EXPRESIONISMO ABSTRACTO POLLOCK ROTHKO MARK ROTHKO Color Field Painting El Color Field se encuentra caracterizado, principalmente, por amplios campos de color liso y sólido, extendidos o teñidos en el lienzo, creando áreas de superficie uniforme y un plano liso de imagen. Las manchas se superponen a modo de veladuras, aumentando así la gama cromática. El movimiento otorga menor énfasis a la pincelada y la acción, a favor de la consistencia de la forma en su conjunto y del proceso. En la pintura del Color Field, “el color es liberado del contexto objetivo y se convierte en el sujeto en sí mismo”. Orange & yellow 1976 White Center, 1950 En su obra madura, Rothko abandonó una referencia específica a la naturaleza para pintar imágenes con asociaciones universales. Por la década de 1940, que había desarrollado un estilo brumoso, rectángulos flotantes dentro de un formato vertical. Explicó que estas formas 'no tienen ninguna asociación directa con cualquier experiencia visible en particular, pero en ellas se reconoce el principio y la pasión de organismos'. (definición de organismo: ser vivo) DAVID HOCKNEY Andy Warhol es considerado el gran maestro del kitsch del siglo XX. Su obra incorpora lo kitsch dentro del arte. Al hacerlo de manera deliberada lo transforma en una parodia sofisticada. Liz Nº 5 ¿Qué es el Kitsch? El kitsch es un concepto estético y cultural que en su origen ironizaba con la relación arte barato y consumismo: hoy designa la inadecuación estética en general y permite comprender en gran medida las formas de la cultura y el arte contemporáneos, llenos de producciones alternativas que se relacionan constantemente con el kitsch promoviendo efectos baratos, sentimentales y muchas veces dirigidos para el consumo masivo. La palabra kitsch, se origina en la Alemania del S XIX y define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto. La palabra alemana kitsch está asociada al verbo kitschen, que significaba ‘barrer mugre de la calle’. El kitsch apelaba a un gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Múnich que pensaba, como muchos nuevos ricos, que podían alcanzar el estatus que envidiaban a la clase tradicional de las élites culturales, copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales. Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido con mala factura, y llegó a significar más la identificación del consumidor con un nuevo estatus social que una respuesta estética genuina. El Kitsch en Argentina El artista y mecenas checo-argentino Federico Jorge Klemm dedicó uno de los programas de su ciclo "El Banquete Telemático" a teorizar sobre el kitsch. El programa se denominó "Kultura Kitsch", fue emitido por la señal de cable Canal (Á) y conducido por Klemm junto al crítico y teórico Charlie Espartaco. Klemm considera que el sentido original del término, como sinónimo de mal gusto, se ha desplazado hacia el de "una categoría estética de nuestra contemporaneidad que no tiene que ver con una sistematización del mal gusto, sino con una exacerbación de lo artificial y lo desmesurado” De esta forma, señala al kitsch como una actitud estética que pone en duda el gusto, como estado del momento actual. Tal vez como una referencia tácita a su propia obra, Klemm sostiene que "cuando se dice que una obra ronda el kitsch es como cuando se dice que ronda la genialidad o la grandeza". Klemm menciona explícitamente al film protagonizado por la actriz argentina Isabel Sarli, La Dama Regresa, como un ícono kitsch de la cultura argentina. Como artista, Federico Klemm realizó retratos de personajes como Susana Giménez, Mirtha Legrand o María Amalia Lacroze de Fortabat, de lo que puede deducirse cierto interés del autor en dichos personajes como íconos del kitsch argentino. Girl in Window, 1963. Still Life with Crystal Bowl, 1972. DAVID HOCKNEY Portrait of Nick Wilder , 1966. Pearblossom Highway, 11th-18th April 1986, photographic collage. Hockney es amigo de la fotografía y lo tecnológico. Esto es porque un verdadero artista, como es Hockney, no se deja amedrentar por la ridícula pelea entre lo artesanal y lo mecánico, su obra supera tales trivialidades. ARTE CONCEPTUAL JOSEPH BEUYS JOSEPH KOSUTH Desde mediados de los sesenta hasta mediados de los setenta se produce un fenómeno completamente novedoso en el mundo del arte, se cambia el uso de los materiales por el de las ideas. Algo ya introducido en los años 20 por los "ready-made" de Duchamp. Más que un movimiento, es un marco de trabajo, abierto a todo y extremadamente variado en la gama de tendencias que van desde lo escultórico hasta el peformance art (acciones), land art (intervenciones en la naturaleza), etc. Transmitidas a través de propuestas por escrito, fotografías, documentos, planos, mapas, película o vídeo, sirviéndose del propio cuerpo del artista, y, sobre todo, por medio del lenguaje mismo. Se renuncia al artículo de lujo único, permanente y portátil (y por tanto vendible): el tradicional objeto de arte, el lenguaje y las ideas-conceptos son la verdadera esencia del arte por lo que la experiencia plástica y el deleite de los sentidos pasan a ser elementos secundarios o incluso inexistentes. El arte conceptual fue probablemente el más amplio, el de crecimiento más acelerado y más genuinamente internacional de todos los movimientos artísticos del siglo XX. Un pluralismo estilísticamente tolerante al que se ha calificado como posmodernidad, una época en la que los artistas jóvenes de todos los medios parecen preocuparse por la imagen y su significado, la propia existencia y su introspección, la política, el sexo, la identidad de género, el medio ambiente, la economía, la cultura popular, las migraciones... La idea es la obra en sí misma. Arte conceptual Definición: Tendencia artística aparecida hacia 1965, que se aparta del concepto tradicional de creatividad y que, mediante la reducción de lo objetivo, tiende a un análisis sistemático de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema. La idea está por sobre la materia, "las puras ideas pueden ser obras de arte". Los procesos ideológicos que realiza el artista son accesibles al espectador gracias a textos, diagramas y fotografías circunscritos a la obra, en los que se define el sentido de ésta. El arte conceptual, como vemos, se aparta de la concepción tradicional de creatividad y, mediante la reducción de lo objetivo, tiende a un análisis sistemático de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema. Ideología El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra de arte no es dueña de nadie. “el arte es, de hecho, la definición del arte” Joseph Kosuth 1945 Nació en Ohio, EEUU, y se formó en Nueva York. Rápidamente se convierte en un referente importante del Arte Conceptual y afirma que Duchamp es el verdadero creador de la revolución artística en cuanto al paso de la apariencia al concepto en la obra de arte. “La idea es la obra en sí misma” Cuatro colores Kosuth enuncia el principio de que una obra de arte es una tautología (es una afirmación obvia, vacía o redundante; es la repetición de un pensamiento expresado de distintas maneras), llegando a expresar que “el arte es, de hecho, la definición del arte”. Aborda el tema artístico como un problema filosófico y lingüísitco. Una y tres sillas Esta obra consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de la silla Y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista busca que el público conteste en cual de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la represenatción o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos? Box, Cube, Empty, Clear, Glass – a Description El proceso mental para llegar a un resultado artístico es lo más importante del hecho artístico, la idea es más importante que su formalización, el proyecto más que el producto. Una y tres lámparas Dice Kosuth que “una obra de arte es una tautología por ser una presentación de las intenciones del artista; es decir, el artista nos está diciendo que aquella obra concreta de arte es arte, lo cual significa que es una definición del arte”. Five Fives Neón Uno y ocho “todo ser humano es un artista” Joseph Beuys 1921 - 1986 Es considerado uno de los artistas alemanes mas influyentes de la segunda mitad del Siglo XX. Trabajó con varios medios y técnicas como la escultura, la performance, el happening y la instalación. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Dusseldorf, donde se graduó y en la cual fue profesor de escultura. Llegó a ser uno de los miembros más siginificativos y famosos del grupo neodadá FLUXUS. Plight (Situación grave) Infiltración Action Piece, Tate Gallery La grasa y el fieltro Sus materiales preferidos fueron la grasa y el fieltro. Lo que a primera vista puede parecer arbitrario, en realidad no lo es. En 1943, su avión Stuka es derribado sobre Crimea. Beuys sufre graves heridas, pero vive. Un grupo de nómadas tártaros lo encuentra, inconsciente, y lo salva de la muerte segura untando sus heridas con grasa animal y protegiéndolo del frío con fieltro: una experiencia que marcaría el resto de su vida, como relata en su autobiografía. Terremoto En torno a 1960 sus piezas quedan definidas por la utilización de materiales Como el cobre, la madera, el fieltro, la grasa, el hueso, etc, en una dialéctica que se articula entre lo rígido y lo maleable, lo preciso y lo flexible, lo didáctico y lo espontáneo. Beuys es el heredero directo de toda la tradición del idealismo y del arte Romántico del Centro y el Norte de Europa. A través de su discurso, reclama la socialización antropológica del arte, ya que según Él cualquiera puede ser artista. Para Beuys, "todo ser humano es un artista", y cada acción, una obra de arte. Con esa concepción ampliada del arte despertó revuelo y desató debates en todo el mundo. Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eternidad, sino dar impulsos para la reflexión. I Like America And América Likes me Beuys desarrolla una obra enormemente compleja de marcado carácter conceptual cuyos numerosos performances y happening, realizados entre 1963 y 1974 ejercerán una influencia decisiva sobre el arte occidental producido en los últimos años. The Pack 7000 oaks Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eterm¡nidad, sino dar impulsos para la reflexion. Durante la Documenta VII de Kassel, en 1982, Beuys realiza "Transformación" y "7000 robles", proyecto de enorme éxito, en cuyo marco quiere plantar 7000 árboles. Como en muchas otras instalaciones de Beuys, la obra hace coexistir dos texturas muy diferentes. En este caso, el árbol y el bloque de basalto. Gracias a los robles, la escultura se inserta en el ambiente, altera el espacio urbanístico –fue necesario diseñar dónde habrían de sembrarse- y se convierte en parte de la naturaleza. Gracias a las piezas de basalto, se conserva el evento como monumento. Las pequeñas columnas recuerdan la acción de Beuys, implican la idea de estar en presencia de una obra de arte e invitan a contemplar de un modo diferente el entorno. Sobre todo, los bloques de piedra funcionan como marcas que intentan propagar la conciencia sobre la necesidad de la repoblación forestal. ARTE JOVEN SIGLO XXI Argentina: Leandro Erlich Chile: Camila Ramirez G. Leandro Erlich Leandro Erlich nació en Buenos Aires, Argentina , en 1973. Un arquitecto de lo incierto, Erlich crea espacios con fronteras fluidas e inestables . Antes de que uno trate de dar sentido a sus esculturas e instalaciones, se percibe lo siniestro. Un cambio simple ( arriba es abajo, no está en el interior) puede ser suficiente para alterar la situación aparentemente normal, el colapso y la exposición de nuestra realidad como falsificaciones. A través de esta transgresión de límites, el artista cuestiona determinados absolutos y las instituciones que los refuerzan . Leandro Erlich se inspira en su antecesor argentino literaria, Jorge Luis Borges, pero las referencias al mundo de la película también aparecen con frecuencia en su obra; Erlich no oculta su admiración por directores como Alfred Hitchcock, Roman Polanski, Luis Buñuel y David Lynch, a quien , según él, “han utilizado el diario como un escenario para la creación de un mundo ficticio obtenido a través de la subversión psicológica de los espacios cotidianos.” Las obras de Erlich se incluyen en varias colecciones públicas y privadas como el Museo de Arte Moderno , Buenos Aires, Argentina; el Museo de Bellas Artes de Houston; Tate Modern, Londres, Inglaterra; Musée d'Art Moderne, París, Francia; Museo del Siglo 21 de Arte Contemporáneo de Kanazawa, Japón; MACRO, Roma, Italia; El Museo de Israel, Jerusalén, Israel ; y el Fonds National d' Art Contemporain ( FNAC ), París , Francia. Erlich vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina . http://www.leandroerlich.com.ar/ El arte del argentino Leandro Erlich es de esos que te deja sin palabras. Sus instalaciones se convierten en un continuo cuestionamiento de la realidad cotidiana y de sus límites a través de efectos ópticos y otro tipo de simulaciones en las que manipula espacios y situaciones, conformando su propia realidad. Como frecuentemente las obras de Erlich exigen la interacción del público, que tiene que entrar dentro de la obra e interaccionar con ella, es como si entraras en una nueva realidad con unas reglas completamente distintas. Así consigue Erlich que el público quede completamente integrado dentro de su obra. Toilette de Leandro Erlich Una de las obras más increíbles de Erlich es Swimming Pool, instalada de forma permanente en el 21st Century Museum or Art en Kanzawa, Japón. Se trata de una piscina aparentemente normal, llena de agua, pero si miramos dentro veremos que en el fondo hay personas completamente vestidas caminando con total normalidad. Efectivamente, el público puede entrar dentro de la piscina bajando por una escalerilla habilitada para tal efecto y pasear por el fondo manteniéndose totalmente seco. Al levantar la vista el efecto de la visión borrosa es completo. El truco, una vez más, no tiene mucho misterio: existe una lámina de vidrio sobre la que circula en agua en la parte superior de la piscina. STUCK ELEVATOR (2011) EL AVIÓN, 2011. CAMILA RAMIREZ G. http://camilaramirezg.tumblr.com/ CAMILA RAMIREZ G. Camila Ramírez Gajardo, artista visual. Nace en Antofagasta, Chile en 1988. Es Licenciada en Arte de la Universidad Diego Portales y candidata a Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Silla Comunitaria, 2009 Madera, melamina y fierro. 120 x 80 x 35 cm Un objeto comunitario es la materialización de un cuerpo social. En Silla Comunitaria se utiliza la estructura formal y simbólica de una silla universitaria personal para desplazarla a la simbiosis de sus dos iguales. La memoria de cuerpos sincronizados que intentan hacer uso de esta silla y un objeto que podría, en su real función, ser fragmentado en tres partes, recogen la idea de una masa uniforme compuesta por cierta cantidad de personas que se someten a un mismo fin o a un mismo deber. CUERPOS DE OBRA, 2012 Museo de Arte Contemporáneo Quinta Normal, Santiago de Chile. Cuerpos de Obra es un proyecto en relación al imaginario social de un colectivo. Los cuerpos se instalan coreográficamente en las obras, creando un diálogo de definiciones que la misma palabra concede: obra como producto de goce conferido desde el arte y obra como la labor remunerada de un grupo de personas coordinadas por el deber. Los objetos que aquí se proponen tienen origen en el mundo del trabajo, activados y dependientes de la presencia física y simbólica de los cuerpos usuarios. Son imaginarios de una comunidad que formulan la transformación de objetos individuales a objetos colectivos, reconociendo la utopía sintomática del sistema ideológico que soportan. Martillo Comunitario, 2012. Madera y fierro 54 x 54 x 05 cm Carretilla Comunitaria, 2012 Metal y ruedas 210 x 150 x 100 cm Unión Popular, 2012 6 herramientas intervenidas sobre mesas de madera Medidas variables Un millón de empleos Edición 2012 Video loop. Tres proyecciones sobre el muro 1 millón de empleos registra una escultura social organizada desde el objeto. La obra instala una mirada sobre los sistemas de dominación que nacen desde la lógica del trabajo remunerado y la mano de obra, poniendo en tensión los conceptos de jerarquización, poder y hegemonía. El titulo de la obra responde a la necesidad, planteada como promesa presidencial, de generar empleos urgentes y forzados por la cesantía, los que finalmente concluyen en un absurdo quehacer. https://www.youtube.com/watch?v=KQg4VRha2AE Desarmes (2009) Video one show 03:33 min. Texto original: La Ciudad, Gonzálo Millán Como primera imagen, la bandera apela al símbolo patrio más reconocible y significante del país. La confección en lana, tanto como la voz en off insertan al sujeto productor de la obra como soporte objetual y representativo del video. Una construcción de nuevas lecturas e imaginarios a partir de lo performático del gesto, de la acción creadora y destructora del mismo objeto por manos de la autora, de un texto apropiado desde el código íntimo, desde el habla personal. La descomposición, la desintegración del objeto bandera son las acciones que se vinculan al concepto de vaciar, del restar, del fragmentar un país en cierta parte de la historia. Esta imagen se justifica dentro del marco contextual y simbólico del texto apropiado, el prefijo “des” como gesto de la sustracción, del quitar, del deshacer como poética de un país herido y marcado en años de dictadura.La obra adquiere un ritmo propio, subjetivo, donde el habla, la acción y la posproducción van envolviéndose de un tiempo lento, de una cadencia que liquida al objeto por acción de la autora.