EL FAVISMO El fauvismo o fovismo fue un movimiento pictórico de vanguardia que tuvo su origen en 1905 en París, Francia. La máxima plástica del fauvismo fue la exaltación del color, sustentada en la idea de que la creación surgía del instinto más que del intelecto o de los sentimientos. CARACTERISTICAS: Exaltación del color Instinto e impulsividad Desinterés por la perspectiva y el modelado Trazos espontáneos y sueltos Ausencia del trabajo al aire libre EL EXPRESIONISMO El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos…) Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno…El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano. DIE BRÜCKE Die Brücke "El Puente" es la tendencia artística de un grupo de pintores alemanes expresionistas reunidos en Dresde entre 1905 y 1913. En 1913 "La crónica" de Kirchner provoca la disolución de este grupo de artistas. La pintura del grupo Die Brücke es una de las primeras expresiones de las vanguardias del siglo XX. Busca experimentar e innovar, pero también efectuar una protesta contra academicismos y ciertos «ablandamientos» y rebuscamientos típicos de la Belle Époque. En rigor Die Brücke, como Der Blaue Reiter, señala el fin de tal época y trasunta el inicio de un periodo de crisis, dicho movimiento se caracterizara por su fuerza a la hora de pintar, narrando lo revelador en lugar de lo "lindo" colores fuertes, patrones estridentes. La Escuela Ashcan no era un movimiento organizado. Los artistas que trabajaron en este estilo no emitieron manifiestos ni se vieron a sí mismos como un grupo unificado con intenciones u objetivos idénticos. Algunos tenían mentalidad política y otros eran apolíticos. Su unidad consistía en el deseo de contar ciertas verdades sobre la ciudad y la vida moderna que sentían habían sido ignoradas por la influencia asfixiante de la tradición en las artes visuales. Robert Henri, en cierto modo el padre espiritual de esta escuela, "quería que el arte fuera similar al periodismo... quería que la pintura fuera tan real como el barro, como las bóñigas de mierda de caballo y nieve, que se congelaron en Broadway en invierno". ESCUELA ASHCAN DEUTSCH WERKBUND El Werkbund era un movimiento artístico que buscaba integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era "Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses EL CUBISMO El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1917, creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire.1Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino que es considerado la ruptura definitiva con la pintura tradicional. EL FUTURISMO El futurismo fue un movimiento de vanguardia italiano que se dio a conocer el 20 de febrero de 1909, cuando el diario Le Fígaro publicó en París el Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Pretendía expresar los valores y experiencias de la era de la máquina —velocidad, energía y fuerza—, revolucionando las técnicas y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, asumió como nombre el término futurismo, que significa 'movimiento orientado hacia el futuro'. CARACTERISTICAS: Exaltación de la originalidad. Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. ... Utilización de formas y colores para generar ritmos. Colores resplandecientes. Transparencias. DER BLUE RITER Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) fue el nombre de un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Múnich en 1911 que transformó el expresionismo alemán.1 También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval y primitivo, así como los movimientos coetáneos del fovismo y el cubismo EL SINCROMISMO El sincromismo o pintura sincromista (en inglés, Synchromism) fue un movimiento artístico fundado en 1912 por los artistas estadounidenses Stanton MacDonald-Wright y Morgan Russell. El sincromismo se basa en la idea de que el color y el sonido son fenómenos similares, y que los colores en un cuadro pueden organizarse de la misma manera armoniosa que un compositor organiza las notas en una sinfonía. MacdonaldWright y Russell creían que pintando en escalas cromáticas, su obra evocaría sensaciones musicales EL ORFISMO El orfismo (infrecuentemente llamado orficismo; en griego antiguo, Ὀρφικά, romanizado: Orphiká) es el nombre dado a un conjunto de creencias y prácticas religiosas,1una corriente religiosa de la antigua Grecia y el mundo helenístico, así como entre los Tracios,2 asociada a la literatura atribuida al mítico poeta Orfeo, maestro de los encantamientos, que descendió al inframundo griego y regresó. Al poseer elementos propios de los cultos mistéricos, se le suele denominar también como misterios órficos. Los órficos veneraban a Dioniso (que una vez descendió al inframundo y regresó) y a Perséfone (que descendía anualmente al inframundo durante una temporada y luego regresaba). EL RAYONISMO Rayismo o cubismo abstracto es un movimiento artístico, síntesis de las primeras vanguardias del siglo xx, como el cubismo y el futurismo. Se puede considerar iniciado en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en 1909, por Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova, que profundizaron en el estilo a partir de 1913. También se le ha asociado al Orfismo de Robert Delaunay (desde 1912).1 Los "rayos de colores" que denominan el estilo, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias (paralelos, perpendiculares o convergentes y divergentes), construyen el espacio pictórico. EL SUPREMATISMO El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia entre 1915 y 1916. Fue fundado por el artista ucranianopolaco Kazimir Malévich. Se evita cualquier referencia de imitación de la naturaleza recurriendo a módulos geométricos y el uso del blanco y negro EL CONSTRUCTIVISMO El constructivismo es una corriente pedagógica basada en la teoría del conocimiento constructivista, que postula la necesidad de entregar al estudiante las herramientas necesarias (generar andamiajes) que le permitan construir sus propios procedimientos para resolver una situación problemática, lo que implica que sus ideas puedan verse modificadas y siga aprendiendo. El constructivismo propone un paradigma donde el proceso de enseñanza se percibe y se lleva a cabo como un proceso dinámico, participativo e interactivo del sujeto, de modo que el conocimiento sea una auténtica construcción operada por la persona que aprende (por el «sujeto cognoscente») LA PINTURA METAFISICA La pintura metafísica (en italiano, Pittura metafisica) es el nombre de un movimiento artístico italiano, creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. Sus pinturas como sueños de plazas típicas de ciudades italianas idealizadas, como también las aparentemente casuales yuxtaposiciones de objetos, representaron un mundo visionario que se entrelazaba casi inmediatamente con la mente inconsciente, más allá de la realidad física, de ahí el nombre. El movimiento metafísico proveyó de significante ímpetu para el desarrollo del Dadaísmo y el Surrealismo. EL VORTICISMO El vorticismo fue un movimiento artístico británico de corta duración a principios del siglo XX. Se considera que es el único movimiento británico significativo de aquella época, pero duró menos de tres años. El grupo vorticista comenzó con el Rebel Art Centre que Wyndham Lewis y otros fundaron después de mostrarse en desacuerdo con Roger Fry, fundador de Omega Workshops, y hunde sus raíces en el Grupo de Bloomsbury, el cubismo, y el futurismo EL ACTIVISMO HUNGARO El Salón Universal de Budapest de 1913, en el que se mostraban trabajos futuristas y expresionistas, podrí­a haber sido un acicate, y aglutinador de lo que se ha venido en llamar el „Activismo Húngaro“. Según el diccionario de arte del siglo XX, de Oxford-Complutense (una cosa rara pero bastante completa), los activistas, eran un grupo artí­stico, literario, y político húngaro activo desde 1914 a 1926.La asociación artí­stica más importante húngara surgida tras la ruptura de los ocho. Los activistas eran mucho más políticos que los ocho y tenían como centro de sus ideas y de su acción la „agresiva y violenta transformación de la vida cotidiana … sus acciones tenían su origen en la actualidad, sobretodo se relacionaban con las protestas en contra de la guerra, y la cuestión de los trabajadores y la revolución. LA ESCUELA DE AMSTERDAM Se trata de un grupo de arquitectos con inquietudes comunes, unidos estilísticamente con los arquitectos expresionistas alemanes, con quienes compartían el gusto por el ladrillo visto y un diseño innovador y vanguardista. Aun así, se contraponían al coetáneo movimiento De Stijl y su uso de nuevos materiales como el acero y el vidrio. Su estilo artístico estaba influido en buena medida por el racionalismo de Hendrik Petrus Berlage, del que sin embargo rechazaban su sobriedad, y del que adoptaron principalmente su empleo del ladrillo combinado con el hormigón. También recibieron cierta influencia del Art Nouveau, especialmente Henry van de Velde y Antoni Gaudí, de los que asimilaron su gusto por las formas naturales y los estilos exóticos de fuera de Europa EL DADAISMO El dadaísmo fue un movimiento cultural y artístico creado con el fin de contrariar las artes, que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara, que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el positivismo. El dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte EL PURISMO Purismo es la denominación de un movimiento artístico francés de la época de las vanguardias históricas (la primera mitad del siglo XX). Abarcaba todas las posibles expresiones estéticas, desde la pintura hasta el urbanismo. Entre 1918 y 1925, el pintor Amédée Ozenfant (1886-1966) y el pintor y arquitecto Charles Jeanneret, más conocido como Le Corbusier (1887-1965), desarrollaron en la Francia de la posguerra de la Primera Guerra Mundial un movimiento pictórico que plantean explícitamente como una superación del cubismo.1 Su manifiesto fundacional, de 1918, redactado por Paul Dermeé y Le Corbusier, se tituló Après le Cubisme ("Después del Cubismo"). El resto de la obra teórica se desarrolló en la revista L'Esprit nouveau ("El espíritu nuevo"2) y en el libro La peinture moderne (París, 1925, también corredactado por Le Corbusier y Ozenfant). DE STIJL De Stijl ('El Estilo', pronunciado [də ˈstɛɪl]) era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931. Constituido en Leiden, Países Bajos, en 1917, pertenecían a este movimiento Vilmos Huszár, Cornelis van Eesteren, Antony Kok, Piet Mondrian, Bart van der Leck, Gerrit Rietveld, Jacobus Johannes Pieter Oud y Theo van Doesburg Los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y otros se unieron a Theo van Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas con una paleta de colores que ejerció fuerte influencia en Mondrian.2 Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl LA BUSQUEDA DE UN NUEVO ORDEN 1918-1945 ARBEITSRAT KUNST Arbeitsrat für Kunst (en alemán, 'Consejo de trabajadores del arte') fue un movimiento arquitectónico ligado al expresionismo, fundado en 1918 en Berlín por el arquitecto Bruno Taut y el crítico Adolf Behne. Surgido tras el fin de la Primera Guerra Mundial, su objetivo era la creación de un grupo de artistas que pudiese influir en el nuevo gobierno alemán, con vistas a la regeneración de la arquitectura nacional, con un claro componente utópico. Sus obras destacan por el uso del vidrio y el acero, así como por las formas imaginativas y cargadas de un intenso misticismo EL NOVEMBERGGRUPPE El Novembergruppe (Grupo de Noviembre, por la revolución alemana de noviembre de 1918) fue un movimiento artístico alemán ligado al expresionismo, fundado en Berlín el 3 de diciembre de 1918 por Max Pechstein y César Klein con el objetivo de reorganizar el arte alemán tras la guerra. Entre sus miembros figuraron pintores y escultores como Vasili Kandinski, Paul Klee, Lyonel Feininger, Heinrich Campendonk, Otto Freundlich y Käthe Kollwitz; arquitectos como Erich Mendelsohn y Ludwig Mies van der Rohe; compositores como Alban Berg y Kurt Weill; y el dramaturgo Bertolt Brecht. Más que un grupo con un sello estilístico común, fue una asociación de artistas con el objetivo de exponer conjuntamente, cosa que hicieron hasta su disolución con la llegada del nazismo. LA BAUHAUS El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fuera arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica; la segunda (1923-1925), mucho más racionalista, y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. EL PRECISIONISMO El precisionismo, también llamado realismo cubista, fue un movimiento artístico desarrollado en Estados Unidos en los años 1920. Los precisionistas aglutinaron la composición cubista con la estética futurista, aplicada a una iconografía inspirada en los ambientes rurales e industriales norteamericanos. El término fue acuñado por el pintor y fotógrafo Charles Sheeler, que describió así su estilo pictórico, de gran detallismo y precisión. Sheeler recibió la influencia de Cézanne, Matisse, Picasso y Braque, y junto a Morton Schamberg, otro de los exponentes del movimiento, desarrollaron una imaginería basada en la maquinaria agrícola, que plasmaban en obras de aspecto casi fotográfico. EL ART DECO El art déco1 (también art decó o incluso art deco) fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó a las artes decorativas mundiales tales como arquitectura, diseño interior y diseño gráfico e industrial; también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrène y Émile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. LA ESCUELA DE PARIS Se denomina Escuela de París a un grupo heterodoxo de artistas que trabajaron en París (Francia) en el periodo de entreguerras (1915-1940), vinculados a diversos estilos artísticos como el posimpresionismo, el expresionismo y el surrealismo. El término engloba a una gran variedad de artistas, tanto franceses como extranjeros, que residían en la capital francesa en el intervalo entre las dos guerras mundiales En aquella época la ciudad del Sena era un fértil centro de creación y difusión artística, tanto por su ambiente político, cultural y económico, como por ser el origen de diversos movimientos de vanguardia como el fauvismo y el cubismo, y lugar de residencia de grandes maestros como Picasso, Braque, Matisse y su discípulo japonés Yoshio Aoyama, Léger, etc. EL ESTILO INTERNACINAL Es un estilo de la arquitectura moderna, encuadrable dentro del funcionalismo arquitectónico, que propugnaba una forma de proyectar "universal" y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920. • Se consolida en1932. • Fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando la arquitectura. Búsqueda de la estética racionalista Programas funcionalistas Regularidad de las composiciones Exactitud de las proporciones Subordinación a los materiales Énfasis en la técnica EL NOVECENTO ITALIANO Se denomina Novecento (por alusión al siglo XX, y siguiendo la tradición del Quattrocento y el Cinquecento) a un movimiento artístico desarrollado en Italia en los años 1920-1930. El grupo se fundó en 1922 en torno a una serie de artistas vinculados a la Galería Pesaro de Milán, entre los que se encontraban Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussi, Ubaldo Oppi y Mario Sironi. Dichos artistas pretendían renovar el arte italiano entroncando con el Renacimiento, de ahí el nombre del grupo. Estaban liderados por la escritora y crítica de arte Margherita Sarfatti, amante de Mussolini, estando alineados de forma clara con el fascismo. El propio Mussolini inauguró la primera exposición del grupo, realizada en la Galería Pesaro en 1923, participando igualmente en la Bienal de Venecia de 1924. DER RING El origen del Ring se encuentra en las reuniones organizadas en torno a 1924 por los arquitectos Mies van der Rohe y Hugo Häring en la oficina que por entonces estos dos arquitectos compartían. Inicialmente el grupo se llamó "Der Zehnerring" o "el Anillo de los Diez", por estar compuesto por diez arquitectos: además de los ya mencionados Mies y Häring, formaban parte del grupo: Peter Behrens, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Bruno Taut, Max Taut, Walter Schilbach, Otto Bartning, y Martin Wagner. Uno de los motivos de la fundación del grupo era la destitución de Ludwig Hoffmann, arquitecto jefe de Berlín, de perfil conservador, y su sustitución por Martin Wagner, objetivo que se logró en 1925. NEUE SACHILICHKEIT La nueva objetividad (en alemán: Neue Sachlichkeit) fue un movimiento artístico surgido en Alemania a comienzos de los años 1910 que rechazaba al expresionismo. El movimiento acabó, esencialmente, en 1933 con la caída de la República de Weimar y la toma del poder por los nazis. El término se aplica a obras de arte pictórico, literatura, música, arquitectura, fotografía o cine. La nueva objetividad en arquitectura, como ocurre en la pintura y en la literatura, describe la obra alemana de los años de transición a principios de los años veinte en la cultura de Weimar, como una reacción directa a los excesos estilísticos de la arquitectura expresionista y el cambio en el estado de ánimo nacional. EL SURREALISMO El surrealismo1 (del francés surréalisme) fue un movimiento cultural desarrollado en Europa tras la Primera Guerra Mundial, influenciado en gran medida por el dadaísmo.2 La RAE lo describe como "movimiento artístico y literario que intenta sobrepasar lo real impulsando lo irracional y onírico mediante la expresión automática del pensamiento o del subconsciente" El movimiento es conocido por sus artes visuales y su escritura mezclado a una imaginación inusual. Los artistas pintaban imágenes desconcertantes e ilógicas, a menudo con una precisión fotográfica, creando extrañas criaturas de objetos cotidianos y desarrollando técnicas pictóricas que permitían desvelar el subconsciente. El objetivo era, según André Breton, "convertir las contradicciones de los sueños y la realidad en una realidad absoluta, una súper realidad". EL ELEMENTARISMO A mediados de la década del 20, cuando Van Doesburg tomó la decisión de romper la ortogonalidad dogmática del neoplasticismo, produjo el mayor punto de inflexión en el movimiento neoplásico desde que redactara los primeros manifiestos del grupo De Stijl. Van Doesburg sentía que el neoplasticismo se encontraba estancado en una rigidez creativa, a la que había llegado por la ortodoxia del dualismo horizontal –lo físico- y vertical –lo espiritual-. Para Van Doesburg, ese equilibrio de tensiones ya no instauraba un principio inalterable. Alega que la pintura de Mondrian, al exaltar ese patrón de manera estricta, mantenía un concepto clásico de composición inadmisible para un arte de ruptura. EL FUTURO DE LA MODA CIRCULAR Gruppo 7 también conocidos como Gruppo Sette y Gruppo Como fue un grupo de arquitectos italianos cuyo objetivo era renovar el pensamiento de la arquitectura y la investigación formal y funcional de la construcción italiana a través de la adopción del racionalismo, grupo del que surgió más tarde el Movimento Italiano per L'Archi-tettura Razionale (MIAR). Este grupo se formó en 1926 por Luigi Figini, Guido Frette, Sebastiano Larco, Gino Pollini, Carlo Enrico Rava, Giuseppe Terragni, Castagnola Ubaldo, reemplazado al año siguiente por Adalberto Libera y Giuseppe Pagano, figura clave de la crítica arquitectónica de la época, quien no se adhiere directamente al grupo, si bien apoyó sus posiciones, compartiendo las ideas del movimiento. EL M.I.A.R. El MIAR (Movimiento Italiano por una Arquitectura Racionlista) fue una coalición de arquitectos racionalistas de corta duración que se organizó durante el periodo de entreguerras, que fundada en 1930 se disolvió en 1931. Sucesora de dos asociaciones previas de arquitectos racionalistas, el GRUPPO 7 y el Movimento dell 'Architettura Razionale (MAR), se componía de una serie de grupos regionales entre los que figuraban Piero Bottoni, Luigi Figini, Gino Pollini, Giuseppe Terragni y Pietro Lingeri Giuseppe en Milán, Bruno Lapadula, Luigi Piccinato y Mario Ridolfi en Roma, Gino Levi Montalcini, Giuseppe Pagano y Ettore Sottsass en Turín, así como un grupo mixto compuesto por Alberto Sartoris, Mario Labò y Adalberto Libera, que era el secretario nacional. EL ARTE CONCRETO El arte concreto o concretismo es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló durante los años 1930 a partir de la obra de De Stijl, los futuristas y Kandinsky en torno al pintor suizo Max Bill (1908-1994). La expresión arte concreto fue introducida por primera vez por Theo van Doesburg en su «Manifiesto de arte concreto» (1930). Tal como él lo entiende, esta forma de abstracción debe liberarse de cualquier asociación simbólica con la realidad, argumentando que las líneas y los colores son concretos por sí mismos. Predomina la forma sobre el color; se usan colores planos. EL REALISMO MAGICO El realismo mágico se define como una preocupación estilística y el interés de mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común. No es una expresión literaria mágica, su finalidad no es suscitar emociones sino, más bien, expresarlas, y es, sobre todas las cosas, una actitud frente a la realidad. Contenido de elementos mágicos/fantásticos, percibidos por los personajes como parte de la "normalidad". Elementos mágicos tal vez intuitivos, pero (por lo general) nunca explicados. Presencia de lo sensorial como parte de la percepción de la realidad LA AMERICAN SCENE El Regionalismo estadounidense es un movimiento de arte moderno realista estadounidense que incluye pinturas, murales, litografías e ilustraciones que representan escenas realistas de la América rural y de pequeñas ciudades, principalmente en el Medio Oeste y el Sur. Surgió en la década de 1930 como respuesta a la Gran Depresión, y terminó en la década de 1940 debido al final de la Segunda Guerra Mundial y la falta de desarrollo dentro del movimiento. Alcanzó su mayor popularidad desde 1930 hasta 1935, ya que fue muy apreciado por sus tranquilizadoras imágenes del corazón de Estados Unidos durante la Gran Depresión. A pesar de las grandes diferencias estilísticas entre artistas específicos, el arte regionalista en general tenía un estilo relativamente conservador y tradicionalista que apelaba a las sensibilidades populares estadounidenses EL REALISMO SOCIAL Realismo social es una expresión asociada a una corriente con el propósito de expandir y hacer énfasis a problemas sociales para sus cuadros, los escritores realistas usaban las problemáticas de la sociedad para realizar sus novelas, designando muy diferentes conceptos en la historia del arte y de la literatura, mediante la asociación de los términos "realismo" y "social", especialmente la denominada "cuestión social" (la situación de los más desfavorecidos). El realismo literario busca sus temas en la vida cotidiana. Especialmente se identifica con lo social su derivación más extrema, el naturalismo. Los temas más frecuentes del realismo social en la literatura son: la vida en el campo (Los bravos), el trabajo (La zanja), la juventud burguesa (Fin de fiesta) y la guerra (Duelo en el paraíso). EL REALISMO SOCIALISTA El realismo socialista es una corriente artística cuyo propósito es expandir la conciencia de clase y el conocimiento de los problemas sociales y las vivencias de las personas. Fue la tendencia artística impuesta oficialmente durante gran parte de la historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin, en la República Popular China y, en general, en la mayoría de los países socialistas. rante el año siguiente a la Revolución rusa, las corrientes vanguardistas eran vistas como un natural complemento para las políticas revolucionarias; en las artes visuales florecía el constructivismo y en poesía y música se elogiaban las formas no tradicionales y vanguardistaS. EL NEOROMANTICISMO El Romanticismo es un movimiento cultural que se originó en Alemania y en Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.1 Es considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa completo de Europa. En la mayoría de las áreas estuvo en su apogeo en el período aproximado de 1800 a 1850.2 Luego, cedió su lugar al positivismo, que fomenta el pensamiento crítico y el empirismo como bases del conocimiento y la sociedad La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento. La primacía del genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo. MAS ALLA DE LAS VANGUARDIAS 1965-HOY EL MINIMALISMO El término minimalismo, en su ámbito más general, es la tendencia a reducir a lo esencial (lo útil, y lo embellecedor sin decorar de más), a despojar de elementos sobrantes. La frase que resume la filosofía minimalista es la famosa «menos es más», atribuida al arquitecto moderno Mies Van der Rohe. Es la traducción del término inglés minimalism, puesto que surge en los Estados Unidos a comienzos de la década de 1960, continuando la tradición geométrica estadounidense y reaccionando contra el abusivo predominio de las corrientes realistas y el arte pop por parte de museos y coleccionistas. Esta tendencia supuso la última etapa del reduccionismo propuesto en su día por Kazimir Malévich, por los constructivistas rusos y por el movimiento artístico De Stijl. EL ARTE CONCEPTUAL El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. El artista Sol LeWitt likzae describió así el arte conceptual: «En el arte conceptual la idea o el concepto es la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que todo el planteamiento y las decisiones están hechos de antemano; la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace el arte». EL BODY ART El arte corporal (o en inglés, body art) es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1970 en Europa y, en especial, en África. Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta (pintura corporal), se tatúa, se añaden piercings, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior. En ocasiones con procesos lesivos, heridas leves, o marcas corporales. El arte corporal también destaca a menudo los aspectos viscerales o abyectos del cuerpo, centrándose en sustancias corporales o el tema de la nutrición. Los contrastes como los de vestido y desnudo, interno y externo, partes del cuerpo y el todo también son un tema común LA INSTALACION La instalación artística, el arte instalación o el instalacionismo, es un género de arte contemporáneo que surge en la década de los años 1960 en la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte del arma experimental artística, puede ser temporal y se puede representar en cualquier espacio. Una instalación se realiza en un contexto y espacio determinado.1 Por definición, tiene una duración determinada y, por ende, entra dentro de lo que se conoce como arte efímero. En la mayoría de los casos permite una interacción activa con el espectador.La intervención artística de espacios es una manifestación propia del arte contemporáneo conceptual. El artista propone el concepto dentro de un contexto dado; las instalaciones pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros, incluso en ocasiones intervienen otras disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o la performance. EL HIPERREALISMO El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a la fotografía. El hiperrealismo es considerado un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados.1 El término se aplica a un movimiento y estilo de arte independiente que surge en Estados Unidos y Europa a finales de 1960 y a principios de 1970. El hiperrealismo actual se fundó en los principios estéticos del fotorrealismo. El pintor estadounidense Denis Peterson, cuyas obras pioneras son universalmente vistas como una rama del fotorrealismo, utilizó por primera vez el término "hiperrealismo" para aplicar al nuevo movimiento y su grupo disidente de artistas. EL ANTIDISEÑO Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. El pionero dentro de esta tendencia fue el grupo inglés Archigram (19611974), formado por Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene. El nombre es una contracción de los términos ingleses Architecture y Telegram, y quería expresar la idea de que enviaban un nuevo mensaje al anquilosado mundo arquitectónico. Inspirados en la visión innovadora de arquitectos como Bruno Taut, Antonio Sant'Elia y Richard Buckminster Fuller, así como diversas obras teóricas como Teoría y diseño en la primera era de la máquina, de Reyner Banham (1960), este grupo creó una nueva perspectiva para la arquitectura del futuro, marcada por el reciclaje y la portabilidad, así como el predominio de la tecnología. EL VIDEO ARTE El videoarte, arte video o arte audiovisual es una forma de expresión que se basa en el uso de tecnología de video como medio visual y audible. El videoarte surgió a fines de la década de 1960 cuando la nueva tecnología de video de consumo, como las grabadoras de video, se hizo disponible fuera de las transmisiones corporativas. El videoarte puede tomar muchas formas: grabaciones que se emiten; instalaciones vistas en galerías o museos; obras transmitidas en línea, distribuidas como cintas de video o DVD; y actuaciones que pueden incorporar uno o más televisores, monitores de vídeo y proyecciones, que muestran imágenes y sonidos en directo o grabados. EL EARTH ART El Land art , conocido como Earth art , arte ambiental y Earthworks , es un movimiento artístico que surgió en las décadas de 1960 y 1970, [1] asociado en gran parte con Gran Bretaña y los Estados Unidos [2] [3] [4]pero eso también incluye ejemplos de muchos países. Como tendencia, el "land art" amplió los límites del arte por los materiales utilizados y la ubicación de las obras. Los materiales utilizados eran a menudo los materiales de la tierra, incluidos el suelo, las rocas, la vegetación y el agua que se encontraban en el sitio, y los sitios de las obras a menudo estaban alejados de los centros de población. Aunque a veces era bastante inaccesible, la documentación fotográfica solía llevarse a la galería de arte urbano. LOS SIETE WORKS La huida de Caravaggio de Roma se produjo tras el asesinato de un hombre. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Allí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Es en esta ciudad que comienza también la madurez pictórica de Caravaggio, convirtiéndose en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó las Siete obras de misericordia y la Madonna del Rosario. Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles y finalmente marchó a Malta, sede de los Caballeros de Malta. EL ARTE POVERA Denominación creada por el crítico de arte italiano Germano Celant bajo la cual se integran actividades artísticas muy variadas pero que en general todas tienen en común la utilización de materiales pobres como paja, arena, piedras, ramas, hojarascas, fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, aunque los artistas del movimiento usaron también oro, seda, mármol o cristal de Murano Surge en 1967 en Italia, año en el que se organizaron dos importantes exposiciones, y alcanzó una gran repercusión internacional en 1972 por el protagonismo que tiene en la quinta edición de la Documenta de Kassel. Los artistas más representativos del movimiento son: Kounellis, Anselmo, Zorio, Pistoletto, Merz, Boetti, Penone y Fabro. EL MOVIMIENTOPOSMODERNO Posmodernidad puede referirse tanto al proceso de transformación cultural de la modernidad a partir de la década de 1970, y especialmente 1980, como a los diferentes movimientos culturales, filosóficos y artísticos de ese período que cuestionan los paradigmas de la modernidad, así como su vigencia universal y atemporal Si la partícula post significa 'después', ¿hablar de posmodernidad implica admitir que la modernidad y sus valores han terminado? EL HIGH-TECH El high-tech («alta tecnología») es un estilo arquitectónico que se desarrolló durante los años setenta. Toma su nombre del libro The Industrial Style and Source Book for The Home, publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin. El libro muestra abundantes ejemplos de obras donde priman los materiales industrializados particularmente utilizados en techos, pisos y muros. Otro término utilizado para identificar este estilo es el de Tardo Modernismo, de cualquier forma, inicialmente la arquitectura High Tech implicó una revitalización del Movimiento Moderno; un desarrollo natural de las ideas precedentes pero apoyado en la innovación y la tecnología. Este período hace de puente entre el Movimiento Moderno y el Postmodernismo; se insinúa en uno de esos períodos grises donde no hay un límite claro entre el fin de un período y el inicio de otro. Podría decirse que se retoma un estilo que agonizaba como el Movimiento Moderno, se lo reinterpreta a partir de darle una fuerte imagen tecnológica y se lo lanza persistiendo hasta el presente. EL NEOEXPRESIONISMO El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años sesenta y principios de los años setenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda EL ARTE NEOPOP El neo pop es un movimiento artístico que data de los ochenta del siglo XX. Al contrario de lo que se cree habitualmente, el neo pop (o neopopart) no es solo una versión actualizada del movimiento artístico Arte pop que se dio en los años sesenta y setenta. Aunque las bases son muy parecidas en muchos casos, principalmente el uso de imágenes de la cultura popular y de los medios de comunicación de masas, lo cierto es que el neo-pop va mucho más allá. Debido a la disponibilidad de imágenes mediáticas desde el arte pop ha crecido exponencialmente, también lo ha hecho las maneras de usarlas. No solo hay más fuentes, sino que el arte en general ha cambiado mucho en estos treinta años, y actualmente todo es posible. No solo los nuevos materiales aplicados, sino también la combinación de imágenes de diferentes periodos de la historia. LA TRANSVANGUARDIA La Transvanguardia (en italiano, Transavanguardia, «más allá de la vanguardia») es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad. El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva, para una serie de pintores italianos1 originado en el "Aperto '80" en la Bienal de Venecia,23. Nació en los años de los ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia. La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un sexteto de artistas: Sandro Chia, Horacio de Sosa Cordero, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis Kounellis. EL SOUND ART Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonoro es interdisciplinario por naturaleza, tomando formas híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios de audio y la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de temas creciente. Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte incluyen a Luigi Russolo y su Intonarumori, y los experimentos que a continuación realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la diversidad del arte sonoro, existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte visual como de la música experimental. EL ARTE EN INTERNET El arte de Internet (también conocido como net art ) es una forma de arte de los nuevos medios que se distribuye a través de Internet . Esta forma de arte elude el dominio tradicional del sistema físico de galerías y museos. En muchos casos, el espectador se ve atraído por algún tipo de interacción con la obra de arte. Los artistas que trabajan de esta manera a veces se denominan artistas de la red . Los artistas de la red pueden usar tradiciones sociales o culturales específicas de Internet para producir su arte fuera de la estructura técnica de Internet. El arte de Internet es a menudo, pero no siempre, interactivo, participativo y basado en multimedia . El arte de Internet se puede utilizar para difundir un mensaje, ya sea político o social, mediante interacciones humanas.