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Períodos históricos de la pintura

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ESTILOS HISTORICOS
EN LA PINTURA
Estilo Medieval
Se caracteriza por no tener como
objetivos la belleza idealizada ni el
naturalismo
Las pinturas no
mostraban una
perspectiva
lineal, ni una
exaltación de
los volúmenes
virtuales por
medio del
contraste del
claro-oscuro
El arte medieval fue eminentemente de
temas religiosos
Estilo renacentista
Buscó su inspiración en el arte clásico.
Los artistas
recuperaron la
simplicidad de sus
formas y huyeron
de la decoración
sobrecargada del
mundo gótico.
En el período medieval el artista era un
artesano que no firmaba sus obras; en el
Renacimiento los artistas firmaban su obra y
buscaban éxito y reconocimiento con ella.
El arte del renacimiento como principales objetivos la
idealización de la belleza antropomórfica y la exaltación
del naturalismo
Preocupado por representar fielmente las
realidades visibles, ideó la perspectiva lineal para
poder representar el especio vacío
En el
Cuattrocento
destaca la obra
de Sandro
Boticelli por su
perfección en
el dibujo y la
captación de la
idea de
movimiento.
Pero es en el
Cinquecento
donde la
pintura alcanza
sus más altas
cuotas de
perfección con
Leonardo da
Vinci, Miguel
Ángel y
Tiziano
Estilo Barroco
Se suele decir que el arte barroco es el arte de
la contrarreforma; para reaccionar contra la
severidad e iconoclastia del protestantismo, la
iglesia católica alentó la edificación de templos
con profusión de escultura.
Dirigió a los artistas a alejarse de los temas
paganos del Renacimiento, así como a evitar
los desnudos y las escenas escandalosas.
Tanto en las artes visuales como en la música, la
influencia de la Iglesia Católica iba dirigida a
emocionar y enardecer la devoción mediante
estímulos psicológicos.
El barroco abandona la serenidad clásica
para expresar un mundo en movimiento y
agitación de los sentidos. La tendencia del
barroco es a la exageración y la ostentación.
Se caracteriza por acentúa los claros y los oscuros, así
como por incrementar la cantidad de formas, que llegó
a su máxima expresión en el rococó (S XVIII)
Prefirió
representar a
los
personajes
de una
escena en
pleno
movimiento
Estilo neoclásico
El término neoclasicismo surgió
en el siglo XVIII para
denominar al
movimiento estético que venía
a reflejar en las artes los
principios de la Ilustración, que
para entonces tenían influencia
en todos los ámbitos de la
cultura.
Reacciona contra los efectos decorativos del
barroco y el rococó.
Agrega a la pintura un valor didáctico y
moralizante, considerando imprescindible el
conocimiento científico de las fuentes clásicas.
•Las obras neoclásicas llevan una fuerte carga
racionalista producto de la ilustración, es decir,
que predomina lo que se puede entender y
rechazan todo aquello que venga impuesto por la
fe o la tradición.
•Promueven, fomentan y prevalecen los temas
que manifiesten las ideas liberales de la época
como la igualdad, la fraternidad, la libertad.
Este movimiento
destaca hechos
heroicos
La época de
Napoleón fue
favorable al
neoclasisimo
Sin embargo,
coincidiendo con la
decadencia de
Napoleón, este estilo
fue perdiendo
adeptos en favor
del romanticismo.
Estilo Impresionista
El impresionismo se desarrolló en Francia
hacia el año 1874 por obra de Claude Monet
(1840-1926) y otros artistas.
Deriva este nombre del hecho de pretender sus
seguidores trasladar sobre el lienzo su particular
impresión visual del objeto considerado, haciendo,
para ello, centro del cuadro la atmósfera luminosa que
rodea este objeto.
Busca llevar al cuadro los momentos
efímeros o transitorios de la luz y el
color
Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y
tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los
colores primarios y los complementarios . Consiguieron
ofrecer una ilusión de la realidad aplicando
directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas
y yuxtapuestas.
Su tema es la vida cotidiana y las imágenes
de los objetos aparecen como cubiertas por
una cortina traslúcida de puntos de color
Estilo Expresionista
Aparece a principios del siglo XX y acentúa la
sensualidad de los colores
Los pintores expresionistas llevaron al máximo
la agresividad de los colores y exageraron las
deformaciones formales
Los pintores expresionistas renunciaron a
toda clase de perspectiva y anulan las
diferencias entre figura y fondo
El cubismo
El cubismo fue
uno de los
primeros
movimientos
artísticos del
siglo XX y
constituyó una
verdadera
revolución
dentro de la
pintura.
El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y
como maestros del movimiento figuraron Pablo Picasso y
Georges Braque.
Con su cuadro “Las señoritas
de Aviñón” (1906), Pablo
Picasso(1881-1973), marca el
inicio de su etapa cubista
Por su parte Georges
Braque (1882-1963), tuvo
predilección por la por las
naturalezas muertas.
Algunos de los factores que
propiciaron la aparición del cubismo
fueron la fotografía, que al representar
la realidad visual de manera más
exacta que la pintura, la liberó de la
obligación de mostrar las cosas tal
como aparecen ante nuestros ojos y
forzó a los artistas a buscar en este
arte, un sentido diferente a la mera
transcripción de la apariencia externa
de las cosas.
La aparición del cubismo se ha relacionado, además,
con otros dos hechos que revelan como las cosas
pueden ser diferentes a la manera en que aparentan
ser: el psicoanálisis y la teoría de la relatividad.
Desde el punto
de vista técnico,
la figura es
seccionada y
después se
distribuyen sus
partes en la
superficie
pictórica con una
lógica particular
Lo importante es
la composición y
la organización de
los colores y las
formas. El cuadro
logra así una
autonomía con
respecto a la
realidad.
Estilo futurista
El Futurismo surge en Italia durante el primer decenio
del S. XX a la par de la aparición del cubismo en Francia.
Gira en torno a la figura de Filippo Tommaso Marinetti ,
quien en febrero de 1909 publica el Manifiesto Futurista,
donde proclama el rechazo al pasado y a la tradición, y
defiende un arte anticlasicista, orientado al futuro, que
respondiese al espíritu dinámico de la técnica moderna y
de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
El estilo futurista
toma como
modelo las
máquinas y sus
principales
atributos: la
fuerza, la rapidez,
la velocidad, la
energía, el
movimiento y la
deshumanización.
Las formas de las máquinas y sus
mecanismos son más bellos que las
obras de arte
La representación del movimiento se basó en el
simultaneismo, es decir, la multiplicación de las
posiciones de un mismo cuerpo y la intensificación de la
acción mediante la repetición y la yuxtaposición del
anverso y del reverso de la figura.
El futurismo
fue
politizándose
cada vez
más hasta
coincidir con
las tesis del
fascismo, en
cuyo partido
ingresó
Marinetti en
1919. En su
manifiesto
hay un punto
que dice:
Queremos
glorificar la
guerra, única
higiene del
mundo, el
militarismo, el
patriotismo y el
gesto
destructor de
los anarquistas,
las bellas ideas
que matan y el
desprecio a la
mujer.
Estilo Surrealista
El Surrealismo da inicio el año de
1924 en París, con la publicación
del "Manifiesto Surrealista" de
André Breton, quien estimaba que
la situación histórica de posguerra
exigía un arte nuevo que indagara
en lo más profundo del ser
humano para comprender al
hombre en su totalidad.
Para los surrealistas la obra
nace del automatismo puro,
es decir, cualquier forma de
expresión en la que la mente
no ejerza ningún tipo de
control.
Ellos intentan plasmar por
medio de formas abstractas
o simbólicas, las imágenes
de la realidad más
profunda del ser humano,
el subconsciente y el
mundo de los sueños.
Postula la liberación del subconsciente
por recursos artísticos como el azar, el
automatismo o la espontaneidad
Se pueden observar dos vertientes surrealistas: el
surrealismo abstracto, de André Masson, Joan
Miró o Paul Klee, donde se crean universos
figurativos personales a partir del automatismo
más puro. ..
…y el surrealismo de Max Ernst, René Magritte o Salvador
Dalí, que se interesan más por la vía onírica, un
surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo
fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura
tradicional.
El abstraccionismo
Arte abstracto es un concepto general,
opuesto al concepto de arte figurativo,
que remite a lo más esencial del arte,
reducido a sus aspectos cromáticos,
formales y estructurales. La abstracción
acentúa las formas, alejándolas de la
imitación de lo natural.
Una obra abstracta,
entendida de forma estricta,
no puede hacer referencia a
algo exterior a la obra en sí
misma, sino que propone una
nueva realidad distinta a la
natural.
El lenguaje que se utiliza esta
basado en las sensaciones
del autor, exaltando
normalmente la fuerza del
color.
También existe la expresión
con estructuración cubista,
que da lugar a las diferentes
abstracciones geométricas y
constructivas.
El abstraccionismo suprime todo
resto de figura
Vasily Kandinsky (18661944) el gran teórico del
arte abstracto, escribe en
"De lo espiritual en el
arte", que su pintura tiene
como objetivo despertar
la emoción del
espectador, en el que
deben actuar sólo los
sentimientos.
La pintura POP
El arte pop buscaba
utilizar imágenes
populares en
oposición a
la elitista cultura de
las bellas artes,
separándolas de su
contexto y
aislándolas o
combinándolas con
otras, además de
resaltar el aspecto
banal de algún
elemento cultural.1
Regresa a la figura naturalista, pero
tomada de las imágenes actuales. Su
finalidad fue censurar el consumismo
del hombre actual
El arte pop y el minimalismo son considerados
los últimos movimientos del arte moderno y por
lo tanto precursores del arte postmoderno,
aunque inclusive se les ha considerado como los
ejemplos más tempranos de éste.
Estilo hiperrealista
Conocido también como superrealismo,
realismo fotográfico o fotorrealismo, es un
movimiento pictórico surgido en la década de
los '60, cuyas técnicas aspiran a una precisión
casi fotográfica.
De hecho, pocos críticos se
han dignado hablar del
hiperrealismo, y los que lo
han hecho, han opinado que
la tendencia es fría e
impersonal, y que los artistas
se limitan a reproducir con
exagerada fidelidad, aunque a
mano, las fotografías que han
captado mediante su cámara
fotográfica.
Sin embargo, el hiperrealismo utiliza imágenes que van
más allá de la nitidez fotográfica. Su intención es exagerar
alguna de las partes de la pintura hasta lograr su
independencia, de tal suerte que monopolice la atención
del observador y lo haga olvidar el resto de la pintura así,
la imagen va más allá de la realidad representada
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