10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC por su trabajo creativo en Austria, Brasil, Bulgaria, China, Francia, Italia, República Checa, Reino Unido y Rusia. Su trabajo monográfico Tutuguri fue publicado por el sello británico Sargasso. Foto: http://www.research.lancs.ac.uk/portal/en/people/felipe-otondo Felipe Otondo Irama La obra explora nociones irregulares de pulso musical utilizando como base la superposición de micro ritmos, tempos variables y diversos tipos de grabaciones de una orquesta de gamelán de Java. La obra está estructurada como una travesía aural a través de timbres, sonoridades y espacios acústicos relacionados con diversos formas melódicas y rítmicas de la música para gamelán. Instrumentos específicos de la orquesta de gamelán de la Universidad de York en Inglaterra fueron grabados y re-sintetizados para generar timbres y secuencias rítmicas explorando la noción flexible del tiempo de escucha del auditor. Esta obra fue estrenada en el GRM de Paris y está dedicada al compositor británico Roger Marsh. Felipe Otondo nació en Santiago de Chile en 1972. En el año 1998 recibió el título de Ingeniero Acústico y en 2001 completo una maestría en el Departamento de Acústica de la Universidad de Aalborg. Entre los años 2002 y 2005 estudió composición musical con el compositor danés Anders Broedsgaard en Copenhague y en el año 2008 completó un doctorado en composición y tecnología musical en la Universidad de York con Roger Marsh y Ambrose Field como tutores. Entre los años 2006 y 2008 trabajó como profesor adjunto en el Leeds College of Music y el Northern School for Contemporary Dance. Entre los años 2008 y 2014 trabajó como profesor titular en el Lancaster Institute for the Contemporary Arts en la Universidad de Lancaster en Inglaterra. Actualmente se desempeña como profesor en el Instituto de Acústica de la Universidad Austral de Chile donde trabaja en un proyecto que investiga las posibilidades creativas del sonido espacializado financiado por el Comisión Nacional de Investigación Científica y Tecnológica. Como compositor ha realizado música en diversos formatos, producciones radiofónicas, proyectos de danza y teatro musical, obras interactivas e instalaciones sonoras. Sus obras han sido presentadas en Europa, las Américas, Asia y Australia y ha recibido premios Ricardo Tapia 8 (.--. .- .-. .- / --.- ..- .. .-.. .- .--. .- -.-- -. .-.-.) ¿Cómo decir qué se quiere representar en una obra cuando todos tienen diferentes opiniones sobre el sonido? ¿Cómo decir qué es lo que en esta obra se quiere expresar cuando usted puede tener otra impresión de esta obra? ¿Por qué maquetear al auditor para que escuche lo que uno quiere? ¿Por qué no mejor dejar que su imaginación vuele y usted como auditor sea el que sienta el sonido y le dé un contexto? Mejor no decir nada y que ustedes saquen sus propias conclusiones de que se quiso decir en esta obra: Tal vez nada, tal vez todo... tal vez nada y todo a la vez; o simplemente” es un pedazo de mierda” como una vez la llamo un tipo que solo escuchaba hasta Beethoven.... Por eso mismo no les diré nada (solo lo que dice el nombre), no les diré que quiere decir, no les diré como se hizo, no les diré nada y espero que ustedes tampoco digan nada a los demás, para que sea siempre un “veamos que mierda de ruidos, que ellos llaman obra musical contemporánea, va a salir por estos putos parlantes”. Ricardo Tapia. Músico y compositor Chileno. Titulado de la carrera de composición musical en el IP Arcos. Ha musicalizado obras de Danza Contemporánea y de Teatro, como también pequeños cortos animados. Ex integrante de los coros: Ars Viva y Mozart. Actualmente divide su tiempo como multi-instrumentista en una banda de fusión folclórica llamada LAWAL, la venta de discos Online y sus proyectos personales. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Gabriel Brnčić Polifonía de Venecia Pisando pavimentos pulidos y pendientes –mosaico ondulante– predicantes profundos pliegues-pasamanos. Bisbigliando, el oboe-exabrupto queda allí como referencia humana. El clarinete recto y sin vibrato. Un ser parco se equilibra sobre el agua. La cuadrícula del agua-viento escurre micro-tonos y las olas entrecortan la repetición, el ritmo idéntico, el motivo textual impulsivo y directo. De regreso de la ICMC (Venecia, 1982) acumulé audiovisiones que no se disiparon hasta ser representadas con el sintetizador AKS en el viejo laboratorio Phonos en Sarrià, Barcelona. La grabación fue realizada con un Revox y la versión actual de Polifonía de Venecia corresponde a una re-masterización de la cinta original, con los consiguientes problemas irresolubles. En un reciente viaje, en el cual pudimos abrazar a Núria Schœnberg-Nono después de mucho tiempo, se reanudó el estado anímico que había originado esa Polifonía de Venecia electrónica, micro-tonal y multi-espacial. Dedico esta obra a Núria por todo lo que ella es en la historia reciente de las músicas contemporáneas, y con todo el cariño de una amistad iniciada en Buenos Aires en 1967. Remasterización: Ing. José Lozano Gabriel Brnčić Isaza (Santiago de Chile, 1942). Estudió en su ciudad natal violín, viola y oboe, y composición –con Gustavo Becerra-Schmidt. Licenciado en Composición por la Universidad de Chile y Título de Profesor Superior de Composición del Ministerio de Educación de España. Suficiencia de Investigación por la Universidad de Barcelona. Ha sido Director Artístico de la Fundación Phonos, Director del Proyecto Phonos de Edición y profesor de composición y análisis musical en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) desde su fundación en 2001. Premio de Bourges (IMEB) 1983 y Ciudad de Barcelona 1985. El 1994 ingresa a la Universitat Pompeu Fabra, donde ha trabajado en el Màster en Arts Digitals, en el Curs d’Art i Tecnología y como director del Post-grau de Composició i Tecnologies Contemporànies. Actualmente pertenece al Patronato de la Fundación Phonos y trabaja en diversos proyectos relacionados con su obra como compositor. Sus partituras y grabaciones, publicadas en diversos medios, se interpretan habitualmente en ciclos y festivales internacionales. Entre las distinciones recibidas están los premios de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad de Chile (1963, 1966, 1967), el primer premio del Concurso Casa de las Américas de Cuba (1966) por su Octeto para bronces, el primer premio del Concurso Internacional de Bourges (1984, por Chile fértil provincia…, 1975–83), el premio Ciutat de Barcelona (1985, por el Concierto para Viola y orquesta, 1967). Andrés Mondaca Wewe México y Chile siempre han gozado de buenas relaciones internacionales, quizás, y a pesar de la distancia y la importante diferencia demográfica, debido a que son países muy similares entre sí, tanto en cosas anecdóticas como en la idiosincrasia de sus habitantes. Wewe está desarrollada en base a las similitudes anecdóticas de ambos países como por ejemplo el amor (y odio) a sus respectivas selecciones de futbol o el sistema de metro- tren en sus respectivas capitales, entre otros. La obra es cuadrafónica y fue trabajada en los estudios del CMMAS (Centro mexicano para la música y las artes sonoras) en el marco de una pasantía financiada por “Ventanilla abierta, FONDART” (beca Chilena). Andrés Mondaca es estudiante de Licenciatura en Artes Mención Composición Musical de la Universidad de Chile. Ha estudiado composición electroacústica con Federico Schumacher. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC En el año 2012 publicó el cd Habitar el tiempo, con el financiamiento del Fondo de la Música, el cual contiene 5 obras electroacústicas. Guillermo Eisner Ecos en el medio Versión octofónica de la obra “Trompetísticamente” (Habitar el Tiempo, 2012). Ecos en el medio re-significa el lugar del auditor, ubicando a éste como el medio de resonancia de la música. Deja el auditor su pasiva ubicación frente al sonido, para pasar a formar parte de un punto de resonancia más dentro de las posibilidades de escucha y percepción de la obra, alterando el recorrido del sonido según sea su ubicación en el espacio. El medio es el sonido; lo es también cada altavoz; cada muestra procesada o no del instrumento; el medio es el punto en el espacio que ocupa cada auditor. Los ecos son todas aquellas proyecciones del sonido, exteriores e interiores, que genera lo que está detrás de la música. Guillermo Eisner nace en Montevideo, Uruguay, en 1980. A la de edad de 6 años se radica junto a su familia en Santiago de Chile. Licenciado en Música y Magíster en Composición Musical de la Universidad de Chile. Complementa sus estudios con postgrados, cursos y residencias en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Universitat Pompeu Fabra - Fundación Phonos, Barcelona; Centro para la Difusión de la Música Contemporánea LIEM-CDMC, Madrid; y en la Universidad de Aveiro, Portugal. Sus estudios de Composición los ha desarrollado con Eduardo Cáceres en la Universidad de Chile; Cristián López en la Universidad Católica de Valparaíso; Gabriel Brncic en la Universitat Pompeu Fabra; con Joao Pedro Oliveira en la Universidad de Aveiro, Portugal; y con el Profesor Rafael Díaz como guía de tesis de magíster en la Universidad de Chile. De manera particular ha estudiado Composición y Guitarra Popular con Juan Antonio Sánchez; Composición y Arreglos en Música Popular con Sebastián Rebhein; Guitarra Clásica con el Profesor Héctor Sepúlveda y Piano Jazz con el Profesor Carlos Silva. Se desempeña también en el área audiovisual, componiendo la música y el diseño sonoro de diversas obras de teatro, danza, video-danza y cortometrajes. En la actualidad se desempeña como Profesor de Armonía, Contrapunto y Arreglos e Instrumentación en la Universidad Alberto Hurtado. Rodrigo Cádiz La guerra de las corrientes La Guerra de las Corrientes es una obra en cuatro movimientos inspirada en la rivalidad entre los genios Thomas Edison y Nikola Tesla, y en particular en la feroz competencia económica, conocida como Guerra de las Corrientes, por el control del incipiente mercado de la generación y distribución de energía eléctrica durante la década de 1880. Los movimientos de la obra son: I.Edison II.Tesla III.Westinghousing IV.Chicago Rodrigo Cádiz es Ingeniero Civil Industrial con mención en Ingeniería Eléctrica en la Pontificia Universidad Católica de Chile y Licenciado en Música con mención en Composición de la misma universidad. Obtuvo su doctorado (Ph.D) con mención en Música y Tecnología en Northwestern University, EEUU. Su música abarca instrumentos solistas, grupos de cámara, orquesta, música mixta, medios audiovisuales y música computacional y ha sido programada en festivales y eventos en Chile, Estados Unidos y Europa. Sus temas de investigación incluyen el procesamiento digital de audio, música computacional, nuevas interfaces de expresión musical, y aplicaciones musicales de la inteligencia artificial. Ha ganado varias becas y premios para creación artística e investigación. También ha recibido premios en distintos concursos de composición tanto en Chile como en Estados Unidos. Se desempeña actualmente como Profesor Asociado del Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica de Chile. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Foto: http://candelajm.blogspot.com/ José Miguel Candela (2009). Su música se ha tocado en Chile y en diversas partes de América y Europa, y ha sido editada en varios cds compilatorios tanto en Chile como en el extranjero. Fue coordinador de la Comunidad Electroacústica de Chile, organización que fundara junto a otros compositores en el año 2002. Fue fundador y organizador durante 6 años del Festival Internacional de Música Electroacústica de Santiago de Chile, “Ai-maako”. Actualmente se desempeña como académico en el Departamento de Danza de la Universidad de Chile. Primeros encuentros con la vida y con la muerte (Leopoldo Muñoz) Esta es la cuarta obra del ciclo “4 PIEZAS ACUSMÁTICAS POR LOS DERECHOS HUMANOS”. Este ciclo de composiciones contiene en cada una de sus piezas, testimonios grabados de cuatro personas que de uno u otro modo vieron sus derechos humanos violados durante la dictadura militar de Pinochet. Estas personas son Macarena Aguiló, Humberto Miranda, Lisette Ruiz y Leopoldo Muñoz. En esta cuarta pieza, además del testimonio de Leopoldo Muñoz, se trabajó con grabaciones de trutrucas y con sus procesos electrónicos (Ring Modulation, Wave Shaping, Wave tables, y otros), buscando un diálogo creativo con la idea de “sinfonía acusmática”. La obra es un encargo del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras CMMAS, para la edición en 2013 en el disco Autoctofonías vol.3 Estreno en Chile. José Miguel Candela nació en Santiago de Chile en 1968. Es Licenciado en Música de la Universidad de Chile, y actualmente, gracias a una beca Conicyt, cursa un Magister en Artes con Mención en Música y Tecnología en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Estudió en diversos cursos de composición y análisis con el maestro Gustavo Becerra-Schmidt, a quien considera su formador. Ha realizado música para cine, teatro, y muy especialmente para danza contemporánea. Se ha destacado en el área de la música electroacústica. En 2000 es premiado con la beca Fundación Andes para componer su proyecto “cuatro movimientos sinfónicos de carácter indigenista”, de los cuales uno, “Machaq Mara (dedicado a la cultura aymara)”, es seleccionado y estrenado en el año 2002 por la Orquesta Sinfónica de Chile. En 2003, gracias a la beca UNESCO- ASCHBERG, realizó una residencia en el Virginia Center for Creative Arts (EE.UU.). En 2007, gracias a una beca otorgada por el Ministerio de Cultura Español, realiza una residencia en el LIEM – CDMC (Madrid, España). Ha editado hasta la fecha 2 cds-obras: “TTK – 81 micropiezas para saxofón y electroacústica” con Miguel Villafruela (2008), y “Ciclo Electroacústico Salvador Allende Gossens” Foto: José Luis Rissetti. Federico Schumacher Los Náufragos de la Medusa - A nosotros. A quienes naufragan. Tú, que dispones de cielo y mar Haces la calma y la tempestad. Federico Schumacher, compositor e investigador chileno nacido en Santiago en 1963. Realiza sus estudios musicales en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile donde obtiene el grado de Licenciado en Música. En Francia desde el 2000, ha seguido cursos de composición y electroacústica con Nicolás Verin y Jean Luc Hervé. En 2003 obtiene un DEM (diploma de fin de estudios musicales) en composición electroacústica con Christine Groult en la Escuela Nacional de Música de Pantin y en 2004, un DEM en composición instrumental con Philippe Leroux, en la Escuela Nacional de Música de Blanc Mesnil. Actualmente cursa un Doctorado en Música con Robert Normandeau en la Universidad de Montreal. Ha recibido diversos premios y menciones nacionales e internacionales por su música instrumental y electroacústica: XVII concurso de composición de la Universidad Católica, Concurso Time-Rostrum, Chile, Prix Bruynel 2005 entre otros, y ha sido favorecido varias veces con el Fondart (encargos del gobierno chileno) para la composición de sus obras. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC la Hochschule für Musik Saar (Master in Komposition). También fue becado por el “Internationale Musikinstitut Darmstadt” para participar en los “Internationalen Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt (Alemania)”. Daniel Osorio Spiegelung „Spiegelung„ (Trad. Imagen en el espejo) es una obra que fue encargada para el proyecto en DVD „Largo Sguardo“. La obra se basó en el texto de Stefano Amorese („Specchiatura“) y posteriormente llegó a ser parte del video del artista visual Horkay Istvàn. „Spiegelung“ en una pieza acusmática que fue compuesta para surround 5.1 a partir de las grabaciones de la soprano Franziska Erdmann y del narrador Jens Alles, a lo que se agregó el procesamiento digital de diferentes fuentes sonoras, también grabadas para la obra. Por su trayectoria fue galardonado durante el año 2013 con el Förderpreis, otorgado por el gobierno alemán, para hacer una estadía de investigación en el Deutsche Studienzentrum ubicado en Venecia (Italia). Además recibe el Förderpreis der Landeshauptstadt Saarbrücken. Sus obras han sido ejecutadas en diversos encuentros y festivales de música tanto en Chile como en Alemania, obteniendo varias menciones y reconocimientos. Sus obras han sido incluidas en varios discos, como “Cello & Electrónica” y “Obras de Cámara - Taller de Música Contemporánea UC”, entre otros. La complejidad y extensión del texto permitió generar diferentes perspectivas sonoras a través de determinadas formas de síntesis sonoras, que no obstante, se subordinan al ritmo y densidad sonora del texto hablado (alemán). Daniel Osorio nace en Santiago de Chile. Inicia sus estudios de música en 1987 con Jaime Calisto (guitarra clásica), y luego ingresa a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile (Licenciatura en Composición) donde estudia con el compositor Pablo Aranda y también estudia Música Electroacústica con Edgardo Cantón y Rolando Cori. Desarrolla su tesis de grado en torno a la temática de la desaparición de la comunidad yámana y su idioma (“Iaxaus”), y cuyo registro fonográfico fue incluido en el disco “Iax-Aus-Káitek” (2004), trabajo discográfico realizado en conjunto con el compositor Antonio Carvallo. También edita junto a Antonio Carvallo y la Facultad de Artes (Universidad de Chile) la publicación “Partituras...” (2001) que contiene obras de ambos compuestas desde el año 1998 hasta el 2000. Para proseguir sus estudios de postgrado viaja en el año 2005 a Saarbrücken, Alemania, becado por el Gobierno de Chile (Beca Presidente de la República - MIDEPLAN), y donde estudia Composición con Theo Brandmüller y Stefan Litwin, y música electrónica con Stefan Zintel en Fernando Matus Sutil, pacifica, transparente Obra acusmática para cuatro canales, toma el sonido de una trompeta en do con sordina wha-wha como elemento articulador de la obra. Previamente mezclado y modificado el sonido original, se genera un tratamiento sonoro por medio de variantes de velocidad, transposiciones y loops que se mantienen presentes durante toda la obra en distintos grados de incidencia, lo cual produce una relación constante entre el reconocimiento de la fuente sonora y la disolución total de esta. Fernando Matus es profesor de música y compositor, con estudios de especialización en composición musical en la Universidad de Chile. Licenciado en educación con especialidad en música titulado de la Universidad de Concepción. Investigador de la música de los pueblos originarios y las manifestaciones folklóricas chilenas. Actualmente cursa en Magister en artes , especialidad composición, en la Pontificia Universidad Católica de Chile. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Marcelo Espíndola Homenaje a Félix Maruenda Esta pieza esta compuesta a partir de la composición musical realizada para el documental “Escape de Gas”, en el cual se hace referencia al trabajo que el escultor Félix Maruenda aportó para el edificio UNCTAD III, actual Centro Cultural Gabriela Mistral, en el año 1972. Félix Maruenda diseñó una chimenea minimalista que funcionaba como el escape de gas del comedor del edificio UNCTAD III, luego del incendio del año 2006 la obra, producto del daño en el edificio, fue retirada de su lugar original y se encuentra actualmente guardada en una bodega del Ministerio de Defensa esperando su reposición en la etapa final de reconstrucción del edificio. La música original del documental “Escape de Gas” fue compuesta a partir de muestras de sonido capturadas de la misma escultura de Maruenda: se grabaron distintos golpes y sonidos de la chimenea, luego a estas muestras de audio, se sumaron sonidos de un balón de gas y pequeñas latas. Marcelo Espíndola estudia Interpretación Musical, mención Percusión, en el Instituto de Música de Universidad Católica de Chile, titulándose en 1995, en su labor como percusionista ha integrado diversas agrupaciones musicales entre ellas conjuntos de salsa, flamenco, vanguardia y pop. Destacando entre otros su participación con Francesca Ancarola, Carlos Lederman y Media Banda.Desde 1996 hasta hoy, integra la banda de música soul, Matahari, con los cuales ha editado tres discos: “Deja el cuerpo” (premio Altazor 2003), “Matahari Acústico” y “No Pares”. Integró el Grupo de Percusión de la Universidad Católica entre los años 1991 a 2006. Con ellos editó dos discos: “Música chilena para percusión” volumen I y II, en los cuales desarrolló labores como intérprete, compositor y productor. Como compositor ha escrito piezas para diversas agrupaciones musicales, obras de teatro y documentales, algunas de estas piezas han sido estrenadas tanto en Chile como el extranjero. En los años 2001 y 2003 es premiado en el concurso “Música de este lado del Sur”, organizado por al SCD, con las canciones “Despierto en un silencio” y “Volando el cielo” ambas editadas por el Sello Azul. En el año 2014 compone la música para el documental “Escape de Gas”, del director Bruno Salas, película premiada en el festival Sanfic del mismo año. Obtiene su titulo de Magister en Música el año 2015 en la Pontificia Universidad Católica de Chile Su labor docente en la educación superior se desarrolla en el ámbito de la percusión y la tecnología musical, ejerciendo en la Universidad UMCE y Universidad Católica De Chile. Antonio Carvallo Vri Una serie de sonidos compuestos a partir de filtraje de ruido blanco, convolución y posterior filtraje aleatorio de formantes, son descompuestos espectralmente de modo también aleatorio, en tiempo real. Estos espectros son reconstituidos por separado en los cuatro canales previstos para su ejecución. Antonio Carvallo nace en Santiago de Chile en 1972. Estudia contrapunto y armonía con Rodolfo Norambuena y piano con María Paz Santibañez; luego hace ingreso a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, donde obtiene su licenciatura y Magíster en composición. Fue alumno de Pablo Aranda, Cirilo Vila, Aliosha Solovera y Miguel Letelier, entre otros. Entre los años 2000 y 2002 se desempeña como profesor en las cátedras de Análisis Musical y Teoría y solfeo en la Universidad de Chile. Posteriormente se traslada a Roma, donde estudia Música Electrónica en el Conservatorio Santa Cecilia entre los años 2002 y 2008, obteniendo el diploma académico de primer nivel y el diploma de especialización de segundo nivel. Ha expuesto en charlas y sus composiciones han sido interpretadas en Chile, Italia, Holanda, Francia, Suecia, Alemania y Tailandia. Ha publicado permanentemente sus obras en CD y partitura. Actualmente imparte clases de Composición, Análisis Musical, Contrapunto y Armonía en el Magíster, Postítulo y Licenciatura en Composición de la Universidad de Chile. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Andrián Pertout Klingeln der Anderungen The concept of the vibrating string and its connection to music — via the sounding of an open string to produce the fundamental (or the 1/1 ratio), with the string stopped at the midpoint producing the octave (or the 2/1 ratio), and at the two-third point, the perfect fifth (or the 3/2 ratio) — is first presented in the West by Pythagoras of Samos (570-504 B.C.), although it is not until Galileo Galilei (1564-1642) and Marin Mersenne (1588-1648) that the connection between the actual time or period of the cycle or vibration, and string length, tension and density is made. John Wallis (16161703) and Joseph Sauveur (1653-1716) are acknowledged for contributing further to the study with their discovery that proportional vibrations (in the ratios of 1/1, 1/2, 1/3, 1/4, and so on) are also simultaneously produced — this fact elucidating the notion of the vibrating string as an amalgam of the fundamental and octave proposed by Aristotle (382322 B.C.), and consequently stimulating scientific study that in time reveals more and more upper partials. “Thus the note produced in the ear by a vibrating string was shown to be composed of a series of pure tones (partials), sounding simultaneously, and corresponding to component or partial vibrations of the main vibration whose periods (or string lengths) formed an harmonic series,” explains Llewelyn Southworth Lloyd and Hugh Boyle in Intervals, Scales and Temperaments: An Introduction to the Study of Musical Intonation. ‘Klingeln der Änderungen’ or ‘Ringing the Changes’ was especially composed for the Federation Bell Installation in Birrarung Marr (Melbourne, Australia), which was designed by Neil McLachlan and Anton Hassell in association with Australian Bell Pty Ltd and comprises of thirty-nine computer-controlled harmonic and polytonal bells. Andrián Pertout nació en Santiago de Chile, 17 Octubre, 1963, y vivió en Gorizia, norte de Italia por varios años antes de finalmente situarse en Melbourne, Australia en el 1972. En 2007, él obtuvo el Doctorado en Filosofía (PhD) en la University of Melbourne, con unas becas del Tweddle Trust, Australian Postgraduate y Melbourne Research, estudiando composición bajo la guía de Brenton Broadstock. Premios de composición incluyen el Boston Metro Opera ‘Mainstage Award’ (EEUU), Jean Bogan Prize, ‘John Cage Centennial’ Wolf Museum of Music and Art Composition Prize (EEUU), Friends & Enemies of New Music Composition Prize (EEUU), International Music Prize for Excellence in Composition (Grecia), UnTwelve Composition Prize (EEUU), Dorian Le Gallienne Composition Prize, Betty Amsden Award, Louisville Orchestra Prize (EEUU), Oare String Orchestra Judges’ and Audience Prize (UK), Michelle Morrow Memorial Award, y el Zavod Jazz/Classical Fusion Award. Él es actualmente el delegado australiano del ACL (Asian Composers’ League), presidente del Melbourne Composers’ League, miembro honorario en el Melbourne Conservatorium of Music (University of Melbourne) y National Academy of Music (Thessaloniki, Grecia). La música de Andrián ha sido interpretada en festivales como el ISCM World Music Days 2005, 2007 y 2010 (Croatia, Hong Kong y Australia), 33e Festival d’Automne á Paris (Paris, Francia), XIII y XV Festival de Música Contemporánea Chilena (Santiago, Chile), y el 22nd, 26th, 27th, 30th y 31st ACL Conference & Festival 2002, 2007, 2009, 2012 y 2013 (Corea, Nueva Zelandia, Israel y Singapore). Su música también se ha realizado en Singapore, Luxemburgo, Israel, Finlandia, Puerto Rico, Romania, Argentina, Turquía, Taiwan, Irlanda, Portugal, Grecia, Japón, Venezuela, México, Nueva Zelandia, Polonia, Brasil, Cuba, Perú, Colombia, China, Croacia, Hong Kong, Francia, Bélgica, Chile, Italia, Canadá, República de Macedonia, Eslovenia, Reino Unido, Corea, Los Países Bajos, Austria, Estados Unidos y Australia por orquestas y ensambles que incluyen el Melbourne Symphony Orchestra, Orchestra Victoria, Tasmanian Symphony Orchestra, The Louisville Orchestra (EEUU), Jerusalem Symphony Orchestra (Israel), Orquestra Petrobrás Sinfônica (Brasil), Orquesta Sinfónica de Puerto Rico (Puerto Rico), The Foundation Orchestra (EEUU), Orquesta Sinfónica de Chile y Concepción (Chile), Orquesta de Cámara de Chile y Valdivia (Chile), Logos Foundation Robot Orchestra (Bélgica), La Chapelle Musicale de Tournai (Bélgica), Oare String Orchestra (Reino Unido), Ónix Ensamble (México), Ensamble Contemporáneo (Chile), Quinteto CEAMC (Argentina), Sonemus Ensemble (Bosnia-Herzegovina), Sori Ensemble (Corea), Omni Ensemble (Estados Unidos), y el Ensemble für Neue Musik Zürich (Suiza). 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Francisco Guzmán Un no tan distante viaje Esta obra es un trabajo realizado en el curso de técnicas de composición electroacústica del Magíster en Artes de la PUC. El objetivo fue desarrollar una creación a partir de las diversas modalidades compositivas aprendidas durante el desarrollo del curso, por lo que esta obra responde a una propuesta de obra final en la que el proceso creativo es pensado a partir de las ideas adquiridas y trabajadas en el semestre por lo que las sonoridades (que provienen de diversos orígenes sonoros), se mezclan en un andar muy pausado que busca dar espacios de escucha a la alta diversidad de materiales con los que se creó esta obra. Francisco Guzmán estudio Pedagogía y Licenciatura en Ciencias y Artes Musicales, en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, un Post-Título en Composición Musical, en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso y cursa actualmente el Magíster en Artes en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Se desempeña como profesor de Música del Colegio Hebreo “Dr. Jaim weitzman” de Viña de Mary como profesor de Flauta Dulce de la carrera de Pedagogía en Música de la Universidad de Playa Ancha. Renzo Filinich Orozco (Lima 1978) . Licenciado en Sonido y compositor de Música Electroacústica. Interesado en aplicar nuevas tecnologías en la música con objetivo de desarrollar nuevos campos interactivos y cognitivos del oyente, así como la representación espacial del sonido por medio del uso de interfaces gestuales de control sonoro y performance, utilizando para ello el concepto de la maleabilidad del sonido como un mecanismo musical frente al espectador con el espacio. En mi trabajo he abordado distintos aspectos en el lenguaje musical como Live Electronics, la improvisación libre ,obras para cámara e instalaciones. He mostrado mi trabajo en el Manifeste 2014 del Ircam –Paris,Forum Acusmatico de Hope University – Liverpool 2013, Festival Mixtur - Barcelona 2013, Ai- Maako 2010-2012, Festival de arte Sonoro Tsonami de Valparaíso 2007 al 2011. He participado de varios proyectos FONDART (Fondo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile) siendo la ultima como productor del Festival Ai-Maako versión 2011-2012, donde se pretende difundir y enseñar sobre esta nueva rama musical ligada al lenguaje contemporáneo. Martín Rica CiberPaisajes #1 y #2 Renzo Filinich No tenemos un cuerpo, sino somos un Cuerpo Esta obra Acusmatica representa la sustancia, el infinito. La realidad que se manifiesta a través de dos atributos finitos: el pensamiento y la extensión, el alma y el cuerpo. El cuerpo de este modo recibe la misma dignidad que el alma. El alma es la idea de el cuerpo, es decir, las luces corporales. El ser humano es libre en la medida en que el cuerpo recibe una idea adecuada de sí mismo. La singularidad de cada individuo es el acto existencial de un cuerpo de un pensamiento. Lo que hace la mente es conocer el cuerpo a través de sus afectos... La obra está compuesta en dos partes, la primera sección compuesta en gran parte por samples y procesamiento de estos, y la segunda más enfocada a objetos sonoros provenientes en totalidad de síntesis. Fue llevada a cabo en max/msp y se interpreta con el teclado, manipulando manualmente los sucesos que acontecen a lo largo de la obra. Martin Rica es estudiante de composición musical y de guitarra clásica del IMUC. Ha presentado obras en distintas ocasiones dentro del ámbito universitario, con obras instrumentales y electroacústicas. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Aliocha Solovera Félix Pino-Kovalenko Ecos de las sombras Paréntesis Ecos de las sombras es una obra para flauta y electrónica en tiempo real, donde el material producido por la flauta es tomado por el computador y presentado en diversas configuraciones espaciales, en un sistema de ocho canales. “Paréntesis” es una obra que reflecciona en torno al contrapunto generado entre el material sonoro y el material visual; más allá de solamente ilustarse, estos elementos también reevaluan su calidad de comentaristas, separadores o simplemente observadores dentro de la aleación de sucesos propios de la obra. Patricio de la Cuadra, flauta. Aliocha Solovera es fundador y director del Ensamble Contemporáneo, y se ha desempeñado además como académico del Departamento de Música de la Universidad de Chile y del Instituto de Música de la Universidad Católica. Se graduó en composición en 1990 en la Escuela Superior de Música de Ljubljana–Eslovenia, y continuó sus estudios de composición en la Escuela Superior de Música de Viena, becado por la Fundación Alban Berg y el Ministerio Austriaco de Ciencias e Investigaciones. El año 1993 obtuvo el título de Magíster en Arte y recibió el Premio de Honor del Ministerio Austriaco de Ciencias e Investigaciones. Desde el año 1987 ha tenido numerosas presentaciones de sus obras tanto en Chile como en el extranjero (Ljubljana, Viena, Santiago de Chile, Sao Paulo, Montevideo, Zagreb, Bucarest, Copenhague y otras). Por sus creaciones ha recibido una serie de premios y reconocimientos entre los cuales destacan el Segundo premio en el Primer Concurso de Composición Musical de la República de Eslovenia, por la obra Polychronie para dos pianos (1993); el Premio Fundación Lampadia Sao Paulo Brasil por la obra Volubile para violín y piano (2000); el Premio Encargo de obra musical Charles Ives (2003) y el Premio Altazor por la dirección del Ensamble Contemporáneo (2003). Felix Pino-Kovalenko es un compositor chileno-ruso graduado del Conservatorio Estatal de San Petersburgo “RimskyKorsakov” (Rusia) bajo la tutela de Sergey Slonimsky. Realizó estudios de composición con Bakir Bayahunov y Vladimir Gross en el Conservatorio Nacional de Kazajistán, ha recibido perfeccionamiento en Berlin (Alemania) con Anton Safronov, se ha formado en la interpretación del contrabajo con el maestro Werner Lindl (Concepción, Chile) y ha recibido formación musical con el pedagogo Pedro Millar (Concepción, Chile). Obtuvo el Primer premio en el concurso internacional Young Virtuosos 2012, Sofía (Bulgaria). Ganador de la competición Bakhytzhan Baikadamov por la mejor adaptación de un “kyi” kazajo para coro (Almaty, Kazajistán). Ha sido finalista en la competición Luis Advis 2012, género “Música Clásica”, Coquimbo-La Serena (Chile). Actualmente, sus principales directrices radican en la investigación del híbrido sonido-luz, elaborando paulatinamente una opera interactiva sobre el “pouten” (mundo marino) chilote, y el desarrollo del concepto “música rupestre” a través de los workshops “HomoSonorum” y “HomoSonorum - Niños”. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC (CECh) recibió diversas influencias e ideas desde la música electroacústica, enfocando su trabajo hacia caminos más experimentales. Mika Martini Espacio-Luz-Tiempo A partir del trabajo con ondas de sonido traducidas a representaciones visuales, este concierto-homenaje a la artista chilena recientemente fallecida Matilde Pérez, busca presentar al espectador una experiencia de contemplación de carácter íntima y directa acerca de la problemática de representar el color, la forma y el tiempo, ligados a la música, al arte sonoro y al arte cinético más abstracto y fundacional. El concepto estético visual apela a la abstracción, pero además, a las distintas formas de representar las ondas sonoras a nivel gráfico. A nivel sonoro, los materiales empleados aluden a la estética de la música experimental y electroacústica. A nivel técnico, la obra consiste en un espectáculo de improvisación audiovisual o Live Electronics, interpretado por Hugo Espinosa aka Mika Martini, utilizando elementos tecnológicos tanto digitales como análogos. Para la música se cuenta con el uso de un computador con pistas pregrabadas, las cuales son complementadas en vivo con diversos instrumentos electrónicos y efectos de sonido. Para la parte visual se cuenta con una interface audio-rítmica, consistente en la utilización de máquinas generadoras y procesadoras de señal de video, tales como: • Kaos Pad Entrancer (procesador de efectos de video) • Video-scope (generador de ondas tipo osciloscopio) • HSS3jb y 3TrinsRGB+1c (visualizadores de video) • Cámara de video (usada para captura de imágenes en vivo) La puesta en escena establece un diálogo en tiempo real entre el sonido generado, tanto pregrabado como improvisado sobre las pistas, con las imágenes generadas en tiempo real, produciéndose un todo compacto y pregnante. Mika Martini. Con estudios en arquitectura y titulado en Diseño en la Universidad Católica de Chile, Hugo Espinosa Chellew bajo sus alias Mika Martini y Frank Benkho, ha desarrollado sus capacidades artísticas en ámbitos como la dirección de videoclips, la animación 3-D, el diseño gráfico tradicional, diseño multimedia, diseño para web, y la música electrónica. A comienzos del 2002, Mika Martini comenzó a hacer música minimal combinando grabaciones de campo de las poblaciones étnicas de Chile con materiales sonoros abstractos, utilizando la técnica del micro-sampling. Posteriormente, como miembro adherente de la Comunidad Electroacústica de Chile El año 2005 funda, junto a Daniel Jeffs, el sello discográfico por internet Pueblo Nuevo, plataforma de difusión que se ha convertido en 9 años de funcionamiento ininterrumpidos en un activo promotor tanto de su propia obra musical como la de muchos autores chilenos y extranjeros. Como Mika Martini ha presentado su música en México durante el año 2007, auspiciado por la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones exteriores del Gobierno de Chile (DIRAC), en una gira de tres semanas por las ciudades de México DF, Morelia, Guadalajara, Tijuana y Mexicali. El año 2002 se presentó en Polonia, en una gira de dos semanas auspiciada por la misma Dirección de Cultura (DIRAC). En 2009 participa como único representante de Chile en el “Segundo Festival Dialectos Digitales” de La Paz, Bolivia. En octubre de ese mismo año presenta el espectáculo audiovisual “Los Hanoish y otras subculturas extintas, en el concierto “Noche Blanca”, efectuado en el IX Festival de Música Electroacústica de Santiago Ai-Maako 2009. El 2013 participa como invitado en la ceremonia de premiación de los “Qwartz Awards” a la música electrónica en Paris, Francia. Además, se ha presentado en diversos escenarios, festivales y centros culturales de Perú, Argentina, Brasil, Alemania y España. El proyecto audiovisual “Frank Benkho” aparece el año 2011, con el objeto de desarrollar un proyecto de carácter audiovisual, donde tanto la imagen como el audio fueran generados en tiempo real, improvisados, en el escenario. Para ello utiliza diversos instrumentos, como la voz, sintetizadores análogos y el ruido procesados en tiempo real con pedales de efectos, generadores de ondas y máquinas de loop para crear atmósferas y estados melódicos cercanos al “noise”, al “gospel” y a la electrónica de la vieja escuela. La música siempre es acompaña por una performance visual, proyecciones abstractas en tiempo real, utilizando técnicas como el feedback electrónico, y viejas máquinas análogas de producción de video. El espectáculo audiovisual de Frank Benkho se ha presentado en el Festival Re-new (2011, Copenhague, Dinamarca), Galería NIU (2011, Barcelona, España), Centro Cultural La Cúpula (2011, Córdoba, Argentina), 10 Bienal de Video y Artes Mediales (2012, Santiago, Chile), Festival Cruces Sonoros (2012, Santiago, Chile), Encuentro Fricciones (2013, Santiago, Chile), Festival Microfestlabel (2014, Valparaíso, Chile), entre otros. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Tierra de Larry Edgardo Cantón Aguirre Seis improvisaciones basadas en pequeños gestos Para esta presentación en el Festival, se han preparado 6 obras improvisadas que se basan en pequeños gestos, los cuales son compartidos previamente por los músicos y que, poco a poco, van tomando forma en el devenir de la improvisación. El proceso de trabajo del Ensamble se centra en ensayos permanentes que buscan conectarse con los elementos que cada músico utiliza en su espacio de confort-musical y, por otro lado, explorar las zonas de riesgo-musical inherentes a cada interpretación. Esto permite generar una conexión de gran intensidad, a través de los sonidos, y también, a través de los pequeños gestos físicos que van marcando los pasajes que se intercalan en esta propuesta colectiva, donde finalmente, el momento de creación es el concierto en si mismo. Instrumentación: Rolando Cori: Guitarra acústica y Electrónica Edgardo Cantón: Piano y Electrónica Leonardo Cendoyya: Electrónica Invitado Especial Juan Pablo Aguayo: Flauta traversa El Ensamble Tierra de Larry esta compuesto íntegramente por académicos del Departamento de Música y Sonología de la programa Universidad de Chile. Actualmente cumple 7 años de trabajo, teniendo como integrantes “históricos” a los profesores Rolando Cori, Edgardo Cantón y Leonardo Cendoyya. En esta ocasión, los acompañará como invitado especial el flautista de la Orquesta Sinfónica de Chile Juan Pablo Aguayo. Leonardo Cendoyya Cádiz Profesor del área de Sonido del Departamento de Música de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Profesor de Música de la Universidad Católica y Magíster en Educación c/m en Informática Educativa. Estudió Intérprete mención Piano por 5 años en la misma Facultad de Artes. Es profesor en el Magíster en Artes Mediales. Ha participado en diversas agrupaciones de música popular y jazz, además de estrenar obras de música contemporánea en festivales. Su trabajos incluyen obras de arte sonoro, como su recién estrenada www. sonidosdeariadna.cl y trabajos didácticos relacionados con el rescate patromonial de obras e instrumentos musicales latinoamericanos. Su principal interés es la integración de nuevas tecnologías a la ejecución y creación musical. Edgardo Cantón Aguirre nació en Paris Francia. Pero se traslado a vivir en Chile donde realizó sus estudios Universitarios de la carrera de composición en la Universidad de Chile. Posteriormente ganó algunas becas lo que le permitió hacer un Magíster, y otros cursos de pos grado en España, Francia e Italia. Ha obtenido reconocimientos tales como el primer premio en el concurso de música sinfónica de la Orquesta Sinfónica de Chile con su obra “Música en espera de su imagen” que se estrenó bajo la batuta de Irwin Hoffman en 1995 en Santiago de Chile. A fines del 2003 escribió por encargo “El Gran Océano” obra para orquesta Sinfónica y Barítono con texto de Pablo Neruda. Se estrenó en el Teatro Universidad de Chile el 26 de Marzo del 2004 bajo la batuta de David Del Pino. El 2008 estrenó también con la Orquesta Sinfónica bajo la batuta de Michal Nesterowycz “AL –Mumit” obra para orquesta Sinfónica, medios electrónicos, coro, guitarras acústica y eléctrica. Esta obra fue la primera en Chile en utilizar medios electrónicos con una orquesta de esta envergadura. Este trabajo le valió estar entre los 3 nominados de ese año al premio Altazor. El 2010 estrenó “Atacama imaginario” para banda sinfónica pieza encargada por el director de orquesta Eduardo Brown. Rolando Cori En 1970 estudia guitarra en el Instituto de Música de la Universidad Católica con Oscar Ohlsen y en forma particular armonía y piano con Lucila Cesped. En la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, se licencia en Composición Musical en 1984 con los Profs. Cirilo Vila, Juan Amenábar y Juan Lemann. Desde 1983 es docente en esta Facultad y actualmente coordinador de estudios de pre- y postgrado en composición y Director de Extensión. Con becas del Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD) y del Servicio Católico para Académicos Extranjeros (KAAD) concluye en 1991 estudios de postgrado en composición (Künstlerlische Reifeprüfung) en la Escuela Superior de Música de Friburgo (Alemania) con Klaus Huber y de música electrónica con Mesías Maiguashka. En Chile realiza proyectos de creación con apoyo de la Fundación Andes, el Departamento de Investigación de la Universidad de Chile, el Ministerio de Educación y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas en Chile, Estados Unidos y Europa. Desde 2001 hasta 2007 fué Presidente de la Asociación Nacional de Compositores-Chile. 10, 11 y 12 de Abril de 2015, 19:30 hrs. / Auditorio IMUC Músico Invitado / Juan Pablo Aguayo Realiza sus estudios de flauta traversa en la Escuela Moderna de Música de Santiago titulándose con distinción el año 2001 y entre los años 2002 y 2004 en la Escuela Nacional de Música de Romainville-París en Francia. El año 1997 ingresa a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, desempeñándose como primera flauta los años 1999 y 2000.Ha participado en la Orquesta Internacional del C.R.O.U.S. de París, Orquesta Filarmónica de Santiago, Orquesta de Cámara de Chile, entre otras. Desde el año 2005 se desempeña como Flautín Solista de la Orquesta Sinfónica de Chile. Su permanente interés por la música actual lo ha llevado a estrenar diversas obras para flauta y piccolo, tanto solistas como en ensambles de música de cámara. Ha actuado como solista con las orquestas Sinfónica Nacional Juvenil, Juvenil de Santiago y Sinfónica de Antofagasta. programa