Descargar Musikenews nº19

Febrero 2014 Otsaila Nº19 Zenbakia
Chris Kase-ri elkarrizketa
MusikeNEWS
aurkibidea - índice
Iritzia/Opinión
Pag. 3 - 5 orrialdea
Elkarrizketa
Pag. 6 - 9 orrialdea
Euskadiko Orkestra Txokoa
Pag. 10 - 11 orrialdea
...Inguruan
Pag. 12 - 13 orrialdea
Eskubide osoz
Pag. 14-15 orrialdea
Berriak/Actualidad
Pag. 16 - 19 orrialdea
Agenda
Pag. 20 - 21 orrialdea
Mediatekanews
Pag. 22 - 23 orrialdea
Tocata y Fuga
Pag. 24 orrialdea
IRAKURRI/LÉENOS EN
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musikenews@musikene.net
Musikenews es una publicación realizada por alumnos que cursan
la asignatura de Taller de Publicaciones en Musikene (Centro
Superior de Música del País Vasco).
Directora: María José Cano Espín
Redacción: Silvia Luik, Álvaro Picó Perdices, Asier Puga Sánchez y
Luis Miguel Segurado Blázquez
Colabora: Juan Marcos Cano
Edita: Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene. Donostia, 2013. ISSN 2254-5158
IRITZIA
Iñaki Salvador
Pianista de jazz y profesor en Musikene
Musikariok askotan aritzen gara txantxetan halako
gozamena eta aberastasun pertsonala ematen
digun jardueraren truke ordainsaria jasotzearen
inguruan. Musika lanbide dugunok bereizi egiten
ditugu, oro har, gure lanaren alderdi artistikoak eta
lanbidea garatzen dugun lan-esparruarekin
zerikusia duten beste alderdiak. Eta bi errealitate
horien arteko harremana harmonikoagoa izan
daiteke hainbatetan, disfuntzionalagoa beste
hainbatetan. Adierazpen artistikoa gure oinarrizko
mantenuaren euskarri da aldi berean, eta
musikarekin ezartzen dugun aldebiko harreman
horretan, hainbatetan, esentzia izan daitekeen
horrekin kontaktua gal dezakegu, jatorrizko
bultzada hori hain zuzen ere, instrumentuaren edo
lerrodun paper zuriaren aurrean eseri gintuena eta
esertzen gaituena, gure lana eta inspirazioa jasoko
zain.
Zergatik egiten dugu musika? Eta inguratzen
gaituen merkatuak zein modutan mugatzen du
egitea erabakitzen dugun edo egin dezakegun
musika? Bi galdera horiek, bakoitza bere aldetik
edo elkarrekin eta nahasturik, gure lanbide eta
pasioaren inguruan hainbat hausnarketa eta
azterketarako bide izan daitezke.
Onartzen dut nire lehenengo bultzada musikagertaera modu “filosofiko” eta “garbiagoan”
azaltzekoa izan dela. Zer komunikatu nahi dugu
musika egiterakoan? Formulazio topiko eta
hedatuenaren arabera musikarekin emozioak
adierazten ditugu. Zenbaitek metafora ederrez
egindako definizioak baliatuz azaltzen dute, hala
nola «jotzen dudanean nire bizitza kontatzen ari
natzaizue, ez dizuet ezer ezkutatzen», Art Blakey
jazz bateria jotzaileak ustez esan moduan.
Adieraztea eta zirrara eragitea, publikoaren
bihotzera iristea... guztiak ohiko esamoldeak izan
arren, gutako askorekin bat etor daitezkeenak.
Hala ere, gure lan kreatiboaren oinarri den ardatz
horretan sakontzeko aukera badagoela uste dut,
hobeto ulertu eta ezagutzeko, eta ondorioz gure
burua ere hobeto ulertu eta ezagutzeko.
Emozioa edo zirrara diogunean, musikainterpretazio baten une zehatz batzuetan
biluztasun eta babesik ezaren sentipena esan nahi
al dugu, hain zuzen ere lotsak edo min hartzeari
beldurrak eraginda eguneroko babesgarri dugun
oskola baino sakonago, oskol horretatik at dagoen
zerbaitekin lotzen gaituena? Entzule duen publikoa
biluztu eta desarmatu nahi al du musikariak
jatorrizko, antzinakoago eta ondorioz egiazkoago,
erabat gizatiarra den leku horretara eramateko?
Hori al da bultzada, eta hor amaitzen al da,
gainera, ez al da beste ezer? Hori al da gure
lanaren azken helburua?
Musika sortzaile batzuk, interpretari nahiz
konpositoreak, beren ikuspuntu eta arrazoiak
zabaldu nahian gizarte-gaien eta politikaren
esparruan ere aritzen dira modu garbi eta
nabarmenean: musika mundua eraldatzeko
eragile. Arrazoi katalogo horrek ez ditu aurretik
aipatutakoak ezeztatzen, alderantziz, benetako
iraultza norberaren barruan hasi eta bertatik
bultzatzen denaren ideia indartzen du. Egia da,
nolanahi ere, norbanakoaren gozamen indibidual
hutsarekiko aurrera pausua edo pausu ezberdina
dela.
Horretaz gain eta guzti horrekin batera: non dago
sortzailearen edo interpretatzailearen egoa?
Noraino nahi du edo behar du artistak emozioak,
gizartea edo politika astintzen dituen lan horren
protagonista izan edo horrekiko onarpena jaso?
Zein neurritan da altruista eta zein neurritan bilatzen
da ospea? Bere artearen bitartez sendagarri
sentitzen al da artista nolabait, ala terapia modu
horren hartzaile eta onuradun?
Hausnarketa baten lehenengo fasean ohi denez,
galderak pilatzen zaizkit eta erantzunik berriz ez da
agertzen. Hemen laburbiltzen dut, hortaz, ideia
jarioa, heldugabeak berauek eta elkarren arteko
lotura sendorik gabe. Zergatik egiten dugu musika
musikariok? Zergatik uste dugu merezi duela
egindakoak publikoaren arreta? Zein egunetan eta
zergatik erabaki genuen gure lanaren emaitzak
jende talde baten isiltasuna eta arreta merezi zuela
beraien bizitzaren ordu bete luzez?
En muchas ocasiones los músicos bromeamos en
torno al hecho de recibir una remuneración
económica por realizar una actividad que nos
produce tanto placer y enriquecimiento personal.
Los que nos dedicamos profesionalmente a la
música solemos, en términos generales, discernir
entre los aspectos artísticos de nuestro trabajo y
aquellos otros que tienen que ver con el marco
laboral en que desarrollamos nuestro oficio. Y la
relación entre ambas realidades puede ser más o
menos armónica, más o menos disfuncional. La
expresión artística es al mismo tiempo nuestro
sustento básico y en esa doble relación que
establecemos con la música podemos perder, en
ocasiones, el contacto con algo que podríamos
denominar esencia, ese impulso primigenio que
nos llevó y nos lleva a sentarnos ante un
instrumento o un papel pautado en blanco que
esperan nuestro trabajo e inspiración.
¿Por qué hacemos música? ¿Y de qué manera
determina el mercado en el que nos
desenvolvemos la música que decidimos o
podemos hacer? Estas dos preguntas, bien por
separado o bien juntas y revueltas, nos pueden
llevar a un buen número de reflexiones y
disquisiciones en torno a nuestro oficio y nuestra
pasión.
Reconozco que mi primer impulso había sido
plantearme, de manera más «filosófica» y «pura», el
hecho musical. ¿Qué queremos comunicar al
hacer música? La formulación más tópica y
extendida dice que con la música expresamos
emociones. Algunos lo explican desde definiciones
que incluyen bonitas metáforas como la de «yo
cuando toco les estoy contando mi vida, no les
oculto nada», atribuida al baterista de jazz Art
Blakey. Expresar y emocionar, llegar al corazón del
público… Todos ellos son lugares comunes con los
que muchos, a pesar de serlo, podemos sentirnos
identificados. Pero siento que hay una o varias
vueltas de tuerca que dar a este eje sobre el que
sustentamos nuestro trabajo creativo para
comprenderlo y conocerlo mejor y de esa manera
comprendernos y conocernos mejor.
¿Entendemos emoción como esa sensación de
desnudez y “desarme” que nos conecta en
momentos concretos de una interpretación
musical con algo que está más adentro y más allá
de la coraza cotidiana con que nos protegemos
por pudor o por temor al dolor? ¿Desea el músico
desnudar y desarmar al público que le escucha
para transportarle a ese lugar primigenio y más
primitivo, más auténtico por tanto,
extremadamente humano? ¿Es ese el impulso y
queda ahí, sin nada más? ¿Es ése el objeto final de
nuestro trabajo?
Algunos creadores de música, tanto intérpretes
como compositores, amplían sus miras y razones
entrando de manera clara y evidente en el terreno
de lo social e incluso de lo político: la música como
motor de transformación del mundo. Este catálogo
de motivaciones no negaría las anteriormente
citadas sino más bien al contrario, abundaría en la
idea de que la verdadera revolución se inicia e
impulsa desde el interior de cada uno de nosotros.
Pero bien es cierto que supone un paso más o un
paso diferente respecto al puro y mero deleite
individual.
Además y junto a todo ello: ¿dónde queda el ego
del creador o intérprete? ¿Hasta dónde quiere o
necesita ser el artista protagonista u objeto de
reconocimiento en esa labor de agitación
emocional, social y/o política? ¿En qué medida
hay altruismo y en qué medida búsqueda de
notoriedad? ¿Hasta qué punto se siente el artista
sanador a través de su arte y hasta qué punto es él
mismo receptor y beneficiario de esa suerte de
terapia?
Como en toda primera fase de una reflexión se me
agolpan las preguntas y no afloran las respuestas.
Resumo aquí, por tanto, borbotones de ideas aún
inmaduras e insuficientemente conectadas entre
sí. ¿Por qué hacemos música los músicos? ¿Por qué
consideramos que lo que hacemos merece la
atención del público? ¿Qué día decidimos y por
qué que el resultado de nuestro trabajo merece el
silencio y la atención de un colectivo de personas
durante una hora y pico de su vida?
ELKARRIZKETA
Chris Kase, trompetista de jazz
«Desde el principio tuve claro
que quería tocar la trompeta »
El trompetista y compositor Chris Kase, nacido en
New Brunwick (Nueva Jersey, Estados Unidos),
hace un recorrido por su vida como intérprete y
profesor desde sus inicios hasta la actualidad.
- ¿A qué edad empezó a tocar?
¿Fue la trompeta el instrumento
con el que comenzó?
- Empecé con nueve años y la
verdad es que sí, desde el
principio tuve claro que quería
tocar la trompeta.
-¿Había buen ambiente musical
en su casa? ¿Estudiar música fue
una decisión personal o de su
familia?
- Bueno, sí, había bastante
ambiente musical en mi casa, ya
que mi madre es músico también
(profesora de música) y todos mis
hermanos, en algún momento u
otro han estado involucrados en
esto. Por otro lado, estudiar fue
una decisión propia, vamos, que
no me obligó nadie a hacerlo.
-Usted comenzó estudiando
música clásica. ¿Por qué se
decantó por el jazz?
-Empecé a estudiar en el colegio,
por lo que lo que tocaba eran
piezas típicas de banda de niños.
Posteriormente, recibí clases
particulares, que estaban
orientadas a la técnica de la
trompeta y cosas así, más bien
clásicas. Pero lo que es cierto es
que desde que empecé a
estudiar trompeta he escuchado
jazz. No sé, es una música que
siempre ha estado en mi vida
desde muy pequeño. Tuve la
posibilidad de empezar a tocar
un poco de jazz, siendo todavía
adolescente, así que tampoco
fue una decisión que podríamos
considerar consciente, ¿no?
«Desde que empecé
a estudiar trompeta
he escuchado
música de jazz»
-Sabemos que usted es un
músico muy versátil; toca el bajo
y el piano . ¿Por qué se
especializó en la trompeta de
jazz? ¿Qué es lo que la hace más
especial para usted?
- Bueno, lo que pasa es que
como empecé con la trompeta y
los demás instrumentos los
descubrí más tarde, pues
obviamente estaba más
desarrollado como trompetista
que otra cosa. No sé, en ningún
momento me planteé cambiar
mi tiempo de jornada completa
al bajo, ni nada de eso. Son
cosas que han venido después o
que siempre han estado
presentes.
compositor canadiense. Todavía
está en activo, y eso que tiene 83
años. Es un solista y compositor
muy interesante, un poco fuera
del canon del “be bop”, por
decirlo así, ¿sabes?, porque es
mucho más original. Otro
trompetista que ha sido muy
importante para mí es Freddie
Hubbard por su musicalidad, su
dominio del instrumento y sus
nuevas ideas, que ha aportado
al lenguaje de la trompeta de
jazz, igual que Woody Shaw, del
que podría decir más o menos lo
mismo. Los dos son de la misma
generación, pero han hecho
cosas muy interesantes e
importantes, y también distintas a
la vez. Otro….es que hay tantos,
que no podría escoger sólo
«Prefiero las
algunos…Serían los "sospechosos"
agrupaciones
de siempre, como Clifford Brown,
pequeñas porque
Miles Davis, o Booker Little ,que
dan más libertad y
también era otro muy
importante. No fue súper
espacio para la
reconocido porque murió muy
improvisación»
joven, pero tenía un lenguaje
propio, y a mí siempre me han
- ¿Cúal es su formación favorita? gustado los trompetistas que se
¿Prefiere tocar en grupo pequeño salen un poco del papel de
trompetista de be bop o de
o en big band? ¿qué destacaría
swing, y Booker Litttle es uno de
de una y otra?
ellos.
-Con una buena big band es
-¿Si tuviera que hacer un orden
interesante tocar, es un placer,
de músicos en general de jazz de
pero opino que mi agrupación
cualquier otro instrumento?
preferida son las formaciones
-Pondría a Kenny Wheeler en esa
más pequeñas, más que nada
lista, a Jaco Pastorius, a John
porque dan más libertad y más
Coltrane, citaría a Charlie
espacio a la hora de la
Parker...e incluso pondría
improvisación y todo eso. Pero
también quizás a Pat Metheny en
me encanta tocar con las dos
esa lista…
formaciones, así como escribir
para ellas.
-Si tuviera que escoger cinco
«Hay tantos
trompetistas que le han influído,
trompetistas buenos
¿Cuáles serían y por qué?
que no podría
-Uno muy importante para mí ha
sido y será Kenny Wheeler, por
escoger solo uno»
ejemplo, que es un trompetista y
- Además de un gran intérprete,
usted es profesor. ¿Cuándo
impartió su primera clase?
-Yo he tenido alumnos de
trompeta desde los 17 ó 18 años,
no lo recuerdo exactamente.
«Dar clase es un
responsabilidad
enorme»
¿Cuál fue su sensación?
-Pues, más que nada, te das
cuenta de que es una carga,
una responsabilidad enorme.
- ¿Qué es lo que le motiva a la
hora de dar clases?
-
-Hombre, adquiero mucha
motivación de los propios
alumnos, de su implicación y
entrega y de verles mejorar y
desarrollar como músicos, y
también como personas.
-¿Qué tipo de alumnado tiene en
Musikene?
-En cuanto a formación, yo creo
que por lo general vienen aquí
con una formación más bien
autodidáctica en muchos casos.
Como no contamos con Grado
Medio de jazz en este país
todavía, aunque está estipulado
por ley, no existe en la realidad y
eso se nota. Por ello, muchas
veces los alumnos vienen con un
perfil más o menos parecido,
salvo los que sí han hecho Grado
Medio de clásico, cosa que
ayuda muchísimo. En cuanto a lo
personal, es gente que tiene
muchísimas ganas de aprender,
razón por la que están aquí.
«Cualquier cosa que
merezca la pena en
esta vida tarda
mucho en
desarrollarse»
¿Cree que avanzan con
rapidez?
-Avanzar con rapidez, yo diría
que no; yo creo que cualquier
cosa que merezca la pena en
esta vida tarda mucho en
desarrollarse, por lo que no
espero resultados instantáneos ni
nada de eso.
-
-¿Hay un buen nivel en general
entre ellos?
-Bueno, me remito a lo dicho
anteriormente… Al principio hay
un nivel bastante básico,
digamos, y estoy hablando de
mis alumnos, no de todos los
estudiantes del centro, porque
no los conozco. Pero lo que
importa realmente para mí es la
entrega, esa implicación que les
pueda ayudar a aprender.
- ¿Cree que hay buen ambiente
en Musikene?
-Yo creo que sí, tanto entre
profesores y dirección, -ya que a
nosotros nos dan muchísima
libertad a la hora de diseñar e
impartir nuestras clases-, como
entre profesores y alumnos. En mi
caso, por lo menos, siempre ha
habido un ambiente respetuoso,
cordial y amistoso…¡qué más
podemos pedir!
- ¿Es necesario, con su gran
bagaje musical y experiencia,
dedicarle mucho tiempo al
estudio personal?
-Sí, claro.
- ¿Cómo se organiza el tiempo
entre clases, actuaciones y
estudio?
-Es que claro, la trompeta exige
mucho tiempo, ¿sabes? No es
un instrumento que dejes de
tocar unos días y luego puedas
volver a cogerlo como si nada y
tocar como el último día… la
trompeta es muy especial en ese
sentido, por lo que claro que
estudio todos los días. Por eso, a
veces, les digo a los alumnos
que si yo estudio un buen rato
de técnica todos los días, pues
ellos también deben hacerlo,
Llevo cuarenta años tocando
este instrumento, entonces si yo
sigo haciéndolo pues... ¡vosotros
también! En cuanto a la
organización de mi tiempo ,
evidentemente, a veces es un
poco difícil, aunque como
ahora hay menos actuaciones,
tengo también más tiempo para
estudiar y componer; pero los
días que no estoy aquí, en
Donosti dando clase por
ejemplo, y si no estoy actuando
por ahí, dedico bastante tiempo
diario al estudio. Suelo estudiar
por las mañanas y por las tardes
es cuando me pongo a grabar o
componer.
El autor de la entrevista, Luismi Segurado, junto al trompetista Chris Kase
Euskadiko
Orkestraren
Txokoa
TEMPORADA DE ABONO/ ABONU DENBORALDIA
Viernes 28 ostirala Donostia/San
Sebastián
José Miguel Pérez Sierra
zuzendaria/director
Akelarrearen barruan
Pío Barojaren testuetan oinarritutako La Dama
de Urtubi, Pascual Aldaveren Akelarre (1996)
lan handiaren laugarren zatia dena,
denboraldi honetako programarik
ikaragarrienaren pieza nagusia da. José
Miguel Pérez Sierrak zuzenduko du. La Dama
de Urtubi-k Miguel Machainen istorioa azaltzen
du. Akelarre batean sartuko da Miguel Leonor
bere laztana salbatzeko. Gaua mendi soilean
Mussorgskyk 1867an idatzi zuen beldurrezko
klasiko handiak sabbatharen beste bertsio bat
dakar. Rimsky-Korsakoven moldaketa bikainari
esker, orkestraren trebezia agertzeko lan
aproposa da eta entzuleen oso gustukoa ere.
Tchaikovskyren Francesca da Rimini fantasia
sinfonikoa aurrekoak bezain iluna dugu.
Bayreuthen bukatu zuen 1876an eta Liszten
zein Wagnerren eragina nabaria da.
Francesca eta Paoloren istorio tragikoa
hartzen du Danteren Infernuko V. Kantutik:
adulterioan atzemanak, Infernuko bigarren
zirkuluaren betiereko ekaitzean flotatzera
zigortuko dituzte.
Egitaraua / Programa
P. Aldave: Akelarre. 2ªparte. La Dama de Urtubi, opus 29
M. Mussorgsky/N. Rimsky-Korsakov: Una noche en el monte pelado
P.I. Tchaikovsky: Francesca da Rimini, opus 32, TH 46
Dentro del akelarre
La Dama de Urtubi, cuarto cuadro del monumental Akelarre (1996)
de Pascual Aldave, sobre textos de Pío Baroja, es la pieza central del
más escalofriante programa de la temporada, dirigido por José
Miguel Pérez Sierra. La Dama de Urtubi narra la aventura de Miguel
Machain, introduciéndose en un akelarre para salvar a su
enamorada Leonor. Otra versión del sabbath queda reflejada en
Una noche en el monte pelado, el gran clásico ruso del terror que
Mussorgsky finalizó en 1867 y que, gracias al brillante arreglo que
realizó Rimsky-Korsakov, se erigió pronto en vehículo de lucimiento
orquestal favorito del público. No menos oscura que las anteriores, la
fantasía sinfónica Francesca da Rimini de Tchaikovsky, completada
en 1876 en Bayreuth y con influencias de Liszt y Wagner, toma del
Canto V del Infierno de Dante la trágica historia de los amantes
Francesca y Paolo, condenados por su adulterio a flotar en la eterna
tormenta del segundo círculo del Infierno.
ABAO
15, 18, 21, 22 y 24 de febrero. Palacio Euskalduna de Bilbao.
20:00h. La Orquesta Sinfónica de Euskadi interviene desde el foso
del Palacio Euskalduna en la ópera Carmen de Georges Bizet, en
un montaje dirigido por Calixto Bieito. Producción del Gran Teatro
del Liceu, Teatro Massimo di Palermo, Teatro Regio di Parma y
ABAO.
MATINÉES DE MIRAMON
Otsailak 8 Febrero 2014
DANTZAZ KONPAINIA
“Kameleoia” ezagutu
Musikaren sorkutzaren bi muturretan kokatuak, Marin
Marais konpositore barrokoa eta John Cage musika
aleatorio zein elektronikoaren aitzindaria hizpide
Jacek Przybylowicz eta Itzik Galili koreografoek
sortutakoetan.
En las antípodas de la creación musical, el barroco
Matin Marais y John Cage, pionero de la música
aleatoria y electrónica, punto de partida para los
coreógrafos Jacek Przybylowicz eta Itzik Galili.
Dantzaz Konpainia, Gorka Pastor (piano) y David
Johnstone (violoncello)
Egitaraua/Programa: (extractos)
I. Galilik, coreografía/J. Cage, música: Chameleon
J. Przybylowicz, coreografía/M. Marais, música: Few
Brief Sequences
I. Galilik, coreografía/GF Haendel y E Satie, música:
Things I Told Nobody
Otsailak 22 Febrero 2014
ENSEMBLE BALAKIREV
Mogúchaya Kuchka, El grupo de los
cinco
«Eskukada handia »/Bosten taldea : XIX. mende
ardialdera, europar eraginetik kanpo, errusiar musika
berezkoa bultzatzeko San Petersburgen sortutako
taldea. Honen erakusle, Rimski-Korsakov EOSko hari
talde batek interpretatua.
«Gran puñado »/Grupo de Los Cinco : grupo de
compositores que a mediados del XIX se formó en
San Petersburgo para recuperar una música
específicamente rusa, alejada de influencias
europeas. Entre ellos, Rimski-Korsakov, interpretado
por un grupo de cuerda de la OSE.
Egitaraua/Programa :
GLAZUNOV, Alexander K. (1865-1936): Quinteto de
cuerdas en la mayor, op 39 [33’]
RIMSKI-KORSAKOV, Nikolai A. (1844-1908): Sexteto de
cuerdas en la mayor [32’]
Itziar Prieto*, Maialen Rezabal*, biolinak; Justyna
Janiak*, Delphine Dupuy*, biolak; Natalia Díaz*,
Beatríz Linares*, biolontxeloak
AULA DE MUSICA
Vitoria, 23 de febrero, Teatro García Lorca, 17:00 y
18:30h. Donostia, 1 de marzo, Sede de la OSE,
11:00 y 12:30h. A partir de 2 – 3 años.
Barrok…ino
Una merienda es el pretexto para reunir en escena a
una actriz, tres instrumentistas y dos cantantes que,
entre bocado y bocado, nos introducirán en el universo
barroco. Irán tejiendo una pequeña historia en la que
los sonidos arcaicos de la viola de gamba, el violín y la
guitarra barroca se entremezclan con las voces y la
acción dramática. Bajo la dirección musical de Elena
Martínez de Murguía y la dirección de escena de
Charlotte Fallon, el espectáculo contará con la
actuación de Teatro Paraíso, la interpretación musical
de Elena Martínez de Murguía (viola de gamba) e Irene
Echeveste, ambas miembros de la Orquesta de Euskadi,
así como de Rafael Bonavita (guitarra barroca), y la
colaboración de las sopranos Aída Briceño y Paula
Fernández Lueje – alumnas de canto de Musikene-.
Askari bat da gaurko aitzakia. Bertan aktoresa bat, hiru
instrumentista eta bi abeslari bilduko dira, eta askaria
dastatzen duten bitartean pixkanaka barrokoaren
munduan murgiltzera eramango gaituzte. Istorio txiki bat
sortzen joango gara. Viola da gamba, biolin eta gitarra
barrokoaren soinu arkaikoak ahotsekin eta
dramatismoarekin bat egin eta nahasten joan ahala
istorio txiki bat garatuko da. Elena Martínez de Murguía
musika zuzendari eta Charlotte Fallon eszena zuzendari
direla, ikuskizun honetan Teatro Paraisoren antzezlana,
Elena Martínez de Murguía (viola da gamba) eta Irene
Echeveste (biolina), biak Euskadiko Orkestrako kideak,
eta Rafael Bonavita (gitarra barrokoa) musikarien
interpretazioa eta Musikeneko ikasle Aída Briceño eta
Paula Fernández Lueje sopranoen kantua uztartuko dira.
Marina Abramovic...
Inguruan
En los límites del arte
Nacimiento: Yugoslavia/1946
Ocupación: performer.
por Asier Puga
«He aprendido que si se deja tu
vida en manos del público, te
pueden matar»
Marina Abramovic en sus performances se ha
lacerado a sí misma, se ha pegado, se ha flagelado,
ha congelado su cuerpo con bloques de hielo, ha
tomado drogas para controlar sus músculos, en
diversas ocasiones se ha desmayado e incluso en una
ocasión casi se asfixia recostada dentro de una cortina
de oxígeno y llamas.
Hija de guerrilleros yugoslavos, las obras de Marina
Abramovic no dejan indiferente a nadie. Muchas de
sus performances resultan ser una serie de
experimentos que pretenden identificar y definir los
límites en el control del cuerpo o la relación con el
público. En Ritmo 2 (1974), Abramovic tomó drogas
para probar si un estado de insconsciencia puede ser
incorporado en una performance. Por ejemplo, en
Ritmo 0 (1974), una de sus obras más famosas, llevó al
extremo la relación con el público. Durante seis horas
dejó que el público manipulase su cuerpo como
quisiera, utilizando 72 objetos que había colocado
previamente en una mesa. Se trataba de objetos
como tijeras, cuchillos, un látigo e incluso una pistola y
una bala. «Me cortaron la ropa, me clavaron espinas
de rosal en el estómago, una persona llegó a
apuntarme con el arma en la cabeza y otra se la
quitó», cuenta Abramovic tras la experiencia en la que
aprendió que si se deja la decisión al público, éste «te
puede matar» .
En 1975 Abramovic conoce a Ulay, un artista con el
que comparte sus preocupaciones artísticas. A partir
de ese momento, comenzarán una relación
sentimental y artística que durará 13 años.
Marina Abramovic en su performance The Lips of Thomas.
Marina Abramovic y Ulay en un momento de la perfomance The Artist is present, en 2010.
Tras conocer a Ulay, Abramovic comienza una época de trabajo colaborativo. Junto a él, crea el
colectivo The Other. En los años siguientes viven y colaboran juntos, realizan performances y viajan
alrededor del mundo en una vieja camioneta. A partir de aquí, sus inquietudes artísticas son un reflejo de
su mundo sentimental. En esta etapa sus performances exploran los parámetros del poder y la
dependencia dentro de la relación entre ellos y el espectador.
A esta época pertenecen performances como Relation in Movement (1976), en donde Abramovic y
Ulay conducían su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, y cada vuelta representaba un día
del año, al mismo tiempo que un líquido negro que salía del automóvil creaba una serie de formas en el
suelo. Otra performance de esta época es Breathing in/Breathing Out (1977), en la que Abramovic y Ulay
unían sus bocas y respiraban el oxígeno de los pulmones del otro hasta que al final, casi al límite de la
asfixia, sólo intercambiaban dióxido de carbono. Otro ejemplo es Rest Energy (1980), espectáculo en el
que sostenían un arco tirante cargado con una flecha y mantenido sólo por la fuerza de los cuerpos en
tensión apuntando al corazón de Abramovic, mientras unos micrófonos grababan la aceleración de los
pulsos cardíacos de ambos.
En 1988, Abramovic y Ulay realizaron su último trabajo juntos, The Great Wall Walk, en el que durante 90
días caminaron cada uno desde un lado de la Muralla China hasta juntarse en el centro y así simbolizar
su ruptura. A partir de este momento, Marina Abramovic comenzó una carrera en solitario, abriéndose a
nuevas formas de comunicación, como el teatro o incluso la moda. Galardonada con numerosos
premios, en 2010 se realizó una retrospectiva suya en el MoMa de Nueva York que supuso el culmen de su
carrera, y que sirvió para seguir lanzando su interrogante al público, «¿por qué esto es arte?».
Más información:
Página web del Instituto Marina Abramovic: http://www.marinaabramovicinstitute.com
The Artist is Present (documental sobre Marina Abramovic): http://www.youtube.com/watch?v=YcmcEZxdlv4
ESKUBIDE OSOZ
Ernest Bouget, absenta, eta eskubideen
kudeaketa kolektiboaren erakundeak
Robert Lenine-k Parásitos: Cómo los
oportunistas digitales están
destruyendo el negocio de la
cultura (Ariel 2012), liburu
gomendagarrian azaltzen digun
modura, 1847. urteko egun batean
Ernest Bourget konpositore
frantziarra Parisko Les
Ambassadeurs kafean zegoen
lagunartean absenta edaten, garai
hartan Parisko kafeetan ohiko
edaria baitzen hura. Kafe hartan
Musikariak jotzen ari ziren, eta
halako batean Ernes Bourgeten
obra bat jo zuten. Zerbitzariak
kontua eraman zionean, Bourgetek
ez zuen ordaindu, berari kafeak
bere musikagatik ez ziola
ordaintzen esanez.
Bourgetek ostalaritza aretoa
auziperatu zuen eta Frantziako
epaitegiek, hasieran Tribunal de
Commerce de la Seine delakoak
eta bi urte beranduago Parisko
Cour d’Appel-ek, arrazoia eman
zioten konpositoreari, kafea kaltegalerak sortu izanaren delituagatik
erantzule zela iritziz. Iraultzaren
legeetan oinarritutako bidezko
eskubide moduan aitortzen zen
autoreek ordaina jasotzea beraien
obrak jendaurrean interpretatzen
zirenean.
Epaitegiek eskubide hori garbi utzi
bazuten ere, agerian geratu zen
autore bakoitzak Frantziako kafe
eta taberna guztietan beraien
obren erabilpena banaka
negoziatzeak zekarren zailtasuna.
1851. urtean Bourget eta Parisko
kafe hartan berarekin zeuden beste
bi lagunek SACEM (Société des
Auteurs, Compositeurs et Editeurs
de Musique) izeneko egile
eskubideen erakunde kolektiboa
sortu zuten, legeak aitortutako egile
eskubideak modu eraginkorrean
kudeatzeko helburuz.
XIX. mendearen amaieran herrialde
garatu gehienek SACEMen antzeko
erakundeak zituzten kudeaketa
kolektiborako. Beraien eginkizun
nagusia errepertorioa erabiltzen
zutenen artean dirua biltzea zen;
tabernak, kontzertu artekoak, e.a.,
irabazien zati bat interpretatutako
obren egileen artean banatuz.
Musika egileekin hasi zen
kudeaketa eredu hori erreferentzia
izan da joan den mendean, lege
eta arau nazional eta
nazioartekoek nolabaiteko jabetza
intelektuala aitortzen dien beste
kolektibo batzuentzat; margolariak,
musika interpreteak, aktoreak,
ekoizle fonografikoak… Horren
ondorioz erakunde nazionalen
sareak sortu ziren, gehienak beste
herrialde batzuetako erakundeekin
elkarlan hitzarmenekin, egileen
eskubideen kudeaketa kolektiboa
nazioarteko mailan egitea
ahalbideratzen dutenak, mota
guztiko sortzaile eta eskubide
jabeentzat.
Juan Solaguren
Egile- kolektiboak biltzen dituzten
erakundeak;
- SGAE (Sociedad General de
Autores y Editores),musikakonpositoreak, koreografoak,
antzerki idazleak, e.a. biltzen ditu.
- CEDRO (Centro español de
derechos reprográficos), liburu,
aldizkari, partitura, eta abarren
idazle eta editoreak biltzen ditu.
- VEGAP (Visual entidad de gestión
de artistas plásticos), marrazki,
collage, komiki, margo, diseinu…
egileak biltzen ditu.
- DAMA (Derechos de autor de
medios audiovisuales), zine eta ikusentzunezko obren zuzendari eta
gidoilariak biltzen ditu.
Interprete eta/edo gauzatzailekolektiboak biltzen dituzten
erakundeak;
- AIE (Artistas intérpretes o
ejecutantes, sociedad de gestión),
instrumentista eta koro eta orkestra
zuzendariak biltzen ditu.
- AISGE (Artistas intérpretes,
sociedad de gestión), aktoreak,
bikoiztaileak, dantzariak, eskena
zuzendariak, e.a. biltzen dituen
erakundea
Ekoizleen Kudeaketa Erakundeak:
- AGEDI (Asociación de gestión de
derechos intelectuales) Ekoizle
fonografikoei legeak aitortzen
dizkien Jabego Intelektualaren
eskubideak kudeatzen ditu.
- EGEDA (Entidad de Gestión de
Derechos de los productores
audiovisuales), Ikus-entzunezkoen
ekoizleei legeak aitortzen dizkien
eskubideak kudeatzen ditu.
CON TODO EL DERECHO
El caso de la absenta de Ernest Bourget y las
entidades de gestión colectiva de derechos
Como nos cuenta Robert Levine
en su muy recomendable libro
Parásitos: Cómo los oportunistas
digitales están destruyendo el
negocio de la cultura (Ariel 2012),
un día de 1847 el compositor
francés Ernest Bourget se
encontraba junto con dos amigos
en el café Les Ambassadeurs de
París tomando una absenta,
bebida muy recurrida en los cafés
parisinos de la época. En el local
estaban tocando unos músicos, y
coincidió que entre otras obras
interpretaron una canción de
Ernest Bourget. Cuando el
camarero del local le llevó la
cuenta, Bourget se negó a
pagarla alegando que el local no
le pagaba a él por usar su música.
Bourget demandó al
establecimiento hostelero y los
tribunales franceses, en un primer
momento el Tribunal de
Commerce de la Seine, y dos años
después la Cour d’Appel de París
dieron la razón al compositor,
considerando al café responsable
de un delito de daños y perjuicios.
Se reconocía como derechos
legítimos fundados en las leyes de
la revolución, que los autores
debían ser compensados por la
interpretación pública de sus
obras.
Aunque los tribunales
dejaban claro este derecho, se
hicieron evidentes las dificultades
que se planteaban para que cada
autor negociase individualmente
el uso de sus obras con todos los
cafés y bares de Francia en los
que se interpretaba música. En
1851, Bourget junto con los dos
colegas que habían estado con él
en el café parisino fundaron la
entidad colectiva de derechos de
autor SACEM (Société des Auteurs,
Compositeurs et Editeurs de
Musique) con el objetivo de
gestionar de forma efectiva los
derechos de autor que la ley les
reconocía.
A finales del siglo XIX una
gran parte de los países
desarrollados contaban con
entidades de gestión colectiva de
derechos similares a la SACEM, que
se dedicaban fundamentalmente
a recaudar entre los usuarios de su
repertorio; bares, salas de
concierto, etc. una parte de los
beneficios que obtenían para
repartirlos entre los autores de las
obras interpretadas.
Durante el pasado siglo
este modelo de gestión, que
comenzó con los autores
musicales, se ha tomado como
referencia por otros colectivos a los
que las distintas leyes y normas
nacionales e internacionales
también reconocen algún tipo de
derecho de propiedad intelectual;
pintores, intérpretes musicales,
actores, productores
fonográficos... configurando una
red de entidades nacionales,
suscritas la mayoría de ellas a
acuerdos de reciprocidad con las
entidades de otros países, que
permiten la gestión colectiva de
derechos de autor a nivel
internacional, a todo tipo de
creadores y titulares de derechos.
Entidades que agrupan a
colectivos de autores:
- SGAE (Sociedad General de
Autores y Editores), agrupa a
compositores musicales,
coreógrafos, dramaturgos, etc.
- CEDRO (Centro español de
derechos reprográficos), agrupa a
autores y editores de libros, revistas,
partituras, etc.
- VEGAP (Visual entidad de gestión
de artistas plásticos), agrupa a
autores de dibujo, collage, cómic,
pintura, diseño...
- DAMA (Derechos de autor de
medios audiovisuales), agrupa a
directores y guionistas de obras
cinematográficas y audiovisuales.
Entidades de gestión que agrupan
a colectivos de artistas intérpretes
i/o ejecutantes:
- AIE (Artistas intérpretes o
ejecutantes, sociedad de gestión),
agrupa a instrumentistas, directores
de coro y orquesta.
- AISGE (Artistas intérpretes,
sociedad de gestión) Agrupa a
actores, dobladores, bailarines,
directores de escena, etc.
Entidades de Gestión de
Productores:
- AGEDI (Asociación de gestión de
derechos intelectuales) Gestiona
los derechos de Propiedad
Intelectual que la ley otorga a los
productores fonográficos.
- EGEDA (Entidad de Gestión de
Derechos de los productores
audiovisuales), gestiona los
derechos de autor que la ley
otorga a los productores
audiovisuales.
BERRIAK ACTUALIDAD
ERRENDERIAKO BANDAK 150 URTE BETEKO DITU MUSIKENEKIN
La Banda Sinfónica de Musikene ofrecerá
un concierto el sábado 1 de febrero en la
iglesia de los Capuchinos de Errentería.
Bajo la dirección de Joseba Torre, profesor
de Musikene, 50 alumnos del Centro
Superior de las especialidades de viento y
percusión interpretarán cuatro obras de
corte contemporáneo: D­Day de Alex
Poelman, Il signore fagotto de Maxim
Aulio, Apocalypse de Derek Bourgeois y
como propina, Libertadores de Oscar
Navarro. El concierto se integra dentro de
las actividades culturales programadas
con motivo del 150 aniversario de la
Banda de ErrenterIa.
Fundada en el año 1864, es una de las
más antiguas de todo el País Vasco. A lo
largo de sus 150 años de historia, su
dirección ha contado con nombres de la
talla de Hipólito Gezala, José María Iraola,
Gabino Zarranz, Valentín Manso, Ignacio
Ubiria, Jose Luis Mate y, actualmente,
Carlos Rodríguez y Aitor Mitxelena.
Además, ha participado en numerosos
concursos de carácter nacional e
internacional como el Certamen Nacional
de Bandas de Música de Zaragoza,
obteniendo el segundo premio, el de
Bandas de Música de Euskadi, donde
resultó vencedora o el Certamen
Internacional de Bandas de Música Villa
de Aranda (Burgos), siendo la primera
agrupación vasca que participa en dicho
certamen.
Musikeneko Banda Sinfonikoak kontzertua emango du
larunbatean, otsailak 1, Errenderiako Kaputxinoen elizan.
Joseba Torre Musikeneko irakaslearen zuzendaritzapean, Goi
Mailako Ikastegiko 50 ikaslek, haize eta perkusio
espezialitatekoak, lau obra garaikide interpretatuko dituzte:
Alex Poelmanen D­Day, Maxim Aulioren Il signore fagotto,
Derek Bourgeoisen Apocalypse eta, gainera, Oscar Navarroren
Libertadores. Kontzertua Errenderiako Bandaren 150. urteurrena
ospatzeko helburuz egingo diren hainbat jarduera kulturalen
barruan dago.
1864. urtean sortua, Euskal Herriko zaharrenetarikoa da. Bere
historiaren 150 urteetan zehar Hipólito Gazala, José María
Iraola, Gabino Zarranz, Valentín Manso, Ignacio Ubiria, José Luis
Mate, eta, gaur egun, Carlos Rodríguez eta Aitor Mitxelenaren
mailako zuzendariak izan ditu. Horretaz gain, lehiaketa nazional
eta nazioartekoetan parte hartu du, besteak beste Zaragozako
Musika Banden Lehiaketa Nazionalean, bigarren saria jasoz,
Euskadiko Musika Banda Lehiaketan, bertan irabazle gertatu
zelarik, edo Villa de Arandako (Burgos) Musika Banden
Nazioarteko Lehiaketan, bertan parte hartu duen lehenengo
euskal banda izanik.
MIREN URBIETA SOPRANOA FRANCISCO VIÑAS KANTU LEHIAKETAN SARITUA
Abeslari donostiarrak, Musikeneko ikasle ohia, Plácido Domingok Bartzelonako Francisco Viñas Kantu
Lehiaketa entzutetsuan interprete espainiar onenari eskainitako sari berezia irabazi berri du. Miren Urbietak
Euskal Herriko Goi Mailako Musika Ikastegian jaso zuen heziketa Maite Arruabarrena irakaslearekin, 2009.
urtean amaitu zituelarik ikasketak. Lortu duen sariak, korear jatorriko abeslariek menderatutako garaipen
zerrenda batean, aukera eman zion joan den urtarrilaren 19an Bartzelonako Gran Teatro del Liceu-n egin zen
azken kontzertuan bertako Orkestra Sinfonikoarekin abesteko, Gueràssim Voronkov-en zuzendaritzapean.
DOS ALUMNAS DE CANTO EN UN DIDÁCTICO DE LA OSE
Las alumnas de canto Aída Briceño y Paula
Férnandez Lueje participarán en un concierto en
familia organizado por el departamento de
Educativos de la Orquesta Sinfónica de Euskadi
titulado Barrok…ino. El espectáculo, pensado como
una merienda, reúne en escena a una actriz, tres
instrumentistas y dos cantantes que interpretan
música barroca. Aída y Paula, sopranos,
intervendrán junto a Elena Martínez de Murguía
(viola de gamba y directora), Irene Echeveste
Aída Briceño
(violín) y Rafael Bonavita (guitarra barroca). El
espectáculo, que cuenta con la dirección de
escena de Charlotte Fallon, se podrá ver en el
Teatro García Lorca de Vitoria el 23 de febrero y el 1
de marzo en la sede de la OSE en MIramón.
Paula Fernández Lueje
CUATRO PROFESORES DE MUSIKENE
COMPARTEN CONCIERTO EN
MADRID
El pasado lunes 13 de enero el Grupo Vocal KEA, dirigido
por Enrique Azurza, y el violagambista Fahmi Alqhai,
realizaron un concierto en el Auditorio 400 del Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en el
que se estrenaron tres obras: Kotowaza de David Azurza,
Celos del aire matan de Zuriñe F. Gerenabarrena y Un
poema nazarí de Joseba Torre, encargada por el Centro
para la Difusión de la Música Contemporánea del INAEM
del Ministerio de Educación y Cultura. Igualmente se
incluyó en el programa Hymni sacri de Gabriel Erkoreka.
Al día siguiente Zuriñe F. Gerenabarrena y Joseba Torre
dieron una charla con el nombre Diálogos de la
Creación Musical en la Universidad Complutense de
Madrid. La sala se quedó pequeña ante la expectación
que suscitó la propuesta y el orden previsto del
programa varió, finalizando con la obra de Torre. El
concierto fue todo un éxito. ¡¡Enhorabuena a todos!!
CHARLA SOBRE FLAMENCO-JAZZ
El próximo 25 de febrero Juan Zagalaz, profesor de la
Universidad de Castilla La Mancha, ofrecerá una charla
titulada La improvisación melódico­armónica en el
flamenco: el impacto del jazz en la década de los 80.
La conferencia tendrá lugar en el Aula 105 del Palacio
Miramar de 13,30 a las 15,00 horas y está abierta a
todos los alumnos y profesores que lo deseen. Zagalaz,
especialista en jazz flamenco, publicará un libro
tratando este mismo tema en un futuro próximo.
MUSIKENEKO ORKESTRA SINFONIKOAREN
KONTZERTUA VICTORIA EUGENIA ANTZOKIAN
El Lunes 24 de febrero a las 20:00 la Orquesta
Sinfónica de Musikene, dirigida por Jesús
Echeverría, dará un concierto en el Teatro Victoria
Eugenia. Se interpretarán las obras Fidelio
(Obertura) de Ludwig van Beethoven, Concierto
para flauta y orquesta en mi mayor de Saverio
Mercadante, que contará con la alumna Nuria
Canales como solista, y Sinfonía Fantástica, op.14
de Hector Berlioz. Jesús Echeverría tiene una larga
y acreditada trayectoria en su actividad de
director y compositor, y es actualmente profesor
de Análisis y Coordinador de Estudios Orquestales
en Musikene.
Otsailak 24an, astelehena, 20.00etan,
Musikeneko Orkestra Sinfonikoak kontzertua
emango du Victoria Eugenia Antzokian Jesús
Echeverríak zuzendua. Ludwig van Beethovenen
Fidelio (Obertura), Saverio Mercadanteren Flauta
eta orkestrarentzat kontzertu mi maiorren, Nuria
Canales ikaslea bakarlari moduan arituko
delarik, eta Hector Berliozen Sinfonia Fantastikoa,
op. 14 obrak interpretatuko dira. Jesús
Echeverríak ospeko ibilbide zabala du zuzendari
eta konpositore modura, eta egun
MusikenekoAnalisi irakasle eta Orkestra Ikasketen
Koordinatzaile da.
MILOS SEDUJO A LOS ALUMNOS DE MUSIKENE
Pablo Meléndez, tocando junto a Milos durante la clase magistral del pasado 30 de enero.
«Trabajo constante, creer en uno mismo y tratar siempre
de alcanzar tus sueños», tres bases primordiales para el
éxito en la carrera del músico. Miloš Karadaglić, guitarrista
nacido en Montenegro y artista exclusivo del prestigioso
sello discográfico Deutsche Grammophone, ofreció para
los alumnos de guitarra clásica de Musikene una
estupenda masterclass el pasado 30 de Enero en la sede
de la Orquesta Sinfónica de Euskadi en Miramón. Esta
actividad, exclusiva para los estudiantes de nuestro
centro gracias al convenio de colaboración preferente
mantenido con la ya citada agrupación orquestal, nos
permitió acceder a uno de los artistas más reconocidos a
nivel mundial. Milos, además, ofreció dos conciertos en el
auditorio del Kursaal los días 24 y 27 de enero, el martes 28
en el Baluarte de Pamplona, el 29 en el Euskalduna de
Bilbao y el 30 en el Teatro Principal de Vitoria, y
comenzará una gira por nuestro país en los próximos
meses.
Tres de nuestros alumnos de guitarra de los últimos cursos,
Aitor Jauregui, Idoia Arizaleta y Pablo Meléndez, tuvieron
la oportunidad de asistir como alumnos activos a esta
masterclass. Los consejos sobre fraseología y proyección
sonora no dejaron indiferentes a los alumnos, profesores y
oyentes que se acercaron hasta la sede situada en
Donostia. Milos, dejando de un lado la técnica, se centró
principalmente en la musicalidad y la expresividad que
las obras exigían.
El maestro de la guitarra se mostró muy cercano con los
alumnos y su implicación sorprendió a todos.
Tras tres horas y media de intensas clases, el guitarrista
concedió una media hora para preguntas de los
asistentes. Las dudas giraron principalmente en torno a la
vida profesional del músico. Milos, haciendo gala de una
gran humildad, contestó: «la base del éxito es la
constancia, proponerte tus propias metas y tratar de
alcanzarlas. Creer en ti mismo es el principio de todo».
AGENDA
MUSIKENE
Iglesia de Fátima, Errenteria
Sábado 1, 20.30 horas:
Banda Sinfónica de Musikene.
Joseba Torre, director. Obras de
Alex Poelman, Maxim Aulio,
Bourgeois y Oscar Navarro.
Colegio Mayor de Ayete
Martes 11, 20 horas:
Metaleak Brass. Obras de Byrd,
Egea, Scheidt, Ravel, Rossini,
Albéniz y Joplin.
Universidad de Deusto, Donostia
Sábado 8 y 15, 12 horas:
Skala Brass. Acto de investidura.
Teatro Victoria Eugenia
Lunes 24, 20 horas:
Orquesta. Jesús Echeverría,
director. Nuria Canales, flauta
solista. Beethoven: Fidelio.
Mercadante: Concierto para
flauta en mi menor. Berlioz:
Sinfonía Fantástica.
Elai-Alai aretoa, Gernika
Viernes 28, 20 horas:
Grupo de Metales de Musikene.
Luis Gimeno, director.
Palacio Miramar
Martes 4, 19:00 horas:
Canto Jazz. Alumnos de Judy
Niemack. 105.
Jueves 6, 19:00 horas:
Agrupaciones específicas de
jazz. Francesc Capella. Iñaki
Salvador. 105.
Martes 11, 19:00 horas:
Clarinete. Alumnos de Anthony
Pay. PP2.
Miércoles 12, 19:00 horas:
Técnica Alexander. Anne Landa.
PP2.
Jueves 13, 19:00 horas:
Fagot. Alumnos de Higinio Arrue.
PP2.
FEBRERO / OTSAILA
Viernes 14, 13:00 horas:
Flauta. Alumnos de Bruno
Claverie. 105.
Miércoles 19, 19:00 horas:
Guitarra. Alumnos de Marco
Socías. 105.
Viernes 21, 19:30 horas:
Piano. Repertorio
contemporáneo. Alumnos de
Ricardo Descalzo. 105.
Lunes 24, 19:00 horas:
Flauta. Alumnos de Miguel
Ángel Angulo. PP2.
19:30 horas: Trompeta jazz.
Alumnos de Chris Kase. 105.
Martes 25, 19:00 horas:
Canto. Alumnos de Ana Mª
Sánchez. PP2.
Martes 25, 13:30 horas:
Charla de jazz-flamenco. Juan
Zagalaz, profesor: La
improvisación melódico­
armónica en el flamenco: el
impacto del jazz en la década
de los 80. 105.
DONOSTIA
Kursaal
Martes 4, 20:00 horas:
Auditorio Kursaal. Emmanuel
Krivine, director.
Nikolai Lugansky, piano. Strauss:
Cuentos de los bosques de
Viena. Chopin: Concierto para
piano nº 2. Shostakovich:
Sinfonía nº 5.
Sábado 8, 18:00 horas:
Mastretta Concierto infantil:
"Txikijazz". Nacho Mastretta,
clarinete y narrador. Marina
Sorin, violoncello y violíntrompeta. Luca Frasca, piano.
Coque Santos, percusión.
Teatro Principal:
Sábado 8, 19:00 horas:
Ciklus Ensemble. Gluck: Armida.
.
Viernes 28, 20:00 horas:
Auditorio Kursaal. OSE. José
Miguel Pérez Sierra, director. P.
Aldave: Akelarre. La Dama de
Urtubi. M. Mussorgsky/N. RimskyKorsakov: Una noche en el
monte pelado. P.I. Tchaikovsky:
Francesca da Rimini.
Teatro Victoria Eugenia
Martes 4 a martes 25:
Selección de grupos locales. 49
Heineken Jazzaldia.
Matineés de Miramón.
Sábado 8, 11:00 horas:
Sede de la orquesta. Dantzaz
Konpainia. Gorka Pastor, piano.
David Johnstone, violonchelo.
I. Galilik, coreografía/J. Cage,
música:
Chameleon.
J.
Przybylowicz,
coreografía/M.
Marais,
música:
Few
Brief
Sequences.
I.
Galilik,
coreografía/G.F. Haendel y E.
Satie, música: Things I Told
Nobody.
Sábado 22, 11:00 horas:
Sede de la orquesta. Ensemble
Balakirev. A.Glazunov: Quinteto
de cuerdas en la mayor, opus
39. N. Rimsky-Korsakov: Sexteto
de cuerdas en la mayor.
PAMPLONA
Auditorio Baluarte
Sábado 8, 20:00 horas:
Ópera en versión concierto.
Orquesta de la Ópera del
Capitole de Toulouse y Orfeón
Donostiarra.
Mussorgsky: Boris Godunov.
Jueves 13 y Viernes 14, 20 horas:
Orquesta Sinfónica de Navarra.
Antoni Wit, director. F.J. Haydn:
Sinfonía nº 94, Sorpresa. W.A.
Mozart: Sinfonía nº 34. L.V.
Beethoven: Sinfonía nº 5.
BILBAO
Euskalduna Jauregia
Jueves 6 y Viernes 7, 20:00
horas:
BOS. Isaac Karabtchevsky,
director. L. Fernandez: Batuque
R. Ricciardi: Candelarias.
H. Villalobos: Bachiana
brasileira no 4.
P. I. Tchaikovsky: Sinfonia no 4
en Fa menor, op. 36.
Jueves 13 y Viernes 14, 20:00
horas:
BOS.Gunter Neuhold, director.
Rudolf Buchbinder, piano. R.
Schumann: Concierto para
piano y orquesta en La menor,
op. 54. A. Bruckner: Sinfonia no
4 en Mi bemol mayor.
Sociedad Filarmónica Bilbao
Miércoles 5, 19:30 horas:
Amsterdam Sinfonietta. Thomas
Hampson, barítono. Candida
Thompson, concertino/director.
A. Schoenberg: Noche
transfigurada, op.4. J. Brahms:
Cuatro canciones serias, op.121.
H. Wolf: Serenata Italiana en sol
mayor. Selección de lieder de F.
Schubert y H. Wolf.
Lunes 10, 19:30 horas:
Behzod Abduraimov, piano. L.v.
Beethoven: Sonata nº12 en la
bemol mayor, op.26. F. Chopin:
Fantasía en fa menor, op.49.C.
Saint-Saëns/ F. Liszt: Danse
Macabre, op.40 S555.
Jueves 27, 19:30 horas:
Sergey Khachatryan, violín.
Lusine Khachatryan, piano. J.
Brahms: Sonata nº1 en sol mayor,
op.78 // Sonata nº2 en la mayor,
op.100 // Sonata nº3 en re menor,
op.108.
La pianista Lusine Khachatryan.
Teatro Arriaga
Miércoles 19, 20:00 horas:
Ciclo música coral: Kea.
Enrique Azurza, director.
Música de: Nystedt, Poulenc,
Eguiguren, Aracil, Dusapin, BelloPortu.
VITORIA-GASTEIZ
Sinfonietta de Amsterdam.
Rudolf Buchbinder, pianista.
Lunes 17, 20:00 horas:
Grupo de cámara de la BOS.
F. Schubert: Quinteto en La
mayor, D. 667, “La trucha”.
Jueves 27 y Viernes 28, 20:00
horas:
Orquesta Sinfónica de Bilbao.
Zoltan Kocsis, piano y dirección.
B. Bartok: Bocetos húngaros
W. A. Mozart: Concierto para
piano no 17, en Sol mayor K.
453.
A. Dvorak: Sinfonia no 7 en Re
menor, op. 70.
Lunes 10, 19:30 horas:
Behzod Abduraimov, piano. L.v.
Beethoven: Sonata nº12 en la
bemol mayor, op.26. F. Chopin:
Fantasía en fa menor, op.49.C.
Saint-Saëns/ F. Liszt: Danse
Macabre, op.40 S555. F.
Schubert: Dos Impromptus, op.90
D899: Nº3 en sol bemol mayor //
Nº2 en mi bemol mayor.
M. Ravel: Gaspard de la nuit.
Martes 18, 19:30 horas:
Cuarteto Takacks. Marc Ramírez,
Contrabajo.
W.A. Mozart: Cuarteto nº16 en mi
bemol mayor, K 428. L. Janacek:
Cuarteto nº1 "Kreutzer". A.
Dvorak: Quinteto en sol mayor,
op. 77 B 49.
Teatro Principal
Viernes 14, 20:30 horas:
Orquesta Filarmónica Nacional
de
Hungría.
Zoltan
Kocsis,
director. J.S. Bach: Concierto de
Brandenburgo nº l, concierto
para piano nº 5, concierto para
violín núm. l, suite orquestal nº l.
La Orquesta Filarmónica Nacional
de Hungría en un concierto.
MEDIATEKAnews
La improvisación
musical
Por Koldo Bravo
Cuando hablamos de “improvisación musical” pensamos de inmediato en la música de jazz. Sin
embargo, la improvisación no es patrimonio exclusivo del jazz –aunque sea constitutiva del mismo-,
ya que en todos los géneros musicales y en las diferentes culturas se han producido prácticas de
improvisación musical en una u otra forma. Cierto es que en la música clásica ha predominado la
interpretación a partir de la música escrita, pero tanto en el Renacimiento y el Barroco como en la
música contemporánea se han producido modos diversos de improvisación. Hoy día se quiere
recuperar la actividad de la improvisación, además de como una finalidad en sí misma, como un
componente importante de la formación de un músico profesional, sea cual sea el estilo en el que se
desenvuelva. Hay una enorme bibliografía sobre el tema, que se centra mayoritariamente en el
aprendizaje de las ténicas de improvisación en los diferentes estilos. En nuestra colaboración de hoy
queremos aportar una lectura que ofrezca una reflexión sobre el tema, más allá de mostrar unas
técnicas concretas. Los libros que figuran a continuación son, por ello, obras teóricas, con la
excepción del método de improvisación al piano de Emilio Molina, uno de los pedagogos que más
ha trabajado en España para introducir la práctica de la improvisación, tanto en la enseñanza del
piano como en la del lenguaje musical.
Nettl, Bruno y Melinda
Russell, eds. (2004). En el
transcurso de la
interpretación: estudios
sobre el mundo de la
improvisación musical.
Madrid, Akal.
Nachmanovitch,
Molina, Emilio (2000).
Stephen (2004). Free
Improvisación al
play: la improvisación
piano, vol. 1-3.
en la vida y en el arte.
Madrid, Real Musical.
Buenos Aires, Paidós.
Alonso, Chefa (2008).
Wigram, Tony (2005). Improvisación:
Matthews, Wade (2012).
Improvisación libre: la
métodos y técnicas para clínicos,
Improvisando: la libre
composición en movimiento.
educadores y estudiantes de
creación musical. Madrid,
Pontevedra, Dos Acordes.
Musicoterapia. Vitoria-Gasteiz,
Producciones Agruparte.
Turner Música.
Gordon, Edwin E.
Bailey, Derek (2000).
(2003). Improvisation in
La improvisación: su
the Arts of the Middle
the Music Classroom:
naturaleza y su
Ages and Renaissance.
sequential learning.
práctica en la
Chicago, GIA
música. Gijón,
Publications.
Ediciones Trea.
McGee, Timothy, ed.
(2003). Improvisation in
Michigan, Western
Michigan University.
Berliner, Paul F. (1994).
Hemsy de Gainza,
Monson, Ingrid (1996). Saying
Thinking in Jazz: the
Violeta (1983). La
something: jazz improvisation
infinite art of
improvisación musical.
and interaction. Chicago, The
improvisation. Chicago,
Buenos Aires, Ricordi.
University of Chicago
The University of
Chicago.
Tocata y Fuga
por Juan Marcos Cano
- ¿Orden o caos?
- Hay que saber vivir dentro del
caos y ser capaces de organizarlo.
- ¿Un sitio para huir?
- Dentro de la partitura
- ¿Carne o pescado?
- Pescado sin duda
- ¿ Con qué o quién te
identificarías?
- Conmigo mismo
- ¿Relación estable o Tocata y
Fuga?
- No! Estable
- ¿Cuál es el motor del mundo?
- Desgraciadamente el capital
- ¿Qué es para ti "El Lado Oscuro"?
- La ignorancia unida a la
pretensión
- ¿Madrugar o trasnochar?
- Madrugar, bien seguro
-¿En qué crees?
- En la persona humana. En la
naturaleza
- ¿Qué es un alumno de Musikene?
- Una persona que quiere hacer de
la música su profesión.
- ¿Qué hubieses sido en otra vida?
- Lo mismo que esta
- ¡Tierra trágame!
- No estoy habituado a dejarme
tragar por la tierra...
- Una canción
- El ciclo de Schumann
- Tres placeres confesables
- Estudiar, trabajar y estar con la
familia
- ¿Presto o Adagio?
- Prestissimo
- ¿Forte o Piano?
- Ni una ni otra, estructuración de la
dinámica
- ¿Dónde querrías estar ahora?
- Donde estoy. En Musikene
trabajando.
- Ordena edo kaosa?
- Kaosaren barnean bizi behar da eta
antolatzeko gai izan.
- Ines egiteko leku bat?
-Partituraren barrua.
- Haragia edo arraina?
-Arraina, zalantzarik gabe.
- Zerekin edo norekin identifikatuko
zinateke?
- Neure buruarekin.
- Bikote finkoa ala Tocata eta Fuga?
- Ez! Egonkorra.
- Zein da munduaren motorra?
Arturo Tamayo es profesor de
dirección de orquesta en
Musikene y un arduo lector de
nuestro Musikenews
- Zoritxarrez kapitala.
- Zer da zuretzat "Alde iluna"?
- Ezjakintasuna eta nahikeria elkartzen
direnean.
- Goiz jaiki edo gaua galdu?
- Goiz jaiki, zalantzarik gabe
- Zertan sinisten duzu?
- Gizakian. Naturan.
- Zer da Musikeneka ikaslea?
- Musika lanbide izan nahi duen
pertsona.
- Zer izango zinateke beste bisiltza
batean?
- Honetan naizena.
- Lurra irents nazazu!
- Ez nago ohitua lurrari irents nazan
uzten
- Abesti bat
- Schumann-en zikloa.
- Aitortzeko moduko hiro gozamen
- Ikastea. lanean aritzea eta
familiarekin egotea.
- Presto edo Adagio?
- Prestissimo.
- Forte edo Piano?
- Ez bata ez bestea, dinamika
egituratua.
- Non egon nahi zenuke oraintxe
bertan?
- Nagoen lekuan. Musikenen lanean.