La niña de Tlacotalpan DESCRIPCIÓN

La niña de Tlacotalpan
Fernando Alba Aldave
Ficha técnica de la obra
Título: La niña de Tlacotalpan
Autor: Fernando Alba Aldave
Año de realización: 2003
Dimensión: 1.03×2.3 m
Técnica: Aguafuerte a color
entintado con roll-up
DESCRIPCIÓN
Lo primero que salta a la vista, en el momento de observar
la obra, es la propuesta del formato, muy diferente a lo que hemos
visto, ya que aquí se rompe el “cuadro” y podemos identificar dos
planos distintos en su tiempo y momento, pero que por algunas
características que veremos más adelante se perciben totalmente
integradas.
Los dos elementos principales son en primer plano la figura de
una mujer, en segundo plano el enfrentamiento de unos toros y en
tercer plano percibimos figuras humanas.
El siguiente elemento que percibimos después de las figuras, es el
color.
Y ya después de un análisis más detallado percibimos la ropa de la
figura femenina y las formas de los cuernos, pesuñas hocicos de
los toros.
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ANÁLISIS
1. Aunque es una obra muy armónica en su totalidad, la forma
general con el rompimiento del rectángulo le da un énfasis a este
concepto
2. El segundo elemento que le otorga énfasis a la obra, es la figura
femenina que se percibe en primer plano
3. Una vez que hemos encontrado que la obra tiene distintos planos,
distintos personajes y hasta distintos momentos, nos damos cuenta
del color que permite crear un ambiente y una atmósfera
4 y 5. El manejo de la textura se percibe variado, por la cantidad de
tonalidades formadas por la intensidad en el color haciendo destacar
el ritmo por la tonalidad que vemos en la construcción de los cuerpos
de los toros.
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INTERPRETACIÓN
Lo más destacado de esta obra desde nuestro punto de vista, es el
manejo de la temporalidad, esto es, el primer plano formado por la
figura femenina, esta observando la acción que se desarrolla en el
segundo plano, pero no en el mismo espacio de tiempo, la
superposición que se hace más que reforzar un concepto de
composición, permite establecer distintos momentos de una fiesta.
JUICIO
Por lo anterior, la hemos considerado una obra que maneja un
realismo casi mágico, de propuesta y búsqueda en el discurso de la
imagen.
Ahora presentamos el texto de la idea que el autor quiso representar
en su creación, hemos de aclarar que el trabajo de análisis, lo
resolvimos sin antes leer lo que el artista propuso en su escrito, por
lo que hasta el momento tenemos dos posturas, una la de los autores
y otra la del artista, dejando que sea el lector quien las contraste y
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pueda emitir su propio juicio, basado en lo formal aquí expuesto y lo más importante, su
percepción que tiene de la obra y que ha generado
una sensación en él.
Sobre la obra:
El grabado representa a toros corriendo en las
calles de Tlacotalpan, Veracruz, en la fiesta de la
Candelaria. En esta ocasión, los distintos barrios
compiten por alcanzar el privilegio de cruzar a
un grupo de toros por el río Papaloapan, para
llevarlos hasta el pueblo donde la gente los espera
para jugar con ellos; al final del día son devueltos
al campo. En mi interpretación el toro incorpora
en su cuerpo el de los triunfadores de la
competencia. Este grabado fue realizado en los
talleres de la Academia de San Carlos en el 2003,
y con él continué la serie de grabados de diversos
formatos y técnicas en torno a las relaciones
rituales del hombre con el toro que inicié en Kenia
una década atrás.
Para entender mejor la propuesta plástica del
autor, presentamos algunas de sus ideas que
confor man su pensamiento respecto a la
producción artística.
Los principales conceptos ideológicos que
motivan mi creación:
El artista no es diferente de los demás hombres,
ni sus productos solo pueden ser apreciados por
individuos educados o adquiridos por elites
adineradas. El artista aprovecha su capacidad de
expresión visual, para dar forma trascendente a
las inquietudes, creencias y aspiraciones de la
sociedad en que vive.
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Identificado con la figura humana y animal
cargada de valores simbólicos, percibo y disfruto
una continuidad con la tradición indígena y popular mexicana representada en murales, códices y
vasijas, así como en las artesanías; sin embargo,
de ninguna manera me margino de la herencia
artística occidental.
Elegí al grabado como mi principal medio de
expresión, pero me empeño en desarrollarlo como
un medio mayor. En esta elección también
reconozco mi interés en hacer llegar mi trabajo
original al mayor número posible de personas y
como una forma de combatir la comercialización
del arte.
Propuesta estética de fondo que busco en mi
obra:
No encuentro una mejor definición que la
expresada en textos clásicos de Estética, es decir
intento provocar una emoción estética perdurable.
Como cualquier artista, utilizo los elementos
formales como el dibujo, el contraste, el color, la
composición o la textura para crear una imagen
original que al mismo tiempo que expresa mi
individualidad, aspira a representar una imagen
en la que se reconozca mi colectividad. Esta
imagen siempre es una evocación y una
provocación, que debe expresarse precisamente
con los medios formales y técnicos que mejor se
adapten a su contenido
Propuesta estética presente en mi trabajo:
No sigo una sola línea estética, pues lo mismo
trabajo a partir del arte contemporáneo, que
exploro la fuerza o la gracia de las obras
prehistóricas, indígenas o de la etapa formativa
de cualquier cultura; en éstas coexisten diferentes
escalas, formas superpuestas, la asimilación de
lo real con lo imaginario, la expresión espontánea
de lo mágico y lo sobrenatural, y se privilegian
tanto la inmediatez formal como la técnica, entre otras características.
Comentarios sobre la técnica que desarrollo
actualmente:
Se trata de un grabado en lámina de fierro en el
que el dibujo y relieves se graban por la inmersión
de la placa en ácido nítrico. Para ello es necesario
que la lámina esté recubierta de un barniz
resistente al ácido y que dicho barniz sea
removido en las áreas y líneas que queremos
marcar. La impresión se obtuvo entintando
inicialmente todos los surcos y cavidades con tinta
negra, más otros dos entintados con rodillos de
hule que colocaron otros colores muy
transparentes, cuya característica es que no
necesariamente se mezclan, pues se preparan con
diferentes viscosidades. A continuación se cubre
con un papel de algodón humedecido y se pasa
todo por una prensa (tórculo) que proporciona
la presión necesaria para transferir la imagen.
La técnica de grabado en la lámina utilizando
ácidos, se conoce como aguafuerte y fue
empleada desde el Renacimiento; el tipo de
entintado que se ha descrito se conoce como rollup y fue desarrollado en Francia hacia 1930.
Principal influencia artística que he tenido:
No estudié la carrera de Artes Plásticas, salvo
materias sueltas, sino la de Arquitectura, así es
que mi formación artística integral la pude realizar
en el taller de la pintora Elvira Gascón, exiliada
española, a quien me acerqué por sentir una gran
afinidad con su obra que veía publicada en los
periódicos de los años sesenta. Dado que ella vio
mi sincero interés, me apoyó con la enseñanza de
técnicas como el esmalte sobre cobre, el grabado
y la pintura, además de guiar mis lecturas y
compartir sus entusiasmos artísticos. Mi cercanía
como discípulo se extendió por unos quince años
y continuó con una estrecha amistad por otros
tantos.
La influencia que ha tenido mi trabajo en la
cultura actual
Cuando pasa el tiempo y encontramos a un ex
alumno que recuerda un grabado presentado en
alguna exposición de hace muchos años, y que lo
describe correctamente y hasta con emoción, es
cuando nos damos cuenta que influimos en los
jóvenes; esto me ha ocurrido, sobre todo en los
últimos diez años, pero es imposible medir esa
influencia, al menos en lo que toca a mi expresión
personal. Mucho más sencillo es evaluar mi
influencia respecto a las técnicas de trabajo y
precisamente en el ámbito de mi estancia de dos
años en Kenia, pues me tocó abrir el único taller
público en Nairobi, al menos hasta 1994, ciudad
a la que llevé desde México un tórculo mediano.
El grabado en madera no era practicado por los
jóvenes artistas y yo recibí el encargo de galerías
e instituciones culturales de impartir cursos; éstos
derivaron en exposiciones y en la difusión de la
técnica. Mas tarde y con apoyo del FONCA, pude
incluso llevar una muestra de xilografía mexicana.
Por lo anterior, creo que en aquel país si se puede
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reconocer mi aportación, pero estrictamente en
lo tocante al impulso de ese medio gráfico y dado
que por mi taller pasaron más de un centenar de
artistas de todos los niveles.
Para dimensionar al artista, presentamos una
síntesis curricular que permitirá al lector ubicarlo
en el contexto de las artes plásticas de nuestro
país.
CURRICULUM VITAE
Fernando Alba Aldave
Nacido en la Ciudad de México, el 13 de octubre de 1945.
Realizó estudios profesionales de arquitectura (licenciatura) y de
diseño industrial (maestría), en la UNAM, así como estudios de
posgrado en el Bouwcentrum de Rotterdam.
Fue alumno de taller libre en la Academia de San Carlos y trabajó
de manera independiente con los maestros Pedro Medina Guzmán
y Elvira Gascón.
Ha sido profesor de la Escuela Nacional de Arquitectura de 1968
a 1975 y de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP-UNAM)
desde 1986 a la fecha. De 1994 a 1998 fue Coordinador Académico
de la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP-UNAM.
Ha dirigido o asesorado más de 25 tesis profesionales en la ENAP
e impartido cursos, talleres y conferencias sobre arte y grabado
mexicano en México y en el extranjero.
Como pintor y grabador ha presentado 16 exposiciones
individuales en 6 países: a) en México (Galería Páginas Interiores1986; ENAP-1988; Taller Rufino Tamayo, Oaxaca-1989; Casa
Universitaria del Libro-1990; ENAP-1994; Casa Lamm-1996;
Galería Libertad, Querétaro-1997; Galería Universitaria, Toluca1998); b) en Argentina (Sixto, Buenos Aires-1997); c) en Estados
Unidos (Fine Arts Centre, Albuquerque, New México-1989;
Escuela Permanente de Extensión Universitaria, San Antonio,
Texas-1990); d) en Kenia (French Cultural Centre, Nairobi-1992;
Paa Ya Paa Arts Centre, Nairobi-1993); e) en Uganda (Fine Arts
Gallery, Makerere University, Kampala-1993); y f) en Noruega
(Universidad de Oslo-1992; Norske Grafikere, Oslo-1992).
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Entre 1991 y 1993 abrió un taller de grabado en Nairobi, e impartió
cursos de xilografía en esa ciudad y en Kampala, Uganda; parte de
la obra producida en su taller por artistas de Kenia, Uganda, Tanzania, Gran Bretaña y Estados Unidos, se mostró en dos
exposiciones, en la ENAP y en San Carlos en 1994; un año antes
presentó en Nairobi una colectiva de grabadores de la ENAP.
Ha sido editor de las revistas OMNIA y Artes Plásticas; ilustrador
de libros y revistas; y coautor de varios libros de arquitectura. Entre los años 1987 y 1989 fue Jefe de Publicaciones de la
Coordinación General de Estudios de Posgrado de la UNAM.
Entre las distinciones que ha recibido destacan, los Premios de
Adquisición en la Bienal Nacional de Estampa 1991 y en el Concurso Nacional de Estampa sobre el Quijote 1996, la beca de
Proyecto Cultural FONCA, 1993, las Menciones Honoríficas de
la Bienal Nacional de Estampa 1989 y del Quijote 1998, así como
la Mención Especial por el diseño de las monedas mexicanas
conmemorativas del año 2000, otorgada por El Banco de México.
Su obra gráfica se encuentra en las colecciones permanentes del
Museo Nacional de la Estampa, México (adquisición y donación);
del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (donación); del Museo
Iconográfico del Quijote, en Guanajuato (adquisición); del
Patrimonio Artístico de la Universidad Autónoma del Estado de
México (adquisición); del Museo Nacional del Grabado, de Buenos
Aires (donación); y del Museum of Fine Arts, de Boston
(adquisición, Proyecto Arc-III).
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