Círculo de Bellas Artes

INDICE
Qué es… Músicas Desnudas.………………… Pág. 03
Estructura del Festival………………………… Pág. 04
Grupos y Artistas participantes……………… Pág. 05
Programa del Festival..………………………… Pág. 10
Compositores y obras.………………………… Pág. 12
Información y contacto...……………………… Pág. 21
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Qué es… Músicas Desnudas
Sinceridad
Compromiso,
Honestidad,
Cultura integradora
Poesía
Pintura
Música
Novedad
Espacio lúdico de sinergias en el que estar, ver y escuchar
Espacio enriquecedor.
Espacio contenedor de verdad “verdad”.
Un festival intensivo de creación musical
en el Círculo de Bellas Artes
4 micro-conciertos
1 Maestro de ceremonias
Varios artistas y grupos invitados
Un
artista plástico
Sigma Project
3
Estructura del Festival

La propuesta se organiza a lo largo de la tarde-noche del viernes 23 de octubre de 2015.

Se celebrarán 4 conciertos, a las 18:00, a las 19:00, a las 20:15 y a las 21:30 horas
respectivamente.

Los conciertos estarán a cargo de Sigma Project, el clavecinista Daniel Oyarzabal, y los
grupos Trío Huellas y Dúo Prima Volta.

Cada uno de los conciertos será introducido por el compositor Jorge Fernández Guerra,
quien nos hará una presentación de cada concierto.

Cesar Barrio es el artista plástico invitado que expondrá su obra durante la jornada, con
una propuesta en torno a las músicas propuestas.

El espacio escénico de la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes será repensado
por el escenógrafo Javier Larreina para acoger los eventos musicales – plásticos –
poéticos previstos.

Los conciertos darán comienzo y concluirán con un preámbulo y epílogo poético
respectivamente, con textos seleccionados por Egna Shandy.
4
Grupos y Artistas participantes
Sigma Project
Con el nombre de SIGMA
PROJECT, en octubre de 2007, cuatro
reconocidos solistas de saxofón
firmemente comprometidos con la
creación musical actual - Andrés Gomis,
Josetxo Silguero, Ángel Soria, Alberto
Chaves-, deciden revolucionar el
panorama de la música camerística
española, y además disfrutar haciéndolo.
Su apuesta por renovar tanto el
repertorio para saxofón -con especial
interés por el sinfónico concertantecomo el espacio y la puesta en escena
de los conciertos, ha despertado el
interés de compositores que, en estrecha
colaboración con los músicos de SIGMA
PROJECT, han perpetrado estrenos tan
insólitos hasta ahora como los creados
para ¡cuatro saxofones bajos! (Lalibela, concierto para 4 saxofones bajos y Orquesta Sinfónica de Xavier
Carbonell y Chaman para cuarteto de saxofones bajos y electrónica de Thierry Allá).
Abierto siempre a nuevos proyectos, colaboraciones e interrelación con otras disciplinas, SIGMA
PROJECT continúa destacando por su reflexión, estudio e investigación del sonido, en una constante
búsqueda y aplicación de nuevas tecnologías, sin despreciar jamás una buena conversación hasta el
amanecer.
Nos sorprenden con estrenos absolutos y primeras audiciones en España de Sofía Gubaidulina,
Karlheinz Stockhausen, Philippe Leroux, Salvatore Sciarrino, Javier Torres-Maldonado...; consiguen que les
dirijan maestros como Arturo Tamayo (RTVE), Josep Pons (ONE) ó José Ramón Encinar (ORCAM), y que
compositores de la talla de Félix Ibarrondo (esa fuerza terrenal de Aikan), Juan José Eslava (sinuosa poética
sonora en L’Oeil), José Manuel López López (fascinante su imaginario musical en Simog/Civitella), Jesús
Torres, Ramon Lazkano, José Luis Torá, les envíen sus partituras con antelación suficiente al día del estreno.
En octubre de 2013 Sigma Project pone en marcha su propio sello discográfico, Sigma Records,
editando y presentando en Madrid su cd UTOPIAS: New Music for Saxophone Quartet, con el registro de 6
nuevos cuartetos dedicados al grupo, y escritos por Jesús Torres, Germán Alonso, Ramon Lazkano, José
Manuel López López, Félix Ibarrondo y Juan José Eslava. Bajo el mismo sello, en 2014 lanzan el DVD “La
Música para Saxofón de Félix Ibarrondo”.
La agenda prevista por Sigma Project para los próximos meses (2015) destaca por los viajes a
Strasbourg (julio) y una nueva visita a México (noviembre); presencia en Sevilla (Ciclo Teatro Central), ciclo
OperadHoy (Madrid), Jornadas del Románico (Treviana) y ciclo Barroko Aire (Ordizia); y los nuevos estrenos
que presentarán de los compositores Héctor Parra, José Luis Torá y Alberto Bernal.
Resaltar el nuevo cd presentado en diciembre 2014 (Monográfico Simone Movio: Tuniche) encargo
recibido de la alemana Fundación Ernst von Siemens para la Música, para el sello austriaco Col Legno.
SIGMA PROJECT utiliza instrumentos SELMER y accesorios VANDOREN.
www.sigmaproject.es
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Daniel Oyarzabal – clave
Nació en Vitoria en 1972. Fue premio
de honor fin de carrera en las especialidades
de clave y órgano. Posteriormente estudió
órgano, clave e instrumentos históricos con
Thomas Schmögner en el Conservatorio
Superior de Música de Viena, órgano con Jos
van der Kooy y clave con Patrick Ayrton en el
Real Conservatorio
de La Haya (Holanda). Asimismo profundizó
en el estudio de la música de J.S. Bach en el
Conservatorio de Ámsterdam con Pieter van Dijk. Asistió paralelamente a cursos de especialización con
Pierre Hantaï, Jacques Ogg, Michael Posch, Lars Ulrik Mortensen, Michael Radulescu, Hans Fagius y Oliver
Latry.
En 1991 fue galardonado con el Premio Especial de la Prensa en la Muestra Nacional para
Jóvenes Intérpretes en Ibiza, en 1998 obtiene el Primer Premio en Improvisación en el Concurso
Internacional de Música de Roma y en 2002 el Tercer Premio en el XIX Concurso Internacional de Órgano de
Nijmegen (Holanda), siendo el único español premiado en todas las ediciones del concurso.
Participa en numerosos festivales internacionales, tanto en calidad de solista como de continuista,
realizando conciertos en toda Europa y en Japón. Entre sus últimos proyectos destaca la interpretación de las
Variaciones Goldberg de J.S. Bach en varias ciudades españolas, Reggio Emilia, Bari y Viena, así como una
gira de conciertos de órgano en Austria, incluyendo el famoso órgano monumental de St. Florian. Es
organista titular de la Catedral de Getafe y el organista principal de la Orquesta Nacional de España.
Jorge Fernández Guerra – compositor
Nacido en Madrid en 1952, Jorge
Fernández Guerra es uno de los
compositores españoles más destacados
de su generación. Además de su trabajo
como compositor, que le ha valido el
Premio Nacional de Música 2007 del
Ministerio de Cultura, ha destacado como
gestor musical y como ensayista sobre
temas musicales, con importantes
responsabilidades en prensa y en destacadas instituciones de la vida musical.
Como compositor, su obra se enmarca en el ámbito de los problemas de cambio de paradigma
estético que tomaron forma a partir de la década de los años ochenta. Posteriormente, durante su larga
residencia en París, en la década de los noventa, amplió su visión de las transformaciones que la música de
creación precisaba acometer en el cambio de siglo, entre ellas la revisión lúcida de la herencia vanguardista y
una nueva estrategia de validación social de la composición musical de origen europeo.
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Ensemble Huellas
El Ensemble Huellas es un
ambicioso proyecto que surge en el
Conservatorio Superior de Música de
Castilla y León como resultado del
compromiso e inquietud de Diego García,
saxofón, David Dapena, percusión y José
Serrano, piano, con el repertorio camerístico
actual.
De este modo entienden el espacio
interpretativo como una vivencia compartida,
dando prioridad a la interacción de las
diferentes sonoridades instrumentales por
encima de la individualidad.
Bajo la tutoría de grandes intérpretes del
panorama contemporáneo español como Andrés Gomis, Alberto Rosado o Ángel Soria, este grupo
aborda obras de compositores de la talla de Alberto Posadas, J.M. Sánchez Verdú, Philippe Hurel,
Pierre Jodwloski o Ramón Lazkano entre otros.
De este modo muestran un gran desinterés por las capacidades y limitaciones del oído del
espectador, interesándose por los fuertes sellos de personalidad musical del lenguaje de los
compositores actuales. Esto aporta gran originalidad, necesaria para la relevancia del arte en nuestros
tiempos.
Dúo Prima Volta:
El dúo Prima Volta está compuesto por:
Agustín Rodríguez, percusión
Laura Zapatero, piano
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Cesar Barrio – artista plástico
César Barrio nace en Oviedo en 1971. Vive y
trabaja en Madrid, que alterna con estancias en
estudios en Lisboa y Viena.
Realiza su primera exposición individual en
1989. Licenciado en arquitectura por la Universidad
de Navarra en 1999. Ha impartido cursos y
conferencias como profesor invitado en las escuelas
de arquitectura de Pamplona, Zaragoza o Toledo.
Colaborador habitual como artista de estudios de arquitectura y proyectos heterogéneos
con escritores, músicos o poetas.
Su obra se encuentra en colecciones privadas en España, Portugal, Francia, Italia,
Austria, Brasil, México y Perú.
Egna Shandy – selección poética
Nacida en Ferrol en 1964. Licenciada en Historia
por la Universidad de Alcalá de Henares.
Aficionada a la literatura y a la música, ha
participado como recitadora en varios festivales poéticomusicales en Palma de Mallorca, Almagro y Toledo.
Asiduamente participa en varias tertulias
literarias, recitales poéticos y Jam sessions de poesía en
la ciudad de Madrid.
Ha escrito dos libros de poesía y uno de cuentos,
todavía inéditos.
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Javier Larreina – espacio escénico
Fco. Javier Larreina diseña espacios
escénicos para artes en vivo (teatro, música, danza),
así como para exposiciones y eventos. Concibe la
interrelación entre público, intérpretes y espacio como
clave en la percepción de la creación artística. Sus
escenografías son intervenciones espaciales que
interrogan la mirada del público, ofreciéndole puntos de
vista abiertos y no jerárquicos. Una preocupación
fundamental de su trabajo es utilizar espacios no
convencionales que permitan que la disposición de
público e intérpretes sea variable y no basada en la
frontalidad. Busca así destacar el papel activo del
público en la recepción de la creación en vivo y que el
espacio adquiera valor dramatúrgico. Concede gran
importancia a la luz como un agente fundamental en la
cualificación espacial.
Inicia su actividad profesional en el ámbito de
las artes escénicas en 1983, compaginando sus
papeles como actor con el diseño escenográfico. Ha
sido asistente de escenografía de Andrea D’Odorico en
el Teatro Español de Madrid bajo la dirección de Miguel
Narros (1989). Es fundador, entre otras iniciativas, de la cooperativa teatral Teatro Paraíso (1983-1992), del
equipo Siroco Teatro (1994-2001) y de la productora teatral Keinu (1995-2005). Ha sido productor de
numerosos espectáculos teatrales y eventos, tanto individualmente, como asociado a la directora de escena
Mari Cruz Irazabal.
Ha realizado intervenciones en grandes espacios, obras públicas, túneles, silos o instalaciones
industriales: entre otras la intervención en un túnel de ferrocarril en Lekumberri (Navarra) (1995), el acto
inaugural Primeros pasos en el centro comercial Boulevard de Vitoria (2002), la presentación del centro
comercial Zubiarte en Bilbao (2004), la inauguración de un silo de Cementos Rezola en Guipúzcoa, y
numerosas intervenciones en empresas como Azkar, Galycas, Garlan o Copalsa en diferentes localidades
vascas. Para todos estos proyectos Javier Larreina ha creado intervenciones artísticas que sumaban un uso
sorprendente del espacio con la iluminación, la música en vivo y las proyecciones de gran formato.
En 2012 ha diseñado la exposición Indalecio Prieto en la política vasca, 1883-1962, comisariada por
Ricardo Miralles, y presentada en Bilbao y Eibar. Este año también ha diseñado la exposición 150 años del
ferrocarril en el País Vasco organizada por la Fundación del Museo Vasco del Ferrocarril en el Palacio de
Escoriaza Esquíbel de Vitoria-Gasteiz. En 2013 la exposición se ha presentado en el Centro Cultural Amaia
de Irún (Gipuzkoa). También en 2013 ha realizado la escenografía expositiva de Las raíces del sabor, en
Vitoria-Gasteiz.
En diciembre de 2013 se ha inaugurado el Centro del Románico en Treviana (La Rioja) cuyo
proyecto expositivo ha sido diseñado por Javier Larreina.
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Programa del Festival
VIERNES, 23 de octubre de 2015
18 h. CONCIERTO 1
Euskadi suena en el Círculo de Bellas Artes
Luís de Pablo
(1930)
Rumia (2003)
Ramon Lazkano
(1968)
Jalkin (2012)
Participa: Sigma Project
19 h. CONCIERTO 2
Toccata
José Luis Torá
(1966)
Johan Jacob Froberger
(1616-1667)
José Luis Torá
(1966)
Specchi a la figura (Affligée et Tombeau) 1. [ ]
(2015)
Tombeau fait à Paris sur la mort
de Mr. Blancrocher (FbWV 632) (1652)
Specchi a la figura (Affligée et Tombeau) 2. ] [
(2015)
Participa: Sigma Project – saxofones
Daniel Oyarzabal – clave
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20:15 h. CONCIERTO 3
Espacio KHÖRA
J. Mª Sánchez Verdú
(1968)
Khôra I - II - III (2013-2015)
Participa: Sigma Project
21.30 h. CONCIERTO 4
Cámara SigmaCirculo
Alberto Posadas
(1967)
Huellas (2011)
(sx – pno – perc)
Simone Movio
(1978)
Zahir V (2012)
(sx quartet)
Berhard Lang
(1957)
Monadologie XV (2005)
(sax quartet - 2 pno – 2 perc)
Participa: Sigma Project
Trio Huellas
Dúo Prima Volta
Andrés Gomis – dirección
Presentación: Jorge Fernández Guerra
Exposición plástica: Cesar Barrio
Preludio-postludio poético: Egna Shandy
Dirección escénica: Javier Larreina
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Compositores y obras
Luís de Pablo (1930) - RUMIA
Luis de Pablo nació en Bilbao en 1930.
Comenzó sus estudios de piano a los 7 años y
desde los 12 compuso de forma autodidacta. Su
primera vinculación con un profesional de la
composición fue con Mauricio Ohana, dándole a
conocer las técnicas seriales de la Escuela de
Viena, así como las principales obras de referencia
del lenguaje musical del momento (Boulez,
Stockhausen, etc.). A partir de ese momento,
intentó buscar un lenguaje propio, siendo su capacidad como compositor estimulada en esta primera época
por los núcleos de Juventudes Musicales, Nueva Música, Tiempo y Música, Música Abierta y la Actividad del
Aula de Música del Ateneo madrileño. Por otra parte realizó estudios de composición con Max Deutsch en
París y participó, desde 1956, en los cursos de Darmstadt de música contemporánea. Al finalizar la década
de los cincuenta, empezó a dar a conocer su obra simultaneando, en años posteriores, su carrera de
compositor con la de conferenciante, ensayista y traductor de textos fundamentales de la música
contemporánea. En 1964 fundó en Madrid el primer Laboratorio de Música Electrónica de España y,
posteriormente, el centro privado ALEA, que presentó al público madrileño la música de cámara actual, así
como las músicas tradicionales de culturas no occidentales.
El catálogo de Luis de Pablo abarca más de 150 obras distribuidas en todos los géneros: música
orquestal, música de cámara, instrumentos solistas, música vocal, música electroacústica, ópera, etc.; todas
sus obras han sido interpretadas en repetidas ocasiones por diversos directores, intérpretes o formaciones,
como Cuarteto Arditti, Pierre Boulez, Bruno Maderna, Orquesta Nacional de España, Orquesta de París,
Claude Helffer, José Ramón Encinar, Orquesta SWF Baden-Baden, NDR de Hamburgo, Filarmónica de
Berlín y Trío Arbós, etc.
Luis de Pablo cuenta con numerosos reconocimientos como: Académico de Bellas Artes (Madrid y
Granada), Académico de Santa Cecilia (Roma), Académico de la "Regia Accademia Filarmonica" de Bolonia,
de la Real Academia Belga, Oficial de las Artes y Letras de Francia, Medalla de Oro del Rey, Medalla de Oro
de la Cruz Roja Española, Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (Madrid), Premio Fundación Guerrero,
Premio CEOE de las Artes, Medalla de las ciudades de Rennes y Lille (Francia) y miembro de la Sociedad
Europea de Cultura desde 1966.
RUMIA ( I-II-III ), para cuarteto de saxofones (2003)
Como su título indica, esta obra nace del efecto de rumiar materiales pertenecientes a
composiciones anteriores, en una reelaboración que no esconde su origen heterogéneo ni el sentido lúdico
con que se han diseñado sus nuevos engarces. En consonancia con la tendencia estilística que predomina
en la última producción del autor, Rumia se desenvuelve con una transparencia neoclásica de marcado perfil
melódico; ya sea en forma de amigable conversación instrumental (Capricho), bien acentuando cierto
carácter juguetón (Pizcas), o con una deliberada sencillez que pretende tan sólo sugerir (Enigma).
A lo largo de su trayectoria, el lenguaje musical del compositor bilbaíno se ha mostrado siempre
abierto a estímulos muy diversos, lo que ha dado a su obra una gran variedad de estilos.
Y así, al lado de las obras orquestales ambiciosas de determinados momentos, nos encontramos obras de
cámara más modestas cuyo énfasis está puesto en el hecho de ser escritas, en la necesidad de conexión
con la materia sonora.
Luis de Pablo se ha reconocido en muchas ocasiones como un compositor “proteico”, como lo ilustra
la simpatía y sintonía que siempre ha mostrado por Stravinsky. En respuesta al musicólogo Piet de Volder, el
autor decía en 1988: “me temo que para la gente de la nueva complejidad, mi música sea demasiado simple,
y demasiado compleja para la gente de la nueva simplicidad”.
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Ramon Lazkano – JALKIN
Tras estudiar piano con Juan
Padrosa y composición con Francisco
Escudero en el Conservatorio Superior de
San Sebastián, donde obtiene su Diploma
Superior de Composición, Ramon Lazkano
(Donostia-San Sebastián, 1968) prosigue
sus estudios de composición y orquestación
en el Conservatorio Nacional Superior de
Música de París con Alain Bancquart y
Gérard Grisey y consigue el Primer Premio
de Composición en 1990. Amplia
posteriormente su conocimiento de la
composición y del análisis en el Conservatorio de Montreal con Gilles Tremblay. A su vuelta a París, trabaja
la dirección de orquesta con Jean-Sébastien Béreau y Arturo Tamayo, y recibe el Diploma de Estudios de
Doctorado en Música y Musicología del siglo XX en la École des Hautes Etudes en Sciences Sociales de
París con su estudio sobre las polirritmias.
Sus dos estancias en Roma (primero en la Real Academia de España, luego en la Academia de
Francia Villa Médicis) le han permitido profundizar en la reflexión sobre la composición y su propósito,
cristalizada en un pensamiento sobre la intertextualidad, el silencio y la experiencia del sonido que ha hecho
nacer piezas emblemáticas como Ilunkor (encargo de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa), Lur-Itzalak
(encargada por el Printemps des Arts de Monte Carlo) y Ortzi Isilak (encargo de la Orquesta Nacional de
España). Entre los festivales e intérpretes que han programado y tocado su música, figuran Présences de
Radio-France, Festival de Otoño de Varsovia, Ultraschall de Berlín, Sociédad Internacional de Música
Contemporánea en Copenhague, Ars Musica de Bruselas, Philharmonic Green Umbrella New Music Series
en Los Angeles, y los ensembles Ictus, Recherche, 2e2m, Plural, Wiener Collage...
Ramon Lazkano ha enseñado orquestación en el Conservatorio Nacional de Región de Estrasburgo
y composición en la Escuela Superior de Música de Cataluña en Barcelona. Es actualmente profesor de
orquestación en el Centro Superior de Música del País Vasco "Musikene". Para el Instituto Complutense de
Ciencias Musicales, se ha encargado de las ediciones críticas de las óperas Las Golondrinas de José María y
Ramón Usandizaga y Mirentxu de Jesús Guridi.
JALKIN, para cuarteto de saxofones (2012)
En Jalkin, el sonido que da forma a la obra no se construye como un estudio o una elaboración de
un material circunscrito, sino como una exploración del sedimento o un examen de la decantación. Un
elemento convencional y polisémico, con extensiones simbólicas que marcan nuestra memoria de músicos,
queda depositado sin consolidar; atacado por agentes erosivos, descarnado y pauperizado, se muestra
solamente como un rastro emocional. De la misma manera que un perfume inesperado reaviva el recuerdo
involuntario o que una visión insólita despierta la conciencia de lo olvidado, Jalkin es un intento de captura del
poso de un sonido que nos liga a nuestra memoria y nos inscribe en el tiempo. Jalkin es un encargo de la
Fundación BBVA para Sigma Project.
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José Luis Torá (1966) – SPECCHI A LA FIGURA (Affligée et Tombeau)
Nace en Madrid en 1966. Realiza
estudios musicales en convocatoria libre
en el Real Conservatorio Superior de
dicha ciudad. Recibe clases de
composición de, entre otros, Mauricio
Sotelo.
—–Asiste a numerosos cursos y
seminarios impartidos por compositores
como: Luis de Pablo, Emmanuel Nunes,
Salvatore Sciarrino, Brian Ferneyhough,
Gerard Grisey, Tristan Murail, etc;
participa igualmente en los Internationale
Ferienkurse Darmstadt.
—–En 1994 es seleccionado por Brian Ferneyhough para recibir la beca-encargo otorgada por el CDMC y la
Universidad de Alcalá de Henares. Este mismo año es finalista del Concurso SGAE de Composición.
—–En 1995 se traslada a Stuttgart, becado por la Fundación Alexander von Humboldt, para realizar estudios
de postgrado de composición con Helmut Lachenmann en la Musikhochschule de dicha ciudad,
diplomándose en 1998; simultáneamente trabaja en el laboratorio de música electroacústica con Reiner
Wehinger.
—–En 1998 se traslada a Freiburg im Breisgau, becado como compositor por la Fundación Heinrich Strobel,
ciudad en la que asiste hasta 1999 a los seminarios de composición de Mathias Spahlinger.
—–Sus obras han sido interpretadas en, y encargadas por, festivales como: Wittener Tage für neue
Kammermusik (Witten), Tage für neue Musik (Zürich), Festival Smash(Salamanca), ISCM World Music Days,
Bludenzer Tage zeitgemässer Musik (Austria), ULTIMA Festival (Oslo), SOUND Festival (Aberdeen),
Internationale
Ferienkurse(Darmstadt),
Contempuls (Praga),
Musiikin
aika (Finlandia), IRTIJAL (Beirut),Festival Internacional de Alicante, Ensems, Foro de Nueva Música Ciudad
de México, Musik im XX. Jahrhundert Saarbrücken (Alemania), etc; y en ciudades como París, Berlín,
Frankfurt, Colonia, Ginebra, Graz, Madrid, Barcelona, entre otras; por grupos como: ensemble recherche,
Ensemble Contrechamps (dir.: Jurjen Hempel), Trio Accanto, SMASH Ensemble, Remix Ensemble (dir.: Peter
Rundel), NEXEnsemble,Ensemble Cattrall, Trio Nexus, etc; y solistas como: Teodoro Anzellotti, Eric-Maria
Couturier, Mats Scheidegger, Bertrand Chavarría, Richard Craig, Sisco Aparici, etc. De sus obras se han
realizado grabaciones y producciones para RNE, WDR, SR, ORF, DRS2, YLE, etc.
—–Ha impartido cursos, conferencias y seminarios en España, Alemania, Austria y Suiza.
—–Ha sido profesor invitado de composición en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMuC,
Barcelona) durante el curso 2004-2005.
—–Es miembro del Grupo de Investigación sobre el Imaginario Japonés de la Universidad de Valladolid.
—–Actualmente vive en Madrid.
SPECCHI A LA FIGURA (Affligée et Tombeau), para cuarteto de saxofones (2015)
"Ficca di retro a li occhi tuoi la mente,
e fa di quelli specchi a la figura
che ’n questo specchio ti sarà parvente”
(Dante, Paradiso, XXI, 16-18)
Specchi a la figura ( Affligée et Tombeouu) es un díptico para dos saxophones sopranos y dos saxofones
bajos; comprende dos diferentes transcripciones de una obra de J.J. Froberger para clave; ambas pieces
están concebidas para ser interpretadas en el orden deseado y también pueden ser intercaladas con otras
músicas, no siendo necesario la interpretación correlativa.
14
Johan Jacob Froberger (1616-1667) – TOMBEAU FAIT À PARIS SUR …
Johann Jakob Froberger fue
un compositor, clavecinista y organista alemán del Barroco.
Nació en 1616 en Stuttgart y recibió las primeras
lecciones de música de su padre y de músicos ingleses.
En 1634 se trasladó a Viena como organista de la corte
de Fernando III, y en 1637, viaja a Roma para estudiar
con Girolamo Frescobaldi. En Roma traba lazos de amistad
con Giacomo Carissimi y con Athanasius Kircher, con quien
mantendrá correspondencia a lo largo de toda su vida.
Froberger regresa a Viena en 1641 y permanece allí
hasta 1658, viajando con frecuencia en misiones diplomáticas
para Fernando III. Sus pasos le llevan a Roma,
Mantua, Florencia, Bruselas, Dresde, Amberes, Londres y,
sobre todo, París, donde vivió durante tres años (1650-1653) y
se relacionó con Louis Couperin y otros músicos franceses.
Regresa de nuevo a Viena como organista de la corte, cargo en el que permanece hasta 1658, año
en el que dimite para vivir retirado en el castillo de Héricourt (Francia) como maestro de la princesa Sybilla de
Wurtemberg-Montbéliard, donde muere de un ataque de apoplejía en 1667.
Su obra está cimentada en las composiciones para teclado, sobre todo suites y tocatas, que se
ejecutan indistintamente al clave y al órgano, aunque se prefiere su interpretación con el primero de estos
instrumentos. Froberger es el primer gran músico alemán que asimila tanto la escuela francesa como la
italiana y desarrolla estos estilos llevándolos a un lenguaje muy personal, flexible y rico en matices.
TOMBEAU FAIT À PARIS SUR LA MORT DE MR. BLANCROCHER (FbWV 632),
para clave (1653)
El Tombeau (“tumba” en francés) nació como composición concebida a la memoria de un músico
fallecido al que se le rinde un homenaje musical, recreando el estilo compositivo del difunto. Obra creada con
la misión esencial de facilitar un buen morir y recordar con ánimo melancólico y sosegado a quien había
dejado de estar en este mundo.
De estilo muy personal, la estructura de la obra de Froberger se asemeja a la de sus allemandes,
que se caracterizan por su irregularidad y su Brisé Style ("el estilo roto").
Como en el resto de sus obras programáticas, cuenta con frecuentes metáforas musicales.
Concretamente, en esta lamentación sobre la muerte de Blancrocher, laudista, Froberger representa la fatal
caída de Blancrocher por un tramo de escaleras con una escala descendente, incluyendo un prefacio escrito
en el que se relatan las circunstancias de la muerte del laudista.
15
José María Sánchez-Verdú (1968) - KHÔRA I - II – III
Inició su formación musical en España
(Composición, Dirección de Orquesta y Coro y
Musicología en el RCSM de Madrid) y la
continuó en Italia (Accademia Chigiana) y
Alemania (Musikhochschule de Frankfurt),
además de en numerosos cursos europeos
(París, La Haya, Donaueschingen, Darmstadt,
etc.). Es licenciado en Derecho (Complutense).
Como compositor ha trabajado con las
agrupaciones y festivales más destacados de
Europa (Bayerischer Rundfunk, Orquestre de la
Suisse Romande, Rundfunk-Sinfonieorchester
Berlin, Luzerner Sinfonieorchester, Ensemble Modern, Ensemble Recherche, MusikFabrik, Musica Viva
Munich, Ultraschall Berlin, ECLAT Stuttgart, MärzMusik Berlin, Münchener Biennale, Salzburg Biennale,
Festival de Otoño de Varsovia, Schleswig-Holstein Musikfestival, la Biennale di Venezia, Wien Modern, etc.) y
directores como Mehta, Frühbeck, López Cobos, Zagrosek, Cambreling, Rundel, Kalitzke, etc.
Sus proyectos escénico-musicales (con dramaturgias que abarcan el espacio, la luz, la instalación,
etc. como ATLAS, GRAMMA,AURA, El viaje a Simorgh, Libro de las estancias, etc.) han abierto un gran
campo de trabajo que ha recibido importantes reconocimientos internacionales y se han programado ya en
Berlín, Hamburgo, Múnich, Stuttgart, Venecia, Lucerna, Salzburgo, Madrid, Buenos Aires, El Cairo, etc.
Sánchez-Verdú ha recibido premios como el Förderpreis de la Siemens-Stiftung (Múnich, 2000), el Premio
Nacional de Música en España (2003), el Irino Prize (Tokio, 1998), el 1er Premio del INAEM/Colegio de
España en París (1998), el 1er Premio de la Junge Deustche Philharmonie para representar a Alemania
como compositor en la Philharmonie de Berlín (1999) o el premio de la Bergische Biennale por toda su obra
(Wuppertal, 2002), entre otros muchos.
Con 23 años comenzó como profesor de Contrapunto y Fuga en el Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid. Actualmente es miembro de los departamentos de Composición de la Robert-SchumannHochschule de Dusseldorf y de la Carl Maria von Weber Musikhochschule de Dresde. Desde 2008 es
catedrático de composición en el CSMA en Zaragoza. Desde abril de 2014 es también Vertretungsprofessor
für Komposition en la Hochschule für Musik, Theater und Medien de Hannover.
Sus obras se editan por Breitkopf & Härtel.
KHÔRA I - II – III, para cuarteto de saxofones (2013-2015)
La relación de José María Sánchez-Verdú con Andrés Gomis, uno de los cuatro componentes del
Sigma Project, se remonta a diez años atrás. Su amistad personal ha sido vehículo para la experimentación
conjunta y ésta les ha llevado a poner a prueba los límites mecánicos e interpretativos del saxofón bajo,
predilecto de Gomis, en una investigación de lo que Sánchez-Verdú denomina como gegen spielen, es decir,
“contratocar” o “tocar contra uno mismo”. En función de esta intuición a priori desconcertante, el compositor
propone al instrumentista disociaciones entre las acciones que ejecutan las diferentes partes de su cuerpo,
produciéndose situaciones físicas que pueden llegar a ser antitéticas.
De la fascinación por estos “entresijos” y “transiciones”, Sánchez Verdú inicia su ciclo KHÔRA para
cuarteto de saxofones, estrenándose KHÔRA I en el V Ciclo de Música Actual de Badajoz, y un año más
tarde, en Octubre de 2014 se estrena KHÔRA II en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, presentando
hoy el ciclo completado por KHÔRA III.
En su concepción se detiene en un concepto que aparece en el Timeo de Platón y que Jacques Derrida
analizó exhaustivamente en un célebre ensayo publicado en 1993. En la interpretación de Derrida, “khôra”
vendría a representar una otredad radical que “deja espacio” cuando “es”. Una especie de matriz, receptora
de algo en el espacio pero sin ser ella misma espacio. Esa matriz, en la que se enfrentan el mito y el logos, la
palabra y lo escrito, lo irracional y lo irracional, es el camino intermedio que persigue Sánchez-Verdú en su
creación. “El cuarteto es una expresión de la matriz, en la que, a lo largo de la obra, se introduce un material
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anterior, preexistente”. Es el saxofón bajo el que introduce material procedente de Transitus, generando “una
arquitectura del tránsito”, en la que los intérpretes, enfrentados dos contra dos, se desplazan por el espacio.
La fricción entre logos y mitos se produce también a un nivel de notación, al emplear Sánchez-Verdú una
escritura neumática inspirada en la de la música bizantina, con la que subraya las relaciones entre
“movimiento en el espacio, gesto y quiromancia”.
Alberto Posadas (1967) – HUELLAS
Alberto Posadas (Valladolid, 1967) es uno
de los compositores españoles nacidos en los
años 60 con mayor proyección internacional.
Desde que en 1993 realizara su primer estreno en
el extranjero, en el festival Ars Musica (Bruselas),
su presencia en los circuitos musicales europeos
ha sido creciente. Prueba de ello son los
valedores de su música, entre los que se
encuentran el Ensemble intercontemporain,
Klangforum Wien, Ensemble l’Itinéraire,
Emsemble Court-circuit, Nouvel Ensemble
Modern, EXAUDI Vocal Ensemble o Quatuor
Diotima, así como la Orchestre Philarmonique du Luxembourg o la Orchestre Nationale de France,
todos ellos liderados por directores como Arturo Tamayo, Pascal Rophé, François-Xavier Roth, Beat
Furrer, Mark Foster, Reinbert de Leeuw o Pierre-André Valade. Festivales y temporadas de concierto
como MUSICA Strasbourg, Tage für Neue Musik Zürich, UltraSchall (Berlín), CDMC (Madrid) y
Musicadhoy (Madrid), Royaumont saison musicale (Francia), Festival d’automne à Paris (Francia) han
rendido conciertos monográficos de su música. Ha participado igualmente en festivales como Agora
(Ircam, París), Wittener Tage für neue Kammermusik, Ars Musica (Bruselas), Donaueschinger
Musiktage, Operadhoy (Madrid), Encontros Gulbenkian (Lisboa), Warszawska Jesien, Ultima (Oslo),
Klangspuren (Schwaz - Innsbruck) o Gaida Festival Vilna).
Becario de la Casa Velázquez de Madrid en el año 2006, ha investigado junto con el intérprete
Andrés Gomis las posibilidades acústico-técnicas del saxofón bajo.
Ha sido compositor en residencia en el IRCAM (Institut de Recherche et Coordination
Acoustique/Musique) durante los años 2006-2009, dentro de un marco de creación multimedia con
danza y video. Kairos ha realizado dos grabaciones de la música de Alberto Posadas: con el Quatuor
Diotima su ciclo Liturgia Fractal – premio Diapason d’Or – y diversas obras de cámara y para gran
ensemble con el Ensemble intercontemporain dirigido por François-Xavier Roth.
En 2002 recibe el premio del público en el festival Ars Musica de Bruselas por su cuarteto de cuerdas
A silentii sonitu.
En 2011 ha recibido el Premio Nacional de Música en la modalidad de Composición.
La formación compositiva de Alberto Posadas no se rige por la ortodoxia académica de los estudios
reglados por el Conservatorio. Fue su encuentro con Francisco Guerrero en 1988 el que determinó un
punto crítico en su carrera. Dicho compositor linarense – considerado en ocasiones como una figura
equivalente a la de Iannis Xenakis en España – se convirtió en su maestro, y le suscitó un interés por
ciertas preocupaciones técnicas y estéticas derivadas de la aplicación de determinadas áreas de la
matemática en la composición. De esta manera, el cálculo combinatorio y la geometría fractal se
incorporaron prontamente a su imaginario creativo. Fruto de esta abstracción matemática han
surgido obras como Ondulado tiempo sonoro… (2003) y Modulaciones (2006), a partir del empleo de
movimientos brownianos, u Órbitas (2007), regulada por el Conjunto de Mandlebrot.
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Aparte de las influencias científicas y de las artes visuales, la concepción del instrumento
musical como objeto de modelización encuadra el tercer pilar de su imaginario técnico-estético. La
cuestión de la regulación se transfiere en este caso a las problemáticas de la ergonomía física y de la
escritura idiomática, y el análisis matemático deviene en estudio “microscópico” de la materia
sonora. Estas tareas han sido acometidas en estrecha colaboración con algunos de los intérpretes de
la música contemporánea más prestigiosos en España. De este modo, obras como Eridsein (1995) o
Prónomo (2010) han surgido de su contacto con el flautista Julián Elvira, y Anábasis (2001) o su
concierto para saxofón bajo y orquesta Resplandor (poema lírico dedicado a Atón) (2008) provienen
de su investigación junto con Andrés Gomis.
Alberto Posadas ha desempeñado una intensa labor docente enseñando Armonía,
Análisis y Fundamentos de Composición en los conservatorios de música de Palencia (1991-2001) y
de Majadahonda (2001-2012). Así mismo ha sido invitado a impartir conferencias y masterclasses en
la Universidad de Valladolid, Universidad de Alcalá de Henares, Escuela Técnico Superior de
Arquitectura de Madrid, Université de Montreal, Musikene (San Sebastián), Conservatoire National
Supérieur de musique et de danse de Paris (CNSMDP), Instituto Valenciano de la Música. Ha sido
profesor de composición invitado en la Session de Composition à Royaumont (Francia).
HUELLAS, para saxofón percusión y piano (2011)
En Huellas, sin renunciar a tratar cada ins- trumento con su propia idiosincrasia, se bus- can itinerarios de
convergencia entre el saxo- fón, la percusión y el piano, fuentes sonoras a priori bastante alejadas entre sí.
Para ello se centra el foco en las categorías sonoras que emanan de diferentes recursos idiomáticos. De esta
manera, el material musical pierde importancia en cuanto objeto sonoro en evolución y la adquiere en cuanto a elemento definidor de una cualidad sonora (lo rugoso, lo liso, lo articulado, lo
sostenido, lo nítido, lo sombrío, la resonancia, el engrosamiento...). Pierde así su esencia estrictamente
sustanti- va para adquirir capacidad de adjetivación.
Frente a una idea clara de desarrollo, en- contramos un devenir sonoro itinerante. En el momento que un
instrumento define una categoría sonora, se imprime una huella en la escucha que será sobreimpresionada
por otro instrumento. Éste deformará dicha huella y así creará una nueva para el siguiente. Se estable- ce así
un mecanismo de “polaridad magnéti- ca” que convierte el devenir temporal en un intrincado itinerario de
convergencias.
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Simone Movio (1978) – ZAHIR V
Fundamental for his experience were
and are the meetings with Beat Furrer, with
whom he studied at the Universität für Musik
und Darstellende Kunst in Graz (2005/2006),
Rostock Summer Campus 2009 and IMPULS
2005, 2007, 2009.
After his studies with Renato Miani in Udine
(Italy) he attended the IRCAM Cursus 1 in
composition and computer music 2010-2011,
the Pierluigi Billone’s seminar/course
Klangwege at the Universität für Musik und
Darstellende Kunst in Graz (Austria) and the
Stefano Gervasoni’s masterclass at the TEMA
Academy in Milan (Italy).
Simone Movio received the “KomponistenFörderpreise 2014” of the Ernst von Siemens Musikstiftung.
He won (among others) the Wiener Konzerthauses Composition Contest “Towards the Next 100
Years” (2012) - String Quartet (Wien, Austria), the "International Composition Competition Franz Schubert
and Modern Music 2011" (Graz, Austria), the "IVME International Composition Contest 2011" (two first prizes
in the two different categories - Antwerp, Belgium), the “Gianni Bergamo Music Award 2007 – Composition”
(Lugano, Switzerland), the “Hamburger Klangwerktage 2007 – 2nd International Composition Contest, Lied
Unlimited” (Hamburg, Germany)
He has been selected for the "9e Forum de la Jeune Création Musicale 2011" (SIMC – Clamart,
France) and “IMPULS 2009” (Wien/Graz, Austria) as nominated composer.
He held composition seminars in the Universität für Musik und Darstellende Kunst in Graz (Austria),
the institute Creama Hanyang University of Seoul (South Korea), National University of Music Bucharest
(Romania), L. Cherubini conservatory in Firenze (Italy) the J. Tomadini conservatory in Udine (Italy).
Some of his pieces have been performed by important artists and ensembles (such as Beat Furrer,
Enno Poppe, Clement Power, Klangforum Wien, Szymanowski Quartet, Ensemble Recherche, Sigma Project)
in several events and places such as: Wiener Konzerthaus (Wien, Austria), Tage für neue Musik (Zürich,
Switzerland), IRCAM (Paris, France), Festival GAMO (Firenze, Italy). Tchaikovsky Conservatory (Moskow,
Russia), Helmut-List Halle (Graz, Austria), Hamburger Klangwerktage (Hamburg, Germany).
The Austrian label “col legno” has just released his first portrait CD “Tuniche”, performed by
Klangforum Wien and SIGMA Project.
ZAHIR V, para cuarteto de saxofones (2012)
La lezione/concerto si concentrerà sull'analisi di " Zahir V " (2011-2012) per quartetto di sassofoni,
con l'esecuzione del SIGMA Project Quartet e l'ausilio di esempi esplicativi.
Si cercherà di focalizzare l'idea generale che sta alla base della composizione, di come sia legata al racconto
" El Zahir " di J. L. Borges.
Quindi ci si concentrerà sui concetti di timbro e spettro armonico per definire l'essenza dell'idea che
genera tutti i piani costitutivi dell'opera, tutti indissolubilmente legati dalla comune origine, in effeti tutti l'origine
medesima.
"Zahir V", alcune note:
"Difficile da trattenere, attraverso una ferma forza di volontà, una sorta d'ascesi, giunge finalmente l'essenza,
posto a margine l'inessenziale necessario da principio alla ricerca.
Poiché il tutto é dato in un istante e solo alla mente occorre la scomposizione in diversi riflessi, creando
segmenti di tempo e spazio."
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Bernhard Lang (1957) – MONADOLOGIE XV
Bernhard Lang (* February 24,
1957 in Linz) is an Austrian composer,
improvisationalist and programmer of musical
patches and applications. His work can be
described as modern contemporary music,
with roots, however, in various genres such
as 20th-century avant-garde, European
classical music, jazz, free jazz, rock, punk,
techno, EDM, electronica, electronic music
and computer-generated music. His works
are performed on all relevant festivals of
modern music and range from solo pieces and chamber music to large ensemble pieces and works for
orchestra and musical theater. Besides music for concert halls, Lang designs sound and music for theater,
dance, film and sound installations.
Bernhard Lang came to prominence with his work cycle “Differenz / Wiederholung” (“difference /
repetition”) in which he illuminated and examined the themes of reproductive and DJ cultures based on the
philosophic work of Gilles Deleuze. Socio-cultural and societally critical questions, as in “Das Theater der
Wiederholungen”, 2003 (“The Theatre of Repetitions”), are as closely examined as intrinsic musical and
music-cultural problems (“I hate Mozart”, 2006). Another focus is the “recycling” of historic music, which Lang
performs using self-programmed patches, applying filter and mutation processes (as in the “Monadologie”
cycle). Alongside classical European instruments, Lang also makes use of their amplified electrical
counterparts (e.g. electric viola) as well as mutually microtonally de-tuned ensemble groups. Analogue and
digital synthesizers, keyboards, rock music instruments (electric guitar and bass, drumset), turntables (the
trailblazing instrument of the reproductive culture), rappers, Arabian singers, speech and live-electronics
(mainly the self-programmed “Loop Generator”) are similarly used.
MONADOLOGIE XV, para cuarteto de saxofones, dos percusiones y dos pianos (2005)
La obra forma parte de la serie de obras Monadologie, que en la actualidad incluye cerca de 25 obras.
Este ciclo consta principalmente de Metacomposiciones, es decir, operaciones mecanizadas de
procesos actualmente existentes. Estas operaciones son destruidas por procesos granuladores y eléctricos y
vueltos a ensamblar, a modo de las técnicas cinematográficas utilizadas en el cine experimental destructivista
de Raphael Montañez Ortiz.
En este caso hay fragmentos, entre otras cosas, de John Coltrane, Iannis Xenakis y materiales
propios que se encuentran en el punto de partida de estos procesos.
Sólo el Interludio Veneciano queda fuera de este contexto, y comprende una textura completamente libre.
La pieza fue encargada por Marcus Weiss, con quien tengo una larga trayectoria de cooperación.
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Información y contacto
Teléfono: +34 678 526 492 // +34 607 244 429
Email: sigmaproject.es@gmail.com
Web: www.sigmaproject.es
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