ORQUESTA SINFONICA Prog2

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Segundo Concierto de Ciclo | Programa
PRIMERA
PARTE
F. J. Haydn (1732 - 1809)
Sinfonía nº 88 en Sol Mayor
(APROX. 23’)
I. Adagio-Allegro
II. Largo
III. Menuetto-Allegretto
IV. Finale. Allegro con spirito
W. A. Mozart (1756 - 1791)
Sinfonía nº 41 en Do Mayor k.551 “Júpiter”
(APROX. 31’)
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto-Allegretto
IV. Finale. Molto allegro
SEGUNDA
PARTE
L. V. Beethoven (1770 - 1827)
Sinfonía nº 1 en Do Mayor, op.21
(APROX. 32’)
I. Adagio molto-Allegro con brio
II. Andante cantabile con moto
III. Menuetto: Allegro Molto e vivace
IV. Finale. Adagio-Allegro molto e vivace
DIRECTOR
Antoni Wit
AUDITORIO
BALUARTE
Jueves 13 y viernes 14 de octubre de 2011. 20 horas
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no ta s a l pr o g ra m a
En la década de 1780, Joseph Haydn (1732-1809) era ya un experimentado trabajador de la familia Esterházy. Llevaba casi veinte años
al servicio del príncipe Nicolás y por su carácter, dedicación y fidelidad, gozaba de la total confianza por parte de su mentor, obtenía
recompensas financieras y un gratificante reconocimiento artístico.
Sin embargo, el maestro comenzaba a anhelar otro tipo de vida, ser
más libre, ser el dueño de sus obras y mostrarlas en otros auditorios. Y
aunque Haydn desarrollaba su trabajo con pulcritud y fidelidad en el
palacio de los Esterházy, cumpliendo todas y cada una de sus obligaciones, nadie pudo evitar que su fama recorriera Europa, que sus partituras fueran conocidas y apreciadas en ciudades como Viena, París o
Londres.
El reconocimiento llegaba en estos años en forma de encargos
para diversos mecenas. Es conocido que la Catedral de Cádiz le encargó componer la música para los oficios de Semana Santa de 1781.
También recibió varias invitaciones para dirigir conciertos en
Londres, en París y en Nápoles. Sin descuidar los quehaceres diarios
en el palacio del príncipe Nicolás, Haydn cumplió con estos encargos
sin disfrutar de los viajes que se le ofrecían y sin saber que apenas diez
años más tarde conseguiría la libertad necesaria para disfrutar del
aplauso del público de algunas de estas ciudades en directo. Mientras
tanto, uno de los mejores entretenimientos de Haydn eran las excursiones que realizaba periódicamente a Viena, ciudad llena de estímulos artísticos y culturales, en la que conoció a diversas personas de
intensa vida intelectual. Quizás sea W. A. Mozart (1756-1791) el amigo
más cercano que tuvo Haydn en la capital imperial. Con él compartió
sesiones de música, conversaciones y confidencias; también favoreció
el ingreso del músico salzburgués a la logia masónica de Viena.
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A mediados de la década de 1780, Haydn compuso un grupo de
sinfonías (nºs 82 a 87) para la orquesta del Concert de la Loge
Olympique, que era una de las más grandes y mejores de Europa,
conocidas como “Sinfonías París”. El éxito de estas obras de madurez
animó a Haydn a componer dos sinfonías más, esta vez para Johann
Tost, segundo violín de la orquesta de Esterházy, para quien Haydn
compondría además los doce cuartetos op. 54, 55 y 64. Tost, que además de músico era un negociante “poco escrupuloso” [M. Vignal],
intentó vender, sin éxito, las partituras al editor vienés Artaria, y al
final las compró Sieber, en París. Así que ambas sinfonías se estrenaron en la capital francesa en 1787.
Según P. G. Downs, la Sinfonía nº 88 [23’]ha sido reconocida
como una de las mejores de su autor y sin duda es una de las más populares. Fue compuesta en 1787 y destaca por su modernidad sonora, ya
que huye del “anticuado” estilo sorpresivo y exuberante de la famosa
escuela de Mannheim. Su “Allegro” inicial se articula en torno a una
forma de sonata de un solo tema, conciso, en el que viento y cuerdas se
reparten los diferentes motivos con gran equilibrio sonoro. Destaca el
movimiento “Largo” por la sonoridad que aportan trompetas y timbales. Tras la danza campesina del “Minueto. Allegretto”, la sinfonía termina con un enérgico Rondó-sonata donde se funde lo popular con lo
clásico y los efectos cómicos son frecuentes.
Tan sólo un año después del estreno de esta sinfonía, W. A.
Mozart componía la que iba a ser la última de su catálogo sinfónico, la
nº 41 en Do Mayor [31’]. Para entonces, la amistad que unió a Haydn y
a Mozart era ya entrañable y en ella dominaba un sentimiento de
mutua admiración. De este sentimiento nacieron obras como los
“Cuartetos dedicados a Haydn”, delicados y profundos en estilo y en
intensidad dramática. Estas obras muestran ya con fuerza otra de las
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influencias que el maestro de Salzburgo asimiló y personalizó en su
última sinfonía, el contrapunto de Händel y Bach. Se da la circunstancia de que durante estos años, Mozart fue un asiduo visitante de las
“prácticas musicales dominicales” que se celebraban en casa del barón
Gottfried van Swieten, entusiasmado amante de los compositores alemanes del barroco e impulsor cultural de Viena. En casa de Swieten, se
interpretaban todos los domingos piezas de Händel y de Bach; Mozart
y Haydn asistieron a estos conciertos y el compositor salzburgués se
pudo llevar en préstamo partituras de aquellos maestros así como de
los hijos de Bach, Emanuel o Friedemann. Swieten también colaboró
estrechamente con Haydn, escribiendo el libreto de “Las Estaciones”
y de “La Creación”.
Muchos musicólogos coinciden en asegurar que en la Sinfonía
nº 41 Mozart demostró que había asimilado los elementos de la escritura contrapuntística que diligentemente había estudiado durante sus
visitas a la casa del barón de Swieten. Pauly, por ejemplo, señala que el
resultado es una obra “sui generis”, que se ubica por encima de cualquier modelo, que no tiene parangón ente las propias obras de Mozart
y que no podría haber sido escrita por ningún otro compositor.
Efectivamente, nos encontramos ante una gran sinfonía, síntesis de
todos los procedimientos compositivos en los que el genio salzburgués
había profundizado a lo largo de su intensa vida creadora.
El “Allegro vivace” conquista al público con un ambiente brillante y heroico que prevalecerá durante todo el transcurso de la obra. La
maestría de Mozart al utilizar distintos colores tímbricos con todas las
familias instrumentales se percibe desde los primeros compases de la
partitura. Los temas van de lo majestuoso a lo trivial, de lo dramático a
lo humorístico, y desarrollan un variado abanico expresivo. Como
siempre, el lirismo melódico aparece delicadamente dibujado en el
“Andante cantabile “ central. La elegancia es, cómo no, la protagonista
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del “Menuetto- Allegretto” y el triunfo llega por fin en el “Finale.
Molto Allegro”, en el que, tras el intenso y famoso pasaje fugado de la
coda, descansan brillantemente todas las tensiones de la partitura.
Mozart no pudo ver editada la partitura de su última sinfonía. La
llamada “Júpiter” fue recuperada varios años después de la muerte del
músico por un antiguo colega de Haydn, el organizador de conciertos
en Londres Johann Peter Salomon, que la editó en 1810. Teniendo en
cuenta el estilo brillante de la partitura no es de extrañar que el propio
Salomon impusiera a la obra el epígrafe de Sinfonía “Júpiter”. Muchos
críticos e historiadores consideran este subtítulo como un acierto
puesto que, menciona Downs, “Júpiter era el padre de los dioses, sus
armas eran el rayo y el trueno, con lo que la sinfonía despliega un poder
sobrehumano y se mueve con soberana facilidad a través de la más grande
arquitectura sinfónica de todo el siglo”.
Casualmente, entre 1787 y 1788, años de composición de estas
dos sinfonías, llegó a Viena un joven compositor alemán, L. V.
Beethoven (1770-1827), a instancias de su mentor el archiduque
Maximiliano Franz de Habsburgo, Elector de Colonia. Los biógrafos de
Beethoven han relatado el encuentro que pudo tener lugar entre
Mozart y Beethoven, en el cual no parece que el salzburgués hiciese
mucho caso del talento juvenil del alemán. El encuentro de Beethoven
con J. Haydn fue años más tarde, en 1792, y en Bonn, y supuso para el
joven compositor la posibilidad de ampliar sus estudios en Viena como
discípulo del anciano maestro. Cuando Beethoven llegó a Viena por
segunda vez, Mozart ya había fallecido y ”La flauta mágica” alcanzaba
su representación número cien. Las lecciones con Haydn fueron fructíferas y la vida en Viena le ofreció al compositor numerosas oportunidades. También Beethoven frecuentó la casa del barón van Swieten,
quien le pedía que interpretase las obras de Bach al piano.
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Fue durante estos años de juventud en Viena, como discípulo de
“papá” Haydn, cuando Beethoven se planteó la composición de una
sinfonía. Al fin, terminó la obra en 1799 y la estrenó en el National
Hoftheater el 2 de abril de 1800. Es interesante señalar que la Primera
Sinfonía en Do Mayor op. 21 [32’] fue dedicada al barón van Swieten y
obtuvo algunas críticas que destacaban ciertas innovaciones que se
intuía iban a revolucionar la historia de la música en el siglo XIX. El
crítico del Allgemeine Musikalische Zeitung escribió lo siguiente: “los
instrumentos de viento se utilizan en demasía, de forma que suena más a
música de banda que a una música a toda orquesta”. Efectivamente, en
su primera sinfonía, Beethoven otorgó mayor importancia que la acostumbrada a los instrumentos de viento inaugurando así una manera de
orquestar que se impondrá durante el Romanticismo.
La sinfonía comienza con unos compases de introducción lenta
con ciertas licencias armónicas que se resuelven con el estallido del
Allegro del primer movimiento. La función principal de la introducción lenta es la de dar una entrada impresionante a la sinfonía, preparar al oyente para la brillante exposición de la partitura. El triunfal
modo en que se desarrolla este primer movimiento en Do Mayor contrasta con el lirismo del “Andante cantabile con moto” que cuenta con
el timbre de los timbales, sonoridad que tanto apreciarían compositores posteriores como Berlioz. El “Menuetto, allegro molto e vivace” es,
según F. R. Tranchefort, el movimiento más original de la sinfonía, y se
trata de un auténtico “scherzo” beethoveniano, más rápido y dinámico
que el minueto tradicional de Haydn o Mozart. La sinfonía termina con
un Finale breve que equilibra el sentido brillante y luminoso del primer movimiento.
Mar García Goñi
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di re c t or
Antoni Wit
Director Principal Invitado
de la Orquesta Sinfónica de Navarra
Nacido en Cracovia en 1944, Antoni Wit es
uno de los directores de orquesta polacos más
reputados, paladín de la música de su país y,
desde enero de 2002, director general y director artístico de la Orkiestra Filharmonii
Narodowej w Warszawie, —Filarmónica de
Varsovia, Orquesta y coro nacionales de
Polonia—.
Después de cursar estudios de dirección de
orquesta con Henryk Czyz y composición – con Krzysztof
Penderecki en Cracovia primero y, más adelante, con Nadia
Boulanger en París—, Antoni Wit quedó máximo vencedor en la
Competición Internacional Herbert von Karajan de Berlín de 1971,
momento culminante en su carrera. Dos años después fue ayudante de Herbert von Karajan en el Festival de Pascua de Salzburgo y, de
1970 a 1972, fue un asiduo director de orquesta de la Orkiestra
Filharmonii Pozna skiej (Filarmónica de Poznan). En 1974, se le
ofreció por primera vez el puesto de director artístico, con la
Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Pomorskiej (Filarmónica de
Pomerania) y, tres años después, asumía el cargo de director artístico y primer director de orquesta de la Orkiestry i Chóru Polskiego
Radia i Telewiezji w Krakowie (Orquesta y Coro Nacional de la
Radiotelevisión Polaca). Durante cuatro años, Antoni Wit trabajó
con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, con sede en Las
Palmas; primero, como director musical y, más adelante, como
director de orquesta visitante. De 1983 al 2000, antes de ocupar su
cargo actual con la Filarmónica de Varsovia, había ocupado el de
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di re c t or | A n t o n i Wi t
director de la Narodowa Orkiestra Symfoniczna Polskiego Radia
(Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Polaca).
La internacionalidad de su carrera lo ha llevado a actuar con las
principales orquestas de Europa, América del Norte y del Sur y
Extremo Oriente, de cuya larga y diversa lista destacan la Berliner
Philharmoniker, Staatskapelle Dresden, Royal Philharmonic,
Philharmonia, Orquesta Sinfónica de la BBC, Sinfonieorchester
des Westdeutschen Rundfunks (Orquesta Sinfónica de la WDR de
Colonia) y Sinfonieorchester des Norddeutschen Rundfunks
(Orquesta Sinfónica de la NDR de Hamburgo), Tonhalle Orchester
Zürich, Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Orquesta Sinfónica
NHK de Tokio y Orchestre Symphonique de Montréal. Entre sus
más recientes y sus próximos compromisos, se incluyen participar
en el Festival de Budapest, y actuar con la Dresdner Philharmonie,
con la Filarmónica de Malaisia, con l’Orchestre Symphonique de
Montréal, la Filarmonica Della Scala, l’ Orchestre de la Suisse
Romande, l’Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de
Catalunya y la Orquesta Sinfónica de Galicia, así como dirigir los
conciertos de apertura del Festival de Primavera de Praga.
Antoni Wit ha sido seis veces nominado a los premios Grammy
y ha grabado más de ciento cincuenta albúmenes para los sellos discográficos EMI, Sony y Naxos, entre los que se incluyen una muy
aclamada edición para Naxos de los conciertos para piano de
Prokófiev, premiada con el Diapason d’Or y el Grand Prix du
Disque de la Nouvelle Academie. En 1985, se le otorgó el galardón
Record of the Year de EMI por su grabación del Stabat Mater de
Szymanowski y, en febrero de 2002, su grabación de la Sinfonía
Turangalîla de Olivier Messiaen fue galardonada con el Classical
Award de Cannes. Más recientemente, los dos primeros albúmenes
de la serie de las obras completas de Szymanowski recibieron el
Gramophone Editor’s Choice, y los dos albúmenes siguientes fueron laureados con el BBC Music Magazine Editor’s Choice.
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or q u e s ta s i n f ó n ic a d e n ava r ra
Violines I
Violoncellos
Trompetas
Vicent Balaguer
Anna Siwek
Daniel Menéndez
Catalina García-Mina
David Pérez
Nikola Takov
Malen Aranzabal
Edurne Ciriaco
Aratz Uría
Enrico Ragazzo
Nathalie Gaillard
Herwig Coryn
Tomasz Przylecki
Aritz Gómez
Lara Vidal
Carlos Frutuoso
Dorota Pukownik
Vicent Oliver
Carlos Gomis
Piotr Antoni Piotrowski
Fco. Javier Fernández
Gian Luca Mangiarotti
Violines II
Flautas
Anna Radomska
Maite Ciriaco
Inés de Madrazo
Iraia Aizpuru
Tibor Molnar
Lourdes González
Angelo Vieni
Grazyna Romanczuk
Fermín Ansó
Pilartxo Ibáñez
Xavier Relats
Ricardo González
Timbales
Javier Odriozola
Contrabajos
Oboes
Jacobo Díaz
Juan Manuel Crespo
Clarinetes
Elisa López
Javier Inglés
Violas
Fagotes
David Fons
Jerzy Wojtysiak
Fco. Javier Gómez
Irantzu Sarriguren
Malgorzata Tkaczyk
Robert Pajewski
Jose Ramón Rodríguez
Ferrán Tamarit
José Lozano
Trompas
Oscar Sala
Daniel Mazarrota
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da l a no ta
Queremos una Orquesta de la máxima calidad, que ofrezca una programación cada vez más abierta y variada, accesible y asequible para todo
tipo de públicos.
Ello sólo será posible con el apoyo y la generosidad de los amantes de
la música que quieran sentirse herederos de quienes en 1879 fundaron la
que hoy, 129 años después, podemos llamar con orgullo la Orquesta de
Navarra.
Ayúdanos a hacer posible nuestra ambición convirtiéndote en Socio
Preferente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.
MIEMBROS
ENTIDADES
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DE
LA
FUNDACIÓN
PATROCINADORAS
PABLO
SARASATE
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da l a no ta
SOCIO
SOCIOS
BENEFACTOR
PREFERENTES
PRESTISSIMO
Hotel Maisonnave
VIVACE
Fundación Fuentes Dutor
ALLEGRO
www.lokliza.com
ALAIZ IRUÑA, SL
CLÍNICA DE ORTODONCIA LAHOZ-ROUCH
La Fundación Pablo Sarasate agradece también el generoso apoyo de
los numerosos socios preferentes en la categoría de Adagio.
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CONCIERTO
27 y 28 de octubre de 2011
TERCER CONCIERTO DE CICLO
C. SAINT-SAËNS (1835-1921)
Concierto para piano nº 5
en Fa Mayor op. 103 “Egipcio”
(APROX. 29’)
R. SCHUMANN (1810-1856)
Sinfonía nº 4 en re menor op. 120 (Rev. 1851)
(APROX. 28’)
SOLISTA
Jean Philippe Collard, piano
DIRECTOR
Ernest Martínez Izquierdo
Depósito Legal: NA-606/2011
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