Who the Fuck?: “All Now” (Free, 1970) 18/11/2014] “All Right Now” Free Fire and Water Polydor (1970) Right [357, Sun Ra And His Intergalactic Research Arkestra: It’s After The End Of The World (MPS. 1970 -orig-, 2014 -reed.) Portada de la reedición de 2014 La música de Sun Ra y su Arkestra muestra habitualmente dos facetas complementarias: una, la que mira hacia lo melódico, bien sea por medio de su repertorio propio o melodías ajenas y habitualmente lejanas; la otra es la que apunta hacia el expresionismo, hacia lo que se podría calificar como freejazz, aunque realmente el estilo de Sun Ra era su forma de entender la música propio y personal. Además de en el espacio (“Space Is The Place”), la música de las grabaciones de Sun Ra, sean en directo o en estudio, permanecen en un terreno intermedio entre estos dos territorios. Portada original It’s After The End Of The World, grabado en directo en octubre y noviembre de 1970 en el Donaueschingen Music Festival y el Berlin Jazz Festival (aunque no se indica en qué festival se grabó cada una de las cinco piezas), mira más allá del freejazz habitual. Salvo la breve “Watusi, Egyptian March” en la que en su primera mitad prima lo melódico, en las cuatro piezas restantes renuncian a ello casi en su totalidad. A lo largo de los 50 minutos, pero especialmente en la inicial “Strange Dreams – Strange World – Black Myth – It’s After The End Of The World” los solistas de la Intergalactic Research Arkestra se dedican a declamar con los sonidos de sus instrumentos (de viento, pero también con los teclados) en vez de con la voz de un modo similar a los textos que se escuchan en el inicio del tema. Uno tras otro van desfilando las posibilidades de realizar una interpretación vocalizada con distintos instrumentos con un acompañamiento mínimo. Sin unas imágenes que puedan verificar qué es lo que sucedió realmente sobre el escenario, por momentos la Arkestra (en la que participan Alan Silva, Lex Humphries, John Gilmore, Marshall Allen, Pat Patrick y así hasta 21 miembros) parece dirigida en algo parecido a un formato de conducción. No obstante el momento álgido no lo protagoniza este amplio conjunto, sino el mismísimo Sun Ra, que está especialmente participativo durante todo el CD. A lo largo de gran parte del tema “Myth Versus Reality [The Myth-Science Approach] – Angelic Proclamation – Out In Space” se dedica a improvisar armado de sus teclados. Su exhibición de diferentes sonidos generados electrónicamente consiguen que sin emplear la música, Sun Ra plantee un discurso con una lógica aplastante y absolutamente atractivo, ciertamente adelantado a su tiempo. El sonido de la orquesta, libre, al completo y a máxima potencia, junto con los posteriores discursos vocalizados individuales consiguen una pieza arrebatadora. Algo similar a lo que sucede en el tema final, “Duos”, aunque en esa ocasión –lamentablemente- la pieza termina por medio de un desvanecido cuando tras los diálogos iniciales la orquesta comienza a sonar a plena potencia. La reedición de las grabaciones originales tal y como se publicaron en su momento es algo que se puede llegar a agradecer. Especialmente si se piensa en algunas obras completas en las que intentar encontrar el tema publicado entre inicios fallidos y tomas alternativas registradas en un día no especialmente inspirado en el estudio, se convierte en toda una odisea. Sin embargo en esta ocasión sería especialmente interesante que se publicasen los dos conciertos de los que proceden esta grabación al completo, para documentar a Sun Ra y su Arkestra en un momento especialmente inspirado y expansivo. © Pachi Tapiz, 2014 Sun Ra And His Intergalactic Research Arkestra: It’s After The End Of The World. Live At The Donaueschingen And Berlin Festival (MPS. 1970 -orig-, 2014 -reed. CD / digital) Joe Pass: Intercontinental (MPS. 1970 -orig.- , 2014 reed.digital) Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, más conocido por Joe Pass, editó el disco Intercontinental en 1970. El trabajo recoge una colección de temas en la que predominan los standards norteamericanos y algunas piezas de corte latino, más en concreto brasileño. A modo de puente, la música une a lo largo de diez piezas ambas latitudes. Hay composiciones de Antonio Carlos Jobim, Cole Porter, Benny Goodman, Neal Hefti, Michel Legrand, y tan sólo una atribuida al propio guitarrista de Nueva Jersey. Un virtuoso que siempre sobresalió en pequeñas formaciones, ya fuera a solo como en dúo o trío. En este caso se hizo acompañar por el contrabajista Eberhard Weber y el batería Kenny Clarke. “Intercontinental” es una buena muestra del estilo inconfundible de Pass mostrando su “grandísima” técnica. © Carlos Lara, 2014 Joe Pass: Intercontinental (MPS. 1970 -orig.- , 2014 reed.digital) Miles Davis: Miles At The Fillmore (Columbia/Legacy, 2014; 4CD) El tercer volumen de las Bootleg Series de Miles Davis consiste en un cuádruple CD con los conciertos que el trompetista dio en el Fillmore East en junio de 1970. Parte de toda esa música ya se había escuchado en Miles At The Fillmore. Teo Macero, productor por antonomasia de Miles, construyó esa obra, tal y como acostumbraba, seleccionando y adaptando extractos de distintos temas a la duración de un doble LP. Esta edición permite escuchar al príncipe de la oscuridad en plenitud de forma, acompañado por un grupo impresionante con Keith Jarrett, Dave Holland, Chick Corea y Jack DeJohnette, entre otros. El repertorio (Miles al 100%) es prácticamente el mismo en todos los shows, pero aun así, nunca es igual. En esos momentos Miles había logrado conectar con un público masivo y ajeno al jazz. Esa actitud provocó (y sigue provocando) el repudio por parte de la crítica, aficionados e incluso músicos. Sin embargo, no es algo diferente a lo ocurrido a lo largo de toda la historia del jazz: músicos visionarios (Miles lo era) que han descubierto nuevos caminos para hacerlo evolucionar. Este cuádruple CD es una buena muestra de ello. © Pachi Tapiz, 2014 Miles Davis: Miles At The Fillmore. Miles Davis 1970: The Bootleg Series Vol. 3 (Columbia/Legacy, 2014; 4CD) Crítica publicada en el número 315 de la revista Ruta 66 de mayo de 2014 Who The Fuck: “Lola” (The Kinks) [0299, 30/05/2014] “Lola” / “Berkeley Mews” (UK) – “Mindless Child of Motherhood” (USA) The Kinks Pye – Reprise (1970) Tomajazz recupera… Thelonious Monk en Jazz Magazine 1970 Thelonious Monk Minton’s Playhouse, New York, N.Y. ca. September 1947 Photograph by William P. Gottlieb Si no fuera músico, seguramente me habría convertido en un vagabundo. Leer: Thelonious Monk en Jazz Magazine 1970. Entrevista realizada por Paul Slaughter. Tomajazz recomienda… una cajita (de tres cedés): Live at The Lighthouse (Lee Morgan, 1970) Las últimas grabaciones de Lee Morgan suelen quedar un tanto oscurecidas frente a sus primeros discos en solitario y con los Jazz Messengers de Art Blakey, que le propulsaron como uno de los máximos exponentes del hard bop. En los años previos a su muerte (asesinado con sólo 34 años), influido por Coltrane, se orientó cada vez más hacia el jazz modal y el free bop, conservando sin embargo la energía y el virtuosismo, con sus típicos efectos a medio pistón y su querencia por el registro agudo. Las grabaciones aquí recomendadas proceden de una de estancia de dos semanas en el célebre Lighthouse californiano con su quinteto estable. Blue Note publicó primero la grabación en un disco doble con sólo cuatro temas, para luego en la era del cedé, en 1996, ser editada como un triple con 12 temas extensos (entre 12 y 22 minutos). No hay aquí los tradicionales standards, sino 10 modernas composiciones a cargo de los acompañantes de Morgan, además de dos clásicos del líder, “Speedball” y “The Sidewinder”. Se nota que se trataba de un grupo estable, muy conjuntado, en el que todos sus miembros tenían protagonismo. Morgan está en muy buena forma, pero tal vez la estrella aquí sea Bennie Maupin, un músico a reivindicar, que se sale al tenor (además de mostrar en sendos temas su habilidad al clarinete bajo y a la flauta). © Adolphus van Tenzing Live at The Lighthouse, grabado del 10 al 12 de julio de 1970, en Hermosa Beach, California. Publicado por Blue Note 35228 (no confundir con otras reediciones). Lee Morgan (trompeta y fiscorno), Bennie Maupin (saxo tenor, clarinete bajo y flauta), Harold Mabern (piano), Jimye Merritt (contrabajo) y Mickey Rocker (batería, sustituido en un tema por Jack DeJohnette). Tomajazz recomienda… un CD: Sans tambour ni trompette (Martial Solal) “Sin tambor ni trompeta”, como dice el título, el piano Martial Solal se acompaña en este disco de dos contrabajos, los de Gilbert Rovère y Jean-François Jenny Clark. Son cuatro claramente referencias servicio de composiciones del pianista francés que definen su territorio estilístico, hecho de jazz y de clásicas y donde el virtuosismo está siempre al la música. Con unos resultados magníficos. © Adolphus van Tenzing, 2011 Martial Sola: Sans tambour ni trompette. Grabado en París el 19 de octubre de 1970. Última reedición a cargo de BMG Francia (en su RCA Victor Gold Series), referencia 82876610102 Tomajazz recomienda… un disco: Outback (Mike Osborne, 1970) Outback. Osborne Mike Outback es una referencia no sólo en la escandalosamente escasa discografía como líder de Mike Osborne (u Osbourne, como figura en la portada del disco que nos interesa), sino del jazz británico. Lo curioso es que el único británico “de pura cepa” del quinteto de esta grabación es el propio líder, acompañado por tres surafricanos emigrados (estamos en 1970), Chris McGregor (piano), Harry Miller (contrabajo) y Louis Moholo (batería), y Harry Beckett (trompeta), originario de Barbados. Pero tal vez precisamente por eso sea un perfecto ejemplo del “british jazz”, que en los años sesenta y setenta ofreció varios puñados de discos memorables a cargo de una pequeña comunidad de músicos procedentes de horizontes diversos. Mike Osborne siempre se ha reclamado seguidor de Lee Konitz, aunque en este disco recuerde más a Jackie McLean (en el sonido) y a Ornette Coleman (sobre todo en el material compositivo). Precisamente, el disco está formado por dos extensas (una por cada cara del lp de origen) composiciones de Osborne, tan sólo unos esbozos que permiten al quinteto explayarse. El líder ofrece momentos de fiereza (McLean) aderezados de un lirismo controlado (Konitz). Esa dicotomía entre intensidad y suavidad, entre jazz “in” y “out”, también se ve reflejada en los acompañantes, con un Beckett delicado y frágil y una rítmica surafricana contundente de altísimos vuelos. Mike Osborne (u Osbourne): Outback – editado originalmente por Turtle Records (TUR 300) y reeditado por FMR (FMR CD07-031994). Grabado en 1970 Tomajazz recomienda… un disco: Hot Rats (Frank Zappa, 1970) Aunque no se le pueda considerar propiamente como un músico de jazz, lo cierto es que Frank Zappa y alguna de su música sí que tuvieron un cierto contacto con el jazz, al igual que le sucediera con otras músicas, como la contemporánea. Un buen ejemplo es Hot Rats. Grabado en 1969, en él participaban los violinistas Jean Luc Ponty y Sugar Cane Harris, así como el pianista y saxofonista Ian Underwood, o el cantante Don Van Vliet, más conocido como Captain Beefheart. El disco contiene algunas de esas magníficas melodías que Zappa era capaz de crear (“Peaches En Regalia”, “Son Of Mr. Green Genes”), así como unos largos temas con un desarrollo similar a una jam (“The Gumbo Variation”, “Willie The Pimp”) en los que también dejó muestras de su capacidad como guitarrista. © Adolphus van Tenzing Frank Zappa Hot Rats (ZPCD70) Tomajazz recomienda… una reedición: Bitches Brew. Legacy Edition (Miles Davis, 1970. Reed. 2010) Las grandes discográficas dan una vuelta de tuerca más al tema de las reediciones. En el año 1998 Sony publicó The Complete Bitches Brew. Una caja de cuatro CD en la que se suponía reedición definitiva de la mítica obra de Miles Davis. Un disco importante porque supuso la inmersión del gran trompetista en el público rock de finales de la década de los años 60, e importante también porque fue su mayor éxito comercial hasta ese momento con más de un millón de copias vendidas. También supuso un punto de ruptura: si bien el disco no incluía ningún tipo de concesión comercial (no había temas cantados, tampoco melodías facilonas, y salvo un tema el resto superaba los diez minutos), supuso que parte de los seguidores del trompetista de Saint Louis le volvieran definitivamente la espalda acusándole de haberse vendido definitivamente al rock. En 2010 Columbia/Legacy lo vuelve a poner en circulación, añadiendo material que no aparecía en la supuesta grabación al completo. Así, tras los seis temas que formaban el LP doble original (“Pharaoh’s Dance”, “Biches Brew”, “Spanish Key”, “John McLaughlin”, “Miles Runs the Voodoo Down” y “Sanctuary”) incluyen dos versiones inéditas de “Spanish Key” y “John McLaughlin”, y las versiones en formato single de “Miles Runs the Voodoo Down”, “Spanish Key”, “Great Expectations” y “Little Blue Frog” con duraciones en torno a los dos minutos y medio. Sin embargo ni esas versiones inéditas ni los temas en versión single son lo más sabroso de la reedición. Ésta, además de dos CD incluye un DVD grabado en Copenhage el 4 de noviembre de 1969. En dicho concierto se puede disfrutar con Miles Davis, Wayne Shorter, Chick Corea, Dave Holland y Jack DeJohnette interpretando versiones en directo de la mitad de los temas del disco. En otras ocasiones las reediciones aportan poco o nada a lo ya publicado con anterioridad. Sin embargo en esta ocasión la Legacy Edition de Bitches Brew supone un buen complemento tanto al disco original, como a la caja con las Complete Sessions. © Adolphus van Tenzing Miles Davis. Bitches Brew. Legacy Edition. Columbia Legacy. 88697 75150 2 Thelonious Monk Magazine 1970 en Jazz Thelonious Monk Minton’s Playhouse, New York, N.Y. ca. September 1947 Photograph by William P. Gottlieb 1970. Paul Slaughter toma el relevo y se lanza también al asalto del Maestro. Monk vuelve a tratar algunos puntos, se contradice… Thelonious genio y figura. Thelonious Monk, si no tocase el piano, ¿qué instrumento hubiera escogido? Probablemente la trompeta. ¿Por qué? Cuando era crío quería tocar la trompeta, pero fue mi profesor quien me dijo que tocase el piano. Si no hubiera sido músico, ¿a qué se hubiera dedicado? Nunca tuve la intención de hacer otra cosa que no fuese música. Si no fuera músico, seguramente me habría convertido en un vagabundo. Durante su formación musical, ¿le influyeron determinados músicos? “Determinados”, no: me influyeron todos los músicos que escuché siendo crío… Recientemente leí que Bud Powell fue uno de sus primeros intérpretes… Cuando le conocí, Bud no sabía mucho de piano, ni de cómo frasear, por otra parte. Tenía un estilo bien definido pero no conocía gran cosa sobre armonía, tuve que enseñarle. ¿Cuándo realizó su primera gira por Estados Unidos? No me acuerdo muy bien, debía tener 17 años. ¿Qué opina de la palabra “jazz”? No lo sé. Para mí es una palabra como otra cualquiera. Es una etiqueta para una música nacida en Estados Unidos, por lo que sé. Ha trabajado con John Coltrane, Bud Powell, Dizzy Gillespie… ¿Ha tenido compañeros privilegiados? También trabajé con Bird. Con casi todos: Coleman “Bean” Hawkins, Roy Eldridge, antes de que Norman Granz lo contratase para participar en el Jazz At The Philarmonic. ¿Cómo vivió la indiferencia de la gente, en sus comienzos, cuando muy pocos apreciaban su música? Había que tocar, fuera como fuera. Yo estaba ahí, me tenía que dar a conocer. A menudo se ha escrito que usted prefiere Nueva York a cualquier otra ciudad: ¿podría vivir en otro lugar? Amo Manhattan: llegué allí siendo un crío, es una ciudad que conozco bien. “Friday the Thirteenth”, “Little Rootie Tootie”, “Misterioso”… ¿Tiene usted motivos especiales para elegir unos títulos tan enigmáticos? No, me viene así, en mi cabeza. Les doy un poco cualquier nombre… ¿Incluso para “Little Rootie Tootie”? Esta está dedicada a mi hijo. Lo llamamos Toot. ¿Estudia algún instrumento? Sí, le gusta la batería, como a todos los adolescentes. ¿Ha tocado ya con usted? No, empezó en la escuela y ha tocado con Randy Weston… Cuando toca en clubes, ¿no le perturba su horario para dormir? No, puedo dormir a la hora que sea. ¿Hay algún un momento del día que prefiera para componer? Por la mañana, cuando no hay nadie. ¿Dónde vive exactamente en Nueva York? Cerca de la calle 60 Oeste. ¿No se quejan sus vecinos cuando toca por la mañana temprano? Si, hubo una queja cuando llegué al piso, al principio. ¡Pero el piano ni siquiera había llegado! Entrevista realizada por Paul Slaughter © Jazz Magazine 2002 Traducción: © Juan Carlos Hernández en primera instancia y Diego Sánchez Cascado