para no dejar lugar a
dudas, Los sonidos del Mediterráneo.
La temporada de la ROSS arranca
con un primer programa de abono
(días 17 y 18 de septiembre) cuyo
título ya avanza las intenciones de la
Orquesta: ¡Nueva era!, para significar
la entrada en una nueva etapa de la
formación. La ROSS interpretará por
primera vez dos obras
contemporáneas: Donde se forjan las
quimeras, de la compositora Nuria
Núñez (Jerez, 1980); y New Era Dance
de Aaron Jay Kernis (Estados Unidos,
1960). Como contraposición a las
obras de vanguardia, Axelrod ha
elegido una composición que
entronca con la idea de renovación, la
Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvořák,
que ensalza los valores de la cultura
En el 6º de abono se
podrá escuchar Escales
de Jacques Ibert,
compuesta tras un
crucero por el
Mediterráneo para la
orquesta Lamoureux,
una de las principales y
más antiguas
agrupaciones intérprete
del repertorio francés
americana incorporando las
particularidades de la música
indígena así como temas basados en
el folclore europeo.
En el segundo programa de
abono (24 y 25 de septiembre) las
melodías árabes —no en vano Oriente
Próximo ha fascinado a los creadores
europeos, especialmente desde el
Romanticismo— toman el
protagonismo. El joven ruso Stanislav
Kochanovsky (director de la State
Safonov Philharmonic Orchestra) se
pone al frente de la ROSS en un
concierto que incluye el Concierto
para Piano nº 5 de Saint-Säens,
conocido como Egipcio dado que fue
compuesto durante un viaje al País
del Nilo y está claramente inspirado
en él; y Scheherazade de RimskiKórsakov, una suite de 1888 basada
en Las mil y unas noches. Lilya
Zilberstein será la solista de piano.
Francia centra el interés de la
ROSS en el tercer programa de abono
(1 y 2 de octubre). Del país vecino
proceden el director musical de los
dos conciertos, Philippe Bender
(Besançon, 1942), y los compositores
que forman el programa: Jacques
Offenbach con la obertura de la ópera
bufa La vida parisina (por primera vez
en la ROSS); las suites 1 y 2 de
L’Arlesienne, música incidental
compuesta por Bizet para la
representación de la obra del mismo
título de Alfonse Daudet; y la Sinfonía
en Re menor —la única del
compositor y su obra más conocida—
de César Franck (1822-1890), autor
que, si bien de origen belga, es uno
de los mayores representantes del
Romanticismo galo y ejerció una
notable influencia en la música del
siglo XX en Francia.
Tras Francia, le llega el turno a
España, que también ha sido
constante motivo de inspiración para
los músicos europeos. En el cuarto
programa de abono (8 y 9 de
octubre), con el armenio Vahan
Mardirossian al frente, la Orquesta
interpretará, en primer lugar, Corpus
Christi en Sevilla, perteneciente a la
suite Iberia de Albéniz, con arreglos
para viento de Lucien Cailliet (estreno
en la ROSS). Le siguen Danzas
nocturnas de Don Juan Quijote, del
prolífico compositor Aulis Sallinen
(Finlandia, 1935), un divertimento en
el que se mezclan —musicalmente—
dos de los más grandes mitos creados
en España, Don Quijote y Don Juan.
Para terminar, la ROSS ha programado
Carmen Suite, música para el ballet
del mísmo título compuesta por
Rodión Shchedrín (Rusia, 1932) y que
se basa, como sugiere el título, en la
ópera de Bizet, pero con arreglos para
cuerdas y, sobre todo, percusión.
Víctor García García será el solista de
violonchelo.
Un concierto italiano
La libertad, sin duda uno de los
grandes ideales nacidos en Europa al
calor del Mediterráneo, es el lema del
quinto programa de abono (12 y 13
de noviembre), que estará dirigido
por Giacomo Sagripanti con Sebastian
Knauer al piano. La ROSS interpretará
por pimera vez las obras Love’s
geometries for string orchestra, del
italiano Fabio Vacchi (Bolonia, 1949), y
el Concierto para piano nº 27 KV 595
de Mozart, el último que compuso el
genio de Salzburgo. El programa se
completa con la Sinfonía nº 4 Op. 90
Italiana de Mendelssohn, composición
que plasma sobre el pentagrama la
luz y el color que vio el compositor
durante un viaje a Italia entre 1830 y
1831.
Los días 19 y 20 de noviembre, en
el sexto programa de abono, vuelve
John Axelrod al frente de la ROSS para
mostrar cómo Francia se inspira en
Maestranza · Septiembre 2015
ROSS
España. El concierto incluye
composiciones de autores franceses
que se han basado en motivos de la
música y la cultura popular de nuestro
país, como España de Emmanuel
Chabrier (1841-1894), una rapsodia
para orquesta enmarcada en la
corriente romanticista empeñada en
mostrar una España exótica. También
se podrán escuchar Escales de
Jacques Ibert (1890-1962), compuesta
tras un crucero por el Mediterráneo
para la orquesta Lamoureux, una de
las principales y más antiguas
agrupaciones intérprete del repertorio
francés que, entre otros, estrenó la
versión en concierto de otra de las
grandes piezas de la música francesa
inspirada en España, el célebre Bolero
de Ravel, que también podrá oírse en
este concierto. El programa se
completa con otras dos obras
maestras de Ravel, Alborada del
gracioso y Rapsodia española.
Fuera de abono, la ROSS
participará en la apertura del curso
universitario 2015-2016 (15 de
octubre, en el auditorio de la ETS de
Ingenieros), con Éric Crambes como
director y un programa compuesto
por serenatas para cuerdas de
Dvořák, Chaikovski y Elgar.
Dentro del ciclo de Música de
Cámara (Sala Manuel García), la ROSS
dará tres conciertos en el primer
cuatrimestre de la temporada. Serán
los días 18 de octubre, interpretando
sendos Nonetos de Farrenc y Spohr; 8
de noviembre, con obras de Bach y
Shostakóvich; y 13 de diciembre, en el
que el Royal Brass Quintet de la ROSS
interpretará villancicos y música
tradicional de Navidad.
Finalmente, la ROSS actuará en el
Teatro Villamarta de Jerez el 16 de
octubre, con el mismo programa de
apertura del curso universitario en
Sevillla, y el 22 de noviembre en el
XIII Festival de Música Española de
Cádiz, con el programa Francia se
inspira en España. M
En la columna de la izquierda, los
directores Philippe Bender y Giacomo
Sagripanti. A la derecha, la pianista
Lilya Zilberstein. Debajo, el director
de Orquesta Vahan Mardirossian.
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Maestranza · Septiembre 2015
ACTUALIDAD
UNIVERSIDAD DE SEVILLA
ROCK & CICUS,
PROYECTO ROCK 2016
E
l rock siempre ha sido una
preocupación para el Centro
de Iniciativas Culturales de la
US. En los proyectos
musicales emprendidos
hasta ahora han predominado
modelos más cercanos a una música
claramente reconocida por todos
como “culta”, clásica y jazz fundamentalmente. No porque el rock
carezca de interés para la Universidad, lo cual sería un grave error, sino
por la dificultad que ha significado su
comprensión. Vaya esto en forma de
autocrítica y propósito de enmienda.
El CICUS ha ido poniendo en
marcha una serie de propuestas que
poco a poco han ido consolidando un
proyecto general. Así es como nace
Rock & CICUS, Taller Instrumental de
Rock, una iniciativa musical con la
idea de ofrecer un acercamiento
fundamentalmente práctico en pos
de un mayor conocimiento de la
técnica instrumental y vocal de este
estilo vertebrador de la música
popular contemporánea, aglutinando
además el resto de iniciativas puestas
en marcha en esta línea en los
últimos años: Seminario de Narrativa
y Rock Rock Your CICUS, el Taller
Divulgativo de Audiciones I hear a
new world, el ciclo de conciertos 2+1,
etcétera… Estas iniciativas son las
que han culminado, como ya hemos
dicho, en el primer taller de rock y
música electrónica Rock & CICUS”.
El profesorado está compuesto
por José Manuel Gil del Valle en la
dirección; Israel Diezma con la
guitarra eléctrica; Javier Mora con el
bajo eléctrico; y Pablo Cabra a la
batería. Con un intencionado carácter
que aspira a superar estereotipos y
estigmas vinculados al rock en un
ámbito más global, la docencia se
dirige también hacia una contextualización del género acorde a los
cambios que la era digital ha traído.
El Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad
de Sevilla ha puesto en marcha una serie de
talleres y seminarios destinados a descubrir la
evolución del rock en la sociedad.
Tras seis décadas de extensión
como una de las formas culturales
más decisivas en Occidente, es cierto
que los modos de entender el rock
por parte del público más joven están
cambiando de forma vertiginosa y se
alejan en buena medida de lo que
este género ha significado para
buena parte de la población en
épocas anteriores. Además, no hay
que olvidar el acceso que el rock gana
poco a poco a entornos vetados hasta
no hace mucho, como por ejemplo
las aulas universitarias, de la mano
fundamentalmente de los estudios
culturales.
En un momento en el que desde
diferentes sectores (medios de
comunicación, sellos discográficos,
industrias culturales...) se plantea en
ocasiones la pregunta de si el rock ha
muerto en cuanto a disciplina musical
con capacidad evolutiva, este taller
arranca con la idea de abordar
también todos estos aspectos de
forma complementaria.
Taller de análisis e historia
La música electrónica es aquel tipo de
música que emplea para su
producción e interpretación
instrumentos electrónicos y
tecnología musical electrónica. En
general, puede distinguirse entre el
sonido producido utilizando medios
electromecánicos de aquel producido
utilizando tecnología electrónica que
también puede ser mezclada.
Ejemplos de dispositivos que
producen sonido electro
mecánicamente son el telarmonio, el
órgano Hammond y la guitarra
eléctrica. La producción de sonidos
puramente electrónica puede
lograrse mediante aparatos como el
theremin, el sintetizador de sonido y
el ordenador.
La música electrónica se asoció
en su día exclusivamente con una
forma de música culta occidental,
pero desde finales de los años 1990,
la disponibilidad de tecnología
musical a precios accesibles permitió
que la música producida por medios
electrónicos se hiciera cada vez más
popular. En la actualidad, la música
electrónica presenta una gran
variedad técnica y compositiva,
abarcando desde formas de música
culta experimental hasta formas
populares como la música electrónica
de baile.
Los profesores de este taller son
Vidal Romero y David Pareja.
Seminario de narrativa y rock
Por último, destacamos la puesta en
marcha de un nuevo proyecto de
análisis de la historia del rock desde
su nacimiento ¿hasta su defunción a
finales de los setenta? El profesor Fran
Matute tiene la palabra.
Toda la información sobre los
talleres musicales de la Universidad
puede encontrarse en la web del
CICUS: www.cicus.es. M
Maestranza · Septiembre 2015
ACTUALIDAD
Turistas en un autobús panorámico de City Sightseeing, a su paso por el Teatro de la Maestranza.
UNA NUEVA FORMA DE HACER TURISMO
L
os turistas y afi cionados a la
ópera, la música y las artes
escénicas que visiten Sevilla
tienen desde ahora una
nueva opción para conocer
las instalaciones del Teatro de la
Maestranza y asistir a alguna de las
docenas de representaciones que
cada año se representan en el
Coliseo del Arenal.
El Maestranza ha fi rmado un
acuerdo con el proveedor de
servicios turísticos City Sightseeing,
gracias al cual sus clientes —más de
150.000 el año pasado tan sólo en
la ciudad de Sevilla— podrán
adquirir entradas para el Teatro en
alguno de los puntos de venta que
esta empresa sevillana pone a
disposición de los visitantes.
Pueden hacerlo en el Visitors Centre
(Avd. de la Constitución 21-b); en la
conserjería del Hotel Colón
(Canalejas, 1); en el antiguo quiosco
de lotería dentro del Centro
Comercial Plaza de Armas; en la
Basílica de la Macarena (tienda de
souvenirs); y en Metropol Parasol
(junto a las taquillas de acceso al
mirador).
Se trata, por tanto, de una
nueva forma de hacer turismo, que
implica el acceso a un referente
cultural de la ciudad como es el
Teatro de la Maestranza y que
complementa otras iniciativas
relacionadas con la música y la
infl uencia que Sevilla ha tenido en
numerosos compositores, como el
programa Sevilla Ciudad de Ópera
puesto en marcha por el Consorcio
de Turismo. Para el Teatro de la
Maestranza, además, supone la
posibilidad de acercarse a un nuevo
público al que hasta ahora tenía un
acceso limitado y darse a conocer
entre los turistas extranjeros y
nacionales.
City Sightseeing se ha
convertido así en un proveedor
autorizado de la venta de entradas
para los espectáculos del
Maestranza, y podrá publicitar y
comercializar la programación del
Teatro entre sus clientes y en las
ferias nacionales e internacionales
del sector turístico a las que cada
año acude el touroperador.
Música y Ópera tras el Telón
Además, el turista también podrá
adquirir las entradas para el tour del
Maestranza “Música y Ópera tras el
Telón” —gracias al cual se pueden
conocer de primera mano los
entresijos del Teatro—.
City Sightseeing es una
empresa fundada en Sevilla en el
año 1997 para poner a disposición
de los turistas una iniciativa
novedosa: los recorridos por la
ciudad en autobuses panorámicos
de dos plantas. Desde entonces City
Sightseeing ha logrado implantarse
con su oferta en las principales
ciudades turísticas del mundo,
como Londres, París, Roma, Nueva
York, Barcelona, Moscú, Dubai,
Singapur, Edimburgo, Málaga,
Sharjah, Palma de Mallorca,
Granada, Santander, Bruselas,
Copenhague, Glasgow, Dublín,
Oxford, Ciudad del Cabo, Panamá o
Cartagena de Indias. M
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Maestranza · Septiembre 2015
ACTUALIDAD
EMILIO GALÁN HUERTOS
“MUCHOS SOCIOS DE LA ASAO
HAN PERDIDO LA CONFIANZA
Y HAN ABANDONADO”
IGNACIO TRUJILLO
l pasado 9 de Febrero fue
elegido presidente de la
Asociación Sevillana de
Amigos de la Ópera (ASAO)
Emilio Galán en la asamblea general ordinaria de la
Asociación. Este malagueño,
afi ncado en Sevilla desde hace 33
años, es doctor en Geología por la
Universidad Complutense de
Madrid, catedrático de Cristalografía
y Mineralogía y profesor emérito en
la Universidad de Sevilla. Investigador de prestigio internacional en el
ámbito de la Mineralogía Aplicada,
parece todo lo más alejado de la
música y de la ópera que en
principio cabe imaginar. Sin
embargo, la ópera no sólo es una
afi ción desde la adolescencia, sino
que incluso llegó a cursar varios
años de solfeo y canto, cuando
hacía el Bachillerato.
—¿Cuando empezó su afi ción
a la ópera?
—En mi casa, mis padres
cantaban zarzuelas, a veces dúos, mi
padre con una estupenda voz de
barítono, y yo los escuchaba
embelesados. Además teníamos
muchos discos de 78 revoluciones
que escuchábamos en una gramola.
Había zarzuelas completas y discos
con algunas romanzas, que aún
conservo, interpretadas por Marcos
Redondo, Emilio Vendrell, Cora Raga,
Ángeles Otein, Victoria Racionero,
etcétera. Eran Los Gavilanes,
Bohemios, La verbena de la Paloma,
La canción del olvido y otras más.
También oí por primera vez a Emilio
Sagi Barba o a Miguel Fleta.
Conservo un magnífico prólogo de
Pagliacci por Marcos Redondo y una
Vendetta de Rigoletto por Titta Ruffo.
E
El nuevo presidente de la ASAO, Emilio Galán Huertos.
Poco a poco también fui oyendo
ópera. Recuerdo, ya estudiando la
carrera en Granada, haber ido a
Málaga a las temporadas de ópera
que se hacían en febrero en el Teatro
Cervantes. En Málaga vi por primera
vez a Alfredo Kraus en Rigoletto y La
Favorita, algo inolvidable. Desde
aquellos tiempos soy krausista
convencido.
—¿Desde cuándo pertenece a
la ASAO?
—Desde sus comienzos. Me hice
socio en cuanto descubrí su
existencia. Siempre he creído en
ella y he colaborado cuando se me
ha pedido.
—¿Pensó que un día podría
ser el presidente?
—Pues no, realmente no.
Porque no soy una persona
conocida en la sociedad sevillana y
creo que un presidente debe
conocerla bien y ser conocido por
ella. Soy un científi co, conocido en
mis campos de investigación,
bastante encerrado en los ámbitos
universitarios y académicos.
Además nunca he investigado y
publicado sobre ópera.
—¿Piensa que eso es un
hándicap?
—Creo que sí, pero trataré de
compensarlo con mi trabajo y
presencia en los diversos ambientes
que guarden relación con el mundo
lírico.
—¿Cómo ha encontrado la
ASAO?
—En un estado bastante
precario. Muchos socios han
perdido la confianza y la han
abandonado, y no lo entiendo
porque se hacen muchas cosas.
Quizás no las vendemos bien como
propias.
—¿Qué planes tiene para
conseguir incrementar el
número de socios y la ilusión
dentro del colectivo?
—Pretendo primero dar
continuidad a lo que se viene
haciendo en la Asociación, que no
es poco: Certamen de Nuevas
Voces, conferencias en el Real
Círculo de Labradores, mesas
redondas En Torno a… en las
vísperas de los estrenos,
colaboración estrecha con el
Maestranza y el contacto periódico
con los socios a los que se les envía
información de todos los
acontecimientos musicales de
Sevilla. Además de esto pretendo
que se programen con nuestra
colaboración cursos para fomentar
la educación de la ópera en los
centros de Primaria y Secundaria, y
en la Universidad. Influir hasta
donde podamos en que las
autoridades competentes crean en
la cultura de la ópera en Sevilla y
dediquen más fondos. Mantener un
contacto más fluido con los socios
mediante correo electrónico y una
actualización de la página web. Y
sobre todo estamos abiertos a
nuevas iniciativas que también
deben de emerger de nuestros
socios. M
Maestranza · Septiembre 2015
ACTUALIDAD
NUEVAS EMPRESAS SE UNEN AL
GRUPO DE PATROCINADORES
E
n sus 25 años de vida, el Teatro
de la Maestranza ha contado
con la colaboración activa de
numerosas entidades públicas
y privadas, sin cuyas
aportaciones no habría sido posible la
creación de un espacio cultural de
primera línea que puede competir, en
cuanto a calidad y cantidad, con los
mejores teatros líricos de Europa. Son los
patrocinadores y colaboradores —y
desde hace dos temporadas, también
los particulares a través de los
programas de micromecenazgo—, que
han estado con el Teatro de la
Maestranza desde prácticamente sus
orígenes. Y su número sigue creciendo,
lo que revela la buena salud de que goza
el Coliseo del Arenal y lo atractivo que
resulta para sociedades e instituciones
implicarse en la financiación del
Maestranza.
La última incorporación al grupo de
patrocinadores ha sido, esta misma
temporada que acaba de empezar,
Viajes Foster, una agencia de viajes
sevillana y exclusiva (Plaza del Museo, 2,
teléfono 954 22 37 76). La empresa
ofrece a sus clientes todo tipo de
servicios, desde la gestión de tarifas
aéreas hasta búsqueda de alojamientos,
alquiler de coches con tarifas exclusivas
y organización de viajes de empresa,
congresos, etcétera.
Otra reciente incorporación ha
sido Laboratorios AGQ, una empresa
implantada en más de 20 países que
ofrece servicios relacionados con
agronomía, industria, alimentación,
medio ambiente, minería y
biofarmacia. Laboratorios AGQ
patrocina el concierto de Khatia
Buniatishvili, que actúa en el
Maestranza dentro del ciclo de Piano.
Otro patrocinador de diferentes
ciclos de la programación es Caixabank.
Su participación se centra en las óperas
Otello y El barbero de Sevilla, así como
en el ciclo de Danza al completo,
además de ser patrocinador general.
El grupo de patrocinadores se
completa con otras instituciones
como la Real Maestranza de
Caballería, uno de los primeros
patrocinadores del Teatro pues se
incorporó como tal en la temporada
1992-1993 y desde entonces ha
renovado su compromiso año tras
año. En la misma temporada se sumó
al Maestranza la Fundación
Cruzcampo, que también lleva
patrocinando el Teatro
ininterrupidamente desde entonces.
Otras empresas que forman parte de
este nutrido colectivo son la
Fundación BBVA, Fundación Cajasol,
Grupo Santander, Gas Natural Fenosa,
Antea Servicios de Prevención o los
modistos Victorio y Lucchino
(encargados de diseñar los uniformes
del personal de sala del Maestranza).
También destacan entre los
patrocinadores los medios de
comunicación, como Diario de Sevilla,
ABC de Sevilla, La Razón de Andalucía, El
Khatia Buniatishvili, cuya actuación será patrocinada por Laboratorios AGQ.
Correo de Andalucía o Viva Sevilla, asi
como las radios Cadena Cope y SER.
Finalmente, el Maestranza cuenta
con otro grupo de colaboradores,
formado por Ayesa, Instituto Británico
de Sevilla, Universidad de Sevilla,
Colegio de San Francisco de Paula de
Sevilla, Acciona, Prosegur y Victoria
Stapells.
En total, el Teatro de la
Maestranza cuenta con 24 empresas
o instituciones que colaboran o
patrocinan alguno de los aspectos
relacionados con el Teatro. A todos
ellos el Teatro de la Maestranza
quiere agradecer su compromiso y
participación a lo largo del tiempo. Y
no podemos olvidar a nuestro grupo
de Amigos del Teatro: Atlantic
International Technology, J. Rafael
Cabrera Ruiz, Francisco M. Camacho
Martínez, Emilio Galán Huertos, José
Luis López López, Luis Rey Goñi, Justo
Ruiz Frutos, Victoria Stapells y la
empresa amiga Teknoservice. M
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Maestranza · Septiembre 2015
ACTUALIDAD
TAQUILLAS
AMPLIADO EL PLAZO PARA LA COMPRA
DE ENTRADAS A TRAVÉS DE INTERNET
E
l Teatro de la Maestranza ha
comenzado la venta de
entradas para los espectáculos de la temporada
2015-2016, en la que
destaca la ampliación del periodo en
el que están disponibles las entradas
a través de Internet. El Teatro de la
Maestranza responde así a las
peticiones de un público que cada
vez se decanta más por esta opción
para adquirirlas.
La venta por Internet para la
temporada 2015-2016 se ha
articulado en dos plazos. Desde el 29
de julio se pueden comprar los
tickets para los espectáculos
programados hasta el mes de
diciembre. Por otro lado, a partir del
3 de noviembre se abre el plazo para
la adquisición de entradas para el
Aalto Ballett Essen, Ainhoa Arteta,
Triángulo de oro, El barbero de
Sevilla, Leo Nucci & Italian Opera
Chamber Ensemble, Judith Jáuregui,
Vertebración VI, Ballet Nacional de
España, Hiromi Trío, Orquesta Joven
de Andalucía, Khatia Buniatishvili,
Orquesta y Coro Nacionales de
España, Roberta Invernizzi y la
Orquesta Barroca de Sevilla, L’elisir
d’amore, Gregorio Benítez, Der König
Kandaules y Estrella Morente y Javier
Perianes. Las entradas para el
Concierto Extraordinario del XXV
aniversario del Teatro de la
Maestranza saldrán a la venta el 4
de abril de 2016.
Tanto las fechas de los
espectáculos como los días en que
salen a la venta las entradas en la
taquilla están detallados en el
cuadro de esta misma página. En el
caso de comprar las entradas por
Internet, el Teatro de la Maestranza
dispone de una aplicación que
permite imprimir las entradas
directamente en casa para evitar
tener que pasar por la taquilla. M
Desde el 29 de julio se pueden adquirir las entradas para los espectáculos
programados en el Maestranza hasta el mes de diciembre.
TEMPORADA 2015-2016
ESPECTÁCULOS
Fecha 1ª representación
Fecha de venta a partir del
Katharsis
26-sep-15
15-sep-15
Mes de Danza 22
29-oct-15
19-oct-15
Otello
31-oct-15
19-oct-15
Chick Corea & The Vigil
7-nov-15
26-oct-15
Rafael Riqueni
21-nov-15
2-nov-15
2-dic-15
2-nov-15
Gabriel Ureña
3-dic-15
9-nov-15
New York Chamber Orchestra
12-dic-15
9-nov-15
Guillermo Tell
10-dic-15
16-nov-15
Concierto de Navidad
20-dic-15
16-nov-14
El pequeño deshollinador
27-dic-15
16-nov-15
Farruquito y familia
15-dic-15
23-nov-15
Aalto Ballett Essen
7-ene-16
14-dic-15
Ainhoa Arteta
31-ene-16
18-ene-16
6-feb-16
18-ene-16
TAQUILLA
Los diamantes de la corona
Triángulo de oro
El barbero de Sevilla
8-feb-16
25-ene-16
Leo Nucci & Italian Opera Chamber Ensemble
20-feb-16
25-ene-16
Judith Jáuregui
21-feb-16
1-feb-16
Vertebración VI
23-feb-16
1-feb-16
Ballet Nacional de España
5-mar-16
8-feb-16
Hiromi Trío
14-mar-16
8-feb-16
Orquesta Joven de Andalucía
28-mar-16
22-feb-16
Khatia Buniatishvili
29-mar-16
22-feb-16
Orquesta y Coro Nacionales de España
29-abr-16
4-abr-16
Concierto Extraordinario. Gala lírica
30-abr-16
4-abr-16
R. Invernizzi. Orquesta Barroca de Sevilla
12-may-16
18-abr-16
L’elisir d’amore
13-may-16
18-abr-16
Gregorio Benítez
17-may-16
25-abr-16
Der König Kandaules
20-jun-16
23-may-16
Estrella Morente y Javier Perianes
30-jnun-16
23-may-16