el manierismo. - arteenelvalle

I.E.S. Valle del Ambroz. Historia del Arte, 2º Bachillerato,
Manuel Torres Zapata,
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EL MANIERISMO.
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En el desarrollo del Arte en Italia se conoce como Manierismo al estilo, fundamentalmente
pictórico que aparece a partir de 1520, año del fallecimiento de Rafael, por lo tanto final del
periodo más clásico y academicista del Renacimiento italiano. Otra fecha simbólica para el
comienzo del manierismo es 1527, con el saqueo de Roma por las tropas de Carlos V, y el final
del esplendor papal de comienzos del siglo XVI. Hasta bien entrado el siglo XIX la consideración
de la crítica hacia el manierismo fue bastante despectiva, considerándolo una degeneración de las
formas clasicistas del primer Cinquecento, una “maniera”, entendida como una exageración
estilística de las formas originales, estereotipando las formas, repitiendo los recursos estéticos
El término manierismo se aplica la estilo empleado por algunos escultores de finales del
siglo XVI, que trabajaban a la "maniera" de Míguel Ángel, es decir que seguían las tendencias
marcadas por él. Así pues asistimos en este momento a un exageramiento de las actitudes y del
colosalismo miguelangelesco, las composiciones se hacen más complicadas empezando a
generalizarse el empleo de líneas onduladas, la llamada línea serpentinata
En un sentido estricto podríamos considerar las obras finales de Miguel Ángel como un
protomanierismo, puesto que en ejemplos como las tumbas de los Medicci en Florencia, iniciadas
en 1520 y acabadas en 1532 ya nos encontrábamos ese tendencia a la distorsión, al escorzo
violento, aspectos que vemos también en obras inacabadas como la “Piedad Rondanini”; en
pintura son frescos del Jucio Final la Capilla Sixtina los que marcan el cambio de tendencia,
buscando resultados más efectistas,
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El Manierismo se desarrolla en los ambientes refinados e intelectuales de las cortes
italianas, de Venecia, Ferrara, Florencia. Se toma como modelo las obras de los maestros
anteriores, exagerando el gesto, el colosalismo de Miguel Ángel, aunque no siempre consiguiendo
los mismos resultados dramáticos. Se trata de buscar la originalidad los sorprendente y los
llamativo, comenzando un camino que acabará en el gusto dramático y teatral del Barroco.
1-. Arquitectura manierista
A mediados del siglo XVI se ha
llegado a la cumbre del lenguaje
renacentista. Y es en este momento
cuando se teme un declive de las artes,
en realidad no se produce ningún cambio
conceptual ni estructural, si acaso una
mayor profusión de elementos
arquitectónicos, pero empleados ahora
con sentido decorativo o una ligera
tendencia a plantas más variadas. Dentro
de este periodo entrar arquitectos y
tratadistas como Vignola (15071573) ,
discípulo de Miguel Ángel, fue el que
acabó la cúpula de San Pedro cuando
muere aquel. Vignola se inspira en los
ideales religiosos de la Contrarreforma y
en el espíritu de las nuevas órdenes
religiosas para proyectar un nuevo modelo
de iglesia. El edificio donde lo plasmo es la iglesia de Il Gesú (1568) en Roma, se compone de
nave única con capillas entre contrafuertes y cúpula en el crucero ( inspirada en San Andrés de
Mantua), las capillas están comunicadas entre si, con lo que se forman gruesos pilares cuadrados
la zona de las capillas permanece en la penumbra, y la atención se centra en la cabecera
iluminada fuertemente por la cúpula, en estas iglesias se pueden celebrar varias misas
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simultáneamente y se instala un púlpito desde donde el
predicador da su sermón. En la fachada su diseño no fue
aceptado y se construye el de Gíacomo della Porta,
inspirado en Santa María Novella pero con un tratamiento
mucho más dinámico y donde el equilibrio típico del
Renacimiento ya está muy matizado. Generalmente esta
iglesia se considera como el punto final del Renacimiento o el
inicio de una nueva sensibilidad que tendrá mucha
repercusión en el Barroco.
De esta misma época, pero trabajando en la zona veneciana
es Andrea Palladio (15081580),
uno de los grandes
arquitectos del siglo XVI y que mayor influencia posterior tuvo, sobre todo en el siglo XIX cuando
se tomó como modelo para un revival historicista. se formó en Roma con las obras de Bramante,
Sangallo y Miguel Ángel. En Vicenza construye el Teatro Olímpico un magnifico ejemplo de
arquitectura ilusionista, la Villa Rotonda de Vicenza, o la Basílica. Característico de Palladio es el
empleo del orden gigante y del llamado vano palladiano. En Venecia construye la iglesia del
Redentor y San Giorgio Maggiore. La villa Rotondo es un gran ejemplo del gusto de la aristocracia
veneciana por construir villa lejos de la ciudad y de sus canales; de planta centralizada, combina
un exterior cuadrado con un patio circular, tomado del Panteón de Adriano, a cada lado del
cuadrado las fachadas adoptan la forma de templos clásicos romanos, con columnas de orden
jónico, y escalinata de acceso.
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Escultura manierista
De este periodo vamos a destacar a Benvenutto Cellini
(1500-1574), Teórico y experimentado técnico de la escultura y
de la fundición en bronce, así como de la orfebrería o del
esmalte, sobre los cuales escribió sendos tratados. En este
terreno de la orfebrería, que parece se el preferido por Cellini
destaca el salero de Francisco I, adopta la forma de una fuente,
en cuyo borde se colocan las figuras de oro de Neptuno que
como dios del mar proporciona la sal y de la diosa Telus, la
diosa terrestre que proporciona la pimienta. Su obra más
famosa puede ser el "Perseo con la cabeza de Medusa" de
Florencia, de 1554, es una de las cimas expresivas del
Manierismo maduro en el que se anticipan alguno de los
elementos propios de las
representaciones barrocas; el
brazo levantado mostrando la
cabeza de Medusa y el el filo
de la espada rompen la el
espacio y la idea de único plano principal.
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Junto a Cellini es Juan de Bolonia
quien mejor describe lo que es el
manierismo Aunque su origen es
francoflamenco, toda su obra la realiza en
Italia y dentro de los cánones estéticos
italianos.Trabaja tanto el mármol como el
bronce, incluso a escala reducida. Su
estilo es de lo más dinámico del
momento, buscando composiciones
inestable y que den la sensación de
inestabilidad. Domino como pocos la línea
serpentinata, que toda a las figuras de un
gran movimiento helicoidal. Una de las
obras en la que mejor demostramos está
característica es en El rapto de la Sabinas
(1581) , una contorsión de las figuras que
dibujan una ascensión helicoidal con
múltiples puntos de vista; En el "Mercurio" logra posiblemente la
más bella expresión del ideal manierista, es una composición de
líneas muy abiertas, con un enorme dinamismo e inestabilidad, ya
que sólo apoya en un único
punto.
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3-. Pintura manierista.
Predominan en el manierismo las formas curvas,
ondulantes, la línea serpentinata del escultor Gian
Gologna, según el ejemplo del Laocoonte y su influencia
en el arte del Cinquecento. Los escorzos se llevan al
extremo produciendo formas incomodas y rebuscadas, en
cierta medida antinaturales. Las composiciones se
vuelven inestables, desequilibradas, asimétricas,
podemos encontrar que todas las figuras se agolpan en
un pequeño espacio del cuadro, mientras otros quedan
completamente despejados. Se impone lo dinámico,
figuras en inestable equilibrio, sujetas tan sólo por la
punta de pies.
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El tratamiento de la anatomía se hace extremo, o
gigantes al estilo miguelangelesco de poderosa
musculatura, o cuerpos delicados y frágiles en actitudes
afectadas.
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Respecto al color, nos encontramos con una total
libertad en la utilización de la paleta, buscando contrastes
llamativos, tonalidades y matices originales e irisados. En
muchos casos interesa más el valor puramente decorativo
del cuadro,
El objetivo es buscar lo
novedoso lo que sorprenda al
espectador. No sólo se busca
esa sorpresa con las formas
extravagantes, sino que también se intenta conseguir a través del
propio contenido de la obra, a menudo complejo, lleno de símbolos y
significados difíciles de descifrar para el neófito. .
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Será en Roma y en Florencia la dos ciudades donde las
lecciones escultóricas e pictóricas de Miguel Ángel tendrán mas
repercusiones inicialmente y donde aparecen los primeros pintores
propiamente manieristas, sobre todo en la segunda, ya que Roma
tardará un tiempo en recuperarse de la crisis que supuso el sacco de
1527.!
De una primera generación de pintores manieristas hay que
destacar a Pontorno (1494-1537), composiciones onduladas y
asimétricas, cuadros luminosos, escenas dramáticas, posiblemente su
cuadro más conocidos sea el Descendimiento de la iglesia de Santa
Felicia en Florencia (1526-1528), en el que los cuellos se alargan, el
canon se estiliza, el ritmo de la composición se hace mas sinuoso ,
busca el refinamiento del gesto y del color para potenciar el efecto
dramático de los rostros.
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Aún más extremo en su distorsión de la figura para conseguir los efectos manieristas es el
estilo de Parmiggiano (1503-1540) con su “Madonna del cuello largo”, una cuadro lleno de
manierismo, las formas intencionadamente alargadas de las extremidades, el contraste cromático,
las figuras agolpadas en un lateral del lienzo, o el movimiento deslizante del niño en el regazo de
la madre.!
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Bronzino ( 1503-1570) es
posiblemente uno de los pintores
más importantes de Italia en la
segunda mitad del siglo XVI, y
uno de los que empieza a señalar
la evolución hacia el Barroco; se
formó en el taller de Pontorno,
tiene un estilo más contenido y
distante que el resto, con una
fuerte carga intelectual y
simbólica en sus cuadros. Se
centra en retratos de la familia de
los Medici, sobre todo de Cosme I
y de su esposa Leonor de Toledo;
para este ambiento cortesano realizó también
importantes pinturas de tema mitológico como “Venus
abrazada por Cupido” todo un paradigma de los
principios estéticos y filosóficos de la minoría intelectual
del siglo XVI, tanto en el tipo de composición y distorsión
forma, como por el fin de expresar contenidos morales a
través de unos formas profundamente eróticas. Esta
pintura ha recibido títulos diversos: "Venus, Cupido, la
Locura y el Tiempo", "El Placer y el Juego" o, simplemente, "Alegoría", lo que indica que se
desconoce la clave para descifrar su exacto significado. La composición muestra en el centro a
Venus, la diosa pagana del amor, desnuda; sostiene con su mano derecha una de las flechas de
Cupido y con la izquierda una manzana de oro. Su hijo, el joven Cupido alado, la abraza de una
forma muy sugestiva y erótica: besándola en la boca abrazándola por el pecho y la cabeza. A la
derecha del grupo central encontramos un niño con cara de felicidad que, según los expertos,
representa el Placer: es un "putto" que se dispone a tirar un manojo de rosas; esta figura infantil
lleva cascabeles en los tobillos y ha pisado un haz de espinas con el pie derecho. Le sigue una
extraña joven vestida de verde que deja entrever bajo el vestido un cuerpo en forma de serpiente
enroscada. Probablemente simboliza el Engaño, una calidad desagradable -de aspecto
encantador, pero detestable bajo la superficie- que suele acompañar al Amor. A la izquierda del
grupo central, recortado por el perfil del cuerpo y de la ala de Cupido, aparece un personaje que
se arranca los cabellos con las manos, y tiene un rostro crispado por una horrible mueca .
Representa los Celos, esta mezcla de envidia y desesperación que también a menudo acompaña
al Amor. Las dos figuras principales se encuentran sobre un fondo compuesto por una tela azul y
un cojín de seda roja, detrás del cual aparecen, en la parte superior, dos figuras levantando una
cortina que, por lo que parece, escondía la escena. El hombre es el Padre Tiempo, tiene alas y
lleva su simbólico reloj de arena. Es el Tiempo, quien advierte sobre las múltiples complicaciones
que acechan al tipo de amor lujurioso aquí representado. La mujer de perfil situada delante de él a
la izquierda, que por el hieratismo de su rostro parece llevar una máscara similar a las que se
encuentran a los pies de Venus, se interpreta como la Verdad; es quien desenmascara la difícil
situación de terrores y placeres que, inevitablemente, conllevan los dones de Venus.
Ha sido interpretado sucesivamente, como símbolo de la mentira y de los celos. Según
Vasari, el cuadro representa la seducción de Venus por Cupido, con la comparecencia del Placer y
la Burla -a la derecha-, y la Hipocresía y los Celos. Para los historiadores contemporáneos, el
cuadro tienen que tomarse como símbolo de que el placer que produce el Amor se convierte con
el tiempo en celos y desesperación. También se ha sugerido que representa la sumisión de
Cupido a Venus, en presencia de las fuerzas que rigen la vida. El cuadro comunica, por lo tanto,
una máxima moral: que los celos y el engaño pueden ser los acompañantes del Amor, de la
misma manera que lo es el Placer. Sin embargo, este mensaje moral no nos llega directamente,
sino mediante una compleja alegoría que utiliza el sistema de las personificaciones. El objetivo de
esta pintura no era describir lúcidamente una historia para los iletrados, sino intrigar a un público
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muy erudito y, en cierta manera, jugar con él. La obra fue ejecutada para el Gran Duque de
Toscana y éste lo regaló a Francisco I rey de Francia. Era, por tanto, una pintura pensada para
entretener y edificar a una minoría cultivada.
En Roma podemos mencionar a pintores como Giulio Romano, o Antonio Bazzi, il
Sodoma, o Sebastiano del Piombo llegado desde Venecia.
En Parma se forma otra escuela importante de pintores manierista, gracias al mecenazgo
de la familia Este, en la que destaca sobre todos los demás Corregio, se formó en Roma, aunque
no también viajó por otras cortes italianas. Hace pinturas religiosas sin demasiado sentido
dramático ni crueldad en los temas. Los temas mitológicos son blandos y sensuales, con
insinuantes desnudos, muchos de ellos centrados en el tema de las metamórfosis ( Danae, Leda,
Ganímedes...) No practica un manierismo tan elaborado como el de otros seguidores de Miguel
Ángel. De su producción podemos mencionar “Noli me tangere” de entre las pinturas religiosas, o
Danae o Ganímedes de las mitológicas.
Finalmente podemos mencionar a otros autores manieristas como Lorenzo Lotto, que
trabaja en el Venetto, aunque no demasiado en la propia Venecia.
Fuera de Italia el éxito del manierismo fue irregular, destaca en Francia la Escuela de
Fontainebleau, con el mecenazgo de Francesco I , que llevó a Francia a pintores como Andrea del
Sarto, actividad que se prolonga en el reinado de Enrique IV, abundan los desnudos femeninos,
en ambientes cortesanos y de fuerte erotismo, incluso en los retratos.
En Alemania un caso curioso es de Archimboldo (1527-1593), pintor de bodegones y
retratos, en sus cuadros los distintos objetos que formarían un
bodegón se disponen de tal manera de forman el rostro del retrato,
un juego de confusión y de falsas apariencias que es muy típico del
manierismo final y del barroco.