Arte y Apreciación Estética

Arte y Apreciación Estética
ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Sesión No. 5
Nombre: Clasificación de las artes plásticas. Segunda parte.
Contextualización
A través del tiempo hemos visto que las religiones son una fuente de movimiento
para las diferentes culturas. En las civilizaciones antiguas, todas politeístas, es
gracias a sus creencias que se hacen grandes templos y con ellos nuevas
maneras de llegar más lejos en su arquitectura, así como formas de
enriquecerlos con pinturas y esculturas; gracias a las creencias que su
gobernantes eran también dioses o el conducto a ellos, se crean palacios y
tumbas, junto con ellos hermosas maneras de decorarlos. Cuando su vida se
centra en un contexto religioso, es difícil pensar en un cambio tan radical como
el monoteísmo.
Imagina que el Presidente de México tuviera el poder de decretar que todo
mexicano tendrá que cambiar de religión a la hinduista. Ahora tendremos que
creer en varios dioses, los más importantes: Brama, Vishnu y Shiva. ¿Aceptarías
esa imposición tan fácilmente? ¿Cómo reaccionarías como individuo y como
sociedad? ¿Cómo cambiaría la cultura del país?
¿De qué manera las civilizaciones del pasado, tan poderosas y que
muestran una vida que se ejercita de acuerdo a su religión cambian a una
monoteísta como la cristiana? ¿Cambiará tanto su estilo de vida y por lo
tanto su arte?
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Introducción al Tema
El término cristiano se acuña hasta el año 40 d.C., entre los años 70 y 80 se
escribe el Nuevo Testamento y es hasta el año 100 cuando la era Paleocristiana
(s. II al s. VII) comienza; significando una época de persecución y recogimiento,
debido a que eran considerados ateos y peligrosos, ya
que la religión oficial romana es politeísta. No podían
expresar su religión libremente, pero logran hacerlo por
medio de símbolos, dando un nuevo espíritu al arte: se
Figura
1.
Paleocristiano.
Símbolo
vuelve simple, estilizado y renuncia a la perspectiva, la profundidad y la
expresividad vence a la estética. Aun así, no tenían derecho de expresarse
libremente y vivían con miedo de ser asesinados por sus creencias, esto cambia
cuando Constantino I emperador del imperio romano (del 306-337 d.C.), en 313
d.C. firma el Edicto de Milán dando libertad de culto a los cristianos, de esta
manera se les otorga privilegios y se les permite la construcción de grandes
templos; en el año 330 d.C.
Constantino decide cambiar la capital del Imperio de Roma a Bizancio (ahora
conocida como Estambul, Turquía) y cambia su nombre a Constantinopla. No
reparó en gastos por la construcción de la “nueva Roma” e hizo traer las mejores
obras de otras ciudades del imperio, sobre todo de Atenas. Fue el primer
emperador cristiano romano, aunque fue bautizado justo antes de morir. Su
sucesor Teodosio en el año 380 d.C. firma el Edicto de Tesalónica, haciendo del
cristianismo la religión oficial del imperio Romano; antes de su muerte en el 395
d.C. decide dividir el imperio entre sus dos hijos, occidente, con capital en Milán,
para Honorio y oriente, con sede en Constantinopla, para su hijo Arcadio dando
comienzo así al Imperio Bizantino,
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Explicación
Sus estilos
En el Imperio Bizantino el emperador es representante de Dios y patriarca de la
iglesia a diferencia del imperio de occidente, donde el Papa es el representante
de Dios y sus gobernantes quedan sometidos a los designios de la institución
eclesiástica. Debido a su situación geográfica, sus influencias artísticas son más
helénicas que romanas, así como del oriente. Su escultura es prácticamente
ornamental, como complemento arquitectónico, siendo su trabajo en bronce y
marfil los más destacables.
En la pintura utilizan las técnicas del fresco y el temple,
pero son las miniaturas en el manuscrito llamado el
“Salterio de París” (Fig. 2), creado en el s. X, una de las
más renombradas. En la arquitectura se nota su
influencia de oriente debido a la adopción de la cúpula y
a su gusto fastuoso; también sustituyen la planta
arquitectónica de la basílica romana por centrales
circulares, de cruz griega y octagonal. Aunque existen
ejemplos espectaculares de la arquitectura Bizantina
Figura 2. "David Glorificado
por las mujeres de Israel"
miniatura del Salterio de París
como la Basílica de San Marcos en Venecia, es la Basílica de Hagia Sophia
(Santa Sabiduría en griego) la que se lleva el premio.
Fue el emperador Justiniano I el que ordena la construcción de la basílica a un
físico llamado Isidoro de Mileto y al matemático Antemio de Tralles que se
encargaron de la planta y el exterior del lugar; la planta de 77x71 metros está
dividida en tres naves y la central cubierta con una cúpula de casi 32 metros de
diámetro y una altura de 56.6 metros. Por fuera, muestra una pobreza decorativa
total que contrasta con el lujo decorativo interior, ya que por dentro está tapizado
de magníficos mosaicos que representaban escenas religiosas así como al
emperador Justiniano I y su esposa Teodora. Muchos de éstos se perdieron
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cuando Constantinopla fue tomada por los musulmanes y después de ser
saqueada la convierten en una Mezquita (1453 d.C.) Asimismo, llegaba a su fin
el Imperio Bizantino. En 1931 cerraron la mezquita al público para reabrirla en
1935 como un museo.
Mientras tanto, el Imperio Romano de occidente cae ante tribus germánicas en el
año 476 d.C. y el emperador de occidente Rómulo Augústulo es remplazado por
un Godo. Esto da origen a una nueva forma de vida de inseguridad e
inestabilidad, su moneda pierde el poder y en lo único que pueden apoyarse es
en sus tierras, pero por siglos sufren invasiones, el poder está descentralizado y
tenían una nueva religión que sustituía el politeísmo por el monoteísmo del
cristianismo. Así es como la Edad Media comienza en siglo V y llega a su fin en
el s. XV.
En la Edad Media el clero crece en número y tiene mayor influencia política,
económica, filosófica y sobre cualquier otra empresa intelectual; pero sobre todo
el poder que la fe tiene entre la gente común. En los mil años todo va a estar
dedicado a Dios y a la iglesia; el humanismo de los griegos se pierde, ya no
importa el ser humano como tal, sino que todo es alrededor de la alabanza a
Dios; artistas y artesanos dejan de firmar sus obras, la gran mayoría son
anónimas.
La Era Medieval es dividida en tres etapas: Temprano Medieval (s. V-XI) donde
comienza el feudalismo como reacción a la falta de seguridad en la que vivían;
los monasterios, cuando la gente dedicada a Dios decide
buscar seguridad en las montañas alejados de todo; la forma
arquitectónica de las iglesias cambia de la planta de la
basílica romana por la planta de cruz griega, al añadir
el transepto; fue también la época en la que el Papa corona
al primer emperador sagrado romano: Carlo Magno. Gracias
a éste es que se preservan los manuscritos antiguos cuando
Figure 3. Murallas de
Ávila. Si tienes una
ciudad
amurallada,
¿hacia dónde puede
crecer la ciudad?
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los monjes los traducen y decoran con maravillosas iluminaciones y miniaturas.
El segundo período comprende del siglo XI –XII se conoce como Románico, con
ciudades amuralladas, a manera de protección, con castillos, edificios de
“departamentos” de hasta 7 pisos y una iglesia arquitectónicamente renovada,
ya que con el inicio de las peregrinaciones se hicieron más alargadas en su nave,
cambiando a una planta de cruz latina, se le añaden dos pasillos más, capillas
radiales, un ambulatorio y se aprovecha el tímpano de las fachadas para dar
lugar a tallas de temas religiosos (sobre todo “El Último Juicio”).
Las iglesias y catedrales son construcciones pesadas, hechas de piedra y con
pocas ventanas; por fuera decoradas con elementos escultóricos que parecen
atrapadas en el muro, sin libertad de movimiento; no podían hacer grandes
vanos o ventanales debido al peso del propio edificio, así que por dentro se
decoraban con grandes frescos, divididos en bandas, de colores brillantes,
ayudando a reflejar la luz en las paredes, que buscan la armonía cromática y no
la fidelidad a la naturaleza, notorio también en la simetría y el delineado con
gruesas
líneas
negras,
no
tienen
sensación
de
profundidad
o
de
tridimensionalidad y las proporciones utilizadas son para denotar hieratismo. Las
mismas características las encontramos en las iluminaciones hechas en los
manuscritos, donde también utilizaban hoja de oro y plata para reflejar la luz.
Los frescos no fueron necesarios durante el período Gótico (s. XI – XV) ya que
los arquitectos descubren que utilizando diferentes elementos arquitectónicos:
el arco apuntado, el pilar y los contrafuertes elevados, les permitirá construir
edificios más altos, más ligeros y por lo tanto que permiten grandes vanos para
poder cubrirlos con vitrales que no nada más dejan pasar la luz, sino que toman
el lugar de los frescos, mostrando imágenes religiosas; las iglesias no
necesitaban más decoración que la misma arquitectura y los vitrales, por fuera
se utilizan elementos escultóricos que a diferencia del período Románico,
parecieran estar libres en el espacio, con movimientos y gestos faciales más
naturales; es en esta etapa donde aparecen las gárgolas, utilizadas como
desagüe para techos. Las figuras en general se vuelven más estilizadas y
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alargadas, como lo hacen las construcciones ya que se deja de lado el arco de
medio punto para utilizar únicamente arcos apuntados. Los vitrales son una
influencia para las iluminaciones de los manuscritos, las hacen parecer
ventanales y añaden un marco que simula al de estos vanos.
La Edad Media es una era obscurantista, ya que se creía que el aprendizaje se
había terminado junto con el Imperio Romano y que únicamente se retoma hasta
que el medioevo acaba; es por eso que al estilo artístico que comprende desde
el s. XIV hasta el s. XVI lo nombraron Renacimiento, significando el renacer del
arte clásico (griego y romano), del humanismo y de la ciencia.
¿Cómo y dónde surge tal cambio después de mil años de lo mismo?
Hay que tomar en cuenta que los únicos mecenas del arte (gente que manda
hacer obras y paga a los artistas) eran los representantes de la iglesia. En
Florencia, Italia, gracias a que era el centro de la moda de la época, surge el
banco más importante de Europa, además de numerosas familias burguesas
capitalistas que se vuelven los protectores de los artistas.
También los mecenas promueven a los filósofos humanistas,
donde el hombre es el centro de referencia. Además, los viajes
de exploración, el invento de la prensa de tipos móviles y el
libre pensamiento nos llevan a los orígenes de la ciencia
moderna; esto incluye a los artistas y su obra que tratan de
entender la estructura del mundo, ser más realistas con
formas tridimensionales, así como el entendimiento de la
perspectiva y la profundidad.
Figura 4. "David"
Miguel Ángel. s. XVI.
Donde muestra todo
su conocimiento del
cuerpo humano.
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El progreso y el conocimiento es lo que motiva a todos, tal vez por eso retoman
el pasado y ponen su atención en la Grecia y Roma del pasado, retomando sus
principios de balance, armonía y proporción. No hay que olvidar que en
occidente sigue siendo el Papa la persona más importante, por lo que la iglesia
tiene una profunda influencia en la temática artística, aunque no impide que los
artistas desarrollaran temas mitológicos y sociales.
El Renacimiento es dividido en tres etapas: El Trecento (s. XIV), el Quatrocento
(s. XV) y el Cinquecento (s. XVI) y en cada uno de ellos hay artistas que
sobresalen por su trabajo y avances en el arte o la ciencia del mismo, aun así
existen cuatro grandes maestros del renacimiento: Donatello, Miguel Ángel,
Leonardo da Vinci y Rafael.
¿Te suenan conocidos?
Aunque Florencia fue el lugar de inicio, para el año 1490 la escena del arte
cambia a Roma y se mantiene como el centro de las actividades artísticas y
filosóficas durante el siglo XVI gracias al Papa Julio II, que atrae a grandes
artistas al Vaticano ya que en sus planes estaba reconstruir la Catedral de San
Pedro, redecoración de muchas capillas (incluyendo la Sixtina), grandes frescos
y su propia tumba.
Las innovaciones artísticas de la época son muchas, las más importantes son:
en la pintura los materiales que utilizan son el fresco, la tempera y el óleo, éste
ultimo al tener un secado lento permite trabajar sin prisa a diferencia de los
frescos, y cambian los retratos de tempera sobre tabla a óleo sobre tela.
Muestran escenas religiosas pero de manera narrativa y sobre todo el reconocer
cómo se ve el mundo a través de la perspectiva y el volumen. En la escultura se
busca el movimiento libre y natural destacando el realismo. En la arquitectura, se
abandona totalmente el estilo Gótico, para tornarse a la escala de hombre
haciendo que la proporción y el balance del estilo grecorromano sean lo más
importante.
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En aquellas épocas, Venecia era independiente de Italia y se le conocía como la
Serenísima Republica de Venecia. Después de ver el estilo artístico renacentista
se sintieron motivados para crear su arte, con claras influencias bizantinas: el
uso del color, la luz y textura; del renacimiento: el realismo de las imágenes
gracias a los volúmenes y la perspectiva; pero la más grande influencia es su
propia ciudad: el paisaje, como se refleja la luz en el agua haciendo que rebote
en los diferentes edificios creando una sensación distinta a cada hora del día.
Giorgione y Titian serán los mayores representantes de este estilo.
Todo cambia cuando Martín Lutero crea en 1517 un movimiento en el cual un
grupo de cristianos dejan la iglesia en una revuelta para crear su propia religión,
ya que estaban en contra de algunas prácticas de la institución eclesiástica; al
movimiento se le conoce como la Reforma Protestante.
Algunos años después, en 1524, Francia invade a Italia y trajo una era de
tensión y desorden distinta a esa sensación de esperanza y confianza del
renacimiento. En este siglo comienza un nuevo estilo artístico, cargado de
nerviosismo, desbalanceado, agitado, muestra un mundo lleno de confusión y
sus figuras humanas se disponen en posiciones imposibles, aparte de la
desproporción que muestran.
El nuevo estilo está en contra de todo lo que busca el artista renacentista
llamado Manierismo, quiere decir “a manera de”, ¿de quién? De Miguel Ángel.
Este tipo de vida lleno de dudas y tensión no puede durar por siempre, así que a
finales del siglo XVI existe una actitud más relajada y confiada y la iglesia
católica gana de vuelta mucho de su poder gracias a su respuesta contra la
Reforma Protestante. La etapa se le conoce como la Contra Reforma, y su estilo
artístico será llamado Barroco. Éste tiene como objetivo llamar la atención,
conmover a la gente y atraerla de vuelta a la iglesia, por lo que no podrán volver
al pasado renacentista, al contrario está lleno de movimiento, contraste vívido y,
por último, de intensidad emocional. El Barroco muestra el clímax de la acción, ni
antes ni después, siempre serán escenas que estremezcan, ayudándose de
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luces y sombras contrastantes (claroscuro) así como composiciones más
audaces que las reposadas del renacimiento.
El artista que más sobresale gracias a la técnica del claroscuro y por
escandalizar a la iglesia con su manera de representar temas religiosos en
escenarios ordinarios y con gente común se llama Michelangelo Merisi da
Caravaggi. Tuvo una enorme influencia en la mayoría de los artistas que lo
prosiguen.
En la arquitectura habrá muchos cambios: las formas clásicas se transforman a
formas fantasiosas, se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas y
tiene gran riqueza decorativa tanto en interiores como en exteriores.
Prácticamente a los edificios se les trata como una escultura y gracias a tanta
curvatura es que el juego de luces y sombras o claroscuro también tiene
importancia. Es una época donde arquitectos, escultores y pintores trabajan en
conjunto para crear “una sola pieza”.
La escultura toma también las características de la pintura, todo está en
comparar “El David” renacentista de Miguel Ángel con “El David” barroco de
Bernini.
Cada país tuvo sus propias características artísticas: Holanda, independiente y
prácticamente protestante, sus temas fueron retratos, paisajes y sobre todo las
escenas de género, como leer una carta, lavar ropa, etcétera. Uno de los
mejores ejemplos es Johannes Vermeer, que aunque su obra a primera vista
parezca algo común, cuando la observas detenidamente para ver qué podría
estar sucediendo en esa escena se vuelve cautivante. Aunque el maestro
holandés más grande es Rembrandt, distinguido por crear distintos ambientes
gracias al uso de la luz en su obra.
¿A qué se refiere eso?
Fácil, no es lo mismo la luz en una cena romántica que en un lugar de estudio, y
es así como Rembrandt hace que una escena o un sujeto ordinario parecieran
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misteriosos y exóticos. En España son católicos pero no tienen la necesidad de
llevar a la gente de vuelta a la iglesia, de esta manera tenemos obra de temas
religiosos, retratos y escenas de género; Diego Velázquez es el más grande
maestro del barroco español, fue el pintor oficial de la corte del Rey Felipe IV, su
obra más conocida es “Las Meninas” (las damas de honor), es un autorretrato,
un retrato de la infanta Margarita y una escena de género. Aun así lo que más
atrae es la manera en que el artista expande el espacio ya que vemos el reflejo
de los reyes en el espejo, que “están parados” donde estaríamos nosotros
viendo la obra y aparte abre un espacio más hacia atrás del mismo cuadro
gracias a esa puerta abierta.
Desde el siglo XVII y durante el XIX el arte y sus intensiones
empiezan a cambiar, los artistas crean un arte frívolo y
divertido llamado Rococó (inicia en Francia, s. XVIII); un estilo
artístico que retoma la seriedad del pasado llamado
Neoclásico (inicia Francia, fin s. XVIII); otro estilo con intención
de crear emociones en el espectador, llamado Romanticismo
(inicia Francia, s. XIX) y arte con intención de contar la verdad,
Figura 5. "Napoleón en
su Oficina" J.L. David.
1812. Utilizado como
propaganda
política.
¿Qué dice la imagen?
el Realismo (inicia Francia, s. XIX).
Francia fue el lugar de los nuevos movimientos artísticos, pero
es el estilo Neoclásico el que rige. Éste comienza gracias al
descubrimiento de las ruinas de Pompeya y Herculano, así retoman los
conceptos y visón artística grecorromana clásica, como su nombre indica se
convierte en el Nuevo Clásico, creando las primeras academias de arte donde
varios alumnos estudian con diferentes maestros; también crean los salones de
arte, prácticamente una galería de arte de nuestro tiempo, donde el estilo exitoso
y aceptado también es el Neoclásico y que Napoleón lo utilizaría como medio
propagandístico. Es en este entorno donde surge la cámara fotográfica (1839),
haciendo que los artistas estuvieran temerosos de que la nueva tecnología
obtuvieran más prestigio.
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
¿Qué va a ser del arte?
Si ya existe algo que realiza en el menor tiempo posible una imagen que refleja
la realidad como la fotografía, ¿ahora qué pintarán los artistas? No todo está
perdido, recuerden que la fotografía era en blanco y negro, los artistas tienen el
color a su favor y tendrán que aprovecharlo. Otro avance es el óleo en tubo, sí
ese tubito de aluminio lleno de pintura al óleo fue creado hasta el siglo XIX,
antes de esto los artistas hacían sus propios colores utilizando pigmento en
polvo, aceite, trementina y barniz.
¿Te imaginas hacer las mezclas al aire libre? ¡Imposible!
Los artistas trabajaban dentro de su estudio sobre bocetos que realizan en el
sitio y con su memoria elegían los colores a usar, no estaban presentes en el
lugar para ver como realmente se veía la luz reflejada sobre los colores y como
se afectan unos a otros. Un grupo de artistas comprende el alcance de la nueva
presentación del óleo y salen de su estudio para pintar en el sitio de la imagen,
directamente sobre el bastidor y con la intención de pintar exactamente como se
ve el reflejo de la luz sobre las cosas en un instante de tiempo, en un parpadeo.
Monet y Renoir son los que descubren el secreto técnico del impresionismo:
pinceladas rápidas y cortas de color puro para alcanzar el brillo y luminosidad de
la luz solar al aire libre, además crean el efecto dinámico de la naturaleza y los
deja avanzar más rápido en su labor, ya que la luz solar cambia de coloración y
de posición constantemente; no sólo veían las cosas, sino que, como científicos,
examinaban los fenómenos visuales. Abandonan el contorno y el modelado así
como el detalle preciso, el color negro de sus paletas y la composición en sus
obras.
Cada artista impresionista, aunque con los mismos objetivos del estilo, tendrá su
manera única de pintar y se reconocerán por diferentes temas; aunque la
característica principal radica en sus sensaciones personales y subjetivas y no
en la exacta reproducción del objeto, abriendo paso así a una búsqueda
independiente de expresión del individuo.
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Conclusión
Desde el Paleocristiano (s. I) hasta el Impresionismo (s. XIX) hemos visto como
el arte pasa de buscar el naturalismo y la figura humana grecorromana perfecta
a olvidarnos de la importancia del hombre y servir a la iglesia, olvidando también
el volumen, la profundidad y proporción en sus imágenes, ahora utilizadas para
mandar un mensaje claro, obviamente religioso; después vuelven a redescubrir
el humanismo junto con la representaciones que
recuperan esa realidad perdida, primero por la
búsqueda del conocimiento, luego para renovar la fe
y después por distintas razones como estética, crear
emociones o propaganda, para terminar con un estilo
que se aleja de toda naturalidad a la que estaban
Figura 6. "Baile en Moulin de la
Galette" Renoir. Impresionismo.
acostumbrados para representar como se ve realmente el color y el reflejo de la
luz sobre los objetos en un instante de tiempo.
Con el impresionismo, el significado de la realidad se transforma en un realismo
subjetivo, dando paso a la subjetividad del arte moderno como lo veremos en la
siguiente sesión con los estilos Futurista, Expresionista y el Surrealista.
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Para aprender más
Recuerda que en las siguientes ligas te llevarán a profundizar sobre los temas
vistos en estas sesiones.
•
Pérez M. T. (2007). El Arte Paleocristiano. Consultado el 18 de febrero de
2014:
http://www.slideshare.net/tomperez/arte-paleocristiano171139?ref=http://arteysimbologia.wordpress.com/2013/04/24/lasimbologia-del-arte-paleocristiano/
•
Imperio
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de
febrero
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2014: http://brd.unid.edu.mx/imperio-bizantino/
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El Maravilloso Románico. (2013). Consultado el 18 de febrero de
2014:
http://www.slideshare.net/creacionesdanae/el-maravilloso-
romanico?from_search=1
•
Arquitectura Románica. (2009). Consultado el 18 de febrero de
2014: http://www.slideshare.net/pabloivand/arte-romanico-1586670
•
Historia y Arte.net. (s.f.). Arte Románico. Consultado el 18 de febrero de
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
•
EcuRed. (s.f). Arte Gótico. Conocimiento con todos y para todos.
Consultado el 18 de febrero de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/conocimiento-con-todos-y-para-todos/
•
EcuRed, (s.f). Arquitectura Gótica. Conocimiento con todos y para todos.
Consultado el 18 de febrero de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/arquitectura-gotica/
•
Arte
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http://www.slideshare.net/guestdbd6b/arte-gtico-
2014:
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Historia Universal. (s.f.) El Renacimiento. Consultado el 18 de febrero de
2014:
http://brd.unid.edu.mx/el-renacimiento/
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Pérez, M. (2008). La Arquitectura Barroca, sus características generales.
Consultado el 18 de febrero de 2014:
http://www.slideshare.net/tomperez/la-arquitectura-barrocacaracteristicas-generales
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El
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febrero
2014: http://www.slideshare.net/rosarmer/el-impresionismo-8199078
de
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Actividad de Aprendizaje
En esta sesión cubrimos prácticamente del siglo I a finales del siglo XIX.
Crea una línea del tiempo donde muestres la transformación del arte durante
todos los siglos estudiados; deberás mostrar la pintura, escultura y arquitectura
más representativas de las diferentes civilizaciones y que demuestren los
avances de la época, así como las diferencias que existen entre un estilo y otro.
Crearás un resumen visual de la información al cual puedas acudir para recordar
la historia. Imagina que a la hora del examen te dejaría sacar este acordeón, así
que necesitas que al verlo puedas recordar lo más importante de la época y sus
causas.
Hazlo visualmente interesante, usa textos para apoyar las imágenes pero no
abuses de ellos. Se entregará en formato PDF o JPG.
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Bibliografía
Azcarate, J., Pérez, A., y Ramírez, J. (1984). Historia del Arte. España: Anaya.
Fleming, W. (1993). Arte, Música e Ideas. México: Mc Graw Hill.
Mittler, G. (2006). Art in Focus (5ª ed.) Estados Unidos de América: McGraw Hill.
Robinson, W. (1995). Instant Art History, From Cave Art to Pop Art (1ª ed.)
Nueva York: Fawcett Columbine.
Figuras
Figura 1
http://en.wikipedia.org/wiki/Paris_Psalter
Figura 2:
http://en.wikipedia.org/wiki/Paris_Psalter
Figura 3:
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
http://es.wikipedia.org/wiki/Edificios_rom%C3%A1nicos
Figura 4:
http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_Angel
Figura 5:
http://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Louis_David
Figura 6:
http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir
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